Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
Лекция №1
Что такое ИЗО? Виды и жанры изобразительного искусства
Что такое изобразительное искусство? Живопись, графика, скульптура и архитектура называют изобразительным искусством, потому что их образцы существуют в реальных, зримых форматах, в отличие от музыки, кино, театра, литературы. Они ограничены только одним мгновением. Образы изобразительного искусства, существуют не во времени, а в пространстве, поэтому изобразительные искусства иногда называют пространственными.
Изобразительное искусство отображает действительность в зримых форматах, заодно раскрывая душевный мир людей. Художник, скульптор, график, так же как и композитор, и режиссер, и писатель по-своему передают существующий мир во всей его сложности, учат видеть и понимать то, что нас окружает. Изобразительное искусство существует с древнейших времен. Узнав тайны языка живописи, скульптуры, архитектуры вы сможете лучше понять изобразительное искусство Древней Руси, Древней Греции и Древнего Рима, Франции и Голландии, искусство наших дней, лучше оценить творчество великих мастеров мира.
Виды изобразительного искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура, декоративно-прикладное искусство.
Живопись - один из древнейших видов искусства. До наших времен дошли изображения животных и людей сделанные еще в эпоху первобытного общества на стенах пещер. С тех прошли тысячелетия, но живопись осталась спутником духовной жизни человека. Живопись обладает целым рядом неповторимых, оригинальных особенностей. Она повествует о жизни, запечатлевает людей, природу, окружающий мир посредством зрительных образов. Эти образы создаются при помощи целой системы приемов.
Как технически пишется картина? До XV-XVI вв. в Европе её основанием (материалом, на котором пишется картина) чаще всего служило дерево, а на Востоке – шелк и пергамент. Современные мастера, за сравнительно редким исключением, используют холст. Для того чтобы холст мог впитать и удержать в себе краску, его сначала обрабатывают раствором клея (проклеивают), затем грунтуют, наносят плотный слой специальной смеси. На загрунтованный холст красками наносят изображения. Современные художники чаще всего используют масляные краски. До конца XIV в.- наиболее распространенной техникой живописи были темпера (краска, приготовленная на смеси яйца с водно-клеевым раствором, а также уксусом, квасом или вином). Сегодня темпера - лишь одна из техник, чаще всего используемая в монументальной живописи. Иногда для создания картин берут водяные краски (акварель, гуашь) или сухие разноцветные мелки (пастель). Прежде чем взяться за кисть, художник обычно рисует в предварительных набросках (эскизах), а затем и на полотне облик действующих лиц, формы предметов, контуры обстановки, намечает построение (композицию) будущей картины.
Если рисунок составляет, так сказать основу, скелет живописного произведения, то плоть и кровь её - цвет, колорит - важнейшее из преимуществ живописи по сравнению с другими видами изобразительного искусства. Колорит - это цветовой строй картины, богатство и согласованность цветовых оттенков.
Репин писал: «Краски у нас орудие, они должны выражать наши мысли. Колорит наш - не изящные пятна, он должен выражать настроение картины, ее душу, он должен расположить и захватить зрителя, как аккорд в музыке»
Живопись бывает двух основных видов: монументальная и станковая.
Монументальная живопись, так или иначе, связана с архитектурой: это роспись стен и потолков зданий, украшение их мозаиками, витражами, фресками.
Станковыми называют картины, которые не составляют неотъемлемой части какого-то архитектурного целого или художественного ансамбля и имеют самостоятельное значение. У станковой живописи есть много разновидностей - жанров. Важнейшие их них - бытовой, исторический, портрет, пейзаж, натюрморт.
К историческому и бытовому жанрам принадлежат такие полотна, в котором есть действие, рассказ, повествование и запечатлены какие- либо современные или исторические общественные события, сцены из повседневной жизни людей. Сюжет в живописи обладает множеством своеобразных черт. В отличие от писателя художник не может показать цепь событий, происходящих в разных местах, в разное время. Стало быть, живописец должен отыскать и рельефно изобразить такую ситуацию, в которой наиболее полно раскрываются и характеры действующих лиц, и их взаимоотношения, и весь смысл запечатленного события.
Достижению этой цели помогает художественный язык живописи. Ведь автор картин рассказывает показывая. В этом зрительном повествовании и цвет - яркий или тусклый, спокойный пламенеющий, и движение - стремительное, напряженное или плавное, замедленное и многие, многие другие особенности живописного решения, обладающие большой выразительностью, способствующие раскрытию чувств, мыслей, настроений. Вот почему содержание сюжетной картины в полной мере сможет постигнуть лишь тот зритель, который увидит в ней не только определенный событийный рассказ, но и его живописное воплощение.
Исторический и бытовой жанры представляют художнику широкие и разносторонние возможности изображения жизни людей окружающего их мира. Репин, Суриков, Пластов, Иогансон и др. писали картины исторического жанра:
«Утро стрелецкой казни» 1881 г. Василий Суриков
Здесь художник изображает трагическое событие - казнь царем Петром Первым взбунтовавшихся против него в 1698 году стрельцов.
Смысловой центр произведения – в безмолвном споре Петра Первого с рыжебородым стрельцом. Это жесткое, бескопромисное столкновение нового, прогрессивного, что насильственно насаждал Петр, и старого, отжившего, которое так истово защищали стрельцы.
«Боярыня Морозова» 1887 г. В.Суриков
Содержание картины взято из истории религиозных движений на Руси XVII века. «Москва середина XVII века. Зимний влажный день. Серо-голубая дымка окутывает улицу. По середине улицы, загруженной народом, движутся широкие дровни. В них везут закованную в цепи боярыню Морозову. Раскольница высоко подняла правую руку, сложив пальцы для двуперстного крестного знамения. Этот жест красноречиво говорит о ее непоколебимой верности старым обрядам. Глубочайшая убежденность в своей правоте и страстность натуры составляют зерно образа яркой раскольницы. У Морозовой необыкновенное лицо. Одухотворенные тонкие черты, покрытые смертельной бледностью. Глубоко запали темные глаза. Они широко открыты, горят, и, кажется, действительно мечут молнии. Во всем ее облике выражено предельное напряжение духовных сил.
Морозову ждет заточение, но она не страшится его и, прощаясь с жизнью, как бы оставляет своим сторонникам завет: быть мужественными, не бояться преследований, отстаивать свои убеждения. В толпе есть противники Морозовой, некоторые колеблются, но у большинства призыв находит отклик.
Бытовые и исторические жанры совмещены в картине «Вид Троицкой лавры» 1916 г. К. Юон
Сплав величественной архитектуры, богато насыщенным цветом, яркие приметы национального быта выражены в его картине.
Юон не мыслил себе изображение архитектуры без тех колоритных сценок, которые развертывались у подножья исторических памятников. Маленькие домишки, покосившие заборчики, спокойно идущие женщины- все это привносит в работу художника удивительную уютность и умиротворенность. Здесь главенствует красота и бодрость жизневосприятия.
В произведениях иных жанров словно бы выделяется, отдельно рассматривается лишь какая то одна из граней бытия.
Так портрет - воспроизводит человека. Первая ступень мастерства портретиста - усиление достигнуть точного сходства с моделью, но главная и, конечно, самая трудная задача художника в этом жанре - правдиво, ярко убедительно раскрыть внутренний мир изображаемого человека, основные черты его характера, психологии.
Превосходные образы портретного мастерства мы встречаем в творчестве Рембранта, Веласкеса, Кипренского, Репина, Серова, Корина и многих других мастеров.
Портрет как жанр изобразительного искусства возник очень давно. Еще древние египтяне высекали из камня портретные статуи фараонов и знатных вельмож.
Существуют разновидности портретного жанра: такие как групповой портрет, парадный портрет, автопортрет.
В зависимости от задач портрета, от своего отношения к портретируемому художник использует различные приемы композиции, различные средства живописной характеристики своей модели.
Касаткин Николай Алексеевич «Девушка у изгороди» 1893 г.
Портрет - картина. Молодая девушка, прислонившись к изгороди, стоит в ожидании. Мы ничего не знаем о ней. Даже трудно решить, кто она - горожанка или крестьянка, ждет кого-нибудь или в мечтательности стоит в свободный час. Вместе с тем ее облик полон мягкой непринужденности, безыскусной грации и красоты. Чудесные человеческие качества Касаткин увидел в простой женщине из народа и создал ее поэтический образ.
Малявин Филипп Андреевич «Портрет Татаринцевой» 1898 г. – «Старуха»
«Старуха» - произведение большого психологического содержания и глубокого реализма. В нем все правдиво: и неприветливое выражение лица с покрасневшими веками, и то, как сложены на книге жилистые искривленные кисти рук, и немного сбившийся платок, и широкая белая рубаха, не скрывающая худобу ее тела. В сердитом взгляде и почерневшем, морщинистом лице - усталость прожитой и тяжелой жизни и одновременно неизжитая крепость духа, властность характера, что привлекает, прежде всего.
Произведения живописи, изображающие картины природы, относятся к жанру пейзажа. Мастера этого жанра передают наиболее характерные, типичные, существующие черты облика природы той или иной страны, края, места. Однако цель подлинного мастера пейзажного искусства – не просто запечатлеть тот или иной вид, но отразить взаимодействие между миром природы и миром человеческих чувств и настроений. А это всегда связано с мировоззрением художника, определёнными идеями, переживаниями.
В пейзаже Саврасова «Грачи прилетели» зрелище ранней русской весны внушает чувство светлой надежды, лёгкой задумчивой грусти.
Задача жанра, именуемого натюрмортом – изображение различных предметов повседневного обихода, фруктов, цветов, обстановки человеческой жизни. Французское словосочетание «натюрморт» в буквальном переводе означает «мёртвая природа», потому что в картинах этого жанра показывают неодушевлённые предметы, но подлинные натюрморты не безжизненные копии натуры. Натюрморт Машкова «Снедь московская. Хлеба», «Снедь московская. Мясо, дичь» - художник изобразил продукты – сочные, дразнящие в своём пиршественном великолепии. Он воспел обилие даров земли, её плодородие, щедрость.
Таким образом, все жанры живописи – каждый по-своему – могут выразить большие идеи и чувства, волнующие людей.
Лекция №2
Монументальная живопись и графика
Монументальная живопись всегда связанна с архитектурой. Она украшает стены и потолки общественных зданий. В прошлом расписывали главным образом храмы, сейчас - дворцы культуры, вокзалы, гостиницы, санатории, стадионы. Такая живопись должна быть выполнена из долговечных материалов, чтобы вместе со зданиями существовать века. Творцы росписей, изображая исторические события или сцены из современной им жизни, стремятся передать свое представление о мире, передовые идеи своего времени. Монументальная живопись расположена на потолках, стенах, сводах, нередко она переходит с одной стены на другую. Рассматривают росписи, двигаясь по зданию, иногда даже с улицы, через большие стекла современных зданий. Иначе говоря, монументальная живопись воспринимается в движении с разных точек зрения и она не должна при этом терять своего воздействия на зрителя.
Художник - монументалист может развернуть в живописи сложный рассказ - повествование, может соединить события, происшедшие в разных местах и в разное время. Так великий итальянский художник Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы в Риме изобразил множество библейских сцен, соединив их в единую сложенную композицию (1508-1512).
Монументальная живопись появилась также давно, как и человеческое жилище. Уже на стенах пещер, где укрывался первобытный человек можно увидеть выполненные с удивительной наблюдательностью сцены охоты или просто изображения отдыхающих животных. Изучая историю древних культур, мы везде встречаемся с памятниками монументальной живописи. Они не только доставляют нам художественное наслаждение, но и рассказывают о жизни, быте, труде, войнах народа Древнего Египта, Индии, Китая, Мексики, и др. стран.
Извержение Везувия в 79 г. засыпало пеплом богатый город Римской империи - Помпей. Это сохранило нам в неприкосновенной свежести множество росписей. Некоторые из них - снятые со стен, украшают сейчас музей в Неаполе.
Второй период расцвета монументальной живописи в Италии связан с Эпохой Возрождения. Фрески Джотто, Мазаччо, Пьеро делла Франчески, Мантеньи, Микеланджело, Рафаэля и для художников нашего времени служат образцами художественного мастерства.
Художественная культура Древней Руси также нашла своё выражение в памятниках монументальной живописи. Монументальная живопись пришла на Русь из Византии после принятия христианства, но быстро обрела национальные русские черты. Несмотря на то, что сюжеты росписей имели религиозный характер, русские художники изображали людей, которые они видели вокруг себя. Их святые - это простые русские мужики, простые русские женщины, это весь русский народ в его самых благородных чертах. Главными центрами монументальной живописи на Руси были Киев, Новгород, Псков, Владимир, Москва, позднее Ярославль. Но и за пределами этих больших древних городов, в тихих отдаленных монастырях, также создавались интересные росписи.
В далеком Ферапонтовом монастыре, приютившемся на озерах бывшей Вологодской губернии, великий русский художник Дионисий создал росписи, которые восхищают нас музыкальностью форм, нежностью, чудесным подбором цветов. Краски для росписи Дионисий приготовлял из разноцветных камней, которыми усыпан берег озера около монастыря.
Андрею Рублеву, Дионисию, Феофану Греку обязана русская монументальная живопись своими высшими достижениями. Но, кроме этих больших мастеров, десятки и сотни художников, имена которых остались неизвестными, создавали множество росписей в России, на Украине, в Грузии и Армении.
В наше время, в связи с огромным масштабом строительства, возникли новые возможности для развития монументальной живописи. Много творческих сил отдали этому искусству советские художники Фаворский, Дейнека, Лансере, Корин и др.
Росписи различаются в зависимости от техники исполнения: фреска, живопись темперой, мозаика, витраж.
Слово фреска происходит от итальянского, что означает «по свежему», «по сырому». И действительно, фреска пишется по сырой известковой штукатурке, краски - сухой пигмент, т.е краситель в порошке, - разводятся на чистой воде. Когда штукатурка высыхает, содержащаяся в ней известь выделяет тончайшую кальциевую корочку, эта корочка прозрачна, она закрепляет находящиеся под ней краски, делает живопись несмываемой и очень прочной. Такие фрески дошли до нас через столетия мало изменившимися.
Иногда по уже сухой фреске пишут темперой - красками, разведенными на яйце или казеиновом клее. Темпера тоже очень распространенный вид монументальной живописи.
Мозаикой называется живопись, выложенную из небольших цветных кусочков камня или смальты, специально сваренного для мозаичных работ непрозрачного цветного стекла. Плитки смальты клеят на кубики и из этих кубиков по эскизу и рисунку, сделанному в натуральную величину, набирают изображение. Раньше кубики укладывали в сырую известковую штукатурку, а сейчас цемент смешивают с песком. Цемент застывает, и кубики из камня или смальты прочно в нем закрепляются. Особенно знаменит своими мозаиками итальянский город Равенна. Замечательными мозаиками славится храм Священной Софии в Киеве.
Витраж состоит из кусочков прозрачного цветного стекла, соединенных по рисунку пайкой из свинца. Сделанные таким образом изображения вставляются в проемы окон. Цветные стекла пропускают свет и сами светятся. Все способы монументальной живописи существуют очень давно, они находят широкое применение в наше время.
Графика
Графика - это изображение, полученное на бумаге или картоне при помощи карандаша, пера, кисти или машины, печатающей рисунок с гравировальной доски. Рисунок, акварель, иллюстрация в книге, плакат - все это графика. Художники - графики рисуют в основном углем, пером и тушью, простым карандашом, пастелью.
Рисунки известных мастеров графики также высоко ценятся и также бережно хранятся как и картины живописцев.
В Третьяковской галерее, Эрмитаже хранятся рисунки, выполненные углем на холсте или простым карандашом. Например: (Валентин Серов «Портрет балерины Карсавиной». Сделан он простым карандашом, линии рисунка хорошо передают изящество и грацию талантливой балерины, ее артистичность или «Автопортрет» Леонардо да Винчи).
Другой вид графики - акварель (живопись водяными красками)- примерно полтора века назад процветал в Англии, а в остальной части Европы акварель совсем неизвестна. Английские акварелисты были настоящими виртуозами, особенно мастерски они изображали животных. Прекрасным акварелистом был Александр Иванов, автор знаменитой картины «Явление Христа народу». Замечательный мастер акварельного портрета - художник Артур Фонвизин.
Есть еще один вид графики - гравюра. Художник - гравёр наносит рельефный рисунок ножом, резцом или иглой на металлическую или деревянную доску, с которой затем получает на бумаге печатный оттиск
(зеркальное изображение этого рисунка). Сами оттиски также называются гравюрами или эстампами.
Существуют множество разновидностей гравюр. Их различают по материалу и по технике обработки досок. Если краска покрывает выступающий рельефный рисунок (выполненный, как правило, на дереве или на линолеуме), гравюра называется выпуклой или высокой. Если краска заполняет углубления, гравюра называется углубленной или глубокой. Такая графика делается на металле.
Гравюра на дереве – ксилография - один из самых старинных способов гравирования. В Западной Европе в 17в., с появлением книгопечатания получила распространение, в России – в 16 в.
Просушенную и отполированную дощечку покрывают белой краской, затем карандашом наносят рисунок. Линии рисунка гравер оставляет нетронутыми. Штихелем он удаляет места между линиями, которые на бумаге должны получаться белыми.
Несколько моложе гравюры на дереве - гравюра на цинке - офорт. Она основана на свойстве металла бурно реагировать с кислотами. Гладкую металлическую доску покрывают слоем непроницаемого для кислоты лака. По этому лаку, специальной офортной иглой, процарапывают рисунок.
Лекция №3
Скульптура и архитектура
Чтобы увидеть произведения скульптуры не обязательно посещать музей или художественную выставку. Человек, идущий по городу, видит их повсюду, - это памятники на площадях, мемориальные доски и рельефы на стенах домов, фонтаны.
В отличие от живописи и графики, которые на плоскости создают иллюзорное впечатление пространства и объемности предметов, произведения скульптуры имеют реальный трехмерный объем и окружены реальным пространством. Зато выбор сюжетов в скульптуре по сравнению с живописью ограничен - ведь средствами скульптуры трудно показать пейзаж или обстановку, окружающую человека. Главная тема скульптуры - человек, реже встречается изображения животных - анималистический жанр.
Скульптор может показать одну фигуру или несколько в определенных взаимоотношениях. В позе и движении человека, в выражении его лица скульптор может передать и порыв ветра, и гнев, и радость, и горе, и даже холод и ветер. Скульптура Мухиной «Ветер».
Выразительности образа содействуют также пластика и моделировка, т.е передача объемности фигуры или предмета, игра света и тени на поверхностности скульптурного произведения. Материал: тяжелый, суровый гранит, белый с теплым оттенком мрамор, легкий серо-серебристый с жесткой поверхностью алюминий.
Основные виды скульптуры - круглая скульптура и рельеф.
В круглой скульптуре передается объем изображенной фигуры или предмета. Ее можно обойти, рассмотреть с различных точек зрения. В зависимости от угла зрения меняется очертания и форма предмета, его контуры, силуэт.
В рельефе - выпуклое объемное изображение помещается на плоскости – вне скульптуры.
В этом виде можно показать многофигурные группы людей, передать хоть и скупо, пейзажное и предметное окружение.
Рельеф бывает низким - это барельеф и высоким - горельеф. В барельефе изображения обычно выступают над плоскостью меньше чем на половину своего объема. В горельефе фигуры выступают из плоскости больше чем на половину объема, а иной раз почти отрываются от плоскости, приближаются к круглой скульптуре. Реже встречается углубленный рельеф, где изображения находятся либо ниже плоскости, либо на ее уровне, т.к. рельефы неотрывно связанны с плоскостью, они широко применяются для украшения стен зданий.
В единстве с зодчеством нередко выступает и круглая скульптура. Например, статуи юных девушек, так называемые кариатиды и могучие атланты из древнегреческой мифологии, поддерживающие небесный свод.
Итак, скульптура бывает круглая и рельефная. Скульптура делится на станковую и монументальную. Произведения скульптуры, связанные с архитектурой или пейзажем, называется монументальной скульптурой. Обычно выполняется из камня, металла.
Разновидность монументальной скульптуры: декоративная. Она предназначена для украшения зданий, парков, городских улиц, площадей. Это кариатиды, атланты, скульптуры украшающие фонтаны, мосты.
Скульптурные произведения по своему предназначению не связанны с архитектурой или пейзажем, существующие независимо от них называются станковой скульптурой. Их можно перемещать с места на место, устанавливать внутри здания и на открытом воздухе. Станковой скульптуре более свойственна тонкая психологическая характеристика образов и тщательная передача формы, что не обязательно для произведения монументального искусства. К станковой скульптуре относится скульптура малых форм - это статуэтки, медали, имеющие декоративно-прикладное значение.
Наиболее полно свойства скульптуры выражает круглая скульптура. Она может изображать одну фигуру или несколько, может изображать фигуру человека в целом или фрагментами.
Композиция в скульптуре бывает статичная или динамичная. При этом динамика может быть выражена не только резким физическим движением, но и духовным напряжением образа, как например в скульптуре Микеланджело «Давид». Большую роль в скульптуре играет ритм.
Для образной выразительности важны материал и техника ее исполнения. Один из методов работы скульптора - пластика, лепка, т.е. создание формы из вязкой массы. При этом методе объем наращивается путем постепенного давления материала. Другой метод- ваяние - высекание объемной формы из каменной глыбы, путем отделения от нее лишних объемов. Лепка и высекание – основные виды техники скульптуры. С древних времен широко применяют для скульптуры камень и дерево.
Архитектура
Архитектура или зодчество- это искусство создавать здания и их комплексы, образующие среду для жизни людей. От большинства видов искусства она отличается тем, что выполняет, не только идейно-художественные, но и практические задачи. В архитектуре воплощены вкусы людей, их представления о красоте, идейные воззрения и в тоже время здания служат людям в их жизни и практической деятельности.
Зародилась архитектура в первобытном обществе. Борясь с грозными силами, люди отыскивали пещеры, строили шалаши и землянки, которые защищали их от ветра, дождя, холода и диких зверей. Постройки рабовладельческого общества - дворцы и пирамиды, храмы и театры, бани и сооружения для спортивных состязаний являются выдающими произведенными архитектурами.
Современному человеку служит множество зданий и сооружений, которые по своему назначению легко разделить на три группы:
1группа - жилые дома;
2группа - общественные постройки, школы, театры, стадионы, магазины, детские сады, больницы и музеи;
3группа - производственные постройки: заводы, фабрики, электростанции и т.д.
Существует еще и архитектура малых форм (открытые лестницы и площадки, бассейны и фонтаны, навесы и беседки)
Наконец, и «малая» и «большая» архитектура связывается воедино искусством градостроителя. Градостроитель - это композитор города. Архитектура 20-21 веков совершенно иная, чем в предыдущие столетия. Объясняется это, прежде всего, индустриальным производством элементов здания, их механизированной сборкой на строительной площадке, применением железобетонного и металлического каркаса и разнообразных новых материалов.
География тоже командует архитектурой. В Ашхабаде асфальт плавится на солнце, в тени температура показывает +42, в Якутии -50, неделями дуют жестокие ветры – может ли быть архитектура здесь одинаковая? Конечно, нет!
На Крайнем Севере здания строятся в виде замкнутых прямоугольников, создавая внутренние дворы. На юге, наоборот, здания стремятся размещать свободно. Все эти детали предают своеобразный колорит городам.
Очень важна композиция здания. От нее в первую очередь зависит впечатление, которое производит архитектурное сооружение.
Наиболее ясны и уравновешенны здания с симметричной композицией. Они характерны для эпохи классицизма. В современном строительстве больше распространены асимметричные композиции. Впечатление от здания зависит от ритма колон, арок, проемов, пилястр, что создает впечатление облегченности, устремленности вверх. Наоборот горизонтальный ритм - карнизы, фризы, пояса, тяги - придают зданию впечатления приземленности, устойчивости.
В архитектуре, как и в других видах искусства, существует понятие стиля, т.е. исторически сложившиеся совокупности художественных средств и приемов. Стиль связан с историей развития человеческого общества. Древняя Египетская архитектура даже в наши дни поражает мощью своих громоздких каменных сооружений. Среди огромных колонн, древних храмов можно заблудиться. Прорвавшиеся лучи солнца открывают взору рельефные рисунки и орнаментальные узоры. У входа в эти храмы, как грозная стража, стоят огромные статуи фараонов, лежат каменные сфинксы, темно- серый цвет камня придает им еще большую тяжеловесность и мрачность.
Античные мастера Греции и Рима строили свои здания из белого мрамора и камня. Они хотели, чтобы здания сияли под лучами солнца, радовали людей, восхищали их красотой.
Греческие зодчие впервые в истории строительства создали архитектурный ордер, т.е установили четкие правила художественной обработки внешней формы конструкций.
Ордера бывают следующие: дорический, ионический и коринфский. Все три ордера имеют одинаковые основные элементы, но отличаются друг от друга пропорциями и декоративной обработкой.
В середине века возник готический стиль. Наиболее ярко он проявился в церковной архитектуре. Готические здания отличаются обилием ажурных, как кружева, украшений, скульптур, орнаментов, поэтому и снаружи и внутри они производят впечатление лёгкости и воздушности.
Архитекторы Возрождения создали новый стиль- ренессанс, в котором использовали наследие античного искусства.
Если здания в стиле ренессанс были строгими по форме, с четкими прямыми линиями, то сооружения в стиле борокко, пришедшие на смену ренессанса отличаются обилием криволинейных форм.
Следующий стиль – классицизм - четкие прямолинейные формы и симметричные композиции. Мастера классицизма сознательно заимствовали приёмы античности и ренессанса, применяли ордера с античными пропорциями и деталями.
Стиль модерн появился в начале XX века – попытка освободится от долгого подражания античности, желание создать новые формы из новых материалов.
Лекция №4
Искусство Древнего мира
Первобытное искусство
В 1876году люди открыли одну из самых первых страниц истории искусства - пещерную живопись первобытных людей. Пещера Альтамиры.
В 1895 году француз Ривьер открывает вторую пещеру с рисунками (Ла Мут, Франция). Появляются первые пещерные музеи.
К 1914году в Испании обнаружили уже 20 больших пещер с рисунками на стенах и столько же во Франции.
Быки шествуют по стенам десятков приледниковых пещер Франции и Испании, а рядом с ними олени, бизоны, козлы, мамонты. Громадный «Зал быков» - в пещере Ляско. (Франция). Темные быки будто парят над стадом диких лошадок, а между крупными животными несколько чудесных маленьких желтовато - красных оленей.
Мрачный, полный достоинства, козел из пещеры Кастильо (Испания)- весь в движении, нежная трогательная лань из Альтамиры и т.д.
Иногда рисунки датируют, определяя время завала, преграждавшего на десятки тысячелетний единственный вход в пещеру.
Не просто открывались пещерные сокровища. Знаменитый французский ученный Норбер Кастер, автор книги «30 лет под землей», чтобы попасть в пещеру Монтеспан, богатую скульптурами и рисунками первобытных людей, должен был нырнуть в подземное озеро. Другой изыскатель - Бегуэн с тремя сыновьями прополз по узким тоннелям десятки метров. Дворец этот получил называние «Пещеры трех братьев». Здесь Бегуэн нашел ступку для растирания краски и другие вещи древнего художника, жившего много тысяч лет назад.
Специалисты полагают, что художники, прежде чем, рисовать, возможно, размазывали краски на стене - старые фигурки исчезали, и по краске вырисовывался новый контур. Спустя тысячелетия краски полностью или частично сходили - и мы видим несколько слоев живописи.
Когда же и как зародилось великолепное искусство древнейших предков? В нескольких пещерах, где около 100 тысяч лет назад обитали древние люди- неандертальцы, археологи нашли камни с пятнами краски, а также кучки камней явно разложенных симметрично, в какой-то системе. Очевидно, первые люди, еще не рисовавшие и не лепившие были неравнодушны к определенным сочетаниям красок.
Наблюдения этнографов показали, что в искусстве первобытных людей большую роль играет ритм и симметрия.
При неандертальцах начинается медленное разделение техники и искусства, пока примерно 400 веков назад - не происходит великий взрыв: появляется пещерная живопись и гравюры на кости – явления, конечно, не менее сложные, чем живопись древних египтян, Андрея Рублёва, Рафаэля Санти и других.
В течение тысячелетий первобытное искусство менялось, рождались новые «школы», «стили». Специалисты легко отличают, например громадные великолепные изображения зверей, относящиеся к палеолиту, т.е. к древнекаменному веку от небольших, переданных в стремительном движении фигурах охотников, созданных мастерами мезолита и неолита, т.е среднекаменного века. Порой древнее искусство становилось более условным и ответственным, порой более реалистичным.
Искусство Древнего Египта
Египтяне первые начали создавать каменные здания - знаменитее гробницы фараонов - пирамиды. Самая большая из них - пирамида Хеопса, достигает 147м. в высоту (на ее стройку пошло свыше 2.300 плит весом по две с половиной тонны каждая). До наших дней сохранилось многое из того, что построили древние архитектуры в долине Нила: похожие на башни ворота храмов, стены, колонны. Все это сделано из камня и украшено рельефными фигурами царей и богов, сценами битв и охоты. Самым большим был храм бога Амона-Ра в Карнаке, недалеко от города Фив. Каждый фараон считал необходимым что-нибудь в этом храме построить- новый колонный зал или молельню, изобразить на стенах свои победы.
Очень интересен и храм царицы Хатшепсут, тоже построенный в Фивах, на западном берегу Нила. В храме было много статуй. Стены храма были покрыты цветными рельефами, изображениями то богов, то событиями, происходящие при Хатшепсут. Особенно замечательны рельефы, на котором показана далекая страна Пунт, откуда египтян привозили ценные благовония.
Египетское искусство достигло высочайших вершин. Скульпторы создали статуи, мастерски передавая лица разных людей - внимательного писца, сурового царя, молодой женщины. Умения скульптора создать портрет можно легко заменить при сравнении статуй фараонов: Аменемхета III (начало II тыс.до н.э.) и Рамзеса II (1250г.до н.э). У первого- удлиненный овал лица, узкие глаза, слегка вогнутый длинный нос, точно срезанные в верхней части щеки. Лицо же Рамзеса II - с крупным орлиным носом, полными щеками, энергичным подбородком.
Характерно для древнего египетского искусства и то, что, между статуями царей и вельмож, с одной стороны, и статуэтками слуг и рабов, с другой, существует большая разница. Фигуры фараонов и знати всегда совершенно неподвижны, они точно застыли в торжественной важности. Их помещали вплотную к стенам в залах храмов или вмолельнях гробниц, им молились, приносили жертвы. Скульптор должен был подчеркнуть высокое положение этих людей, и поэт сидит ли, стоит ли царь или вельможа - он всегда показан спокойным, уверенным в себе человеком.
Головы всегда поставлены прямо, руки у сидящих фигур покоятся на коленях, у стоящих – отпущены, иногда одна держит посох.
Статуэтки же слуг и рабов, наоборот полны движения, жизни. Они изображали рабочих людей, и скульптор, передавая образ занятого трудом человека, подчеркивал позы и жесты, характерные для каждого вида работы. Иногда, желая отметить непосильную тяжесть труда, скульптор изображает истощенные, с проступающими ребрами фигуры, которые резко отличаются от мощных фигур царей и вельмож. Прекрасны творения и древнеегипетских живописцев – стенные росписи.
Вот над зелеными зарослями на берегу Нила летят птицы. Дикая кошка сидит на стебле папируса. Тянут сеть рыбаки. Вся жизнь Древнего Египта проходит здесь перед нами: тяжелый труд земледельцев, рабов и ремесленников, пиры знати, писцы за работой, отряды воинов.
Раскопки знакомят нас и с идеями ремесленников – камнерезов, металлистов, ювелиров. Египтяне первые изобрели стекло.
Искусство Древнего Египта не было одинаковым во все времена. Все события находили отклик в памятниках искусства. Одним словом искусство отражало в своих произведениях жизнь народа, который его создал.
К самым замечательным произведениям древнеегипетского искусства относятся скульптурные портреты царицы Нефертити. На царице – высокий головной убор, большое разноцветное ожерелье. Лицо окрашено в розовый цвет, губы красные, брови черные. В правой орбите сохранился глаз из горного хрусталя со зрачком из черного дерева. Тонкая длинная шея словно гнется над тяжестью убора. Голова выдвинута немного вперед и это движение придает равновесие всей скульптуре. Поразительна тонкость и в это же время уверенность, с какой скульптор передал форму щек, губ, подбородка, шеи. Широкие тяжелые веки слегка закрывают глаза, придавая лицу выражение сосредоточенной созерцательности и легкой усталости. Скульптор сумел передать следы прожитых лет, разочарований, может быть портрет был создан после смерти одной из дочерей Нефертити, царевны Махетатои.
Вторая работа – небольшая голова, высотой девятнадцать сантиметров. Несмотря на незавершенность, производит огромное впечатление: увидев ее хотя бы один раз, забыть ее, уже невозможно. Царевна изображена здесь еще юной. Чуть улыбаются губы с милыми ямочками в углах, лицо полно задумчивой мечтательности – это мечты молодости о будущем счастье, о предстоящих радостях, успехах. По счастливой случайности мы знаем имя скульптора – Тутмес. Тутмес был ведущим скульптором того времени.
Искусство Вавилона и Ассирии
В середине XIX в Междуречье на территории современного Ирака, начались раскопки. Здесь были найдены остатки зданий и даже целых городов, извлечены из земли статуи и рельефы, предметы и оружия. По этим вещам мы знакомимся с культурой, с бытом и искусством, созданными в глубинной древности жителями Междуречья или Месопотамии, как называли древние греки долину между Тигром и Евфратом.
На юге Месопотамии, в начале III тысячелетия до н.э. возникли древнейшие рабовладельческие города – государства – сначала Шумер, а позже Аккад. Во втором тысячелетии до н.э. вавилонский царь Хаммурапи подчинил своей власти Шумер и Аккад, так образовалось Вавилонское царство.
На севере по среднему течению Тигра, находилось другое рабовладельческое государство Ассирия. Около древнего города Ура археологи откопали большое кладбище. Там особенно в царских могилах нашли множество вещей, рассказывающих о великолепном искусстве древних ювелиров. Тут и шлем, выкованный из золота, и кинжал украшенный тонкой резьбой, и бусы, серьги, золотая и серебряная посуда.
Лучше всего удалось восстановить архитектуру храмов. Они стояли в центре городов на высоких искусственных холмах и благодаря этому были хорошо видны отовсюду. Храм имел вытянутую прямоугольную форму, обе торцовые стороны прорезаны дверными проемами, стены храма украшены чередующимися нишами и выступами. Основным строительным материалом вавилонян был кирпич. Археологи нашли в Междуречье много каменных плит или стел с рельефами. Особенно знаменита одна – стела Нарамсина. Она рассказывает об одном из походов аккадских царей в середине страны.
Дошли до нас памятники искусства и от времен вавилонского царя Хаммурапи. Самый знаменитый из них – базальтовый столб с законами. Сохранилась голова от статуи Хаммурапи: длинная борода, орлиный нос с горбинкой, также выглядит он и на рельефе базальтового столба. Значит, уже тогда лица на статуях были портретами.
Здания времен Хаммурапи не сохранились. Но благодаря раскопкам мы хорошо знаем, как выглядел Вавилон в VI - VII вв. до н.э. Город был обнесен высокой зубчатой стеной с башнями и воротами. Главные ворота богини Иштар в виде арки, облицованы глазурованными кирпичами. Краски глазури сверкают до сих пор. На синем фоне изображены фантастические белые и желтые драконы и быки за воротами находится храм бога Мардука с семиэтажной башней – зиккуратом. Зиккурат был основной архитектурной формой вавилонских храмов.
О высоком искусстве вавилонских архитекторов свидетельствуют развалины висячих садов, украшавших дворец царя Навуходоносора (V век до н.э.). Он велел соорудить их для своей любимой жены, которая была родом из гористой страны Мидии, чтобы она на плоских равнинах Вавилона создать, хотя бы подобие родных ей лесистых гор.
На высоких сводчатых арках из кирпича были расположены террасы. Поверх кирпичей залит асфальт, на нем свинцовые плиты, а на них насыпана земля и посажены деревья и кусты. В безлесной Вавилонии висячие сады производили необыкновенное впечатление. Недаром древние греки считали их одним из «семи чудес света».
К северу от Вавилона, в Ассирии, археологи также раскопали несколько городов, где были царские дворцы. И если каждый город был хорошо укрепленным местом, то дворец можно было назвать крепостью в крепости. Столица Саргона II также называлась Дур-Шаррукин, что значит крепость Саргона. Дворец стоял на высоком искусственно насыпанном холме. Фасад дворца, его толстые стены были укреплены большими выступами, а в образованных ими нишах стояли статуи. Две из них совершенно одинаковые- это два могучих великана, держащие одной рукой льва, как котенка. Это Гильгамеш, победивший страшного льва. По бокам у входа во дворец стояли огромные статуи крылатых быков с человеческими головами. Это Шеду – стражи, охранявшие дворцовые врата. Они как будто зорко смотрят на проходящих мимо. (Каждый кто подходил ко дворцу, уже издали видели Шеду спереди - голову, грудь, две ноги. Стоило пройти дальше и посмотреть на Шеду сбоку, как начинало казаться, что бык шагнул вперед, двинув переднюю ногу. Ассирийский скульптор добился этого, сделав быку пять ног. Поэтому спереди видны 2 ноги, а сбоку четыре. А если бы не пятая нога, то бык казался бы трехногим). Особую нарядность дворцу придавала облицовка стен разноцветными глазурованными кирпичами. На синем или голубом фоне были изображены белые и желтые розетки, цветы, деревья.
Но, пожалуй, самыми интересными и по-настоящему художественными произведениями искусства были ассирийские рельефы, украшавшие стены дворцов, где изображались военные сцены, прославлявшие царя-полководца. Все сцены переданы так живо, что не бросается в глаза условные изображения человеческой фигуры, ни одинаковые черты лица у всех людей, ни слишком сильно подчеркнутая мускулатура рук и ног.
Животные же изображены точно и правдиво. Здесь они достигли высокого мастерства.
Искусство Древней Греции
Греция, как бы тонет в окружающих ее морях. Лишь узким перешейком соединена она с Европой. В историю греческий народ вошел, как самый великий. Древние Греки были удивительно талантливыми, веселыми и жизнерадостными. Они создали великие мифы и легенды, заложили основы философии, оставили замечательные произведения архитектуры, скульптуры, живописи. К сожалению, живопись не дошла до нас. Время не пощадило и архитектуру Древних Греков. Сохранилось всего несколько руин. Жилые дома греки не считали произведениями искусства. Они презирали роскошь в одежде и домашней обстановке. Их белые, крытые черепицей дома были очень скромные, даже не имели окон.
Архитектура ранних греческих храмов отличалась суровостью. Достаточно посмотреть на храм Посейдона в Пестуме (нач. V века до н.э.), чтобы почувствовать мощь тесно стоящих приземистых колонн, с нависшими тяжелыми капителями. Со временем колонны становятся стройнее, расстояние между ними увеличивается, а капители и балки уменьшаются. От этого архитектура приобретает легкость.
Вершина греческой архитектуры - Парфенон - храм богини Афины Парфенос, построенный в V веке до н.э. зодчими Иктином и Калликратом. Здание Парфенона поставлено на возвышенной части города - Акрополе. Его беломраморный силуэт четко вырисовывался на фоне неба. На первый взгляд Парфенон очень прост - мраморный четырехугольник, окруженный высокими дорическими колоннами. Его секрет в исключительной ритмичности и гениальной соразмерности частей. Человек, приближаясь к Парфенону чувствует себя выше, шире в плечах. Греки стремились к тому, чтобы архитектура вселяла бодрость.
Лучшие памятники древнегреческой скульптуры были созданы в Vв. до н.э. до нас дошли произведении VII-VIвв.до н.э. Они симметричны, одна половина тела - зеркальное отображение другой, скованные позы, вытянутые руки прижаты к мускулистому телу. Ни малейшего поворота головы, но губы раскрывались в улыбке. В Vв. до н.э. скованность исчезает, фигуры обретают движение, пропорции - красоту лица - одухотворенность. Например, статуя «Дискобол». Ее автор, великий скульптор Мирон, изобразил юношу в момент, когда тот замахнулся тяжелым диском. Его захваченное движением тело изогнуто и напряженно. Под упругой кожей, отведенной назад руки, взбугрились тренированные мускулы. Пальцы ног глубоко вдавились в песок. Полны напряженной жизни и статуи Поликлета, хотя в отличие от своего современника Мирона, Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя. «Копьеносец» (Дорифар)Vв.до н.э, этот могучего сложения человек полон чувства собственного достоинства. Как человек, умело и легко владеющим своим телом, он чуть согнул одну ногу и переместил тяжесть корпуса на другую. Кажется, что он сделает сейчас шаг вперед, повернет голову. Перед нами человек, свободный от страха, гордый, сдержанный. Статуи Мирона и Поликлета были отлиты от бронзы, но до нас дошли лишь мраморные копии с древнегреческих оригиналов, сделанные римлянами.
Величайшим ваятелем своего времени греки считали Фидия, украсившего мраморной скульптурой Парфенон. Скульптура Парфенона сильно пострадала, а самая знаменитая статуя - Афина Парфенос- погибла еще в глубокой древности. Она стояла внутри храма, была прекрасна. Голова богини с невысоким гладким лбом и округлым подбородком, шея и руки были сделаны из слоновой кости, а волосы, одежда и шлем были вычеканены из листов золота.
V в. до н.э - было временем высшего расцвета искусства Древней Греции - это искусство высокой классики.
Прекрасные произведения были созданы в IV в.до н.э. в период поздней классики - в это период работают такие скульпторы: Скопас, Пракситель, Лисипп. Лисиппа интересует внутренний мир человека. Скопас - трагичен и страстен. Пракситель - утончен, его герои изящны, подчас изнежены.
Дальше греческое искусство претерпевает большие изменения, разрушается его гармоничность.
В конце IV в.до н.э, со времен завоевателя – А. Македонского- наступает новый период- эллинизма. Он длится до 1 века до н.э. Эллинистическое искусство это синтез древнегреческого и восточного искусства.
Произведения эпохи Эллинизма связаны с традициями высокой классики. Это такие шедевры, как статуя Ники Самофракийской или Афродиты (Венеры) Милосской.
Много достигла и архитектура в этот период. Уделялось внимание частным жилищам.
Искусство эллинизма оказало большое влияние на формирование искусства в Древнем Риме.
Искусство Древнего Рима
Время оказалось бессильным перед постройками древних римлян. Например: Колизей или как его называли римляне, «Колоссеус» (громадный, колоссальный) - гигантское сооружение в форме чаши, вмещавшее более 50 тыс. зрителей, приходивших сюда смотреть бои гладиаторов и цирковые представления. Этот предок современных стадионов имел в центре эллиптическую арену, которую можно было заливать водой и превращать в бассейн. 240 огромных арок в три яруса окружали колоссальный эллипс. Каждая арка была обрамлена полуколоннами. В первом ярусе полуколонны дорические, напоминают колонны Парфенона. Однако в Греции колонна лишь - это опора, а в Колизее – полуколонна - лишь декорация; они прилеплены к стене, чтобы замаскировать ее толщу. Колонны Парфенона свободны и могучи, полуколонны Колизея напоминают солдат на военном параде и такое же впечатление производили сотни статуй, стоявших когда-то в арках. Они поражали не красотой, а количеством и рассказами не о совершенстве свободного человека, как статуи Греции, а о непреклонной силе тех, кто поставил их правильными рядами в одинаковых арочных проемах.
Эти черты в искусстве греков и римлян не случайны. Рим, в отличие от Греции, был столицей колоссального государства, покорившего многие народы и страны. Афины, в период расцвета – республика, Рим, во времена своего наивысшего могущества - империя. В Греции человек - мера всех вещей, в Риме - песчинка.
К лучшим достижениям искусства Рима (I век н.э.) относится скульптурный портрет. Он очень образный, смело и точно передает характеры людей. Чтобы придать большую выразительность своими портретам, римские скульпторы стали вырезать зрачки, а иногда и вставлять кусочки горного хрусталя. Свое слово сказали римляне и в живописи - уже в I веке н.э. они умели передавать перспективу.
Многие памятники архитектуры Рима поражают своей грандиозностью и искусством, с которым их возводили древние инженеры. В некоторых странах римские водопроводы, римские мосты и дороги исправно служат людям и по сей день.
В отличие от греков, складывавших свои здания из великолепно отесанных каменных плит, римляне возводили свои сооружения главным образом из бетона: каменная или кирпичная оболочка заливалась смесью извести и щебня. Затвердевая, эта масса превращала здания в один огромный монолит. Такими были общественные бани, или термы, как их называли римляне. Построил их в III в.н.э. император Каракалла.
Под бетонными сводами терм находятся бассейны с проточной водой величиной с доброе озеро и огромный зал, в котором сотни людей занимались гимнастикой. В здании терм находилась библиотека на греческом и латинском языках, кулуары для отдыха, галереи для дружеских бесед. До 1800 человек вмещали термы Каракаллы, самые роскошные из 1700 римских бань. Они были украшены огромным количеством скульптурных произведений, по большей части это были статуи, вывезенные завоевателями из покоренных стран, либо копии с древнегреческих статуй. Именно такие копии и дают нам возможность судить не только о римской, но и о греческой культуре, столь сильна пострадавшей от римских завоевателей.
Каждый период в истории мирового искусства по-своему ценен. Но не случайно особую роль отводят историки античной культуре. И литература и искусство, и драматургия, и философия античного мира стали отправной точкой в развитии всей последующей культуры. Искусство античного мира впервые по-настоящему открыло и воспело человека, сделала его мерой всех вещей.
Фаюмские портреты
В 1887г. в Египте было сделано замечательное открытие: местное население случайно обнаружило в погребениях, находящиеся в области фаюмского оазиса портреты прикрепленные к лицам мумий.
За время господства в Египте греков, а затем римлян Египетское искусство испытало сильное влияние греческой и римской культуры. В греко-римскую эпоху Египтяне, совершая погребальные обряды, стали класть на лица умерших не маски как раньше, а портреты написанные на доске или холсте в традициях эллинистической живописи. Эти портреты созданные на территории среднего Египта в I-III вв. н.э получили названия фаюмских.
Фаюмские портреты превосходно сохранились. Написаны они не обычно- красками, растертыми на воске (такая техника называется восковой). Восковую живопись легко отличить по маслян6исто блестящей поверхности. Расплавленные краски наносились на тонкие деревянные дощечки кистью или металлическим стержнем. Маски накладывались разнообразно поэтому мастерам удавалось хорошо передать фактуру предметов: поверхность ткани, пряди волос, блеск глаз, нежность или грубость кожи и т.д. Краски фаюмских портретов поражают красотой тонов. Но главное в портретах, это жизненность изображения. Должно быть они написаны с натуры.
Одна из лучших в мире коллекций хранится в государственном музее ИЗО им. А.С.Пушкина в Москве. Жизненность и выразительность фаюмских портретов дают основание полагать, что некоторые из них предназначались не для мумий, а развешивались по римскому обычаю в атрии (закрытый внутренний двор). А это дает право назвать их первыми самостоятельными станковыми портретами в мировом искусстве.
Лекция №5
Искусство Эпохи Возрождения
Искусство Итальянского Возрождения
Во второй половине XIV в. в итальянском городе Сиена в земле нашли мраморную статую. На ее пьедестале высечено слово «Лисипп»- имя скульптора, изваявшего эту статую 18 веков до этого. Статую торжественно установили на площади города, и горожане любовались ее красотой.
Вскоре Сиена потерпела поражение в войне с Флоренцией. Магистрат города решил, что статуя, этот языческий идеал, навлекла несчастье на Сиену. Прекрасную статую безжалостно разбили на мелкие куски. Суеверные Сиенцы тайно отнесли обломки на границу Флоренции и там зарыли в землю, чтобы они приносили несчастье уже не их городу Сиене, а Флоренции.
В этой маленькой истории отразилось ожесточенная борьба между старыми и новыми взглядами на мир, на человека, на искусство, которая кипела тогда во всей Италии и в других Европейских странах. Искусство Возрождения, призванное прославить, этого нового героя, искало источник вдохновения в культурном наследии античного мира. По всей Италии шли раскопки. После веков забвения люди снова увидели «Аполлона Бельведерского», «Спящую Ариадну».
В спасенных при падении Византии рукописях, в вырытых из развалин Рима античных статуях, перед изумленным Западом представлял новый мир - греческая древность. Но искусство нового времени не было простым подражанием античному искусству. Оно создало новые формы, свой стиль, стиль Ренессанс. Оно заставило служить себе бурно развивающуюся науку; художники эпохи Возрождения занимались анатомией, археологией, математикой. Они дали математическое обоснование закона перспективы, научной дисциплины, которая изучает закономерности изображения предметов в соответствии с их зрительным восприятием и дает возможность верно, реалистически изобразить пространство.
Жизненность, правдивость создаваемых образцов поражала порой даже самих художников.
Трудный период прошло искусство Возрождения. В конце XIII - начале XIV вв. в творчестве Джотто отразился переломный период искусства - переход от условных традиций средневековья к реалистическим традициям эпохи Возрождения. Живописцы средневековья не передавали пространства. Иногда они изображали фигуру просто на золотом фоне. А на картинах и фресках родоначальника реализма эпохи возрождения Джотто мы видим пространство, видим природу; люди стоят живые, складки одежд падают на землю, обрисовывая формы тела. Композиции Джотто величественны и просты. Более всего его привлекают людей, мужественно и смело идущих навстречу своей судьбе.
В развитии искусства итальянского возрождения выделяют три основных этапа. Первый этап - раннее Возрождение - это период освоения нового стиля. Центр художественной жизни Италии этого столетия - Флоренция.
В первой половине XV в. во Флоренции работают три художника, получившие прозвище отцов Возрождения: архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо. Языком архитектуры, скульптуры и живописи они прославили физическую красоту человека.
Самым выдающимся зодчим эпохи раннего Возрождения был Филиппо Брунеллески (1377-1446) он первым создал архитектурные формы, которые на протяжении следующих двух столетий использовались и совершенствовались итальянскими зодчими, а позже стали применяться архитекторами всех стран. Брунеллески был первым исследователем законов перспективы. В течении 14 лет он изучал сохранившиеся памятники античности и находит в этих памятниках прообразы форм нового стиля.
Шедевр стиля Брунеллески - небольшая церковь во Флоренции - Капелла Пацци. Ее архитектурные формы грациозны, пропорции изящны. Это светлое, ясное жизнерадостное сооружение.
Скульптор Донателло (1386-1466) - достиг в своих работах замечательных высот реализма. Наряду с фигурами других героев и святых Донателло начал воссоздавать облик современников. Скульптор всматривается в окружающую его жизнь. Герои его покорны и равны, в них чувствуется готовность к борьбе и жажда справедливости.
Живописца Мозаччо (1401-1428) современники сравнивали с кометой - так ярко он блеснул и так быстро он сгорел. Мозаччо прожил лишь 27 лет, но он за свою короткую жизнь сумел внести в живопись много нового. Он первый применил в своих произведениях научную перспективу, разработкой которой занимался Брунеллески.
Архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо открыли XV век. За ними последовал блестящий ряд замечательных художников. На рубеже XV-XVI столетий вокруг дворца некоронованного правителя Флоренции Л.Медичи или как его звали - Великолепного, собрался кружок художников и поэтов. Там были живописцы Сандро Ботичелли, Антонио Паллайоло, Филиппино Липпи, скульптор Андреа Верраккьо. В Умбрии прославился Пьеро делла Франческа - всегда величественный и монументальный в своем искусстве.
Искания этих выдающихся итальянских художников Раннего Возрождения получили завершение в гениальном творчестве мастеров первой половины XVI в.- Браманте, Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело - время, когда работали эти мастера, именуется временем Высокого Возрождения или Высокого Ренессанса.
Высокое Возрождение оставило нам не мало сооружений, которые считаются шедеврами мировой архитектуры.
Выдающимися живописцами эпохи Возрождения, для которого живопись стала наукой, был Леонардо да Винчи. Жажда знаний, великая сила разума, восхищение красотой и многообразием природы - вот черты, которые позволили стать ему не только известным художником, но и математиком, физиологом, ботаником. Современниками Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело были венецианские живописцы Джоржоне, Тициан, Веронезе. Надо любить жизнь - говорит их живопись.
В те же годы, когда писали свои картины Веронезе и Тинторетто, на севере Италии работал Андреа Палладио (1508-1580)- лучший архитектор Позднего Возрождения. Великолепные здания, построенные им украшают его родной город Венецию. Он во многом предопределил дальнейшее развитие европейской архитектуры, особенно архитектуры стиля классицизм.
Леонардо да Винчи (1452- 1519)
Один из величайших итальянских художников эпохи Возрождения был выдающийся ученный, мыслителем и инженером. Он всю жизнь наблюдал и изучал природу. Как часть природы Леонардо рассматривал и человека, тело которого подчинено физическим законам и в то же время служит «зеркалом души».
Леонардо родился в 1452 в маленьком городке Винчи (поэтому его и назвали Леонардо да Винчи). В 14-летнем возрасте он переехал во Флоренцию. Отец отдал его на обучение в художественную мастерскую. Но вскоре он оставил своего учителя. Знания свои он черпал у природы у самой жизни. Он постоянно делал наброски, изображения, холмы и поля, травники и деревья, прекрасные девичьи лица. Складки ткани и т.д.
В Эрмитаже в Ленинграде хранится одна из наиболее ранних работ Леонардо да Винчи- «Мадонна с цветком» или « Мадонна Белиза».
Он взял тему очень обычную для его времени: в образе Мадонны с младенцем. Художники эпохи Возрождения воспевали материнство. Леонардо изображал юную мать в тот момент, когда она играет со своим младенцем, протягивает ему цветок, и следя за тем, как неловко он хочет его схватить. Перед зрителем – простая жизненная сцена.
В 1481году Леонардо да Винчи покинул Флоренцию и переехал в Милан. Здесь он создает конный памятник отцу Лодовико Сфорца , который был уничтожен при взятии Милана французами.
Пострадала от сырости и другая работа «Тайная вечеря» написанная в 1495-97гг., выполненная на стене трапезной в Монастыре Санта Мария. В этом произведении Леонардо да Винчи проявил себя как тонкий знаток человеческих характеров и поведения.
Последние два десятилетия жизни Леонардо да Винчи провел в скитаниях, переезжая с места на место. Наиболее важное из произведений этого периода - портрет хранящийся в Лувре (Париж) – «Джоконда». Ее внимательный взгляд, чуть улыбающийся рот, выражение противоречивое, меняющиеся оттенки чувств и настроений - задумчивость, мечтательность, подавленную печаль. Воздушная игра света и тени помогает передать мимику лица, способствует впечатлению изысканности, тонкости и сложности душевной жизни.
Последние годы жизни Леонардо да Винчи провел во Франции и умер в 1519г. До нашего времени дошло всего около десяти картин Леонардо да Винчи, много рисунков, чертежей и различных записей.
Рафаэль Санти (1483- 1520)
Был он самым светлым и радостным художником из города Урбино. Всем своим творчеством Рафаэль говорил: человек должен быть прекрасным, у него должно быть красивое лицо, сильное тело, всесторонне развитый ум, добрая и отзывчивая душа. Таким человеком был он сам.
Первые уроки рисования и живописи он получил у своего отца- художника и поэта Джованни Санти. В 17 лет Рафаэль приехал в город Перуджа и стал учеником художника Перунджино. Одна из картин этого времени – «Сон рыцаря» конец XVв. Юноша уснул на распутье и к нему явились во сне две женщины, одна с цветами в руках - Наслаждение, другая с мечом и книгой -Доблесть. Которой из них он отдаст предпочтение? Таков смысл глубокий этой картины.
В 1504 году Рафаэль приехал во Флоренцию, - где в то время жили и работали Леонардо да Винчи и Микеланджело. Здесь есть у кого учится и Рафаэль учится. Его привлекает образ мадонны с ребенком. Нежной и юной матерью изобразил Рафаэль мадонну, он прославляет прекрасную душу и тело. Его мадонны полны такой прелести, что герцог Тосканский, приобретший картину, почти через 300 лет после ее создания никогда с ней не расставался, даже возил ее с собой в путешествия.
Рафаэль умел остро передавать в портрете характер человека, умел выявить его лучшие черты и при этом передать сходство. «Портрет Юлия». Об этом портрете говорили так, «он исполнил еще маслом портрет папы Юлия так живо и правдоподобно, что было жутко на него глядеть, словно бы и в самом деле он сидел перед нами живой».
Обаятельный образ женщины создал Рафаэль в прославленной картине
«Сикстинская мадонна». Она идет по облакам, навстречу своей страшной судьбе, зная, что для счастья людей должна отдать смерти, самое дорогое- сына. Обычный, религиозный сюжет превращается в прославление величия человека. Рафаэль был не только живописцем, но и архитектором. Он строил дворцы, виллы, церкви, небольшие часовни.
В 1514году папа Лев поставил Рафаэля во главе строительства величайшего в мире купольного храма- собора св.Петра. Он писал : «Я бы желал воскресить чудные формы античных сооружений».
6 апреля 1520 года — Рафаэль умер, его похоронили в Пантеоле, который стал усыпальницей всех великих людей Италии (храм всех богов).
Микеланджело Буонарроти (1475-1564)
«Не родился еще человек, который подобно мне, был бы склонен любить людей»,- писал он о себе. Микеланджело был великим скульптором, живописцем, архитектором и поэтом.
Микеланджело родился 6 марта в 1475 году. Детство провел во Флоренции. Ему было 13 лет, когда он стал учеником Гирландайо. К 25 годам он создал много уже много скульптурных работ. (Продолжить студентам)
Лекция №6
Голландское искусство XVII в.
Голландские художники XVII в. – Рембрандт, Франс Гальс, Вермеер Дельфтский, Якоб Рейсдаль и другие.
Живопись была в ту пору наиболее любимым и развитым видом искусства. Каждый мало-мальски состоятельный голландец считал картину лучшим украшением своего жилища. Общей чертой голландских живописцев было желание изобразить окружающую жизнь просто, без прикрас.
С удивительным мастерством они умели передать влажный воздух, атласную ткань, блеск серебристого кувшина, прозрачную мягкость лимона, ворсистый ковер, свет солнца, заливающий комнату.
Один из самых знаменитых голландских художников – портретист Франс Гальс (1580-1666). Люди на портретах Гальса кажутся мгновенно запечатленными на холсте быстрыми, уверенными мазками. Не случайно ему так удавалось изображение смеха – от еле заметной усмешки до бурного хохота. «Цыганка» - лукавой улыбкой озарено лицо девушки. Как будто вот-вот должно измениться выражение ее лица и художник торопится: он быстрыми широкими мазками пишет лицо, живой блеск глаз, небрежные пряди волос.
Гальс написал целую серию групповых портретов членов добровольных стрелковых гильдий голландского города Гарлема. «Портрет офицеров гильдии святого Георга» (1616).
Так же как портреты, ценились в Голландии картины на бытовые сюжеты. Мы можем представить себе и улицы голландских городов обстановку богатых и бедных домов заметить любовь голландцев к чистоте.
Замечательным и тонким живописцем Голландии был Вермеер Дельфтский (1632-1675). Его жанровые сцены немноголюдны. Как правило, это одна или две фигуры. Большей частью его герои читают, пишут, занимаются музыкой или какой-нибудь домашней работой. Их позы и движения спокойны и естественны. В одной из лучших своих картин «Девушка, читающая письмо» (1650). Вермеер создал жизненно простой и в то же время чрезвычайно поэтичный образ. Красные тона ковра, голубой узор фаянсовой тарелки и сочные оттенки спелых плодов образуют яркий красочный аккорд. Вся несложная по мотивам сцена превращается под кистью Вермеера в прекрасное зрелище. Художник как будто говорит своей картиной, что не нужно обращаться в поисках красоты ни к каким вымышленным сказаниям, ее нужно и можно находить в повседневной жизни.
Голландских художников интересовало все, что окружает человека, все, с чем связана его жизнь, поэтому они так охотно обращались к натюрмортам. Вилем Клас Геда (1594-1680) «Питер Клас» (1594-1661). Крупнейшим пейзажистом Голландии был Якоб Рейсдаль (1628-1682). На его картинах мы видим национальный голландский пейзаж и северную скандинавскую природу, одинокие хижины, глухие лесные чащи, широкие ясные дали и силуэты ветряных мельниц. Изображая природу, Рейсдаль передает при этом свои чувства и настроения. В картине «Европейское кладбище» (1640-начало, 1650-конец) бледный свет луны, могильные плиты, ствол высохшего дерева, бегущие облака выражают трагические чувства художника, его душевное волнение. В своем искусстве Рейсдаль сумел передать стихийную мощь природы, ее напряженную жизнь и вечное изменение, ее глубокое воздействие на человека.
Рембрандт ван Рейн (1606-1669)
Первое место среди многочисленных голландских художников XVII столетия, несомненно, принадлежит Рембрандту ван Рейну. Он велик удивительной простотой и человечностью своего искусства. Средствами живописи он сумел, как никто до него, раскрыть внутренний мир человека, его сложные душевные переживания.
Родился Рембрандт в Лейдене, в семье мельника. Очень рано обнаружилась у мальчика склонность к живописи. Недолго проучившись в Лейденском университете, молодой Рембрандт, всецело отдался искусству. Учился Рембрандт у самой жизни. Он писал жанровые и религиозные сцены, портреты близких, многочисленные автопортреты, Рембрандт работал масляными красками, карандашом, тушью и пером. В 1631 г. Рембрандт переехал в Амстердам и скоро завоевал там известность. Уже в этот период он во многом превосходит по мастерству других художников. «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632). Картина воспринимается не как тщательно продуманный по композиции портрет, а как убеждающий непосредственностью жизненный эпизод. Эта же черта присуща и «Автопортрету с Саскией» (1634), в которой Рембрандт изобразил себя со своей молодой женой. Поднимая бокал, он как бы обращается к тем, кто смотрит на картину и предлагает разделить с ним его безмерную радость и счастье. Потоки света, играющие отблесками на лицах и дорогих тканях одежд, и нежные переливы золотистых и красноватых тонов усиливают праздничное настроение. «Ночной дозор» (1642). Эта большая картина должна была представлять собой групповой портрет членов стрелковой гильдии. Однако Рембрандт, отказавшись от принятого в ту пору равного расположения фигур и спокойного изображения всех участников, дал сцену, полную движения. Неровный свет озаряет группу, усиливая впечатление подвижной толпы. В результате получается необычный по типу групповой портрет, а полная жизненной убедительности сцена. В год создания «Ночного дозора» художник пережил большое горе – умерла его жена – Саския. Он остался с годовалым ребенком. Рембрандт много писал его, в разных возрастах.
В картине Рембрандта «Святое семейство» (1645), в образах героев евангельской легенды – Марии, младенца Христа и Иосифа – воплощены самые обычные и прекрасные в своей искренности и чистоте человеческие чувства: нежность матери, ощущение домашнего покоя и уюта, во все времена понятные и дорогие людям.
Огромное место в творчестве художника занимает портрет. Он оставил нам вереницу лиц мужских и женских, молодых и старых, но почти всегда серьезных и сосредоточенных.
Замечателен «Портрет старушки» (1654). Свет выделяет в картине лицо старой женщины, ее скорбный взгляд приковывает внимание зрителя безысходностью горя, глубиной мысли заставляет задуматься над смыслом существования. Рембрандт показывает чистоту души, доброту и человечность ничем не знаменитого человека. Красота душевная делает привлекательным усталое, морщинистое лицо женщины, как бы преображает его.
В 1659 г. создает один из классических женских образов – портрет Хендрикье Стоффельс, обаяние женственности, мягкой задушевности воспевает он в образе своей подруги, покорно разделившей все горести и радости трудных лет его жизни. В 1662 г. умерла Стоффельс, а шесть лет спустя неожиданно скончался Титус.
К последним и наиболее замечательным картинам художника принадлежит большое полотно – «Возвращение блудного сына» 1663-1668 г. евангельская притча о юноше, который ушел из родительского дома, растратил свое состояние и жалким, униженным вернулся к отцу, вырастает у Рембрандта в большую общечеловеческую тему.
Богатые голландские заказчики Рембрандта не поняли и не оценили гениального художника. Трагически одиноким, почти нищим умер Рембрандт в 1669 г.
Фламандское искусство XVI- XVII вв.
В XVII в. Фламандское искусство достигает расцвета. Ведущую роль приобретает живопись. Её представители – Рубенс, его ученики и сподвижники Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Броувер и Тенрс. Всех фламандских художников объединяло стремление запечатлеть реальную жизнь, полную движения и бесконечного разнообразия. Фламандские художники часто обращались к религиозным и мифологическим сюжетам. Они писали также портреты, пейзажи, натюрморты. Фламандская живопись XVII в. – подлинный гимн силе и мужества человека, богатству и красоте природы.
В творчестве Питера Пауля Рубенса все эти особенности искусства Фландрии проявились наиболее отчётливо и ярко. Первые годы своей творческой жизни Рубенс провёл в Италии, где быстро завоевал известность. Вернувшись в 1608 г. на родину, он стал придворным живописцем испанского наместника во Фландрии. Перегруженный заказами он стал работать с большой группой помощников- учеников. Рубенс был одним из самых образованных людей своей эпохи. Он глубоко знал и любил античную литературу и искусство. Правители Фландрии, зная его выдающийся ум и блестящий дар слова, не раз ему дипломатические поручения. Но главным для Рубенса было всегда искусство. Рубенс много и увлечённо работал над большими монументальными произведениями. Таков, выполненный им в 1611 г. алтарный образ для Антверпенского собора «Воздвижение креста». На огромной картине изображён растерянный Христос. Это сильный, мужественный человек, побёждённый своими противниками. Мускулистые фигуры палачей, их энергичные движения придают всей сцене характер напряжённой борьбы. Могучее дыхание жизни захватывает зрителя при взгляде на эту картину.
В многочисленных картинах, посвящённых охоте хищников (львов, тигров, кабанов) Рубенс передаёт величайшее напряжение сил людей и животных, бурную динамику схватки. (Охота на львов).
Рубенс писал работу и в своих работах он передавал борьбу сил природы, её могущество. Много у Рубенса и исторических произведений. Его знаменитая серия полотен «Жизнь Марии Медичи» 1622-1625 (21 больших полотен).
Здесь он вводит аллегорические образы и мифологические персонажи, и в то же время изображает рядом с ними реальные исторические лица. С большей достоверностью воссоздана торжественная церемония в картине «Коронация Марии Медичи». Лица написаны с портретной точностью, костюмы исторически верны. На всём протяжении своего творчества Рубенс работал и как портретист. Лучшие его портреты – это не парадные изображения богатых заказчиков, а те которые он писал с людей, близких ему. «Портрет камеристки» 1625 г. На портрете изображена скромная девушка, камеристка. Имя её нам не известно. Рубенс с любовью написал её большие зелённые глаза, искусно передал тонкую кожу лица, красивые очертания носа и рта, пряди рыжих волос.
Пленительный женский образ, созданный Рубенсом и на другой картине – «Портрет Елены Фоурмен с детьми». Рубенс умел мастерски соединять на полотне многочисленные фигуры, находить красноречивые позы и жесты. Каждая деталь в его картинах связана с общим замыслом. В своей живописной технике Рубенс пользовался лессировкой, т.е. писал тонкими слоями полупрозрачных, жидко разведенных красок, просвечивающих одна из-под другой.
На произведениях великого мастера учились и продолжают учиться многие поколения художников. Его ученики и сподвижники: Ван Дейк, Снейдерс, Броувер, Тенирс.
Антонис ван Дейк (1599-1641) создавал очень близкие к манере Рубенса религиозные и мифологические композиции. Ван Дейк прославился своими портретами. Разнообразие человеческих характеров, в которое он умел глубоко проникать, заставляло его все время искать различные приемы их художественного воплощения. То он пишет только голову, то фигуру в рост или по пояс, меняет гамму красок и т. д.
Близким другом и помощником Рубенса был Франс Снейдерс (1579-1657) – крупнейший мастер фламандского натюрморта и анималист живописи. Нередко Снейдерс писал также фрукты и животных в произведениях Рубенса. Его собственные картины прославляют богатство и многообразие природы, окружающей человека.
После смерти Рубенса и ван Дейка главой фламандской школы стал Якоб Иорданс (1593-1678).
Он писал картины на самые различные темы, но наибольшей известностью пользуются его жанровые бытовые композиции, такова картина «Король пьет». Это оценка веселой пирушки в богатом фламандском доме. Чувствуется, что сам художник захвачен весельем пирующих. Его герои шумны и грубоваты.
Другой замечательный фламандский живо писец — Адриан Броувер (1606—1638). Он посвятил свое творчество жизни простых людей — крестьян и городской бедноты. Он любил изображать несложные операции деревенского лекаря, сцены в кабач ке, скромные пейзажи родины. Броувер зорко подмечал характерные позы и движения лю дей, мимику лиц, разнообразие человеческих эмоций. Его живопись убеждала зрителя, что мир обыденной жизни достоин искусства. Кар тины Броувера, как правило, маленького раз мера, исполнены очень тщательно и тонко.
Испанское искусство XVI-XVII вв.
Золотым веком – называли испанцы конец XVI-XVII столетия – время наивысшего расцвета своего искусства. Этому блестящему периоду предшествовал долгий и сложный путь развития художественной культуры. Церковь и цивилизация наложили свой отпечаток на искусство Испании. В сознании народа, ведущего долгую освободительную войну, складывался образ смелого и мужественного героя, защитника родной земли. Битвы с маврами изображались не раз в испанской средневековой живописи. В конце XV в. в Испании складывается абсолютизм и страна объединяется в единое государство, центром которого становится Кастилия. Образование единого государства способствовало развитию национальной культуры. В период царствования королей Фердинанда и Изабеллы строятся дворцы, церкви, госпитали, ратуши в своеобразном стиле, характерном именно для Испании и названном по имени королевы Изабеллы – Изабеллино. Сочетание богатейшей орнаментики со скульптурой на фасадах этих зданий воспринимается издали как чудесная игра причудливых пятен.
В начале XVI в., при Карле V, Испания завязывает более тесные связи со многими европейскими странами, в первую очередь с Италией. Теперь в украшении фасадов зданий появляется больше элементов орнамента итальянского Возрождения.
В Мадрид приезжает художник, грек по национальности. Его настоящее имя было Доменико Теотокопули, но он вошел в историю искусства под именем Эль Греко. Греко провел несколько лет в Италии, жил в Риме и Венеции, учился у итальянских мастеров, но он искал свой путь художественного развития, он создавал взволнованные трагические образы людей, готовых во имя душевного порыва отказаться от земных радостей, показывал душевное горение человека. Святые на его картинах или погружены в глубокую задумчивость, или показаны в исступленном порыве, их тела вытянуты и освещены мерцающим светом, цвет одежд напряженный, линии извилисты. Искусство Греко не понравилось королю, и он поселился в Толедо. Здесь были созданы лучшие произведения мастера.
«Погребение графа Оргаса» (1586). Картина разделена на две части: землю и небо. Внизу и в центре святые Августин и Стефан в одеждах, горящих золотом, опускают тело графа в гробницу. За ними стоят двадцать два знатных дворянина в черных одеждах, их лица бледны, глаза одних подняты к небу, других – скромно опущены, фигуры озарены колеблющимся пламенем факелов. Торжественная печаль и сдержанность царят в нижней части картины. Все проникнуто бурным движением в ее верхней части, где изображены Христос, Мадонна и святые рая.
Хусепе Рибера (1591-1652) первым из испанских живописцев эпохи расцвета создал образы, замечательные по силе реалистического мастерства. Произведения Риберы вызывали удивление его современников. Творчество этого художника отличается изображением сильных и разнообразных характеров людей, сложных душевных переживаний. Он писал главным образом религиозные заказные картины, но зачастую моделями для его героев служили нищие, бродяги, грузчики порта.
Поэтический образ испанской девушки создан в картине «Святая Инесса» (1641). Девочка, брошенная в темницу, стоит одна на каменных плитах пола. Холодный камень и темный провал подземелья подчеркивают хрупкость и юность Инессы. Поток света, льющегося слева, освещает ее гибкую фигуру. Фон картины коричневый, но коричневатые тона объединены в световой среде с нулевыми переливами сероватых, розоватых, полевых, зеленоватых тонов.
В 1642 г. написал Ребера свою прославленную картину «Хромоножка». Несмотря на то, что руки и ноги мальчика-нищего изуродованы болезнью, ребенок смеется, глаза его умны и лукавы. Нищий калека не представлен здесь жалким и молящим о помощи, а изображен во весь рост, в центре картины, на светлом просторе неба, как обычно изображали святых и героев. Это придает значительность человеку из народа.
Диего де Сильва Веласкес (1599-1660)
Творчество Диего Веласкеса – вершина испанского искусства эпохи расцвета. Он создал образы, проникнутые огромной жизненной силы, сумел показать сложность и противоречивость человеческой натуры, многогранность внешнего и внутреннего облика человека. Современников поражала и яркая передача характеров людей и мастерство колориста и совершенство передачи света и тени, которое все росло с годами. «каждый мазок-сама правда» - писал о Веласкесе один из друзей художника. Еще юношей в родной Севилье Веласкес обратился к жаровой живописи, с любовью изображая простых людей. «Продавец воды» (1620), «Старая кухарка» (1620), «Завтрак» (1617). Эти картины раннего периода написаны еще в темной манере, с резкими контрастами света и тени.
В 23 года Веласкес стал придворным живописцем короля Филиппа IV, хотя жизнь его была связана с королевским двором, он сумел сохранить творческую свободу. В мифологической картине «Вакх» - бог вина 1628-1629 гг. Веласкес изобразил пирушку крестьян под открытым небом. У них характерные лица, грубые плащи на плечах; бог вина сидит среди них как равный, как юноша из их же среды и венчает венком прохожего солдата, принимая его в веселую компанию.
В исторической картине «Сдача Бреды» 1635 он запечатлел победу, одержанную испанскими войсками над голландцами. Изображен эпизод сдачи крепости голландским полководцем Нассау победителю Спиноле. Веласкес наделяет Спинолу чертами благородства и великодушия. Положив руку на плечо Нассау, победитель как бы ободряет его, стремясь облегчить унизительный момент сдачи. Мастерски написанные лица свидетельствуют о высоком портретном искусстве художника. Веласкес был великим портретистом. Вершина портретного искусства Веласкеса «Портрет папы Инокентия Х» (1650). Никогда никто из художников не осмелился так правдиво написать главу католической церкви. За внешней грубостью папы Веласкес сумел необычайно ярко показать характер этого человека – жесткость, злобу, железную волю, упрямство.
Вторая половина XVII в - начало заката золотого века в эти годы, полного экономического и идейного упадка в Испании, искусство постепенно утрачивало яркие реалистические черты.
Французское искусство XV –XVIII вв.
Вот уже несколько веков Франция считается законодательницей вкусов в искусстве. В Париже рождались новые направления в живописи, дворцы и парки в разных странах создавались по образцу Версаля. Когда говорили: «Европа стала французской»,— имели в виду именно влияние французской культуры. Но «Возрождение» во Франции «опоздало» по сравнению с Италией на полтораста лет. Когда в Италии творили Донателло и Брунеллески, по всей Франции бушевал пожар кровопролитной и разрушительной Столетней войны (1337-1453).
Постепенно французское искусство все решительнее осваивало окружающий мир. Большая заслуга в этом принадлежит группе так называемых художников реальности, названных так из-за их обращения не к мифологическим сюжетам, а к реальной жизни. Самым талантливым из них был Луи Ленен (1593-1648), героями картин которого стали простые крестьяне. Прекрасный живописец, он с помощью разнообразной техники передает серебристую дымку пейзажа, сухость каменистой почвы, холодную поверхность бидонов «Семейство молочницы» 1640 г.
XVII век в Европе - век торжества человеческого разума, расцвета науки. В разных странах Европы ученые совершали важнейшие научные открытия: Галилей – в Италии, Ньютон – в Англии, Спиноза – в Голландии, Декарт – во Франции. Именно Декарту, безгранично верившему в силу человеческой мысли, принадлежит гордое изречение: «Я мыслю, следовательно, я существую». Стремление к разумности, к порядку становится характерным и для зарождающегося во Франции нового направления в искусстве – классицизма.
Основоположник классицизма в живописи Николай Пуссен (1594-1665). Почти всю жизнь Пуссен провел в Италии, в Риме. Он преклонялся перед античным искусством, восхищался рисунком Рафаэля. Художник-мыслитель Пуссен, старается предельно ясно выражать свои идеи в картинах. Свободные, счастливые люди, окруженные прекрасным пейзажем, вдруг оказываются перед гробницей с надписью: «И я жил в Аркадии» - «Аркадские пастухи» (1638). Зритель легко понимает мысль художника о недолговечности даже самой беззаботной жизни.
К середине XVII в. Франция, управляемая твердой рукой всесильного министра кардинала Ришелье, становится самым влиятельным государством в Европе. Архитектура выходит на первое место. Версаль – невиданный ранее по масштабам и роскоши ансамбль. После создания Версаля начинается закат французского абсолютизма и его культуры.
Лучшее во французском искусстве XVIII в. отличие от XVII, создавалось вдали от королевского двора, от его церемоний и почестей.
Скромной жизнью жил самый серьезный и целеустремленный художник того времени Жан Батист Шарден (1699-1779). Незамысловатые сюжеты для своих жанровых картин, предметы для натюрмортов он брал из окружающей обыденной жизни. Ему принадлежит заслуга утверждения в правах жанра натюрморта. Его жанровые картины так же скромны, как и натюрморты, и так же серьезны, совершенны по живописи и проникнуты добрым отношением к человеку.
Лекция №7
Русское искусство. Древнерусское искусство
Искусство Древней Руси охватывает несколько веков – от времени Ярослава Мудрого до эпохи Петра I. У своих истоков древнерусское искусство было тесно связано с культурой восточнославянских племен. Искусство древних славян уже в первых веках н. э. было очень разнообразно. Утварь, оружие, одежда украшались орнаментами. Славяне сооружали сложные комплексы жилых домов, крепости, храмы и погребальные постройки из дерева, камня, глины и земли.
К Х в. искусство славян достигло высокого совершенства. Киевская Русь была в это время мощным и богатым государством, центром русского ремесла и международной торговли. Старая языческая религия славянских племен уступила место единой государственной религии – христианству. Это содействовало сближению Киевской Руси с Византией и странами Западной Европы. Иноземную культуру русский народ перерабатывал в духе традиций своей культуры. Высшего расцвета искусство Киева достигло в годы правления Ярослава Мудрого (1019-1054). Главным культурным и общественным зданием Киева был величественный Софийский собор (заложен 1037 г.). Внутри собор отличается великолепием устройства: мозаикой, фресками. Этот монументальный каменный собор XI в. олицетворял величие и силу киевского государства. Роспись софийского собора прославляло христианство.
В Киевской Руси процветало прикладное искусство. Шитье, отделка оружия и доспехов, украшения утвари, окладов книг.
Круглая скульптура не получила развития в Древней Руси, поскольку православная церковь считала это искусство языческим. Русские мастера отдавали предпочтение плоскому рельефу.
В XI-XII вв. усиливается феодальное дробление Руси. В отдельных городах и княжествах складываются местные художественные школы (Галич, Полоцк, Смоленск, Владимир, Новгород и т. д.).
В XII в. на основе киевского наследия блестящего расцвета достигает искусство Владимиро-Суздальского княжества. В годы правления Андрея Боголюбского (1157-1174) столицей княжества стал город Владимир. Центром городского ансамбля был Успенский собор (1158-1161), перестроен после пожара в 1185-1189 гг. Среди данных сохранившихся фресок можно увидеть работы замечательного художника Древней Руси Андрея Рублева.
В 1158-1165 гг. создается дворцовый ансамбль в Боголюбове. В том же 1165 г. воздвигается церковь Покрова Богородицы. Стройность, легкость и компактность, а также подчеркнутая вертикальность всех линий делают этот храм необычайно изящным и устремленным ввысь. В XIII в. татаро-монгольское нашествие прервало блестящее развитие Владимиро-суздальского искусства. Совсем иным было искусство Новгорода. В нем усиливается проявившееся уже в Новгородском соборе Софии стремление к строгости и лаконизму форм. Внутри храмы идеально просты. Фресковая роспись этих церквей примечательна суровой мощью образов.
Географическое положение Новгорода помогло ему в период татаро-монгольского нашествия избежать разорения и сохранить независимость. Усилила его могущество.
Каменное строительство, приостановленное военными событиями, оживляется в конце XIII в. Но храмы этого периода имеют уже иной вид, чем раньше. Во второй половине XIV в. складывается классический тип новгородского храма, представленный церквями Федора Стратилата (1360-1361) и Спаса на Ильине улице (1374).
Живопись в Новгороде достигла очень высокого подъема. Новгородские фрески XIV в. отличаются смелой трактовкой, свободой живописного исполнения. Примечательны фрески Феофана Грека.
С конца XIV в. ведущая роль в художественной культуре переходит к Москве, возглавившей объединение русских земель и борьбу за освобождение от татаро-монгольского ига.
При Иване I Калите были возведены деревянные укрепления Московского Кремля и первые каменные соборы – Успенский и Архангельский (они не сохранились, а церкви, которые находятся на их месте выстроены позднее). Особенно усилилось каменное строительство после победы в Куликовской битве (1380). К строительству Кремля привлекаются лучшие зодчие других городов, а также итальянские архитекторы. В XV в. артель русских мастеров, возглавляемых итальянцами М. Руффо и Солари, строит кремлевские крепостные стены с башнями и Гранитовую палату.
В живописи XVI в. – фресках и иконах – развивается повествовательность, усиливаются жанровые моменты, интерес к бытовым деталям. В конце XVI в. складывается так называемая строгановская школа иконописи, отличающаяся ювелирной тщательностью письма, тонкостью рисунка. Ее заслуга – введение в иконы мотивов пейзажа.
В середине XVI в. печатники Иван Федоров и Петр Мстиславец создают первые печатные книги – «Евангелие»(1556), «Апостол» (1564), а вместе с ними и первые гравюры на дереве. Развиваются все виды прикладного искусства: - шитье, ювелирное дело, литье и т. д.
XVII в. – период ослабления влияния церкви, расширяются знания и кругозор людей. В архитектуре – стремление к свободной планировке, к живописности и богатству убранства. Монументная живопись отличается сказочной занимательностью, пестротой и нарядностью красок, узорностью и свободой композиции. Во всех видах изобразительного творчества этого периода усиливается тенденция к светской жизнерадостности (1360-1430).
Искусство Андрея Рублева, его творчество пронизано идеями патриотической борьбы русского народа против татар. Рублев был монархом, долго жил в Троице-Сергиевом монастыре. В 1405 г. вместе с Феофаном Греком участвовал в росписи Благовещенского собора Московского Кремля. Вершина творчества Рублева – созданная около 1411 г. икона «Троица». Прекрасны задумчивые фигуры трех ангелов, сидящих за трапезой. Религиозная символика иконы не затемняет ее реального содержания. Мир, согласие, единодушие – вот к чему призывает художник своих соотечественников. Очень красивы и чисты ее краски. В этой иконе лучшие достижения русской живописи той эпохи. Последние годы жизни А. Рублев и Даниил Черный были монахами Андроникова монастыря в Москве. Они вместе расписывали фресками церковь Спаса этого монастыря, которые не сохранились. Это последние работы А. Рублева.
Русское искусство XVIII в.
В самом начале XVIII в. на краю государства, на земле, которая была только что отвоевана у шведов начали строить город Новый город – Петербург, ставший столицей России, Петр хотел построить не так хаотично как строилась старая Москва, а по единому, заранее составленному плану. И такие планы уже чертили нанятые за границей архитектуры. Для новой жизни, для утверждения новых порядков и обычаев нужно было новое искусство. Старые русские архитектуры умели строить пока только церкви и боярские сводчатые палаты, а Петру нужны были большие залы для ассамблей, для праздников, балов и пиршеств. Русские живописцы писали только иконы, а нужны были и торжественные баталии, прославляющие военные победы, и портреты царя и его приближенных. Русская культура и наука должны были высвободиться, наконец, из-под власти церкви, догнать ушедшие вперед европейские страны. Поэтому и приглашали из Европы в Россию архитекторов, живописцев, граверов, но ехать в далекую Московию соглашались далеко не лучшие художники. Петр посылал русских художников в другие страны. Он очень гордился художниками, которые учились за границей. Об одном из них – портретисте Иване Никитиче Никитине (1688-1741) говорили, что он «добрый мастер». С портретов его смотрят сильные резко очерченные лица царя и его приближенные «Портрет Головкина» 1720 г.
Алексей Петрович Антропов (1716-1795). Люди в его портретах живее и проще «Портрет молодого царя Петра», среди тяжелых драпировок, колон, позолоты стоит в эффектной позе не грозный самодержец, а болезненный узкоплечий юноша с вялым, лишенным всякой значительности лицом. К простоте и человечности стремятся и другие виды искусства. В скульптурных портретах замечательного русского мастера Федота Ивановича Шубина (1740-1805) нет пышности. Он видит значительность человека и в богатстве одежды и не в гордой позе, а в характере человека, умеет подчеркнуть в каждом главные, существенные для него черты.
В историю искусств вторая половина XVIII в. вошла как время портретов, особенно живописных.
Три имени знаменуют вершину русского живописного портрета XVIII в. – Рокотов, Левицкий, Боровиковский.
Федор Степанович Рокотов (1735-1808). «Неизвестная в розовом» 1770. Этот портрет привлекает тонкостью, душевным богатством. Рокотов пишет мягко, воздушно. Полунамеком, ничего не вырисовывая до конца, передает он прозрачность кружев, светлое лицо с затемненными глазами, мягкую массу напудренных волос. Поэзия душевной жизни, внутренняя, часто скрытая от других красота человека увлекает Рокотова и он находит средства передать ее на холсте.
В портретах, написанных Дмитрием Григорьевичем Левицким (1735-1822) нет поэтической дымки. Он зорче, трезвее смотрит на своих героев, его интересует разнообразие характеров. Известный богач и самодур Демидов изображен им во весь рост («портрет Демидова»). На фоне величавой архитектуры в пышных складках алого одеяния. Но присмотритесь – это складки не мантии, а домашнего халата. Он опирается всего лишь на садовую лейку и торжественный жест руки указывает все на дым сражения, а лишь на цветочные горшки знаменитой демидовской оранжереи.
Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825) работал уже в самом конце XVIII в. и в первой четверти XIX в. в его портретах задумчивые девушки, написанные прозрачными красками, мечтают на фоне нежной зелени сада. К его лучшим произведениям относятся портреты: Арсеньевой 1790 г., Лопухиной 1797 г., сестер Гагариных 1802 г. и др.
Русские художники XVIII в. считали портрет «низким» жанром, а «высшим» жанром по правилам классицизма считалась живопись историческая, рассказывавшая о возвышенных, героических поступках, о великих людях древности.
Антон Павлович Лосенко (1737-1773). «Прощание Гектора с Андромахой» (1773). Ее сюжет взят из «Иллиады» Гомера. Троянский герой Гектор, уходя на защиту родного города, на гибель, прощается с женой у ворот Трои. Его решимость выражается в гордой позе. Он откинул голову, простер руку, - кажется, он не говорит, а декламирует стихи. Такие картины особенно ценила созданная в середине XVIII в. Академия художников. А картин, изображающих повседневную жизнь в то время было очень мало. Иван Фирсов «Юный живописец», Михаил Шебанов «Празднество свадебного договора».
Медленно пробивает дорогу себе и изображение природы, пейзаж. Семен Федорович Щедрин (1745-1804 гг.) – один из первых русских пейзажистов.
«Эрмитаж» - французское слово. Оно означает «уединенный уголок». Такие эрмитажи в XVIII в. предназначались для отдыха и увеселений титулованных особ в интимном кругу. Очень часто эрмитажи заполнялись картинами. Екатерина «приобретала очень много картин западных мастеров, прежде всего, голландских, которые любил Петр I». Датой основания Эрмитажа принято считать 1764 г. для публичного обозрения был открыт в 1862 г. здесь есть памятники, которым 300-500 тыс. лет, есть греческая скульптура «Венера Таврическая», две картины Леонардо да Винчи «мадонна Бенуа», «Мадонна Литта», произведения Релебранта «Даная» и «Святое семейство», Джорджан «Юдифь», Рубенса «Портрет камеристки», работы Пикассо и т. д.
Русское искусство первой половины XIX в.
XIX в. в России начался знаменательным событием: 1 марта 1801 г. в Петербурге был убит Павел I. Александр I, пришедший к власти, обещал реформы. Россия готовилась к войне с французами. Патриотические чувства достигли наивысшей силы, когда Россия победила Наполеона в 1812 г. все эти события повлияли на искусство. Один из первых памятников – Казанский собор, поставленный Андреем Никифоровичем Воронихиным 1759-1814 на Невском проспекте в Петербурге. Этот собор создавался свыше 10 лет.
Замысел Андреяна Дмитриевича Захарова (1761-1811), создавшего один из шедевров русской архитектуры Адмиралтейство, был еще более значителен. Главный фасад грандиозного здания растянулся более чем на 400 м. Адмиралтейство в то время олицетворяло силу России. И вместе с тем это был знак памяти Петру I, утвердившему Россию как великую морскую державу. Начало XIX в. – период расцвета архитектуры. Но уже в середине столетия зодчество оказалось в состоянии кризиса, из которого долгое время не могло выйти. С развитием архитектуры тесно связана была и судьба скульптуры. Одним из самых значительных явлений в искусстве начала XIX в. стал великолепный памятник Мишину и Пожарскому, поставленный в 1818 г. на Красной площади в Москве Иваном Петровичем Мартосом (1752-1835). Скульптор начал работать над памятником еще в 1804 г. желая увековечить победу русских над поляками в 1612 г. но война прервала эту работу. А после войны монумент приобрел новый смысл. Он стал памятником еще одного героического подвига русского народа проявленного в войне с Наполеоном.
Широкое распространение в первой половине XIX в. получила декоративная скульптура «Укротители коней на Аничкином мосту». Петр Карлович Клодт и «Памятник баснописцу И. А. Крылову» 1855, установленный в Летнем саду.
У самых истоков искусства XIX в. стоял Орест Адамович Кипренский (1782-1836 г.). Он был художником-романтиком, неудовлетворенным окружающей жизнью, искавшем в человеке возвышенную красоту. Кипренский писал портреты. Лучшие из них созданы в конце 1800-1810 годов. «Портрет Пушкина» 1827, Портрет Е. Давыдова 1809, Портрет Хвостовой 1814 и т. д.
Традиции романтизма Кипренского продолжил пейзажист Сильвестр Феодосович Щедрин (1791-1830). В 20-х годах он жил в Италии и писал там итальянские виды. Природа у Щедрина всегда возвышена, великолепно Щедрин был первым русским художником, начавшим работать на воздухе. Это были первые шаги на пути завоевания пленэра. В те же годы, когда в Италии Щедрин создавал свои романтические образы природы, в России работали два художника, творчество которых открыло новые перспективы перед русской живописью. Это были Тропинин и Венецианов.
Судьба Василия Андреевича Тропинина (1776-1857) была трудной. Рожденный крепостным он только в 47 лет получил вольную. Он становится самым известным портретистом в Москве. Его портреты не похожи на портреты Кипренского. Его герои менее сложны, в них нет внутренней взволнованности, их духовная жизнь не так богата. Эти портреты сочетают в себе портретный и бытовой жанры.
Но истинным родоначальником бытового жанра стал Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847). Он не думал о трудностях крестьянской жизни, а старался найти тихую поэзию в современной ему деревне. Он воспевал простых людей, спокойную, умиротворенную тишину сельского пейзажа. Его герои – пастушок, уснувший под деревом у реки, крестьянки, пашущие или собирающие урожай, дети с серпами в руках. В этих картинах действие всегда простое, односложное. У Венецианова было много учеников, чаще это были крестьянские парни. Он еще держал и частную школу в Петербурге. Ученики Венецианова расширили границы бытового жанра, изображая самые разные стороны жизни «На жатве» (1820 г). В середине и во второй половине XIX в. бытовой жанр стал самым распространенным. Но прежде чем он завоевал всеобщее признание, он отдал в 30-40-х годах пальму первенства исторической картине.
Крупным историческим живописцем был Карл Павлович Брюллов (1799-1852). Современники называли его не иначе, как «великий Карл». Слава его гремела по всей Европе. Самая знаменитая его картина – последний день Помпеи» 1833 г. Брюллов избрал сюжетом реальный исторический факт – извержение вулкана Везувия и гибель города Помпеи. По улицам Помпеи гонимая раскаленной лавой катится людская лавина. Люди гибнут, но сохраняют при этом свое достоинство и красоту». Брюллов был не только историческим живописцем, но и портретистом. В его портретах всегда живой человек со своим миром, со своей психологией. Так, глубоко человечно написаны «автопортрет» (1848). «Портрет археолога М. –А. Ланги» (1852 г.).
Огромную роль в развитии русского искусства сыграл Александр Андреевич Иванов. Он писал картины на евангелиевские сюжеты. В них всегда выражал общечеловеческие идеи о пространственной силе человека. Иванов был философом в живописи. В 1837 г. Иванов решился приступить к большой картине, изображающей событие, которое он считал важнейшим в истории человечества. Он верил, что в I в. н. э. людям являются Христос, сын Бога. По библейской легенде, пришедшей к людям Христос сказал, что все люди равны перед Богом. Иванову казалось, что если слова силой искусства напомнить людям учение Христа, жизнь изменится, люди станут менее жестоким и справедливыми. Все эти мысли в картине «явление Христа народу». Он работал над ней 20 лет. На полунищенском существовании, он который мог быть богатым и знаменитым, если бы оставил картину и написал заказы, он не мог торговать своей кистью. Он очень много читал и книга Штрауса «Жизнь Иисуса» помогла ему убедиться в том, что евангельские чудеса – это сказка. В 1857 г. он уже не верил в Бога, он прозрел и это стало для него катастрофой. Замысел картины, ради которого он пренебрег славой, лишился личного счастья оказался ложным. 3 июля 1858 г. Художник умер во время эпидемии холеры. Ни один из планов Иванова не удался, картину он не закончил, которая должна была произвести переворот в жизни русского общества (1806-1858).
Творчество Павла Андреевича Федотова (1815-1852) явилось конечным пунктом развития русской живописи первой половины XIX в. его картины обличали и поучали. Они раскрывали внутренний глубинный смысл, Федотов открыл новый этап в развитии искусства – этап критического реализма, проложил путь к искусству второй половины XIX в. «Свежий кавалер» 1846. «Сватовство майора» (1848), «Завтрак аристократа» (1849). Последние его картины «Вдовушка» (1852), «Анкор, еще анкор» (1851).
Русское искусство второй половины XIX в.
События Крымской войны 1853-1856 гг., ее неудачи и поражения, затем смерть Николая I словно разбудили Россию. Все в ней зашевелилось, все пришло в движение. Наконец, 19 февраля 1861 г. Александр II издал указ об отмене крепостного права.
Оживилась и художественная жизнь России. Громовым ударом прозвучала в 1855 г. диссертация Н. Г. Чернышевского «Эстетические отношения искусства к действительности», «Прекрасное есть жизнь» - утверждал Чернышевский. Художники горячо взялись за осуществление эстетической программы. Их внимание все более и более привлекла действительность. Все больше картин бытового жанра, ранее считавшим «низким», появилось на выставках одним из зачинателей реалистической живописи 60-х годов был Василий Григорьевич Перов (1834-1882). В волнениях и тревогах российской жизни находит он почву для своего творчества. Перов смело и открыто бросается в бой, отличая фальшь церковных обрядов. «Сельский крестный ход на пасхе» (1861), тунеядство и порочность попов и монахов «Чаепитие в Мытищах» (1862). Все симпатии и сочувствие художника на стороне «униженных и оскорбленных». Он сочувствует бедной юной гувернантке, попавшей в невежественное купеческое семейство. «Приезд гувернантки в купеческий дом», оборванным ребятишкам, лишенным счастья и радости детства «Тройка». Глубоким сочувствием художника к народным страданиям пронизана картина «Проводы покойника». Безисходна скорбь крестьянки, подчеркнуто, малолюдна похоронная процессия, уныл и сумеречен зимний пейзаж. Вместе с Перовым в Москве работали жанристы Прянишников, Неврев, Юшаков, Пукирев, Инельдер и др. А в Петербурге в это время началась открытая борьба молодых художников с Академий. В 1863 г. 14 лучших художников-выпускников Петербургской Академии художников, допущенных к конкурсу на большую золотую медаль, потребовали свободы выбора темы. Получив отказ, бунтари вышли из академии и организовали петербургскую «Артель художников». Вождем стал Иван Николаевич Крамской (1837-1887) – крупнейший русский портретист, автор картин «Христос в пустыне», «Неутешное горе», «Неизвестная» и многих других портретов. Вся деятельность Крамского была направлена на сплочение передовых сил русского искусства. Он раскрывал психологический облик своего современника с его мучительными раздумьями и внутренней борьбой («Хроста в пустыне»). В 1871 г. состоялась первая передвижная выставка, и с этого времени началось триумфальное шествие русского демократического искусства. «Товарищество передвижных выставок». Пожалуй, никогда еще живопись не была столь популярна и действенна. Звание художника было очень почетно. Большую поддержку оказал Третьяков, создатель первого в России музея национального искусства. Одно из ведущих мест занимала жанровая живопись. Передвижники любили природу, многие из них стали пейзажистами (Саврасов, Поленов, Шишкин, Левитан). Поленов – «Московский дворик». Исторические картины, ранее самые отвлеченные и условные, звучали теперь реалистично. (Суриков – «Утро стрелецкой казни», «Меньшиков в Березове», «Боярыня Морозова» и др.) Видное место в общем ряду достижений передвижнической исторической живописи занимают картины Репина «Иван Грозный и сын его царевич Иван», «Царица Софья». Большой известностью пользовались работы Верещагина – баталиста, рассказавшего суровую правду о войне.
Илья Ефимович Репин – 1844-1930. Сын военного поселенца очень рано проявил свой интерес к живописи. Мечтает поступить в академию художеств. Выполнив крупный заказ – роспись одной из церквей, Репин заработал достаточно денег на поездку. Он был принят в академию художеств. Здесь первая встреча с Крамским, оказала на искусство Репина большое влияние. Одна из первых работ его – «Бурлаки на Волге» (1873). Репин заставляет зрителя почувствовать всю тяжесть подневольного труда. Характерные черты искусства Репина – простота, доходчивость, яркость живого языка. Одна из наиболее ярких страниц творчества Репина – его портретная живопись. Богатство и разнообразие композиционного колористического решения взаимосвязует с личностью портретируемого. Портрет Л. Н. Толстого – строгая величавая поза, благородное сочетание черного и серого.
Портрет маленькой Нади – дочери Репина.
Портрет П. А. Стрепетовой – трагический, страстный характер актрисы выражен в ее взгляде.
Яркое чувство современности проявилось в созданных им картинках о героях революционной борьбы. «Арест пропагандиста» 1880-1892, «Не ждали», «Отказ от исповеди». Живое дыхание современности ощущается и в исторических полотнах «Иван Грозный и его сын царевич Иван». Смысл картины – страстный протест против жестокости, против бесчеловечности всякого убийства.
Над картиной «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» репин работал 12 лет. Большое полотно – гимн смелым, сильным, свободным людям. Последние годы жизни Репин провел под Петербургом, отказала кисть правой руки, ослабло зрение. Умирает он на территории Финляндии.
Василий Иванович Суриков – родился в Красноярске. В восемь лет мальчика отдала в Красноярское уездное училище, там он стал серьезно заниматься рисованием. Первым учителем был Гребнев. Окончив училище, стал работать писцом в канцелярии губернского управления: внезапно умер отец - нужно кормить мать и младших брата и сестру. Начальник канцелярии Замятин пригласил его давать уроки рисования его дочери и впоследствии выхлопотал ему разрешение учиться в Петербургской академии художеств. Окончив (1874) академию Суриков переехал в Москву. «Утро стрелецкой казни» (1881) – первая большая картина, которую Суриков задумал в Москве. Три года создавалась картина, воплотившая народную трагедию. Изображает в картине подготовку к казни, ожидание смерти. Каждый по-своему ждет конца.
Вторая большая работа «Меньшиков в Березове» 1883. Идея картины пришла к нему, когда он с семьей жил под Москвой. Жили они в старой невзрачной избушке. Из-за погоды они часто сидели столом. Так и родилась идея.
«Боярыня Морозова» - 1881-1887 гг.
«Покорение Сибири Ермаком» - 1895 г.
«Переход Суворова через Альпы» - 1899 г.
Умер Суриков в 1916 г. На могиле мемориальная доска, возложенная народом.
Русское искусство конца XIX – начала XX вв.
В России быстро развивался капитализм, рос рабочий класс. Страна к революции, которые завершились Великим Октябрем. Все это отразилось в творчестве художников.
Исаак Ильич Левитан (1860-1900). У русской природы было много певцов. У каждого из них существовали свои любимые места. Редко у кого из художников природа России была выражена с такой палитрой, как у Левитана. Вглядываясь в картины Левитана, мы ловим себя на том, что все написанное им мы много раз видели вокруг себя, но не запомнили. Сила его заключается в том, что он заставляет всмотреться в природу и передает нам свою любовь к родине.
Левитана можно назвать открывателем красот нашей русской земли, тех красот, что лежат рядом с нами. Его картины не только дают наслаждение глазу, но и помогают понять и изучить нашу землю. Его картины можно назвать патриотическими. Для того, чтобы картина была воспринята с наибольшей силой и полнотой, существует простое правило. Нельзя смотреть много картин сразу, нужно выбрать одну, две или три картины и рассматривать их, медленно, вникая во все переходы красок.
«Золотая осень» с ее глубочайшей синевой небесного свода и золотом опадающих берез.
«Над вечным покоем» - где мастерски передано величавое в своей угрюмости ненастье.
«Март» с его блестками тающих снегов.
«Свежий ветер» с игрой широкой реки.
«У омута», где все полно той таинственности, которая создает соединение густых зарослей и чистой глубокой воды.
Михаил Александрович Врубель (1856-1910).
Родители пророчили ему карьеру адвоката. Но страсть к живописи была настолько сильной, что после окончания университета, он поступил в Академию художеств. Но закончить Академию ему не пришлось. Он уезжает в Киев по совету его учителя Чистякова, реставрировать старые фрески. В Киеве он пробыл пять лет. Это был первый высокий взлет его творчества. Великолепны эскизы, сделанные Врубелем для росписей Владимирского собора в Киеве. Он изобразил в нескольких вариантах сцену оплакивания Христа богоматерью. Он думал о выражении человеческих чувств, больших страстей, о людских трагедиях. Его герои обладают гигантской духовной силой.
Высший расцвет его творчества относится к 1890-началу 1900-х годов. Он рисовал иллюстрации – «Демон» по Лермонтову. Художник написал эту картину, выразив в ней всю программу своего творчества. Лермонтовский герой – разочарованный, неудовлетворенный жизнью, вечно ищущего – изобразил Врубель на своем холсте. На фоне фантастических чувств демон кажется неземным. Врубельский образ выражал символ, в который слились воедино тоска по красоте и мечта о человеческом счастье, которую трудно найти на земле.
«Пан», «К ночи», «Портрет Мамонтова», «Портрет певицы Забеллы-Врубель».Жизнь его была трудной. Он метался, не находя в действительности подтверждения своим идеалам. Неудовлетворенный он терзал себя и своих близких. Под конец жизни он лишился рассудка, потерял зрение.
Валентин Александрович Серов (1865-1911) – родился в семье известного русского композитора и музыкального критика. Он рос среди людей для которых самое главное было искусство. Он рано научился рисовать, учился у многих художников. Рано выучился и стал самостоятельным. В 20 лет он бросил академию, а в 22 года стал известным живописцем – автором картин «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем». Уже в этих картинах он выступил, как новатор. Его живопись словно улыбалась, радуясь солнцу и воздуху, горела чистыми красками. Он воспевал юность, красоту. В 90-е годы пришла зрелость – отточенное мастерство, глубокое понимание жизни. Он с увлечением писал деревенские сценки в пейзаже.
«Баба с лошадью», «Баба в телеге».
Серов писал, и парадные портреты знатных дам, разодетых в великолепные платья, великих князей, аристократов. Писал скромные детские портреты. Но самыми любимыми героями стали люди творческого труда.
«Портрет Коровина»
Образ человека-творца с годами становится в творчестве Серова все более значительным и ярким. Высшей точки этот образ достигает в портретах 1905 г. в это время Серов пишет Горького.
Рисует углем Шаляпина, создает портрет Ермоловой. Прожил Серов немного, он умер в 46 лет.
PAGE 61