Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
Ответы на экзаменационные билеты по предмету «Изобразительное искусство»
Билет №1
Изобрази́тельное иску́сство — раздел пластических искусств, вид художественного творчества, целью которого является воспроизводство окружающего мира. Понятие объединяет различные виды живописи, графики и скульптуры.
Изобразительные искусства классифицируют по объектам приложения творческих усилий, используемым художественным и техническим средствам и исторически сложившимся концепциям творчества
Архитектура как дизайн строений все же не относится к изобразительному искусству в строгом смысле, но постоянно взаимодействует и находится в стилистическом соответствии с ним. К изобразительному искусству, с достаточной мерой условности, относят действия акционизма и некоторые другие визуальные произведения неопределённой принадлежности.
Скульпту́ра (лат. sculptura, от sculpo — вырезаю, высекаю) — ваяние, пластика — вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов — в широком значении слова, искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и иных предметов природы в осязательных, телесных их формах.
Жи́вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую основу, а также созданием изображения с помощью цифровых технологий.
Графика (греч. γραφικος — письменный, от греч. γραφω — пишу) — видизобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. (Цвет также может применяться, но, в отличие от живописи, здесь он традиционно играет вспомогательную роль. В современной графике цвет может быть не менее важен, чем в живописи). При работе в технике графики обычно используют не больше одного цвета (кроме основного черного), в редких случаях — два). Кроме контурной линии, в графическом искусстве широко используются штрих и пятно, также контрастирующие с белой (а в иных случаях также цветной, чёрной, или реже — фактурной) поверхностью бумаги — главной основой для графических работ. Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы. Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого в значительной мере выполняет фон бумаги (по выражению советского мастера графики В. А. Фаворского, — «воздух белого листа»). В графике, в частности, в гравюрах, может использоваться большое число цветов (при создании некоторых гравюр может использоваться более десятка печатных форм, каждая из которых «добавляет» свой цвет).
Декоративно-прикладное искусство (от лат. decoro — украшаю) — раздел декоративного искусства, охватывающий создание художественных изделий, имеющих утилитарное назначение.
Билет №2
Русская портретная живопись.
XVIII век в России – это не только время взлета общественного самосознания, общественной и философской мысли, но и время расцвета искусства. Рядом с именами корифеев русской науки и литературы – Ломоносова, Фонвизина, Радищева, Державина стоят имена русских художников – Рокотова, Левицкого, Боровиковского, Лосенко, Шибанова.
В XVIII веке в живописи начинает преобладать реалистическое направление. Героем искусства, носителем общественного и эстетического идеалов становится живой и мыслящий человек. В это время формируются новые жанры живописи: исторический, пейзажный, бытовой. Разнообразие и полнота жанровой структуры получили развитие в последние десятилетия XVIII в. Живопись широко распространяется: обогащаются царские собраний, складываются фамильные коллекции в столицах, провинциальных городах и усадьбах. Получают общественное признание амплуа живописца, поэта, артиста. С этим же временем связываются первые художественные выставки и продажа произведений, роль профессионального мнения по вопросам искусства, первые эстетические трактаты
На портретную живопись восемнадцатого века значительное влияние оказал современник Ф.С. Рокотова Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Именно в творчестве Левицкого воплотилась самая суть российского века Просвещения, чей расцвет приходится на екатерининское царствование.
Творчество Левицкого демонстрирует, что Россия окончательно вошла в европейский круг. Просветительские идеалы достоинства, разума и естественности, актуальные для западного культурного сознания, весьма для него значимы. По живописному мастерству его портреты не уступают работам лучших французских и английских современников. Никто так сочно и осязательно не пишет вещественный мир, восхищаясь его драгоценностью и разнообразием: блеском бронзы, тяжестью и переливами тканей.
Происходя из рода малороссийских священников, Левицкий обрел вкус к рисованию еще с детства. Его отец, Григорий Кириллович, в придачу к духовному званию, был известнейшим на Украине гравером, "справщиком" типографии Киево-Печерской Лавры. Просвещенный человек, поэт-любитель, он получил художественное образование на Западе. По семейной традиции, окончив семинарию и Киевскую духовную академию, сын помогал отцу в исполнении аллегорических программ для богословских диспутов. Его обучению "искусствам" суждено было продолжиться, когда для руководства живописными работами в строящемся по проекту Ф.Б. Растрелли Андреевском соборе в Киеве в 1752 году прибыл Алексей Петрович Антропов. Оба Левицких были у него "на подхвате". Оценив их старания, Антропов рекомендовал старшего на должность храмового ревизора – изымать иконы "неискусной резьбы", а младшего в 1758 году пригласил к себе в ученики.
Антропов был портретист – тому и учил. У Левицкого появились первые заказы: ремесло не только доставляло удовольствие, но еще и обещало кормить, а это было важно, поскольку в семье подрастала дочь. Впоследствии Левицкий станет самым "модным" художником – он будет буквально завален частными заказами. Уже по собственной инициативе, для "шлифовки стиля", он берет несколько уроков у мастеровитых иностранцев – Ж.-Л. Лагрене-старшего и Дж. Валериани. И в 1770 году пришел настоящий успех – за "Портрет А.Ф. Кокоринова" (1769), показанный на выставке Академии художеств, не обучавшийся в ней художник получил звание академика, а еще через год был приглашен вести портретный класс.
Левицкий писал портреты так, как того требовали эстетические и этические нормы эпохи. Модели непременно должны были быть представлены в наивыигрышном свете. Они не скрывают, что позируют художнику. Отсюда их горделивая осанка, условные жесты, снисходительные взгляды. Портретируемые изображались обычно в роскошной одежде, парадных мундирах, в звездах и орденских лентах. Однако сквозь эту феерию богатства и парад чинов внимательный зритель может увидеть живые и полнокровные образы незаурядных людей.
Таков А.М. Голицын, портрет которого был создан Левицким в 1772 году. Государственный деятель, сановник, он изображен согласно законам парадного портрета. Для этого художник выбрал большой формат холста и точку зрения снизу, дал поколенный срез фигуры. Широким жестом вице-канцлер указывает на бюст императрицы, подчеркивая тем самым свое прямое отношение к событиям, способствовавшим вступлению Екатерины II на престол.
Левицкий воспевает добродетели "просвещенной монархини" в композиции "Портрет Екатерины II в храме богини Правосудия" (1783). Аллегория здесь столь сложна, что художнику пришлось предпослать портрету пространное его описание: "Ея Императорское Величество, сжигая на алтаре маковые цветы, жертвует драгоценным своим покоем для общего покоя... В дали видно открытое море, и на развевающемся российском флаге изображенный на военном щите Меркуриев жезл означает защищенную торговлю".
Ранний – условно скажем, барочный – Левицкий еще "многословен". Для рассказа о человеке ему нужны "говорящие" атрибуты, дидактические жесты, освоенное вещами пространство. Среди портретов такого рода особенно интересен "Портрет П.А. Демидова" (1773)
Все эти скрытые смыслы люди XVIII века прекрасно понимали. Было ясно, например, что облака, омрачившие небо в детском портрете, намекают на появление первых страстей; что цветок в руке или на корсаже есть примета поэтической натуры, а роза отличается по эмблематике от полевого букета. Жизнь в ту эпоху риторических жестов и театральной условности как бы уподоблялась сценическому действу, и люди в своем бытовом поведении стремились соответствовать некой постоянной роли. Разрыв между "позой" и "натурой" будет осознан позднее; пока же и взыскуемый просветителями "естественный человек" органично существует в системе условных знаков.
Очень любопытной представляется серия из семи портретов "Смолянок" (1772-1776) – выпускниц Смольного института (Института благородных девиц), отличившихся в выпускных спектаклях. Левицкий написал эти 7 произведений таким образом, что они воспринимаются как единое целое.
Перед нами костюмированные портреты, но маски как бы впору моделям. Ребенок – воплощение "естественного человека", и эти барышни еще почти дети. Один из лучших в серии – двойной портрет Е.Н. Хрущевой и Е.Н. Хованской. Одетые в театральные костюмы юные актрисы играют в пасторали. Левицкий чутко улавливает индивидуальные особенности каждой из изображенных. Бойкая и шаловливая Хрущева, играющая кавалера, уверенно чувствует себя на сцене. Она с неподдельным удовольствием, легко и естественно ведет свою партию. Вторая героиня портрета, Хованская, совсем иная. Ее высокая, по-детски угловатая фигура в пышном кринолине кажется неловкой. Она напряженно замерла в указанной ей позе, и никакие ухищрения не могут заставить Хованскую быть кокетливой и жеманной, как того требует роль.
Левицкий, конечно, не был в полном смысле слова "человеком Просвещения". Это невозможно для художника второй половины XVIII века: слишком еще велика иерархическая дистанция между ним и моделями, слишком зависимо его положение от монарших милостей. При Екатерине Левицкий обласкан, при Павле, конечно, наоборот: ему приходится участвовать в унизительном разбирательстве по поводу заказанной императрицей серии портретов кавалеров ордена св. Владимира, которую ее преемник не желает востребовать и оплатить. Он пишет "слезницы" по инстанциям, "почтительнейше припадает к стопам", ведет себя согласно придворному этикету – и в то же время добровольно уходит с государственной службы в 1787 году (ссылки на плохое здоровье в прошении об отставке неубедительны – Левицкому в это время 52 года, и ему предстоит дожить почти до 90). Он вернется в Академию советником только в 1807 году при Александре I – точнее, его вернут, гуманно учитывая преклонный возраст, былые заслуги и нынешнюю необходимость кормить внуков. Но оставить "хлебное место" – разве это не жест, так же как отказ занять должность инспектора Академии, сулящую материальные выгоды? Левицкий может служить лишь тому, чему "всяк по своему сердечному намерению, расположению или действованию принадлежит". Так что индивидуальное самосознание пробуждается и укрепляется в нем, – как и в его героях: в Н.И. Новикове, Н.А. Львове, И.И. Дмитриеве, И.В. Лопухине и других.
Портреты "интеллигентов XVIII века" (название, конечно, не вполне исторически корректное – этот слой только зарождается) не образуют отдельного цикла в творчестве Левицкого. Но им запечатлен целый ряд людей, составивших славу русской и европейской культуры того времени – от идейного вдохновителя отечественной интеллектуальной элиты Дени Дидро (1773-1774) до "Неизвестного композитора" (1781). Возможно, с кем-то из них Левицкий состоял в одной масонской ложе (предположение не вполне доказанное, но вероятное), и причастность общему кругу идей определила трактовку образов, которая, как правило, предельно проста.
Никакого постановочного размаха, никаких риторических жестов: даже парик и парадная одежда не обязательны для философа. Но в лаконичных характеристиках Левицкий уже вплотную приближается к психологическим завоеваниям портрета следующего столетия.
Вплотную, – но не совсем. По точному определению искусствоведа А.М. Эфроса, "Левицкий отнюдь не опережал своего времени, а шел в ногу с ним". Подобно Державину в поэзии, он воплотил в живописи самый дух противоречивой эпохи – ее декоративную пышность и тяготение к рационалистическим идеалам, веру в просвещение и плотское, "нутряное" ощущение жизни. В его наследии можно обнаружить и почти рембрандтовские предвидения "портрета-судьбы" ("Портрет священника Г.К. Левицкого", 1779) и полуэтнографические опыты в духе пробуждающейся моды на национальное ("Портрет дочери Агаши в русском костюме", 1785); он умел быть блестяще-светским ("Портрет Анны Давиа", "Портрет Урсулы Мнишек", оба 1782) и лирически-проникновенным, особенно в женских изображениях ("Портрет М.А. Дьяковой", 1778), опровергающих расхожее в то время представление о женщине, как о существе "веселонравном, любящем только смехи и забавы"; наконец, ему не было равных в портрете парадном, в великолепии композиционных постановок. И строки из дифирамба, написанного И.Ф. Богдановичем по поводу "Портрета Екатерин II в храме богини Правосудия" – "Твоею кистью ты явил в Петровом граде бессмертных красоту и смертных торжество" – можно отнести ко всему его творчеству.
Портретная и историческая живопись XVIII века была пронизана идеями гражданственности, патриотическим пафосом, чувством общественного долга. Эти идеи найдут дальнейшее развитие в искусстве последующего столетия.
Билет №3
Рису́нок — изображение на плоскости, созданное средствами графики.
Рису́нок - вид графики и вместе с этим основа всех видов изобразительного искусства.
В роли графической основы присутствует в любом изображении на плоскости, в этом значении оценивается с точки зрения качества (понятие рисунка в живописи и т. п.). Рисунок может выполняться как самостоятельное по значению произведение графики либо служить вспомогательным этапом для создания живописных, графических, реже — скульптурных работ или архитектурных замыслов. Рисунки как предварительные наброски и эскизы для создания более масштабных живописных произведений часто имеют самодостаточную и выдающуюся художественную ценность.
Рисунок является технической базой изобразительных искусств, ввиду этого глубоко изучается художниками, скульпторами и архитекторами (учебная дисциплина «академический рисунок»). Рисунки создаются художниками в процессе изучения натуры (наброски, штудии), при поиске композиционных решений графических, живописных и скульптурных произведений (эскизы, картоны), при разметке живописнойкартины (подготовительный рисунок под живопись)
Рисунок как самостоятельное произведение — станковый рисунок (по аналогии со станковой живописью) — образует в европейском искусстве отдельный вид графики. Под категорию станкового рисунка подпадают также исторически известные рисунки значительной эстетической ценности, независимо от первоначального предназначения. С живописью рисунок сближает его уникальность, тогда как такие произведения печатной графики как гравюры и литографии могут распространяться во множестве равноценных экземпляров.
Элементы рисунка, создающие иллюзию трехмерности: свет, тень (собственная (самый неосвещенный участок рисунка) и отбрасываемая (падает на поверхность, на котором находится предмет), полутени (между светом и тенью), рефлекс (отсвет), блик (самый освещенный участок).
С помощью графического рисунка можно передать не только форму и степень прозрачности и освещенности тела (с помощью вышеназванных элементов), но и "передать" цвет, - посредством черно-белого (в случае черно-белого рисунка) оттенка, соответствующего данному цвету. Если долго смотреть на глаза (см. портрет девушки), то создается ощущение зеленого цвета.
Исполняются рисунки в подавляющем большинстве случаев на бумаге. В станковом рисунке используется весь спектр графических материалов: «мягкие материалы» (уголь, соус, сангина, разнообразные мелки, техника сухая кисть), краски, наносимые кистью и пером (тушь, чернила, бистр),карандаши, капиллярные и прочие пишущие узлы. В учебном рисунке в настоящее время наиболее употребимы графитный карандаш и уголь.
Виды рисунка:
Билет №4
Натюрмо́рт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV—XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.
Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смыслеСтрастей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.
Билет №5
Жи́вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую основу, а также созданием изображения с помощью цифровых технологий.
До наших времён дошли изображения животных и людей, сделанные ещё в эпохупервобытного общества на стенах пещер. С тех пор прошли многие тысячелетия, но живопись всегда оставалась неизменным спутником духовной жизни человека.
Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, картон,бумага, обработанные поверхности стен и т. д. В том числе к живописи относят и выполненные красками изображения на декоративных и церемониальных сосудах, поверхности которых могут иметь сложную форму[источник не указан 310 дней].
Существует также узкая трактовка термина живопись как работ, выполненных красками на холсте, доске и других подобных материалах. В узком значении термин живописьпротивопоставляется работам, созданным на бумаге, для которых применяется термин графика
Билет №6
Портре́т (фр. portrait, от старофранц. portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту»[1], устар. парсуна — от лат. persona — «личность; особа») — изображение или описание какого-либо человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности[2], в том числе художественными средствами (живописи, графики, гравюры, скульптуры, фотографии, полиграфии), а также в литературе и криминалистике (словесный портрет)[3].
В изобразительном искусстве портрет — это самостоятельный жанр, целью которого является отображение визуальных характеристик модели. «На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».[5] Портрет — это повторение в пластических формах, линиях и красках живого лица, и одновременно при этом его идейно-художественная интерпретация[6].
В европейской культуре слово «portrait» первоначально означало «изобразительное воспроизведение» любого объекта, относясь к концепции воспроизведения в целом. Например, в книге образцов и эскизов «Livre de portraiture» Виллард де Оннекур (XIII век) использует соответствующее французское слово "counterfeit" (от лат. "contrafacere" — «имитировать») не только для изображений человеческих существ, но также и для животных. Разделение животного и человеческого мира относительно слова «портрет» произошло намного позже того момента, когда портрет установился как жанр, и раннеренессансные циклы uomini illustri («знаменитые мужи») стали распространёнными. Французский гравер Абрахам БоссXVII века, например, всё ещё называет «portraiture» как «общее слово для картины и гравюры», уравнивая слово «portrait» в этом смысле с «tableau» («изображение, картина»).[7]
Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров.[17]
По характеру изображения[18][19]:
Билет №7
К жанрам изобразительного искусства относятся:
Билет №8
Древнерусским искусством принято называть период истории русского искусства, который начался со времени возникновения Киевского государства и продолжался вплоть до петровских реформ (с IX до XVII вв.). В тысячелетней истории русского искусства на этот период приходится более семи веков.
Древнерусское искусство характеризует первую ступень в художественном развитии русского народа. Но его нельзя считать всего лишь преддверием, предысторией русского искусства. В нем впервые обозначились черты, которые позднее стали существенными признаками русского художественного творчества. Эти черты проявляются достаточно ясно, чтобы можно было говорить о его самобытности уже в эту раннюю пору.
И́конопись (от икона и писа́ть) — иконописание, иконное писание, вид живописи, религиозной по темам и сюжетам, культовой по назначению. В наиболее общем смысле — создание священных изображений, предназначенных быть посредником между миром Божественным и земным при индивидуальной молитве или в ходе христианского богослужения, одна из форм проявления Божественной истины
Для иконописи характерны следующие стилистические особенности:
Троица.
«Троица» с момента своего создания была любимейшей иконой древнерусских художников, служила образцом для бесчисленных копий и воспроизведений. Но судьба самого Андрея Рублева и многих его творений драматична и поначалу даже необъяснима. Смиренный инок, он всю жизнь свою посвятил созданию фресок и икон на религиозные сюжеты. Уважаемый и широко известный, еще при жизни названный «преподобным», через какое-то время он был забыт потомками, а многие творения его оказались утраченными. Даже в начале XX века некоторые специалисты не могли достоверно назвать ни одного его произведения. Осталось лишь имя, да и то знали его только любители древнерусского искусства. Даже в знаменитой энциклопедии Брокгауза и Ефрона, выходившей в 1890—1907 годы, не нашлось места хотя бы для простого упоминания об Андрее Рублеве.
Ветхозаветная Троица была символом единения. Еще в середине XIV века, основывая свою обитель, Сергий Радонежский (как сказано в одном из его житий) «поставил храм Троицы... дабы взиранием на святую Троицу побеждался страх перед ненавистной раздельностью мира». На довольно значительной по размерам доске Андрей Рублев изобразил ветхозаветную Троицу — явление Аврааму Бога в виде трех ангелов. Библейский рассказ в интерпретации Андрея Рублева утратил все те повествовательные черты, которые традиционно включались в композицию иконы на этот сюжет. Нет Авраама и Сарры, нет сцены заклания тельца, даже атрибуты трапезы сведены к минимуму: ангелы представлены не вкушающими, а беседующими. Жесты ангелов, плавные и сдержанные, свидетельствуют о возвышенном характере их беседы.
Содержание «Троицы» многогранно. Идейным и композиционным центром ее является чаша с головой жертвенного тельца — прообраз агнца новозаветного. «Чаша» прошла долгий путь, и во всей истории человечества имела значение «чаши жизни», «чаши мудрости», «чаши бессмертного напитка». В средние века на основе ее христианского значения возникло поэтическое сказание о «Чаше Грааля», из которой Иисус Христос пил во время Тайной вечери. В русскую народную поэзию чаша вошла как «смертная». Эта тема звучит в былинах и «Слове о полку Игореве». Для Андрея Рублева и его современников «чаша» была тесно связана с реальной жизнью, только на иконе трагизм этой героической темы выражен у него светлой печалью. В рублевской «Троице» «чаша смертная» — «залог жизни будущей».
Билет №9
Композиция (изобразительное искусство) — организующий компонент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его элементы друг другу и всему замыслу художника. Композиционное решение в изобразительном искусстве связано с распределением предметов и фигур в пространстве, установлением соотношения объемов, света и тени, пятен цвета и т. п.
Композиционные приемы:
ЗАКОН ЦЕЛОСТНОСТИ подразумевает, что все элементы композиции должны быть приведены к непрерывному во времени и пространстве единому целому.
Благодаря соблюдению этого закона произведение искусства будет восприниматься как единое и неделимое целое. Закон вытекает из свойства целостности композиции и основывается на неделимости композиции в соответствие с идеей художественного произведения.
Объекты композиции следует сопоставлять таким образом, чтобы они легко и ясно воспринимались зрителем, даже тогда, когда они частично перекрываются другими объектами. Необходимо избегать совпадений или слияний очертаний соприкасающихся предметов, так как в противном случае одни из них будут восприняты как продолжение других, что в свою очередь стане причиной возникшей путаницы.
ЗАКОН ПОДЧИНЕНИЯ ИДЕЙНОМУ ЗАМЫСЛУ гласит, что все элементы композиции должны быть подчинены единому замыслу автора проихведения, сформулированному в соответствие с идеей и целью создаваемого произведения.
Согласно этому закону выстраиваемая композиция не должна подчиняться лишь общим формальным правилам построения. Композиция должна иметь идейный смысл – она должна отражать замысел художника, его понимание, нравственную и эстетическую оценку сюжета. Именно действие этого закона отличает художественное произведение от фотографического копирования объектов действительности.
ЗАКОН КОНТРАСТОВ предполагает, что элементы композиции должны быть контрастны и конфликтны друг к другу, подчеркивая различия друг с другом, но при этом не нарушать других законов композиции (прежде всего – целостности)
Билет №10
Архитектура-искусство проектировать и строить здания и сооружения (также их комплексы). Архитектура непременно создает материально организованную среду, необходимую людям для их жизни и деятельности, в соответствии с современными техническими возможностями и эстетическими воззрениями общества[1].
Три основных виды архитектуры:
Художественные средства: объем, фактура, ритм, масштаб
Билет №11
Билет №12
Госуда́рственный Эрмита́ж в Санкт-Петербурге — крупнейший в России и один из крупнейших в мире художественных и культурно-историческихмузеев, федеральное государственное учреждение культуры.
Свою историю музей начинает с коллекций произведений искусства, которые начала приобретать в частном порядке российская императрицаЕкатерина II. Первоначально эта коллекция размещалась в специальном дворцовом флигеле - Малом Эрмитаже (от фр. ermitage — место уединения, келья, приют отшельника, затворничество), откуда и закрепилось общее название будущего музея. В 1852 году из сильно разросшейся коллекции был сформирован и открыт для посещения публики Императорский Эрмитаж.
Современный Государственный Эрмитаж представляет собой сложный музейный комплекс. Основная экспозиционная часть музея занимает пять зданий, расположенных вдоль набережной реки Невы в центре Санкт-Петербурга, главным из которых повелось считать Зимний дворец.
С 1990 года пост генерального директора Государственного Эрмитажа занимает Михаил Борисович Пиотровский, сменивший на этом посту своего отца, известного историка и археолога Бориса Борисовича Пиотровского.
На сегодняшний день коллекция музея насчитывает около трёх миллионов произведений искусства и памятников мировой культуры, начиная с каменного века и до нашего столетия.
Пять зданий, связанные друг с другом на Дворцовой набережной, составляют музейный комплекс Эрмитажа:
Также в комплекс зданий Государственного Эрмитажа включены:
Государственный Русский музей (до 1917 года «Русский Музей ИмператораАлександра III») — самый обширный музей русского искусства в мире. Находится в Санкт-Петербурге, в здании Михайловского дворца. Филиалы музея расположены в Михайловском замке, в Мраморном и Строгановском дворце. В ведении музея находятся также Михайловский и Летний сад с Летним дворцом Петра I, а также Домик Петра I. Директор музея — Владимир Александрович Гусев.
Основан российским императором Николаем II в память о своём родителе — императоре Александре III. Управление делом создания музея было возложено на великого князя Георгия Михайловича, на имя которого 7 марта 1898 года (в день открытия музея) был дан высочайший рескрипт, изъявлявший благодарность[1]
Открыт 7 (19) марта 1898 года в высочайшем присутствии[2].
В настоящее время в собрание Русского музея входят следующие отделы: русская и советская живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладного и народного искусства (мебель, фарфор, стекло, резьба, лаки, изделия из металла, ткани, вышивка, кружево и др.). На 1 января 2005 года коллекция музея насчитывала 394 158 единиц хранения[3]
В древнерусском отделе широко представлены иконы XII—XV веков (например, Ангел Златые власы, Богоматерь Умиление, Дмитрий Солунский, Чудо Георгия о змие, Борис и Глеб и др.), произведения Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других мастеров. Всего коллекция Русского музея составляет порядка 5 тысяч икон XII — начала XX века.
Государственная Третьяковская галерея, ГТГ (известна также какТретьяковка) — художественный музей в Москве, основанный в 1856 году купцом Павлом Третьяковым и имеющий одну из самых крупных в мире коллекций русского изобразительного искусства. Экспозиция в главном корпусе «Русская живопись XI — начала XX в» (Лаврушинский переулок, д. 10) является частью Всероссийского музейного объединения «Государственная Третьяковская галерея», образованного в 1986 году.
К 1917 году коллекция Третьяковской галереи насчитывала около 4 000 произведений, к 1975 — 55 000 произведений. Собрание Галереи постоянно росло за счёт планомерных государственных покупок.
В настоящее время коллекция включает русскую живопись, графику, скульптуру, отдельные произведения декоративно-прикладного искусства XI — начала XXI веков.
Билет №13
Дизайн интерьера (интерьерный дизайн) — отрасль дизайна, направленная на интерьер помещений с целью обеспечить удобство и эстетически приятное взаимодействие среды с людьми. Интерьерный дизайн сочетает в себе художественный и промышленный дизайн. Дизайнер выполняет оптимизацию труда в помещении, улучшает навигацию в крупных помещениях, разрабатывает оформление специализированных помещений (например, студий звукозаписи,киномонтажа, фотографии; аквапарков) согласно запросам клиентов. Дизайнер управляет всем процессом оформления интерьера, начиная планировкой помещения, освещения, систем вентиляции, акустикой; отделкой стен; и заканчивая размещением мебели и установкой навигационных знаков.
Помимо дизайнера интерьерным дизайном может заниматься архитектор.
Разработка дизайна интерьера начинается с составления дизайн-проекта — комплекта документов, описывающих функциональные и дизайнерские решения, в них содержатся чертежи помещения и описания всех деталей будущего интерьера, включая отделочные материалы и расположение коммуникаций[2]. В проекте присутствует техническое задание, в котором описаны все требования и пожелания заказчика.
Сначала производятся обмеры помещения, после чего разрабатываются примерные планировочные решения и эскизы[3]. На этом этапе дизайнер предлагает заказчику несколько вариантов планировки с распределением основных функциональных зон и расстановкой мебели. Так как 3D-моделирование — трудозатратный процесс, на этапе примерного планирования подробные трёхмерные модели разрабатываются только после согласования с заказчиком.
После утверждения размещения зон разрабатываются проектировочные чертежи[4] электрических проводов и планируется расположение электроприборов (освещение, электрический обогрев и прочее); в случае необходимости выполняются чертежи изменений в планировке; план потолков и напольных покрытий, размещения сантехнического оборудования, ведомости, содержащие сведения об отделке и заказываемых материалах и предметах мебели и декоре.
Следущим этапом является реализация запланированных работ; на этой стадии дизайнер контролирует работу отделочных и ремонтных бригад, предоставляя заказчику требуемую сметную документацию.
Билет №14
Пейза́ж (фр. Paysage, от pays — страна, местность) — жанр изобразительного искусства (или отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа[1].
В зависимости от изображённого мотива можно выделить сельский, городской (в том числе архитектурный — ведута и индустриальный) пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии — морской пейзаж или марина. Кроме того, пейзаж может носить эпический, исторический, лирический, романтический, фантастический и даже абстрактный характер.
Хотя пейзажные виды встречаются в картинах мастеров итальянского Возрождения, таких, как, например, Леонардо да Винчи и Джорджоне, впервые в европейскойживописи чисто пейзажные композиции появились в работах мастеров нидерландского Возрождения середины XVI века, в первую очередь Иоахима Патинира и Херри мет де Блес.
Расцвет пейзажной живописи ознаменовало развитие пленэрного пейзажа, связанного с изобретением в XIX веке метода производства тюбиковых красок. Живописец мог работать вдали от своей мастерской, на природе, при натуральном освещении. Это значительно обогатило выбор мотивов, приблизило искусство к зрителю, дало возможность творцу трансформировать свои непосредственные эмоциональные впечатления в произведение живописи.
Если в прошлые времени, при господстве академизма, пейзаж относился к «низкому» (второстепенному) жанру живописи, то, особенно начиная с импрессионистов и поныне, это направление представлено в творчестве многих художников и пользуется непреходящим интересом любителей живописи. При взгляде на лучшие пейзажные произведения можно почти физически ощутить дуновение ветра, запах моря, тишину снега или шум листвы
Билет №15
Декоративно-прикладное искусство (от лат. decoro — украшаю) — раздел декоративного искусства, охватывающий создание художественных изделий, имеющих утилитарное назначение.
Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера.[1] Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.
Декоративно-прикладное искусство существовало уже на ранней стадии развития человеческого общества и на протяжении многих веков являлось важнейшей, а для ряда племён и народностей основной областью художественного творчества. Древнейшим произведениям декоративно-прикладного искусства свойственны исключительная содержательность образов, внимание к эстетике материала, к рациональному построению формы, подчёркнутой декором. В традиционном народном творчестве эта тенденция удержалась вплоть до наших дней.
С началом классового расслоения общества всё большее значение приобретает интерес к богатству материала и декора, к их редкостности и изысканности. Выделяются изделия, служащие целям представительности (предметы для культовых ритуалов или придворных церемоний, для убранства домов знати), в которых ради повышения их эмоционального звучания мастера нередко жертвуют бытовой целесообразностью построения формы.[2]
Билет №16
Передвижники, художники, входившие в прогрессивное российское демократическое художественное объединение — Товарищество передвижных художественных выставок. Товарищество образовалось в 1870 в Петербурге по инициативе И. Н. Крамского, Г. Г. Мясоедова, Н. Н. Ге и В. Г. Перова в процессе борьбы передовых художественных сил страны за демократические идеалы и в противовес официальному центру искусства — петербургской Академии художеств (см.Академии художественные). Товарищество развивало лучшие традиции Артели художников, руководитель которой И. Н. Крамской стал идейным вождём нового объединения. Передвижники находились под воздействием общественных и эстетических взглядов В. Г. Белинского и Н. Г. Чернышевского. Освободившись от регламентации и опеки АХ в создании, показе и реализации своих производств, они организовали внутреннюю жизнь Товарищества на кооперативных началах, развернули просветительную деятельность. С 1871 Товарищество устроило 48 передвижных выставок в Петербурге и Москве, после чего они показывались в Киеве, Харькове, Казани, Орле, Риге, Одессе и др. городах. Решительно порвав с канонами и идеалистической эстетикой академизма, искусство Передвижники имело своей основой творческий метод критического реализма. Передвижники обратились к правдивому, с демократических позиций изображению жизни и истории народа, родной страны, её природы. Стремясь служить своим творчеством интересам трудового народа, они прославляли его величие, силу, мудрость и красоту, а часто поднимались до беспощадного обличения его угнетателей и врагов, невыносимо тяжёлых условий его жизни. В гуманистическом искусстве Передвижники нашли решительное осуждение российские самодержавные порядки, с горячим сочувствием было показано освободительное движение русского народа.
Характерные для Передвижники картины отличались большой силой психологизма и социального обобщения, высоким мастерством типизации, умением через отдельные образы и сюжеты представлять целые классы и сословия. Ведущими жанрами в искусстве Передвижники были бытовой жанр и портрет, позволявшие наиболее полно показывать жизнь народа, создавать образы передовых людей, прямо утверждать демократические идеалы. Значительное развитие получили также исторический жанр и пейзаж; в картинах на евангельские сюжеты воплощались актуальные нравственно-философские проблемы.
Творчество Передвижники в период своего расцвета в 1870—90-х гг. развивалось в сторону всё более широкого охвата жизни, всё большей естественности и свободы изображения. На смену несколько скованной и суховатой манере письма тёмными красками приходят свободная, широкая манера, передача световоздушной среды с помощью светлой палитры, рефлексов, цветных теней; разнообразнее и свободнее становится композиция картины, отражавшая стремление художников к наибольшей естественности изображения, к воссозданию живой связи человека с окружающей средой, природой. В творчестве Передвижники критический реализм достиг в русском изобразительном искусстве своей кульминации. Новаторское, подлинно народное искусство Передвижники служило действенным средством демократического, общественного, нравственного и эстетического воспитания многих поколений и в конечном счёте стало важным фактором развития русского освободительного движения, помогало росту революционного сознания общества. В. И. Ленин, передовые деятели русского революционного движения и русской культуры дали высокую оценку творчеству Передвижники
Товарищество объединяло почти все наиболее талантливые художественные силы страны. В его состав в разное время входили (помимо инициаторов) И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. Е. Маковский, И. М. Прянишников, А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. М. Максимов, К. А. Савицкий, А. М. и В. М. Васнецовы, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, Н. А. Ярошенко, И. И. Левитан, В. А. Серов и др. Участниками выставок Товарищества были М. М. Антокольский, В. В. Верещагин, А.Передвижники Рябушкин и др. Большую роль в развитии искусства Передвижники играл критик-демократ В. В. Стасов; Передвижники М. Третьяков, приобретая в свою галерею произведения Передвижники, оказывал им важную материальную и моральную поддержку. Авторитет и общественное влияние Товарищества неуклонно росли. Самодержавие вынуждено было отказаться от первоначальной тактики зажима и травли Передвижники Оно делало попытки подчинить себе их деятельность, чтобы поднять значение АХ, переживавшей глубокий кризис. В 1890-х гг. в состав АХ вошли видные члены Товарищества (Репин, В. Маковский, Шишкин и др.). В числе Передвижники были художники Украины, Латвии, Армении и др., оказавшие большое влияние на развитие своих национальных художественных школ по пути реализма, народности и демократических идеалов. Огромное значение для развития русского. реалистического искусства имела педагогическая деятельность Передвижники (В. Г. Перов, И. Е. Репин, В. Е. Маковский, И. Н. Крамской, А. К. Саврасов, А. И. Куинджи, К. А. Савицкий, В. Д. Поленов и др.). На рубеже 19—20 вв. искусство ряда Передвижники стало утрачивать глубину отражения жизни, обличительный пафос. Товарищество теряло былое общественное влияние, но основное ядро Передвижники до конца сохранило верность реализму и демократическим идеалам. В 1890—1900-х гг. в творчестве передовой группы Передвижники появлялись социалистические идеи, отражавшие развитие рабочего движения, рождались элементы социалистического искусства (Н. А. Касаткин, Л. В. Попов, С. В. Иванов и др.). Многие Передвижники вошли в советскую художественную культуру, явились носителями великих реалистических традиций 19 в. и помогли формированию искусства социалистического реализма. Товарищество Передвижники распалось в 1923. Его члены влились преимущественно в АХРР, продолжая в новых исторических условиях служить своим искусством народу.
Репин Илья Ефремович
Илья Репин родился 24 июля (5 августа) 1844 года в семье военного поселенца Ефима Васильевича Репина (1804—1884) в городе ЧугуевеХарьковской губернии Российской империи. Грамоте и арифметике обучился у пономаря и дьякона. В 1855 году занимался в топографической школе, но при упразднении военных поселений её закрыли. С 13 лет обучался живописи в Чугуеве у И. Бунакова.
В 1863 году поступил в Академию художеств в Петербурге. В рисовальной школе на Бирже Репин познакомился сИ. Н. Крамским, который стал его наставником. Обучался также у Р. К. Жуковского. Учился успешно, в 1869 г. был награждён малой золотой медалью за картину «Иов и его друзья».
Во время своего путешествия по Волге в 1870 году написал ряд этюдов и эскизов; по некоторым из них написал для великого князя Владимира Александровича картину «Бурлаки на Волге», оконченную в 1873 году. Эта картина, изображающая тяжкий труд бурлаков, тянущих баржу, произвела сильное впечатление на публику и критиков.
Одной из первых картин Репина, получивших широкое признание, был большой групповой портрет Славянские композиторы, выполненный по заказу предпринимателя А. А. Пороховщикова.
В 1872 году за программную работу «Воскрешение дочери Иаира» получил Большую золотую медаль и право на 6-летнее обучение в Италии и Франции, где завершил художественное образование.
С 1873 года Репин путешествует за границей в качестве пенсионера Академии, где корифеи старинной живописи произвели на него отрицательное впечатление. В Париже он пишет «Парижское кафе» и сказочного «Садко».
Возвращается в Россию летом 1876 года. Осенью того же года художник возвращается в свой родной Чугуев, а через год перебирается оттуда в Москву.
В 1878 году, от гостя в Абрамцеве, Репин услышал рассказ украинского историка о том, как турецкий султан писал к запорожским казакам и требовал от них покорности. Ответ запорожцев был смел, дерзок, полон издёвок над султаном. Репин пришёл в восторг от этого послания и сразу сделал карандашный эскиз. После этого он постоянно возвращался к этой теме, работая над картиной более десяти лет. Она была закончена только в 1891 году. Картина имеет 3 списка (не считая этюда). Первый Репин подарил другу, историку Дмитрию Яворницкому, а тот — Павлу Третьякову. Большая часть моделей для него взята из Екатеринославской губернии (писарь — Яворницкий, Иван Сирко — киевский генерал-губернатор Михаил Драгомиров, раненый в голову казак — художник Николай Кузнецов; войсковой судья в чёрной шапке — Василий Тарновский; молодой казачок в круглой шапке — его сын, обладатель обширной лысины — Георгий Алексеев, предводитель дворянства Екатеринославской губернии, обер-гофмейстер двора его Величества, почётный гражданин Екатеринослава и страстный нумизмат. Поначалу он отказался позировать с затылка. Пришлось пойти на хитрость. Яворницкий пригласил его посмотреть свою коллекцию, а позади тайком усадил художника, и пока предводитель любовался монетами, Репин быстро набросал портрет. Георгий Петрович узнал себя уже в Третьяковке и обиделся.
В 1882 году переезжает в Петербург, где становится деятельным членом Товарищества передвижных художественных выставок, к которому он примкнул с 1874 г., став одним из вождей реалистической школы живописи. На выставках товарищества появляются его картины: «Правительница Софья Алексеевна в монастыре» (1879), «Крестный ход в Курской губернии» (1883), «Не ждали» (1884), «Иван Грозный и его сын Иван» (1885).
В 1887 году Репин развёлся с женой Верой Алексеевной Шевцовой, от этого брака у художника осталось четверо детей: сын Юрий и три дочери, Вера, Надежда и Татьяна, которых он нежно любил и не раз писал их портреты. В том же году он вышел из Товарищества художественных передвижных выставок. Ему не нравилось, что передвижники замыкаются в себе и не принимают новых членов, особенно молодых.
В этот же период созданы картины: «Дуэль», «Поприщин» (1882), портреты Ференца Листа и Михаила Глинки (1887), а также портреты П. А. Стрепетовой, Н. И. Пирогова, П. М. Третьякова, И. Н. Крамского, И. С. Тургенева, В. М. Гаршина,В. В. Самойлова, М. С. Щепкина, баронессы Икскуль и многих других.
С начала 1890-х годов Репин подолгу работал в приобретённом им имении Здравнёве Витебской губернии. Здесь им созданы картины «Белорус» (1892), «Осенний букет» (1892), «Охотник с ружьём» (1892), «Дуэль» (1896), «Портрет сына Юрия на террасе Здравнёвкого дома» (1896) и другие, ряд этюдов.
В 1893 г. Репин стал действительным членом Петербургской Академии художеств. В 1894—1907 годах он — профессор-руководитель мастерской в Академии художеств, а в 1898—1899 гг. — ректор Академии.
В 1901 году художник получает правительственный заказ: написать торжественное заседание Государственного Совета в день столетнего юбилея. Грандиозное многофигурное полотно (35 м²) «Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года» (1901—1903, ГРМ), в исполнении которого принимали участие Б. М. Кустодиев и И. С. Куликов, было написано в течение двух лет. На парадном портрете изображено более восьмидесяти человек — сановников Государственного Совета, во главе с царём и членами царствующего дома. К картине Репин написал пятьдесят этюдов-портретов и эскизы.
После написания картины «Иван Грозный и его сын Иван», отражающей несуществующее историческое событие (как известно из материалов Комиссии, вскрывшей в 1963 году царские захоронения в Архангельском Соборе Кремля, царевич Иоанн был отравлен сулемой - солями ртути, как и отец (Иван Грозный), и мать его (Анастасия Захарьина-Кошкина[источник?]), и многие из царской семьи), правая рука художника начала сохнуть, а потом и вовсе перестала действовать[источник?]. Но он научился писать левой рукой
Билет №17
Полиграфи́я (от греч. πολὺ- — «много» и γράφω — «писать») — это отрасль промышленности, занимающаяся размножением печатной продукции, а именно книжно-журнальной, деловой, газетной, этикеточной и упаковочной продукции. Также это означает умение работать с детектором лжи - полиграфом.
Книжная графика — один из видов графического искусства. Сюда относятся, в частности, книжные иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложки, суперобложки и т. п. С рукописной книгой с древности и средних веков во многом связана историярисунка, а с печатной книгой — развитие гравюры и литографии. В древнем мире появился шрифт, также относимый к графике, поскольку сама по себе буква является графическим знаком.
Ива́н Я́ковлевич Били́бин (4 (16) августа 1876 — 7 февраля 1942) — русский художник, книжный иллюстратор и театральный оформитель, участник объединения «Мир искусства». Билибинский стиль
Для билибинского рисунка характерно графическое представление. Начиная работу над рисунком, Билибин набрасывал эскиз будущей композиции. Чёрные орнаментальные линии четко ограничивают цвета, задают объём и перспективу в плоскости листа. Заполнение акварельными красками черно-белого графического рисунка только подчеркивают заданные линии. Для обрамления рисунков Билибин щедро использует орнамент.
Влади́мир Андре́евич Фаво́рский (15 марта 1886, Москва — 29 декабря1964, Москва) — русский, советский художник, мастер ксилографии икнижной графики, искусствовед, сценограф, живописец-монументалист, педагог и теоретик изобразительного искусства. Действительный членАкадемии художеств СССР (1962), Народный художник СССР (1963).
1898—1905 — учился у И. Дудина (по словам В. Фаворского: «очень простого, но правдивого преподавателя») в частной художественной школеК. Ф. Юона, одновременно посещал вечерние скульптурные классыСтрогановского училища.
В это время уже начинает обрисовываться стиль художника,— подход В. А. Фаворского к оформлению книги, развитый им впоследствии. Он говорит: «Я не иллюстрирую произведения, а создаю книгу». Принципы, которыми он руководствуется при формировании издания, роднят его с такими признанными специалистами в области типографики, как Я. Чихольд, С. Морисон, Э. Гилл и др.
1932 — пишет статью «О композиции» (с 1930-го) — в этой первой опубликованной работе цикла теории композиции Владимир Фаворский заостряет внимание на основных, по его мнению, проблемах, в неразрывном единстве обуславливающих решение важнейших задач, касающихся настоящей сложной и чрезвычайно широкой темы — организации пространства в изобразительном искусстве — проблемы времени, проблемы материала и проблемы мировоззрения (Искусство, 1933, № 1 — раздел «Проблема мировоззрения в композиции» не был опубликован; полностью статья напечатана в 1967 году в двух первых номерах журналов «Творчество»).
Билет №18
Светоте́нь — наблюдаемое на поверхности объекта распределениеосвещённости, создающей шкалу яркостей.
Свет в изобразительном искусстве, фотографии и кинематографе является одним из основных изобразительных средств: от условий освещения зависит передача формы, объёма, фактуры объекта и глубины пространства.
Объект зрительно воспринимается только тогда, когда он освещён, то есть когда на его поверхности образуется светотень из-за разной освещённости.
В зависимости от положения объекта по отношению к источнику света, вида (фактуры) и цвета его поверхности и ряда других факторов светотень будет иметь ту или иную яркость. Различают следующие элементы светотени:
Элементы светотени у объекта и фотографического изображения часто называют тона́ми. Таким образом, блик представляет собой наиболее яркий тон, а тень — наименее яркий.
Глаз различает значительное число тонов. Чем шире шкала тонов, тем меньше они различаются по яркости друг от друга, тем менее контрастным воспринимается объект; чем она у́же, тем бо́льшими будут различия яркостей между тонами, тем более контрастным явится объект.
Фотографическое изображение имеет меньше тонов, чем объект. Когда оно состоит из 50 и более тонов от белого до чёрного, то воспринимается как неконтрастное, мягкое, потому что различия между тонами будут незначительными; из 35-45 тонов — как имеющее нормальный контраст, а из 10-20 тонов — как контрастное, так как различия между ними станут уже значительными.
Билет №19
Перспекти́ва (фр. perspective от лат. perspicere — смотреть сквозь) — наука об изображении пространственных объектов на плоскости или какой-либо поверхности в соответствии с теми кажущимися сокращениями их размеров, изменениями очертаний формы и светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре.
Другими словами, это:
Прямая линейная перспектива
Вид перспективы, рассчитанный на неподвижную точку зрения и предполагающий единую точку схода на линии горизонта (предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления их от переднего плана). Теория линейной перспективы впервые появилась у Амброджо Лоренцетти в XIV веке, а вновь она была разработана в эпоху Возрождения (Брунеллески, Альберти), основывалась на простых законах оптики и превосходно подтверждалась практикой. Отображение пространства на плоскость сначала простой камерой обскура с простым отверстием (стенопом), а затем и с линзойполностью подчинено законам линейной перспективы. Прямая перспектива долго признавалась как единственное верное отражение мира в картинной плоскости. С учетом того, что линейная перспектива — это изображение, построенное на плоскости, плоскость может располагаться вертикально, наклонно и горизонтально в зависимости от назначения перспективных изображений. Вертикальная плоскость, на которой строят изображения с помощью линейной перспективы, используется при создании картины (станковая живопись) и настенных панно (на стене внутри помещения или снаружи дома преимущественно на его торцах). Построение перспективных изображений на наклонных плоскостях применяют в монументальной живописи — росписи на наклонных фризах внутри помещения дворцовых сооружений и соборов. На наклонной картине в станковой живописи строят перспективные изображения высоких зданий с близкого расстояния или архитектурных объектов городского пейзажа с высоты птичьего полета. Построение перспективных изображений на горизонтальной плоскости применяют при росписи потолков (плафонов). Известны, например, мозаичные изображения на овальных плафонах станции метро «Маяковская» художника А. А. Дейнеки. Изображения, построенные в перспективе на горизонтальной плоскости потолка, называют плафонной перспективой.
Воздушная перспектива
Воздушная перспектива характеризуется исчезновением четкости и ясности очертаний предметов по мере их удаления от глаз наблюдателя. При этом дальний план характеризуется уменьшением насыщенности цвета (цвет теряет свою яркость, контрасты светотени смягчаются), таким образом — глубина кажется более светлой, чем передний план. Воздушная перспектива связана с изменением тонов, потому она может называться также и тональной перспективой.[4] Первые исследования закономерностей воздушной перспективы встречаются еще у Леонардо да Винчи. «Вещи на расстоянии, — писал он, — кажутся тебе двусмысленными и сомнительными; делай и ты их с такой же расплывчатостью, иначе они в твоей картине покажутся на одинаковом расстоянии… не ограничивай вещи, отдаленные от глаза, ибо на расстоянии не только эти границы, но и части тел неощутимы». Великий художник отметил, что отдаление предмета от глаза наблюдателя связано с изменением цвета предмета. Поэтому для передачи глубины пространства в картине ближайшие предметы должны быть изображены художником в их собственных цветах, удаленные приобретают синеватый оттенок, «…а самые последние предметы, в нем видимые, как, например, горы вследствие большого количества воздуха, находящегося между твоим глазом и горою, кажутся синими, почти цвета воздуха…».
Воздушная перспектива зависит от влажности и запылённости воздуха и ярко выражена во время тумана, на рассвете над водоёмом, в пустыне или степи во время ветреной погоды, когда поднимается пыль[5].
Билет №20
Скульпту́ра (лат. sculptura, от sculpo — вырезаю, высекаю) — ваяние, пластика — видизобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов — в широком значении слова, искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и иных предметов природы в осязательных, телесных их формах.
Художник, посвятивший себя искусству скульптуры, называется скульптором, или ваятелем. Главную его задачу составляет передача человеческой фигуры в реальном или идеализированном виде, животные играют в его творчестве второстепенную роль, а прочие предметы являются лишь в значении придаточных или обрабатываются исключительно с орнаментальной целью.
Главные жанры скульптуры — портрет, исторические, мифологические, бытовые, символические, аллегорические изображения,анималистический жанр (изображение животных). Художественно-выразительные средства скульптуры — построение объёмной формы, пластическая моделировка (лепка), разработка силуэта, фактуры, в некоторых случаях также цвета.
Различаются круглая скульптура (статуя, группа, статуэтка, бюст (изваяние головы с частью груди)), осматриваемая с разных сторон и окруженная свободным пространством; и рельеф. При рельефной скульптуре фигура представляется отчасти погруженною в плоский фон и выступающей из него менее или более чем на половину своей толщины (в первом случае —барельеф, во втором — горельеф). Монументальная скульптура (памятники, монументы) связана с архитектурной средой, отличается значительностью идей, высокой степенью обобщения, крупными размерами; монументально-декоративная скульптура включает все виды убранства архитектурных сооружений и комплексов (атланты, кариатиды, фризы, фронтонная,фонтанная, садово-парковая скульптура); станковая скульптура, не зависящая от среды, имеет размеры, близкие к натуре или меньшие, и конкретное углублённое содержание.
Относительно материала и способа исполнения изображения, скульптура, в широком значении слова, распадается на несколько отраслей: лепка, лепление, или моделировка — искусство работать из мягкого вещества, каковы воск и глина; литейное дело, или торевтика — искусство делать изваяние из расплавленного металла; глиптика, или скульптура в тесном смысле — искусство вырубать изображение из камня, металла, дерева и вообще твердых веществ; к отраслям ваяния можно, сверх того, причислить скульптурную резьбу на твердых и драгоценных камнях и изготовление штемпелей для монет и медалей (медальерное искусство).
Основная статья: Миниатюрная скульптура
Высота и длина произведения могут быть доведены до 80 сантиметров и метра. Может тиражироваться промышленно, что не характерно для станковой скульптуры. Декоративно-прикладное искусство и скульптура малых форм образуют симбиоз друг с другом, как архитектура здания с украшающей его круглой скульптурой составляя единый ансамбль. Скульптура малых форм развивается по двум направлениям — как искусство массовых вещей и как искусство неповторимых, единичных произведений. Жанры и направления малой скульптуры — портрет, жанровые композиции, натюрморт, пейзаж. Малые, пространственно — объёмные формы, ландшафтный дизайн, и кинетическая скульптура.
Кинетическая скульптура — разновидность кинетического искусства, в котором обыгрываются эффекты реального движения.Ледяная скульптура — художественная композиция, выполненная изо льда. Песчаная скульптура — художественная композиция, выполненная из песка. Материалы скульптуры — металл, камень, глина, дерево, гипс, песок, Лёд и др.; методы их обработки — лепка, высекание, художественное литьё, ковка, чеканка и др
Билет №21
Орна́мент (лат. ornemantum — украшение) — узор, основанный на повторе и чередовании составляющих его элементов; предназначается для украшения различных предметов (утварь,орудия и оружие, текстильные изделия, мебель, книги и т. д.), архитектурных сооружений (как извне, так и в интерьере), произведений пластических искусств (главным образом прикладных), у первобытных народов также самого человеческого тела (раскраска, татуировка). Связанный с поверхностью, которую он украшает и зрительно организует, орнамент, как правило, выявляет или акцентирует архитектонику предмета, на который он нанесён. Орнамент либо оперирует отвлечёнными формами, либо стилизует реальные мотивы.
К числу формальных особенностей орнамента относится декоративнаястилизация, плоскостность, органическая связь с несущей орнамент поверхностью, которую он всегда организует, нередко выявляя при этом конструктивную логику предмета. Не всякий узор можно считать орнаментом. Так, узорная ткань с бесконечно повторяющимся раппортом, не является орнаментальной. По характеру композиции, орнамент может быть ленточным, центрическим, окаймляющим, геральдическим, заполняющим поверхность или же сочетающим некоторые из этих типов в более сложных комбинациях. Это связано с обусловленной формой декорируемого предмета.
По используемым в орнаменте мотивам его делят на: геометрический, состоящий из абстрактных форм (точки, прямые, ломаные, зигзагообразные, сетчато пересекающиеся линии; круги, ромбы, многогранники, звёзды, кресты, спирали; более сложные специфически орнаментальные мотивы — меандр и т. п.); растительный, стилизующий листья, цветы, плоды и пр. (лотос, папирус, пальметта, акант и т. д.); зооморфный, или животный, стилизующий фигуры или части фигур реальных или фантастических животных. В качестве мотивов используются также человеческие фигуры, архитектурные фрагменты, оружие, различные знаки и эмблемы (гербы). Особый род орнамента представляют стилизованные надписи на архитектурных сооружениях (например, на среднеазиатских средневековых мечетях) или в книгах (т. н.вязь). Нередки сложные комбинации различных мотивов (геометрических и звериных форм — т. н. тератология, геометрических и растительных —арабески).
Билет №22
Архитектурный стиль — совокупность характерных черт и признаков архитектуры.
Характерные черты определённого времени и места, проявляющиеся в особенностях функциональной, конструктивной и художественной сторон (назначение зданий, строительные материалы и конструкции, приёмы архитектурной композиции), формируют архитектурный стиль.
Развитие архитектурных стилей зависит от климатических, технических, религиозных и культурных факторов.
Хотя развитие архитектуры напрямую зависит от времени, не всегда стили сменяют друг друга последовательно, известно одновременное сосуществование стилей как альтернативы друг другу (например, барокко и классицизм, модерн и эклектика,функционализм, конструктивизм и ар-деко)[1].