Изобразительное искусство (ИЗО) Шпаргалка
Работа добавлена на сайт samzan.net:
ИЗО рассчитано на зрительное восприятие и воспроизводит окружающий мир на плоскости : живопись, графика; и в пространстве : скульптура, архитектура.
Архитектура тогда рассматривается как вид ИЗО, когда в архитектурном произведении доминирует художественное начало, а не утилитарное значение.
ЖАНРЫ: (Деление ИЗО на жанры применимо только к традиционному искусству)
- Самым распространенным жанром ИЗО является бытовой жанр, который подразумевает изображение современной художнику действительности («Бурлаки на Волге»)
Т.к. произведений бытового жанра очень много, термин «бытовой» опускается. ЖАНРОВЫЙ
- Исторический. Изображение исторических фактов, событий, конкретных лиц, определенный исторический процесс.
- Мифологический. Произведения на библейские темы, предания, сказания. («Явление Христа народу»)
- Батальный. Изображение войны и военных действий. (« Апафеоз войны», Торжество Тамерлана»)
- Портретный. Изображение человека.
- По типу изображения( авто-, индивидуальный, групповой)
- По отношению художника(парадный, камерный, интимный, психологический)
- Пейзажный. Изображение природы:
- Морина(изображение моря)
- Ведута( архитектурный пейзаж(городской))
- Натюрморт. От франц. – «мертвая природа». Изображение предметной среды.
- Анималистический. Изображение животных
ФОРМЫ ИЗО:
- Станковая – произведения ИЗО предназначенные для экспонирования.
- Монументальная – связь между видам ИЗО.( произведения большого формата, создаваемые в согласовании с архитектурной или естественной природной средой, композиционным единением и взаимодействием с которыми они сами приобретают идейно-образную завершённость, и сообщают таковую же окружению.)
- Декоративная – произведения предназначаются для украшения.
- Монументально- декоративная
ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА- художественные приемы, при помощи которых автор передает свое отношение к миру и идею своего произведения.
1)Колорит – создание цветовой гаммы, сочетание цветовых пятен:
- Тональный сочетание либо только темных, либо только светлых тонов
- Контрастный сочетание теплых и холодных
Если колорит является ведущим выразительным средством в живописи, то композиция является универсальным выр. ср. во всех видах искусств.
Композиция – насыщение пространства холста
2) Светотень - градация светлого и темного, соотношение света на форме. Светотень является одним из средств композиционного построения и выражения замысла произведения. Благодаря светотени зрительно воспринимаются и передаются в произведении пластические особенности натуры. В натуре характер светотени зависит от особенностей формы и материала предмета. В произведениях искусства светотень подчиняется общему тональному решению. Градация светотени: свет, тень, полутень, рефлекс, блик.
3) Пластичность- соотношение объемных масс, направленное на достижение динамики скульптурного образа.
Ведущим выразительным средством графики является линия.
Графика – рисунок, плакат, гравюра, карикатура.
Выразительные средства одного вида искусства могут использоваться мастерами других видов иск., при этом за каждым видом иск. Сохраняется свой набор специфических средств выражения.
- Искусство Древней Руси
Первым христианским государством была Киевская Русь.
В Киев из Византии приезжали ремесленники и т.д.
Первым храмом стала Десятинная церковь 988г. Не сохранилась.
1037- Софийский собор был построен под руководством Византийских мастеров из белого камня. 13 куполов (12 апостолов+ Христос)
В главном куполе изображен Христос Пантократор( Вседержитель). С небес взирает на землю. Ниже Архангелы, апостолы, евангелисты. В апсиде – Аранта ( Богоматерь) Украшен фресками и мозаиками.
В главном храме Киевской Руси присутствуют не только фрески на религиозные сюжеты, но и светские мотивы.
Киево- Печорская лавра – место где человек отдаляется от мирской суеты.
Золотые ворота – торжественный въезд в Киев
Киево-Печерская лавра - место, куда человек удаляется от мирской суеты. крестово-купольный тип храма. Эта церковь только для монахов, в отличии от софийского собора – куда мог прийти каждый.
Со второй половины 12 века Киев теряет свою мощь центра, ибо наступает эпоха феодальной раздробленности. 2 пол 12 – конец 14 века – мы не можем назвать какой-то один главный центр русского искусства, т.к. несколько княжеств. Мы останавливаемся на 2 княжествах – Новгородском и Владимиро-Суздальском.
Новгород сначала был княжеством. В 1045г. Был заложен Софийский Собор в Новгороде. Отличия от Киевского – 5 куполов. Он меньше, но более суров. Это лишь начало новгородского искусства..
Новгород – город-крепость – и наименее был подвержен татаро-монгольскомуигу.
С 1136 года – Новгород стал республикой – после народного восстания, все вопросы решались на вече.
Демократизм общественной жизни Новгорода отразился и в искусстве.
Кол-во церквей на душу населения: в Новгороде их больше. Но большинство новгородских храмов до него не дошло.
60-ые гг 12 века – Георгиевский собор в Старой Ладоге.
1198-99 годы – церковь Спаса на реке Нередице - заложена и освещена.
Новгородское искусство пережило 2 периода расцвета:
- Вторая половина ХII- начало XIII – Новгородская архитектура
- Вторая половина XVI – начало XV – Расцвет фресковой живописи и иконописи. Вершина – работа в Новгороде Феофана Грека.
Особенности новгородской художественной школы:
- она отмечена демократизмом образов святых (фрески сохранились немногочисленно в церкви Спаса-Нередицы – фреска с изображение бедняка Лазаря в раю, и богатого чел-ка в гиене огненной – «Господи, пошли Лазаря, чтобы он остудил пыл мой»)
- контрастный колорит ( в Киеве – тональный).
Данные особенности были развиты Феофаном Греком (1350-1410) – первое место, куда прибыл Феофан Грек – был Новгород. Он расписал в 1378 году, заложенный в 1374, церковь Спаса на Ильине. Работы были посвящены мученикам за веру.
Макарий Египетский – считается лучшей фреской в этой церкви – он ужаснулся мерзости существовавшей в мире – разгульной жизни – и решил начать с себя. Увидел – что сестры воспитывают детей от братьев – не выдержал и умер… Ему нужно было передать бесплотность Макария – дух пересилил плоть. (на темный фон наносит белильные мазки, в результате мы не видим лица, а только лик) перед нами дух.
Владимиро-суздальское искусство
Рассвет искусства – 2 половина 12 - начало 13 века. Эпоха княжения Андрея Боголюбского и его брата Всеволода Большое Гнездо.
Главный храм - Успенский собор во Владимире. Главный храм всея Руси (до постройки Успенского кремля 1475-79) считался Успенский собор во Владимире.
Главная икона – Владимирская Богоматерь (Пришла на Русь из Византии в 12 веке). Золотой фон – говорит о небесном начале. Написана по канону умиления. Оригинал в церкви при Третьяковской галерее.
В 1165 г под Владимиром была построена Церковь Покрова на реке Нерли – самая поэтичная церковь. Построена в честь нападения племени на Владимир волжских булгар – событии двояком - в этой битве погиб сын князя Андрея, и в честь победы над племенем. Сооружена неизвестными мастерами. В разное время года она созвучна с настроением природы – это поразительное явление.
1194-97 –Дмитриевский собор во Владимире. Церковь Дмитрия Солунского.
Георгиевский собор в Юрьеве-Польском.
Сохранившийся ансамбль в Боголюбове.
Владимиро-Суздальские мастера покрывали наружные стены храмов скульптурным декором(рельефом).
Скульптурный орнамент присутствует только в церкви Покрова на Нерли и Дмитриевском соборе.
Важный персонаж скульптурных рельефов – царь Давид – здесь изображен как псалмо-певец, и не как царь или пастух. Давида слушает вся живая природа, в православных храмах обычно изображались кентавры, грифоны (голова и крылья орла, туловище льва) - это присутствие языческих мотивов в православных храмах.
Андрей Рублев (1360-1430)
В 1380 основатель Троицко-Сергиевской Лавры, Сергий Радонежский благословил князя Дмитрия на бои.
20-е годы XV века – восстановление лавры
Троица или гостеприимство Авраама.
Искусство 17 века
Это переломная эпоха – в 17 веке каноны тормозят развитие искусства, каноны воспринимаются уже как нечто отжившее. Художники действуют методом проб и ошибок.
Искусство 17 века лишается цельности предшествующих эпох.
Ведущей тенденцией развития искусства 17 века является обмирщение – это привнесение светских элементов в религиозное искусство.
Признаки обмирщения:
- усиление декоративности – храмы напоминают терема и лишаются прошлой строгости и гармонии. Эта тенденция появилась еще в середине 16 века – (прим.. храм Василия Блаженного)
Появляется стиль – НАРЫШКИНСКОЕ БАРОККО. Ярчайший пример: Церковь Покрова в Филях.
- фрески как ковры покрывают стены храмов – прим. – Ильинский храм (храм Ильи Пророка) – жатва и чудо – 2 в 1. 2 сюжета не объединены ритмически
- иконопись – в иконах – телесный цвет – пропорции реальны. Это приближено к реальному образу. Церковь к этому относилась, конечно же, отрицательно. «Житие протопопа Аваакума» - строчки о возмущении, что появляются иконы, на которые молиться нельзя.
СИМОН УШАКОВ (1626-1686) – выдающийся иконописец. Он возглавлял иконописную мастерскую при Оружейной палате Московского Кремля.
Главная икона – Симона Ушакова – икона 1668 года – «Похвала Богоматери Володимирской. Насаждение древа государства Московского» - создана для оружейной палаты находится в Третьяковской галерее. В этой иконе предвосхищаются 2 будущих жанра светского искусства – портрет и пейзаж.
Парсуна – (от слова –персона) – последний вид Древнерусского искусства – это переходный этап от иконописи к будущему портретному жанру. Это уже не икона, но еще не портрет.
Что в парсуне от иконы? – нет реальных пропорций человеческого лица, плоскостное решение.
Что сближает с портретом? Здесь не лик Христа, а конкретный человек.
Парсуна – погрудное изображения человека в иконописных формах.
Строгановская школа – самая известная – изображались и цари (иван грозный), вельможи, как умершие так и реально жившие.
Мастера иконописной мастерской в иконописной мастерской
ПАРСУНА. Изображающая кН. Михаила Скопина-Шуйского. Автор неизвестен.
Парсунное письмо впоследствии распространяется по всей России – начало с Москвы.
В 18 веке, когда распространяются светские жанры, продолжают писаться парсуны.
ПАРСУНОЙ ДРЕВНЕРУССКОЕ ИСКУССТВО ЗАВЕРШАЕТСЯ И НАЧИНАЕТСЯ НОВЫЙ ЭТАП
- Искусство 18 века
В 18 ВЕКЕ РУССКАЯ КУЛЬТУРА приобретает светский характер. Процессами развития искусства руководит уже не церковь, а светская власть.
Первый жанр - жанр портрета, что абсолютно логично. Почему? Писались иконы, появились парсуны, а теперь надо переходить к реальным пропорциям человека.
Первые русские портретисты «петровские пенсионеры» - это самоучки, которые проявили к искусству интерес и их отправляют за границу учиться искусству на полном пенсионе (пансионе). Отправляли в Италию, Голландию, Францию. В Италию! ( т.к. Италия сохранила традиции античности - Италия дала миру эпоху барокко, в меньшей степени – в Голландию – она дала миру реалистическое искусство) . По данным ЮНЕСКО – 60% мировых культурных ценностей находятся в Италии. Позже стали ездить во Францию.
Среди первых петровских пенсионеров мы называем Ивана Никитина - 1690-1741 – сын священника, пел в церковном хоре, увлекся математикой и преподавал точные науки в Антилерной (Артиллерийской) школе, потом стал писать – рассвет творчества – на конец 10-ых и 20-ые годы –
Никитин стремился, чтобы характер портретируемого можно было определить.
Наталья Алексеевна – сестра Петра 1.
Портрет царевны Натальи Алексеевны — одно из ранних произведений Никитинa. Наталья Алексеевна (1673 — 1716), сестра Петра 1, была сторонницей всех его реформ. Одна из образованнейших русских женщин своего времени, она содействовала развитию театра в России.
Портрет Анны Петровны
Портрет Анны Петровны, старшей дочери Петра и Екатерины Алексеевны, исполненный Никитиным еще до поездки за границу, действительно давал русскому царю все основания гордиться своим художником. Никитин запечатлел цесаревну Анну в 6-7-летнем возрасте. По моде и по правилам портретного искусства того времени девочка изображена как взрослая: в кокетливой позе, с высокой прической и рассыпанными по плечам длинными черными волосами, в сильно декольтированном голубом платье с крупными золотыми узорами и ярко-красной мантии, подбитой горностаем, свидетельствующей о принадлежности ребенка к царскому роду. Художник не изображает чувства, характер модели, но силой свечения красок, беспокойным движением линий как бы творит ее заново, оживляя материю на наших глазах.
Портрет канцлера Головкина – парадный,
Портрет Головкина принято считать одной из первых работ, выполненных художником по возвращении из Италии. Граф Гаврила Иванович Головкин— вице-канцлер, сподвижник Петра I, особенно преуспел на дипломатическом поприще благодаря свойственной ему ловкости и хитрости. Надпись на обороте портрета гордо сообщает, что «в продолжении канцлерства своего он заключил 72 трактата с разными правительствами».
Приковывает к себе внимание лицо Головкина с умным проницательным взглядом и твердой волевой складкой губ; в обрамлении серебристого парика оно выступает из черного пространства фона.
Никитину удалось выразить в этом портрете идеальный образ энергичного государственного деятеля — человека эпохи Петра. В его осанке нет напыщенности, но есть чувство собственного достоинства. Величественная сдержанность позы, андреевская лента и звезда, польский орден Белого Орла в виде креста на голубом банте придают торжественность и значительность.
Портрет напольного гетмана – здесь изображен – парадный – простое лицо
Одной из лучших работ художника не без оснований считают «Портрет напольного гетмана». История написания этого произведения неизвестна, и остается неустановленным имя человека, изображенного на портрете. Основанием для титулования его послужила надпись на обороте холста, толкуемая по-разному: «Гетманъ наполно». Убедительно закрепить за портретируемым имя какого-нибудь исторического деятеля до сих пор никому не удалось. Среди высказанных предположений — имена украинских гетманов Д. Апостола, И. Скоропадского, П. Полуботка, И. Мазепы, а также польско-литовского магната Яна Казимира Сапеги, состоявшего на русской службе и умершего в 1730 году.
Тем не менее, и без дополнительных ассоциаций художественный образ, созданный Никитиным, остается непреходящей художественной ценностью. В портрете впечатляет психологическая яркость облика, выразительность черт лица. Свою роль играют все компоненты, формирующие восприятие зрителя: контрасты светотени, теплый, несколько мрачный колорит, сочетающий коричневые, золотые и розовые, пластичная лепка головы, деталей и складок одежды, наконец, общий характер портрета, лишенного каких-либо признаков парадности и представительности.
Черты интимности придают изображению особую психологическую убедительность, и в этом прежде всего заключено новаторство Никитина, предвосхитившего путь дальнейшего развития русского портретного жанра.
Несколько портретов Петра 1, овальный портрет
Петр 1 на смертном одре
После смерти Петра – он примкнул к оппозиции, ненавидел Бирона - был сослан в Сибирь – при Екатерине – вернулся в Питер – но по дороге в столицу он простудился и умер.
К портретистам 18 века была допущена вопиющая несправедливость – в этом повинны художники-передвижники. Передвижники предполагали, что если художник рисовал только князей, то они лизоблюды.
В парадных портретах художники не скрывали свое отношение к модели( не приукрашивали действительность).
Объединение «мир искусства» - восстановили добрые имена портретистов.
Матвеев (современник Никитина)- работал в Голландии– написал первый автопортрет с женой – первый в русском искусстве «семейный портрет».
А.П. Антропов (1716-1795) расцвет творчества 50-е, 60-е годы 18 века.
Лучшие работы в 50-60 годы – портрет Измайловой (1754,1759) – это первая фрейлина Стацдама – эпоха Елизаветы Петровны.
Ближайшая подруга императрицы Елизаветы Петровны, Измайлова в молодости слыла красавицей, но ко времени создания портрета это была уже стареющая чопорная особа, пользующаяся немалым влиянием при дворе. Без прикрас передал художник грузную фигуру, полное лицо с густо насурьмленными по тогдашней моде бровями и ярким румянцем на щеках. Обращенный к зрителю живой взгляд карих глаз и язвительно поджатые губы выдают сметливый ум и властный характер Измайловой.
Массивная фигура Измайловой помещается на фоне очень темного цвета с зеленым оттенком. Пользуясь такой палитрой, Антропов, однако, придает каждому тону светоносность и глубину, строит объемную форму, которая благодаря резким контрастам сочных красок выглядит исключительно динамичной, как бы заряженной внутренней энергией, прочной и весомой. А эти качества формы сообщают образу характер волевой, смелый, необычайно живой и колоритный, каким и отличалась славившаяся в молодости красотою, обаятельная и умная наперсница Елизаветы.
Портрет Петра 3 в полный рост (1762 год) – формально соблюдены все каноны парадного портрета – перед нами царь-ребенок – уважения модель не вызывает.
Даже в работах, сохранивших характерные черты парадного портрета, Антропов не изменял жизненной правде. Пример тому — большой «Портрет императора Петра III» выполненный художником для Сената.
Написанный в традициях репрезентативного портрета с соответствующей атрибутикой (пышная драпировка, колонна, небрежно наброшенная на трон мантия, корона, скипетр, держава и т. д.), портрет императора не только далек от идеализации, но отмечен предельным сходством с моделью. Внешность Петра III, тщедушного, нескладного, с пустым самодовольным взглядом, явно контрастирует с величественным окружением, ни в коей мере ему не соответствуя.
Во второй половине 18 века наряду с парадным получил развитие камерный портрет. (интимный).Непосредственный взгляд на модель.
Крупнейший мастер камерного портрета– Федор Рокотов (1735(6)-1808(09) - у него есть и парадные портреты. Во всех портретах Рокотова – один прием – полуулыбка (неважно, женский он или мужской), за этим жестом губ скрывается свой душевный мир. ЭТО НЕ ШТАМП.
Портрет неизвестной в розовом
«Таинственные», «загадочные» — такими словами часто описывают женские портреты кисти Ф.С. Рокотова. Это уже давно стало общим местом.
Но вот его «Неизвестная в розовом платье» — очень юная, почти девочка, с острым подбородком и тонкой шеей. Ее фигура и пышные волосы тают в темном пространстве фона; розовые и дымчато-серые оттенки одеяния выписаны с артистизмом — легкой, уверенной и быстрой кистью. Все это сообщает облику модели что-то неуловимо притягательное.
В образе неизвестной наиболее выразительны глаза — узкие, затененные, но такие живые, что перед портретом останавливаешься в желании что-то угадать в этой женщине-подростке, а может быть, в самом себе.(Полуулыбка)
Женские портреты – портрет Струйской, Портрет Александры Струйской, несомненно, самый блестящий образ идеально прекрасной женщины во всей русской портретистике. Изображена обаятельная юная женщина, полная пленительной грации. Изящный овал лица, тонкие летящие брови, легкий румянец и задумчивый, отсутствующий взгляд. В ее глазах – гордость и душевная чистота. Портрет написан переливами цвета и света. Тени неуловимо переходят в свет, пепельно-серые тона перетекают в голубые, а розоватые — в бледно-золотые. Световые переливы и цветовые градации не ощутимы и создают легкую дымку, быть может, какой-то загадки
портрет Суровцевой,
Притягательная сила портрета заключена в одухотворенности и тонкой задушевности образа. Художник создает представление о женской красоте, прежде всего как красоте духовной, полной высокого достоинства и глубины чувств.
Варвара Николаевна Суровцева (Суровцова), урожденная Пашкова. Ее родная сестра Екатерина была замужем за графом Девиером.
потрет Новосильцевой
Гордо откинута голова, смотрит на нас сверху вниз, на губах улыбка.
Не похоже на традиционный парадный портрет, легкие одеяния. Самоуверенность, но в то же время легкая грусть.
Мужские: портрет Майкова,
портрет молодого человека в треуголке.
Крупнейшим русским портретистом 2 половины 18 века, успешно работавшим, как в парадном, так и в камерном портрете, был Дмитрий Григорьевич Левицкий – 1735-1822. Отец- гравер Киево-печорской Лавры.
ДАТА КОТОРУЮ НУЖНО ЗНАТЬ:
В 1757 году в Санкт-Петербурге учреждена Императорская Академия Художеств.
Родом с Украины, первоначальное худ. образование получил у отца – гравёра Киево-Печерской лавры, в Петербурге – в 1757 году – по распоряжению Сената учреждается Императорская академия художеств. 1756 – выходит указ, но вступает в силу он только через год.
1770-ым г г имя Левицкого хорошо известно – в 1773 году получил от самой государыни высокий заказ – на выполнение серии портретов «смолянок» - учениц Смольного института благородных девиц. Смольный – это привилегированное уч заведение, где занимались девочки из знатных родов. Портреты в рост в театральных костюмах
1773-76 г. Г. – левицкий выполнил 7 портретов смолянок в театральных костюмах. лл
1773 год – портрет Нелидовой – лучший из серии Смолянок.– парадный, хотя модель в халате
Изображена в роли служанки - на заднем плане – декорация
Будущая фаворитка императора Павла изображена танцующей менуэт на фоне театральной декорации — пейзажного парка. На 15-летней девушке надет сценический костюм (светло-коричневое, с сероватым отливом, отделанное розовыми лентами платье из упругого шелка, кокетливая соломенная шляпка, украшенная цветами и лентами), один из тех, в которых она выступала в придворных балетах. Полагают, что она изображена в костюме Сербины — очаровательной и остроумной плутовки из оперы Перголези «Служанка-госпожа», её удачному выступлению в этой роли вместе с Борщовой (Пандолфой) посвящены стихи Ржевского и Сумарокова[11]. Поза Нелидовой — секундное мгновение между завершением одного танцевального па и переходу к следующему.
Парный портрет – портрет Хаванской и Хрущевой.
Девочки разыгрывают сцену из комической оперы-пасторали Киампи «Капризы любви, или Нинетта при дворе». Смуглая 10-летняя Хрущова (слева) играет мужскую роль влюбленного пастушка и одета в соответствующий костюм — в институте, где учились одни девочки, она прославилась этим амплуа. «Пастушок» треплет по подбородку свою партнершу жестом опытного волокиты.
Портрет Демидова – известного мецената, промышленника. На его деньги построен Воспитательный дом. Но… почему он в халате?
На портрете в полный рост изображен пожилой человек в роскошном домашнем одеянии. Стоя в свободной позе, левой рукой он облокотился на садовую лейку, стоящую на столе, рядом с которой - луковицы растения и раскрытая книга с изображением цветка, а правой указывает на цветочные горшки и на здание московского Воспитательного дома, изображенное на дальнем плане. В самой композиции, построении картины заключена идея бережного ращения, умелого и разумного воспитания. Цветок распускается в результате долгих и кропотливых усилий человека, который, в свою очередь, становится украшением государства и общества лишь после трудов, затраченных на его воспитание. Подчеркнуто неофициальный костюм Демидова говорит о его причастности к широкой общественной благотворительной деятельности, не зависящий от государства.
Екатерина 2 законодатетельница (парадный)
Заказы двора на царские портреты с конца 1770-х годов шли через государственного канцлера А. А. Безбородко, ценителя искусства, обладателя большой коллекции живописи и покровителя Левицкого. В 1783 году он и заказал художнику для своего петербургского дома парадное изображение государыни, в дальнейшем известное под названием «Портрет Екатерины II — Законодательницы».
Новое произведение Левицкого стоит особняком в его творчестве. Оно отличается, прежде всего, надуманностью литературного замысла. В портрете менее всего отражены личные качества и характер Екатерины II. Художник создал абстрагированный образ императрицы, иллюстрацию идеального типа монархического правления, каким он представлялся среде просветителей второй половины восемнадцатого века. Екатерина изображена в храме Фемиды — богини Правосудия. Она одета в строгое белое платье с мантией, с орденами святого Андрея Первозванного (цепь) и святого Владимира 1-й степени (лента и крест). Статуя богини Фемиды и своды законов у ног императрицы свидетельствуют о ее государственной деятельности, корабли на дальнем плане - о победах России на Черном море. Все детали, вместе с маковыми цветами, сжигаемыми на жертвеннике,- аллегория образа справедливой, приносящий свой покой в жертву общественному служению правительницы
Портрет был чрезвычайно популярен, неоднократно копировался и повторялся. Передовые люди видели в нем идеальное воплощение образа просвещенного монарха, призванного мудро управлять державой. Орел с оливковой ветвью воспринимался как символ просвященной, сильной и мирной России.
Камерные портреты левицкого….
1778 год - Портрет Марии Дьяковой – ей 18 лет. Но выглядит старше. Дочь сенатского обер-прокурора…(сейчас – это председатель верховного суда)… встречалась с начинающим архитектором – Николаем Львовым. Тайно встречались на квартире Левицкого. На портрете – беззаботная девушка с полуулыбкой. Работает светотень. Беззаботный взгляд.
Обаяние и привлекательность, острый ум и отзывчивое сердце молодой женщины делали многих ее друзьями, поэты посвящали ей стихи. Романтична история ее замужества. Знакомство с Н. А. Львовым вскоре перешло в трогательную взаимную любовь. Дьякова не получила согласия родителей на брак: жених был беден. Они обвенчались тайно и первое время вынуждены были скрывать это.
Портрет Дьяковой принадлежит к числу лучших произведений живописца, в нем с новой силой воплотились творческие идеалы художника, нашедшего чрезвычайно удачную для этого модель. Как и другие произведения камерного стиля Левицкого, портрет Дьяковой решен очень скупыми средствами, без каких-либо прикрас, способных отвлечь внимание зрителя. Вместе с тем художник отнюдь не склонен повторять один и тот же трафарет композиционной схемы, одинаковое расположение фигур, однородные колористические сочетания. Почти неуловимыми различиями в наклоне головы, изгибе шеи, движении плеч он придавал каждому персонажу самостоятельную позу, сохраняя при этом ее живость и естественность; то же происходило с костюмом, прической, украшениями, деталями — всегда неповторимыми. Художник, мобилизуя свою изобретательность и ресурсы живописца, добивался в каждом случае новых комбинаций, сходных только своей жизненной убедительностью и психологической точностью.
История – они тайно обвенчались и 3 года жила под родительским кровом. В 1781 – получено благословение на брак. Левицкий подарил портрет Марии Львовой - ей 21 год. Но выглядит на 30. Ушло обаяние юности, но даже если мы не знаем ничего о ней, то скажем, что она твердо стоит на ногах. Через несколько лет – Львов без всякой протекции тестя станет одним из самых богатых людей России. У Львовых самый престижный салон.
Портрет Урсулы Мнишек
Портрет Урсулы Мнишек был написан в зените мастерства и славы художника. Овал был редок в портретной практике Д. Г. Левицкого, однако именно эту форму он выбрал для изысканного изображения светской красавицы. С натурной иллюзорностью мастер передал прозрачность кружев, ломкость атласа, седину пудры модного высокого парика. Щеки и скулы «горят» жаром наложенного косметического румянца.
Лицо написано сплавленными мазками, неразличимыми благодаря прозрачным высветленным лессировкам и придающими портрету гладко-лакированную поверхность. На темном фоне выигрышно сочетаются голубовато-серые, серебристо-пепельные и золотисто-бледные тона.
Отстраненный поворот головы и любезно-заученная улыбка придают лицу вежливое светское выражение. Холодный прямой взгляд кажется уклончивым, скрывающим внутреннее «Я» модели. Ее светлые открытые глаза обдуманно скрытны, но не таинственны, как в лучших портретах Ф. С. Рокотова. Эта женщина помимо воли вызывает восхищение, так же как и виртуозная живопись мастера.
Лампи - конкурент левицкого…
портрет Анны Давиа - 25 лет. Приехала в Петербург из Франции, не отличалась строгостью нравов. В России появилось много богатых поклонников, в т.ч. Безбородко – попросил Левицкого сделать портрет.
Последним выдающимся живописцем-портретистом 18 века, чье творчество падает на рубеж 18-19 в.в. был ВЛАДИМИР БОРОВИКОВСКИЙ (1757-1825) Расписал кафедральный собор В Кременьчуке (аллегорические фрески прославляющие Екатерину)
Родом с Украины. О нем заговорили, когда он расписал кафедральный собор в Кременчуге. Его пригласили в столицу…был учеником Левицкого, но и еще Лампи (колорит). На эпоху сентиментализма – (от франц. – чувства) - направление прежде всего литературы, предвестие романтизма, в эту эпоху появляется самый популярный жанр массового искусства - мелодрама.
Екатерина 2 на прогулке в Царскосельском парке (парадный.формально) – такой портрет может появиться только в эту эпоху – она гуляет с собачкой по аллеям Царскосельского парка, возможно вспоминает свою молодость… находится в состоянии воспоминания. Даже в то время портрет был принят неоднозначно. Тип портрета – формально – он парадный… по сути – здесь интимность настроения.
Сентиментальные настроения [в творчестве Боровиковского] коснулись и изображения монархини. Портрет Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке (1795, ГТГ — на фоне Чесменской колонны, второй вариант — ГРМ, на фоне Румянцевского обелиска), как теперь достоверно известно, не был заказан императрицей. Он был сделан как апробация таланта художника с целью представления во дворец, вернее всего, по идее, замыслу и разработанной программе все того же [Николая Александровича] Львова. Императрица написана не с натуры (как, впрочем, и всеми русскими мастерами).
Известно также, что работу Боровиковского она не одобрила. Здесь сошлись неудачные для художника обстоятельства. «Знакомство» Екатерины с портретом совпало с ее раздражением на Державина, возвеличившего Суворова в оде «Песнь Ея Императорскому Величеству Екатерине II на победы графа Суворова-Рымникского».
Боровиковский получил за портрет лишь звание назначенного [в академики], а не академика, о чем мечтали члены державинско-львовского кружка (звание академика художник получил позже).
Портрет из собрания Государственного Русского музея возник по заказу Румянцевых, отсюда вместо Чесменской колонны Кагульский обелиск в честь побед Румянцева-Задунайского. Написанный в начале XIX века портрет более сух, с подчеркнутой светотеневой моделировкой и тщательной выписанностью деталей.
Боровиковский создал необычный для того времени портрет. Екатерина представлена на прогулке в Царскосельском парке в шлафроке и чепце, с любимой левреткой у ног. Не Фелицей, не богоподобной царицей, сошедшей с небес, предстает она перед зрителем, а простой «казанской помещицей», которой любила казаться в последние годы жизни.
Напомним, что именно в этом образе запечатлел ее и Пушкин в своей великой «повести о чести» «Капитанской дочке» (как раз в 1820-е годы гравер Уткин исполнил гравюру с портрета Боровиковского; творение Боровиковского благодаря гравюре обрело как бы вторую жизнь и имело большой успех).
Образ кисти Боровиковского ничем не напоминает нам «Екатерины-законодательницы»: так за десятилетие изменяются художественные вкусы — от классицистического возвышенного идеала к почти жанровой сентиментального толка трактовке образа простой сельской жительницы
Лучшим портретом Боровиковского считается написанный в 1797 голу – портрет Марии Лопухиной.
В ее портрете пейзаж выступает в качестве аккомпаниатора душевного состояния модели. До Боровиковского его так никто не трактовал.
С ленивой и томной грацией Лопухина облокотилась на садовый парапет. Пейзажный фон, подчеркивая близость к природе, соответствует мечтательной настроенности молодой женщины. В портрете поражает удивительная гармоничность образа и средств выражения.
Грустно задумчивому взгляду, нежной улыбке, свободной, чуть усталой позе Лопухиной отвечают плавный ритм линий, мягкая округлость форм, нежные тона белого платья, голубого пояса, сиреневых шарфа и розы, пепельные волосы, неяркая зелень древесной листвы. Мягкая воздушяая дымка заполняет пространство.
Творческие условия создания художественной формы на основе темы(проблемы) –
Конструкция, концепция создания.
Проблема одиночества ребенка в неполноценной семье.
- портрет сестер Гагариных
На рубеже XVIII — начала ХIХ века Боровиковский обратился к новому для него типу группового семейного портрета. Это позволило художнику внести новые качества в открытую им форму лирического портрета.
К числу наиболее удачных относится портрет сестер Гагариных. В его композицию вводится жанровое действие. Две молодые девушки, одетые по-домашнему, заняты музицированием. Mладшая — играет на гитаре и смотрит в нотный лист, который держит старшая сестра. Изящные позы, живые глаза, нежные овалы юных лиц, тонкие переливы серебристо-серых, фиолетово-розовых и голубых тонов, приветливая природа. Изысканная ярко-красная гитара не вносит диссонанс, а лишь подчеркивает светлые образы сестер.
Хотя замысел этой картины близок идеям сентиментализма, показывая идиллию домашнего быта и нежные чувства, рождаемые музыкой, все же он несет в себе значительный элемент новизны: в основу его поло жен мотив активного действия. В соответствии с ним и характеры девушек уже не скрыты тенью неопределенной мечтательности: в них больше конкретности и естественности.
Умело использован почти квадратный формат холста, на котором удачно скомпонованы две фигуры. Пейзажному фону в картине отведена небольшая роль. Зато предметы быта: одежда, гитара, ноты — занимают почти половину живописной поверхности. Новое проявляется и в объемно-пластической трактовке формы: художник пользуется нехарактерным для него прежде светотеневым контрастом в лицах. Колорит портрета построен на противопоставлении сближенных тонов, без применения рефлексов. По-прежнему мягки сочетания серого с розовым, жемчужно-белым, несколько озвученные ярким цветом гитары. Эти не столь значительные изменения в композиции и цвете существенно меняют тот лирико-эмоциональный образ, который был найден Боровиковским в предшествующее десятилетие.
- портрет князя Куракина.
“Портрет князя А. Куракина” — одна из вершин в развитии русского парадного портрета.
Исполняя заказной портрет ближайшего сподвижника императора Павла I, Боровиковский вспоминал слова своего учителя Д. Левицкого:
«Нам приходится портретировать не только тех, кого мы уважаем, кто пришелся нам по сердцу. Вот вам мой совет: обращайтесь к принципу натюрморта. Предметы многое могут поведать о тех, кому они принадлежат...»
И художник виртуозно превращает его образ в сверкающий драгоценностями, атрибутами власти и званий «натюрморт».
«Бриллиантовый князь», прозванный Державиным «павлином», на огромном портрете изображен среди дворцовой обстановки, каждая деталь которой “комментирует” его личность — напыщенного, опытного царедворца, хитрого и изворотливого интригана.
Фигура помещена рядом с бюстом императора Павла I, слева открывается вид на Михайловский дворец, на кресле лежит мантия рыцаря Мальтийского ордена. Живописец создает величественный образ вельможи, любящего роскошь, занимающего высокое положение при дворе. Логическим центром портрета становится лицо князя. Боровиковский дает ему точную психологическую характеристику. По свидетельству современника, “смолоду князь Куракин был очень красив и получил от природы крепкое, даже атлетическое сложение. Но роскошь... размягчила телесную и душевную энергию, а эпикуреизм его был виден во всех его движениях, и лучезарное тихонравие его долго пленяло и уважалось, но в новое царствование, с новыми идеями, оно дало повод сравнивать его с павлином”.
Каждая деталь комнаты показывает его величественную личность. Напыщенный, хитрый и изворотливый
ПО СКУЛЬПТУРЕ – СКУЛЬПТУРНЫЙ ПОРТРЕТ
Монументальная скульптура – «Медный всадник» Фальконе – разбирали на 1 лекции.
Конная статуя Петра выполнена скульптором Этьеном Фальконе в 1768—1770. Голову Петра лепила ученица Фальконе, Мари-Анна Колло. Змею по замыслу Фальконе вылепил Фёдор Гордеев. Отливка статуи под руководством мастера Емельяна Хайлова была закончена в 1778 году. Рядом Сенат.
Станковая скульптура - Шубин
Федот Иванович Шубин - (1740-1805) – родом из Архангельской губернии. Учился у француза Николя Жилле. Окончил академию с золотой медалью, потом отправился во Францию на учебу (родина барокко – Италия)…. Вернувшись в Россию – работает в основном в мраморе. Мрамор – аристократизм модели. Бронза – когда нужно показать обнаженную натуру.
Бюст- погрудное изображение модели
Лучший из бюстов - Бюст Голицына – 1773. В фас – уверенный взгляд вельможи. В профиль – скептик и циник.
Превосходство над окружающими, светская изысканность, перенасыщенность жизненными благами. Удержана ценность человеческой личности.
Бюст Румянцева
Бюст Екатерины 2
Бюст Ломоносова
Бюст Павла 1
Архитектура Русского Барокко
Русское барокко — общее название разновидностей стиля барокко, которые сформировались в Московском государстве и в Российской империи в конце XVII—XVIII веках.
Развитие стиля барокко в архитектуре
- Московское барокко (с 1680-х по 1700-е годы, ранее неточно называлось «нарышкинское барокко») — переходный период от узорочья к полноценному барокко с удержанием многих конструктивных элементов древнерусской архитектуры, переработанных под влиянием украинского барокко.
- Петровское барокко (с 1700-х по 1720-е годы) — совокупность индивидуальных манер западноевропейских архитекторов, приглашённых Петром I для застройки новой столицы, Санкт-Петербурга.
- Елизаветинское барокко (c 1730-х по 1760-е годы) — гибрид петровского и московского барокко с североитальянскими привнесениями. Наиболее полно воплотился в грандиозных постройках Ф. Б. Растрелли.
Московское барокко — условное название стиля русской архитектуры последних десятилетий XVII — первых лет XVIII в., основной особенностью которого является широкое применение элементов архитектурного ордера и использование центрических композиций в храмовой архитектуре. Первый этап развития русского барокко. Устаревшее название — «нарышкинское барокко».
Архитектура русского барокко
Трезини. Летний дворец Петра 1
Скромный дворец в своем облике воплотил все черты архитектуры петровской поры( стиля Петровское барокко). Прямоугольное в плане двухэтажное здание было завершено высокой четырехскатной крышей . Фасады дворца оформлены предельно просто : стены прорезают прямоугольные окна в наличниках очень характерной для раннего барокко формы( в верхней их части находятся выступы, т. н. «уши»). Мелкая расстекловка окон , так же характерна для архитектуры начала XVIII века. Между этажами , на всех четырех фасадах размещены 29 терракотовых рельефов в прямоугольных рамах.
На рельефах, выполненных в 1714 году, изображены сцены из античной мифологии, связанные с темой моря , в аллегорической форме эти рельефы раскрывают , вероятно, о Северной войне. В создании этих рельефов принимал участие выдающийся немецкий мастер А.Шлютер.
Трезини. Сдание 12-ти коллегий
Здание выполнено в стиле барокко и состоит из двенадцати идентичных трёхэтажных секций. Начало строительства под руководством архитектора Доменико Трезини (верхние этажи по проекту Теодора Швертфегера). В разные времена в здании располагались высшие органы государственного управления (коллегии), позже Главный педагогический институт и Санкт-Петербургский университет.
В настоящее время здание Двенадцати коллегий остаётся Главным зданием Санкт-Петербургского университета. До сих пор некоторые факультеты университета располагаются в здании Двенадцати коллегий. В здании располагаются научная библиотека университета и некоторые административные службы университета. В здании имеется «Петровский зал», в котором, кроме различных торжественных мероприятий, регулярно проводятся концерты для широкой публики.
Доменико Трезини. Петропавловский собор.
Трёхъярусная колокольня Петропавловского собора высотой 122,5 метра, увенчанная золочёным шпилем с фигурой летящего ангела, является высотной доминантой и символом города. Императорская усыпальница.
Франческо Бартоломео Растрелли. Большой Екатерининский дворец в Царском селе
Огромный объём Большого дворца заметен сразу. Кроме этого, симметричная осевая система накладных портиков фасада дворца соответствует основным пространственным координатам плана парка.
Растрелли перестроил Большой (Екатерининский) дворец (1752—1756) в Царском Селе следующим образом. Продольная ось здания стала главной пространственной координатой в его плане; огромная протяжённость двух параллельных анфилад парадных помещений, масштаб которых нарастает к центру — Большому залу и Картинной галерее, подчёркнута выносом парадной лестницы в юго-западный конец здания. Ритмическое разнообразие ордерной системы фасада, большие выступы колоннад с раскреповками антаблемента над ними, глубокие впадины окон, создающие богатую игру светотени, обилие лепнины и декоративной скульптуры, многоцветие фасадов (голубой и золотистый цвета) придают зданию эмоциональный, насыщенный, праздничный и очень торжественный облик (БСЭ).
Растрелли
Большой Екатерининский дворец в Царском селе (зал)
Янтарная комната в Екатерининском дворце
Янтарный кабинет или Янтарная комната — одно из самых известных помещений Большого Екатерининского дворца. Основное убранство Янтарной комнаты изготовлено в начале XVIII века в Пруссии, в 1716 подарено королём Фридрихом Вильгельмом I Петру I; в 1746 дополнено и смонтировано в Зимнем дворце в Санкт-Петербурге, в 1755 перенесено в Царское Село.
В годы Великой Отечественной войны убранство Янтарной комнаты вывезено немецкими оккупантами в Кёнигсберг. Дальнейшая судьба комнаты была неизвестна.
C 1979 в Санкт-Петербурге велась работа по воссозданию Янтарной комнаты, к 300-летию Санкт-Петербурга она восстановлена в полном объёме руками отечественных реставраторов, в том числе на средства немецких фирм.
О судьбе подлинных экспонатов комнаты до сих пор ходят легенды и мифы.
Растрелли
Зимний дворец
Зимний дворец в Санкт-Петербурге — бывший императорский дворец в центре Санкт-Петербурга (Дворцовая набережная, 38); с 1732 года до 2 марта 1917 года официальная зимняя резиденция российских императоров. С июля по ноябрь 1917 года служил местом заседания Временного правительства.
Нынешнее здание дворца (пятое) построено в 1754—1762 годах итальянским архитектором Б. Ф. Растрелли. Памятник архитектуры пышного елизаветинского барокко.
В 1918 году часть, а в 1922 году всё здание передано Государственному Эрмитажу. Зимний дворец и Дворцовая площадь образуют красивейший ансамбль современного города и являются одним из главных объектов внутрироссийского и международного туризма.
Современное здание в плане имеет форму квадрата с внутренним двором и фасадами, обращенными к Неве, Адмиралтейству и Дворцовой площади. Парадность зданию придают пышная отделка фасадов и помещений. Главный фасад, обращенный к Дворцовой площади, прорезан аркой парадного проезда.
В юго-восточной части второго этажа находился один из памятников рококо, наследие четвёртого зимнего дворца — Большая церковь Зимнего дворца (1763 год; архитектор Б. Растрелли).
Растрелли
Собор Смольного монастыря
В плане весь монастырь представляет собой греческий крест с центральным собором внутри и четырьмя церквями по углам. Высота собора — 93.7 метра. Построен в стиле пышного елизаветинского барокко с такими архитектурными элементами, как люкарны, лучковые фронтоны, покрашен в светлый, мягкий голубой цвет, купола — в серый. Пятиглавие собора выполнено достаточно необычным образом.
Характерные особенности классицизма в архитектуре
Фрагмент деревянного макета Московского Кремля. Архитектор В.И. Баженов.
«...из простой перестройки он создал исполинскую архитектурную затею, сводившуюся к застройке всего Кремля одним сплошным дворцом, внутри которого должны были очутиться все кремлевские соборы с Иваном Великим».
По предварительным подсчетам, должно было потребоваться двадцать или, в крайнем случае, тридцать миллионов рублей.
О модели и невиданном проекте заговорили с восторгом и завистью в европейских королевских дворах. Однако весной 1771 года работу пришлось остановить: в Москву нагрянула эпидемия чумы. Жесткие, но мало действенные меры властей вызвали недовольство горожан. Вспыхнул бунт, был убит московский архиепископ Амвросий, толпа громила его покои в Кремле, в двух шагах от Модельного дома. Баженов боялся за судьбу своей драгоценной, выстроенной из сухого дерева, модели. Но бунт в два дня подавили, модель уцелела, эпидемия же утихла лишь к зиме. На следующее лето начался новый этап работы — рыли котлован под дворцовый фундамент, который заложили год спустя в еще более торжественной обстановке. Но годы шли, а выше фундамента стройка не поднималась — недоставало средств. Весной 1775 года императрица приказала засыпать котлован, а значит, прекратить работу. Руководить засыпкой котлована оскорбленный Баженов отказался: «Оставляю тому, кто за благо избран будет».
В.И. Баженов
Дом Пашкова
Пашков дом стоит на высоком Ваганьковском холме, как бы продолжая линию его подъёма, на открытом углу двух спускающихся улиц. Главный фасад ориентирован на солнечную сторону. По отношению к улице, а также к въезду с переулка, особняк поставлен не по прямой улице, а несколько скошено. Благодаря этому он лучше воспринимается с боковых, более далёких ракурсных точек зрения.
У дома Пашкова два главных фасада — один смотрит на проезжую часть и имеет дворцовый, торжественный характер, другой — ориентирован во двор и имеет более уютный, усадебный вид.
В.И. Баженов. Архитектурный ансамбль в Царицыно
Цари́цыно — дворцово-парковый ансамбль на юге Москвы; заложен по повелению императрицы Екатерины II в 1776 году. Находится в ведении музея-заповедника «Царицыно», основанного в 1984 году.
М.Ф. Казаков
Голицынская больница
Внешний вид здания предельно лаконичен. Выразительность фасадов заключена в удачно найденных пропорциях и в строгом ритме. Главный фасад по-казаковски отмечен фронтонным портиком с шестью колоннами, поставленным на высокий цоколь.
В архитектонике здания выделяется больничная церковь в честь святого Димитрия Царевича и соименная одному из заказчиков. Она увенчана сферическим куполом на мощном барабане и изящным ионическим бельведером. Внутри храм представляет ротонду, окруженную ионической колоннадой и завершенную двойным куполом. Это самый украшенный и торжественный интерьер больничного строения, остальные помещения отличаются простотой и скромностью.
К сожалению этот уникальный ансамбль (ныне Первая городская больница имени Н.И. Пирогова) с идеальным композиционным решением в настоящее время значительно искажен позднейшими перестройками. Прилегающий парк застроен различными сооружениями: временными сараями и гаражами. Однако сохранились пруд с островом, две беседки-ротонды у Москвы-реки и памятник князьям Голицыным.
М.Ф. Казаков
Дом Барышникова
Планировалось в форме каре.
Сейчас здание - издательский комплекс "аргументы и факты".
М.Ф. Казаков
Колонный зал в доме Благородного собрания
Место балов старой дворянской Москвы.
Сейчас - место постоянных концертов.
М.Ф. Казаков
Здание сената Московского Кремля
Дворец имеет треугольную форму, вписываясь таким образом в пространство, ограниченное кремлёвской стеной, Арсеналом и бывшим Чудовым монастырём. Заключённая внутри сооружения полость разделена на три части двумя поперечными корпусами. Во внутренний двор здания со стороны Сенатской площади ведёт триумфальная въездная арка с ионическим четырёхколонным портиком и фронтоном, над которой располагается купол овального зала. В углублении внутреннего двора находится главный композиционный центр сооружения — купольный зал сената.
М.И. Козловский
Памятник Суворову
Памятник А.В.Суворову установлен в центре Суворовской площади, которая является предмостной и находится у выезда с Троицкого моста. Великий полководец изображен в образе юного Марса. Бронзовый монумент был отлит в 1801 году по модели скульптора М.И.Козловского.
Первый памятник, который ставился при жизни героя.
ПЕРЕХОД ОТ БАРОККО К КЛАСИЦИЗМУ
Классицизм в русской живописи
Классицизм( конец 18-начало 19вв) . Родина- Франция.
Симметрия, ордер, пропорции близки к античным.Строгость формы, геометризм интерьеров.
Ранний – 60е-80е
Зрелый (строгий) – конец 80х- 800е
Поздний( эмпир)- 800е-30е
Классический по лат.- образцовый. Он предусматривает строгую регламентацию, нормы
Низкий – бытовой
Высокий – исторический
Предметом классицизма может быть только прекрасное и возвышенное.
Главная функция- воспитательная
Величайший из русского классицизма– А.П. Лосенко(1737-1773)
Портрет Федора Волкова, изображен в театр. Роли
« Владимир и Рогнеда»
Картина «Владимир и Рогнеда», написанная Антоном Лосенко в 1770 году, стала первым в истории отечественного искусства полотном, посвященным древнерусской истории.
Вокруг главных действующих лиц сгруппированы второстепенные персонажи, своеобразные зрители внутри картины, которые задают реальным зрителям эмоциональный тон восприятия происходящего. На первом плане сидит служанка, укоризненно взирающая на «злокозненное» сватовство Владимира. За спиной Рогнеды — фигура плачущей старой служанки, видимо, кормилицы княжны. Она горестно оплакивает убитых членов семьи. За спиной Владимира его воеводы, принимающие сторону своего князя.
ЛУЧШАЯ КАРТИИНА ВСЕГО РУСКОГО КЛАССИЦИЗМА – 1773 - «Прощание Гектора с Андромахой». В основе картины – поэма Гомера «Илиада»
Ведущее выразительное ср-во – композиция. В центре композиции – Гектор, к-рый обращается к богам.
Главная идея - идея гражданского долга.
Значение – была одной из первых многофигурных сюжетных исторических композиций на патриотическую тему.
Вплоть до появления картины Брюллова – «последний день Помпеи»
Сюжет картины «Прощание Гектора с Андромахой» взят живописцем из «Илиады» Гомера. Сын троянского царя Приама прощается перед сражением со своей верной женой Андромахой, держащей на руках грудного сына Астианакса. Действие происходит у Скейских ворот, через которые Гектор выйдет, чтобы отправиться на свою последнюю битву с греками. Андромаха предвидит смерть мужа, а он предугадывает ее судьбу пленницы и обращается к богам с мольбой даровать ему мужество и славу. Предчувствие трагического исхода пронизывает патетическую сцену. А. П. Лосенко вдохновил высокий пафос героя древности, вставшего на защиту своего родного города.
Драматический пафос картины носит театральный характер: Гектор гордо откинул руку, принося перед народом клятву до конца исполнить свой гражданский долг. Картина построена по принципу мизансцены: теснящая толпа обступила Гектора и его жену Андромаху, помещенных в центре полотна. Взгляд зрителя без труда «вычитывает» главных героев живописного повествования. Композиция образует в плоскости холста две диагонали, пересекающиеся в смысловом узле картины. На втором плане полукруг действующих лиц очерчен античной колоннадой, исполняющей роль театрального задника. Центр колоннады продумано совпадает с размещением ведущих персонажей картины. Архитектурные кулисы замыкают всю сцену в неглубокое картинное пространство, сосредоточивая внимание зрителя на основном действии.
Колорит также подчинен общему идейному замыслу. Цветовая насыщенность нарастает к центру композиции, достигая наибольшей интенсивности в ярко красной мантии Гектора. Свет, в свою очередь, также выделяет центральные фигуры: он усиливается на лице Андромахи и на ребенке у нее на руках. Они как бы подсвечены театральным прожектором, тогда как толпа остается в тени.
Классицизм в русской скульптуре
И.П. Мартос
Памятник Минину и Пожарскому
Па́мятник Ми́нину и Пожа́рскому — скульптурная группа из бронзы, созданная Иваном Мартосом; расположена перед Собором Василия Блаженного на Красной площади.
Посвящён Кузьме Минину и Дмитрию Михайловичу Пожарскому, руководителям народного ополчения во время польской интервенции в Смутное время, и победе над Польшей в 1612 году.
Призывной жест Минина. Они вдвоем держат меч - идея общности всех слоев населения.
Раньше был расположен в другому (немного, ближе к Лобному месту) – они одеты в античные одежды (это предусматривалось канонами классицизма) - это сделано для героизации образа - не смотря на то, что бытовая одежда купцов – кафтаны. Призыв – возглавить народное ополчение – минин к пожарскому. Мартос делает руку Минина делает непропорционально больше – массы тела.
Этот памятник остался вершиной позднего классицизма.
2. Способствовать формированию представления о детской йоге у детей дошкольного возраста
3. Налоговый контроль
4. ЗАДАНИЕ Содержание Введение Исходные данные
5. Знакомство дошкольников с родословной
6. Государственный контроль на транспорте
7. Позаурочна виховна робота в освітній системі сучасної школи
8. ЮЖНОУРАЛЬСКИЙ ИНСТИТУТ УПРАВЛЕНИЯ И ЭКОНОМИКИ стр
9. Республиканский научнопрактический центр гигиены СанктПетербургский государственный медицинский унив
10. Классификация электрических сетей
11. 1] Синтаксис и семантика моделей IDEF3 [1
12. Контрольная работа- Види єврооблігацій
13. Тема 1 Головні прийоми вивчення історичного матеріалу 2 год
14. Восьмое небо Период реализации- с 25 июля по 16 ноября 2013 года Дата и место проведения финала- 16 ноябр
15. Биологи - наука о жизни
16. Реферат- Особенности развития, структурная и функциональная организация суперЭВМ
17. Тема- Расчёт основных финансовых и экономических показателей бизнесплана Вариант 26.
18. На тему- Что такое совесть Нужна ли она современному человеку
19. 6 ПРОБЛЕМАТИКА ИСТОЧНИКИ И УСЛОВИЯ ИССЛЕДОВАТЕЛЬСКОГО ПОИСКА В ОБЛАСТИ ПЕДАГОГИКИ В условиях продолж
20. Требования по безопасности жизненной деятельности в гостиницах