Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
Ответы на вопросы по спец дисциплинам спешиал фор ю, май литл френдс фром староста виз лав!
Ну, начнем-с, да поможет мне Пресвятой Яндекс и святой Гугл, гип-гип, йо-хо хо!
1.СпецификаДПИ. Основные виды. Знаки и символы.
Декоративно-прикладное искусство охватывает ряд отраслей, которые создают художественные изделия главным образом для быта. Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть утварь, мебель, ткани, орудия труда, оружие, а также изделия, не являющиеся произведениями искусства, но приобретающие художественное качество благодаря труду художника. Наряду с делением произведений декоративно-прикладного искусства по их назначению в научной литературе со второй половины XIX в. утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по использованному материалу (металл, керамика, текстильные, дерево и т.п.) или по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литье, чеканка и др.). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством. Декоративно-прикладное искусство решает практические и художественные задачи, а также создает материальные и духовные ценности. Произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от материальной культуры современной им эпохи, тесно связаны с укладом жизни, с этническими и национальными особенностями, социально-групповыми и классовыми различиями. Составляя органическую часть предметной среды, произведения декоративно-прикладного искусства постоянно воздействуют на душевное состояние и настроение человека, являются важным источником эмоций, влияющих на его отношение к окружающему миру. Эстетически насыщая и преображая окружающую человека среду, произведения декоративно-прикладного искусства в то же время как бы поглощаются ею, так как обычно воспринимаются во взаимосвязи с ее архитектурно-пространственным решением, с другими предметами или их комплексами (сервиз, гарнитур мебели, костюм, набор ювелирных изделий). Поэтому значимость произведений декоративно-прикладного искусства может быть понята лишь при ясном представлении (реальном или мысленно воссозданном) о взаимосвязях предмета со средой и человеком. Архитектоника предмета, обусловленная его назначением, конструктивными и пластическими свойствами материала, часто играет основополагающую роль в композиции художественного изделия. Нередко в декоративно-прикладном искусстве красота материала, пропорциональные соотношения частей и ритмическая структура изделия служат единственными средствами воплощения его эмоционально-образного содержания. Например, изделия из стекла или других нетонированных материалов без декора наглядно доказывают особое значение для произведений декоративно-прикладного искусства чисто эмоциональных, неизобразительных средств художественного языка. Эмоционально-содержательный образ изделия часто активизируется образом-ассоциацией (сопоставлением его формы с каплей, цветком, фигурой человека или животного, их отдельными элементами, с каким-либо другим изделием — колоколом, балясиной и т.п.). Декор изделия также существенно влияет на его образную структуру. Нередко именно благодаря декору предмет быта становится произведением декоративно-прикладного искусства, обладая собственной эмоциональной выразительностью, своими ритмом и пропорциями (нередко контрастными по отношению к форме). Например, простая форма и нарядная, праздничная роспись поверхности хохломских изделий различны по своему эмоциональному звучанию; декор зрительно видоизменяет форму и в то же время сливается с ней в едином художественном образе. Для создания декора предметов декоративно-прикладного искусства широко используют орнамент и элементы (порознь или в различных сочетаниях) изобразительного искусства (скульптура, живопись, реже графика). Средства изобразительного искусства и орнамент порой проникают и в форму предмета (детали мебели в виде пальметт — стилизованных пальмообразных листьев, волют — спиралевидных завитков с «глазком» в центре; звериных лап и голов; сосуды в виде цветка, плода, птицы, зверя, фигуры человека). Иногда орнамент или изображение становятся основой формообразования изделий (узор решетки, кружева; рисунок плетения ткани, ковра). Необходимость согласовать декор с формой, изображение с масштабом и характером изделия, с его практическим и художественным назначением приводит к трансформации изобразительных мотивов, к условности трактовки и сочетания элементов натуры (например, использование в оформлении ножки стола мотивов львиной лапы, крыльев орла и лебяжьей головы). В единстве художественной и утилитарной функций изделия, во взаимопроникновении формы и декора, изобразительного и тектонического начала проявляется синтетический характер декоративно-прикладного искусства. Произведения декоративно-прикладного искусства рассчитаны на восприятие и зрением, и осязанием. Поэтому выявление красоты фактуры и пластических свойств материала, искусность и многообразие приемов его обработки играют в декоративно-прикладном искусстве роль особо активных средств эстетического воздействия. Изготовление изделий декоративно-прикладного искусства своими корнями уходит в глубокую древность, когда сложились домашние промыслы и деревенское ремесло. С развитием товарно-денежных отношений формировались кустарные народные художественные промыслы. Становление феодальных городов, эволюция цехов и корпораций ремесленников (оружейников, ткачей, ювелиров и т.д.) привели к созданию художественной промышленности — отрасли, производящей декоративно-прикладные художественные изделия индустриальными методами. Развитие мануфактурного способа производства в XVI —XVII вв. способствовало появлению новых видов декоративно-прикладных изделий, изменило сами методы их изготовления, отделило разработку проекта от процесса его воплощения в материале.
Основные виды декоративно-прикладного искусства:
Гобелен - или шпалера, — один из видов декоративно-прикладного искусства, стенной односторонний безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментальной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей[1]:5. Ткач пропускает уточную нить через основу, создавая одновременно и изображение, и саму ткань. В Энциклопедическом словаре Брокгауза и Ефрона гобелен определяется как «тканый ковёр ручной работы, на котором разноцветной шерстью и отчасти шёлком воспроизведена картина и нарочно приготовленный картон более или менее известного художника». Шпалеры выполнялись из шерсти, шёлка, иногда в них вводились золотые или серебряные нити. В настоящее время для изготовления ковров вручную используются самые разнообразные материалы: отдаётся предпочтение нитям из синтетических и искусственных волокон, в меньшей степени применяются натуральные материалы[3]:13. Техника ручного ткачества трудоёмка, один мастер может выполнить в год около 1—1,5 м² (в зависимости от плотности) шпалеры, поэтому эти изделия доступны только состоятельным заказчикам. И в настоящее время гобелен (шпалера) ручной работы продолжает оставаться дорогостоящим произведением.В XVI веке возникло слово вердюра (от фр. verdure — зелень, трава, листва). Первоначально так называли изображения животных и птиц на фоне природы, но вскоре это наименование закрепилось за самими произведениями шпалерного ткачества, происходящими из Ауденарде, центра производства вердюр с XVII века[1]:16. Слово «гобелен» возникло во Франции в XVII веке, когда там открылась королевская мануфактура Гобеленов. Продукция мануфактуры была очень популярна, и в некоторых странах гобеленом называлось всё, что выполнялось в технике шпалерного ткачества. По мнению специалистов, термином «гобелен» следует обозначать лишь произведения мануфактуры Гобеленов, все же прочие — называть шпалерами. В настоящее время французским термином tapisserie (англ. tapestry, нем. Bildteppich) обозначается весь художественный текстиль. В России в научной литературе принят термин «шпалера», тогда как в широком обиходе чаще используется слово «гобелен»[1]:8. Так же называют и современные авторские ковры[3]:7. В русский язык слово «шпалера» пришло в XVIII веке из польского (польск. szраlеrа, szраlеr), немецкого (нем. Spallier) или итальянского (итал. Spaliera) языков. Изначально так назывались прямые ряды подстриженных садовых деревьев или кустарников или деревянные решётки для поддержки стволов или ветвей деревьев[6]. В русском языке одновременно применяются два термина: «шпалера» и «гобелен», обозначавшие любое тканое произведение, в том числе обивку для мебели. Позднее так же стало называться и полотно, выполненное на машине (гобеленовая ткань)
Батик → • Холодный батик • Горячий батик - ручная роспись по ткани с использованием резервирующих составов. На ткань — шёлк, хлопок, шерсть, синтетику — наносится соответствующая ткани краска. Для получения чётких границ на стыке красок используется специальный закрепитель, называемый резерв (резервирующий состав, на основе парафина, бензина, на водной основе — в зависимости от выбранной техники, ткани и красок). Батик — batik — индонезийское слово. В переводе с индонезийского оно означает «капля воска». Membatik — рисовать, покрывать каплями, штриховать. Техника батик основана на том, что парафин, резиновый клей, а также некоторые другие смолы и лаки, будучи нанесёнными на ткань, не пропускают через себя краску — или, как говорят художники, «резервируют» от окраски отдельные участки ткани. Свободная роспись. Техника свободной росписи получила значительное распространение, так как она выявляет своеобразие почерка каждого художника и индивидуальную неповторимость произведений, свойственную ручному труду. Свободная роспись по тканям из натурального шёлка и синтетических волокон производится в основном анилиновыми красителями (иногда с различными загустителями), а также масляными красками с растворителями. Особенно интересные результаты получаются от сочетания свободной росписи с контурной наводкой и отделкой резервирующим составом.
Свободная роспись с применением солевого раствора. Сущность этого способа состоит в следующем: натянутую на раму ткань, в зависимости от характера рисунка, либо пропитывают водным раствором поваренной соли и после высыхания расписывают, либо роспись ведут красками из основных красителей, в которые введён раствор поваренной соли. Все это ограничивает растекаемость краски по ткани, даёт возможность выполнять рисунки свободными мазками, варьируя форму и степень насыщенности цветом. Свободную роспись красками с введением в них солевого раствора можно сочетать с обычной росписью холодным батиком. Для этого некоторые части рисунка выполняют свободной росписью с доработкой графическим рисунком, а фоновые перекрытия производят на участках, ограниченных резервирующим составом. Техника «Сибори» — так называемый складной батик. Результат достигается также путём перевязывания и окрашивания, но более предсказуем, так как ткань складывается определённым образом. Эта техника имеет японские корни.
Набойка - вид декоративно-прикладного искусства; получение узора, монохромных и цветных рисунков на ткани ручным способом при помощи форм с рельефным узором, а также ткань с рисунком (набивная ткань), полученным этим способом. Формы для набойки изготовляют резные деревянные (манеры) или наборные (наборные медные пластины с гвоздиками), в которых узор набирается из медных пластин или проволоки. При набивке на ткань накладывают покрытую краской форму и ударяют по ней специальным молотком (киянкой) (отсюда название «набойка», «набивка»). Для многоцветных рисунков число печатных форм должно соответствовать числу цветов. Изготовление набойки — один из древних видов народного декоративно-прикладного искусства, встречающийся у многих народов: Передней и Средней Азии, Индии, Ирана, Европы и других. Набивка малопроизводительна и почти полностью вытеснена печатанием рисунка на ткани на печатных машинах. Применяется лишь в некоторых кустарных промыслах, а также для воспроизведения крупных рисунков, повторяющаяся часть которых не может уместиться на валах печатных машин, и для расцветки штучных изделий (занавеси, скатерти). Характерные рисунки народной набивки используются при создании современных декоративных тканей.
Бисероплетение - вид декоративно-прикладного искусства, рукоделия; создание украшений, художественных изделий из бисера, в котором, в отличие от других техник, где он применяется (ткачество с бисером, вязание с бисером, плетение из проволоки с бисером — так называемых бисерных плетений, бисерной мозаики и вышивки бисером), бисер является не только декоративным элементом, но и конструктивно-технологическим. Все остальные виды рукоделия и ДПИ (мозаика, вязание, ткачество, вышивка, проволочное плетение) без бисера возможны, однако потеряют часть своих декоративных возможностей, бисероплетение же прекратит свое существование. Это связано с тем, что технология бисероплетения носит самобытный характер. Сам бисер, в той форме, какой мы его знаем сегодня, многие виды бусин, многие техники бисероплетения и приёмы работ с ним стали известны в Древнем Египте. В Средние века в России, особенно на севере, в качестве бусин широко использовали кусочки перламутра и речной жемчуг, который в больших количествах добывали в реках и использовали в украшении одежды, церковной и бытовой утвари, главным образом в технике как вышивка.
Вышивание → • Древнерусское лицевое шитье • Вышивка крестом • Вышивка бисером • Нитяная графика.
Вязание → • Вязание крючком • Вязание спицами — процесс изготовления полотна или изделий (обычно элементов одежды) из непрерывных нитей путём изгибания их в петли и соединения петель друг с другом с помощью несложных инструментов вручную (вязальный крючок, спицы, игла, вилка) или на специальной машине (механическое вязание). Вязание, как техника, относится к видам плетения. Вязаные носки, найденные в коптских гробницах, датируются IV—V вв., самые древние (III в., эпоха Прато-Наска) вязаные вещи Нового света обнаружены в Перу. Высокое качество исполнения вещей из могил коптов позволяет считать, что техника вязания была известна гораздо раньше. В 1867 году Уильям Фелкин выдвинул гипотезу, что вязание было известно ещё во времена Троянской войны. В Скандинавии в эпоху викингов практиковалась техника, названная в России в конце XX века вязание иглой. Более трудоёмкий вид создания полотна деревянной или костяной иглой, которое в отличие от трикотажного, связанного крючком или спицами, невозможно распустить, потянув за кончик нити. Эта техника сохранялась на Русском Севере до начала XX века под исконным названием — «копанье».
Ковроткачество -Ворсовый ковёр-Безворсовый ковер
Керамика. Керамика известна с глубокой древности и является, возможно, первым созданным человеком материалом. Считалось, что возникновение керамики напрямую связано с переходом человека к оседлому образу жизни, поэтому оно произошло намного позднее, чем корзины. Ещё недавно первые известные нам образцы керамики относились к эпохе верхнего палеолита (граветтская культура). Однако, найденные в 1993 году горшки из Сяньжэньдон слеплены 20 тысяч лет назад. Древнейший предмет из обожженной глины датируется 29-25 тысячелетиями до нашей эры. Это вестоницкая Венера, хранящаяся в Моравском музее в Брно. В мезолитических культурах керамика используется нерегулярно и, как правило, на позднем этапе; наиболее совершенные образцы мезолитической керамики известны в культуре дзёмон на территории Японии. В неолите керамика становится неотъемлемым атрибутом практически всех археологических культур (исключение — период древнейших аграрных сообществ докерамического неолита на ближнем Востоке, когда переход к оседлому образу жизни произошёл раньше многих других технологических инноваций). Первоначально керамика формовалась вручную. Изобретение гончарного круга в третьем тысячелетии до нашей эры (поздний энеолит — ранний бронзовый век) позволило значительно ускорить и упростить процесс формовки изделия. В доколумбовых культурах Америки индейская керамика изготавливалась без гончарного круга вплоть до прихода европейцев. Отдельные виды керамики формировались постепенно по мере совершенствования производственных процессов, в зависимости от свойств сырья и получаемых условий обработки. Древнейшие виды керамики — это разнообразные сосуды, а также пряслица, ткацкие грузики и другие предметы. Эта бытовая керамика разными способами облагораживалась — наносился рельеф штамповкой, прочерчиванием, налепными элементами. Сосуды получали разную окраску в зависимости от способа обжига. Их могли лощить, окрашивать или разрисовывать орнаментом, покрывать ангобом, глянцеватым слоем (греческая керамика и римские Terra sigillata[6]), цветной глазурью («Гафнеркерамика» Ренессанса). К концу XVI века в Европе появилась майолика (в зависимости от происхождения, также часто называется фаянсом). Обладая пористым черепком из содержащей железо и известь, но при этом белой фаянсовой массы, она была покрыта двумя глазурями: непрозрачной, с высоким содержанием олова, и прозрачной блестящей свинцовой глазурью. Декор писали на майолике по сырой глазури, прежде чем обжечь изделие при температуре порядка 1000 °C. Краски для росписи брались того же химического состава, что и глазурь, однако их существенной частью были окислы металлов, которые выдерживали большую температуру (так называемые огнеупорные краски — синяя, зеленая, жёлтая и фиолетовая). Начиная с XVIII века стали применять так называемые муфельные краски, которые наносились на уже обожжённую глазурь. Они используются и для росписи фарфора. В XVI веке в Германии распространилось производство каменной керамической посуды. Белый (например, в Зигбурге) или окрашенный (например, в Ререне), весьма плотный черепок состоял из глины, смешанной с полевым шпатом и другими веществами. После обжига при температуре 1200—1280 °C каменная керамика становилась твердой и практически не пористой. В Голландии производили красную каменную керамику по образцу Китайской керамики, и ту же особенность обнаруживает керамика Бёттгера. Каменная керамика также изготовлялась Веджвудом в Англии. Тонкий фаянс как особый сорт керамики с белым пористым черепком, покрытым белой же глазурью, появился в Англии в первой половине XVIII века. Фаянс в зависимости от крепости черепка делится на мягкий тонкий фаянс с высоким содержанием извести, средний — с более низким ее содержанием и твердый — совсем без извести. Этот последний по составу и крепости черепка часто напоминает каменную керамику или фарфор.
Мозаика
Ювелирное искусство
Лаковая миниатюра
Художественная роспись по дереву → • Хохлома • Городецкая роспись • Мезенская роспись
Художественная роспись по металлу → • Жостовская роспись • Финифть • Лиможская эмаль
Художественная роспись по керамике → • Гжель • Дымковская игрушка • Филимоновская игрушка
Художественная резьба
Резьба по камню
Резьба по дереву
Резьба по кости
Художественная обработка кожи
Художественная обработка металла
Металлопластика
Христианская оловянная миниатюра
Художественная ковка
Художественное литье из благородных металлов, бронзы и латуни
Художественное литье из чугуна
Чеканка
Пирография (выжигание по дереву, коже, ткани и т. д.)
Работа со стеклом → • Витраж • Витражная роспись
2.Передняя Азия
Шумеры и аккадцы — два древних народа, которые создали неповторимый исторический и культурный облик Междуречья IV—III тысячелетий до н. э. О происхождении шумеров нет точных данных. Известно, что они появились в Южной Месопотамии не позднее IV тыс. до н. э. Проложив сеть каналов от реки Евфрат, они оросили бесплодные земли и построили на них города Ур, Урук, Ниппур, Лагаш и др. Каждый из них был самостоятельным государством, имевшим своего правителя и армию. Природные материалы, пригодные для строительства (камень, дерево), в Междуречье отсутствовали, большинство шумерских зданий возводились из необожженного кирпича — в силу этого архитектурных памятников этого периода сохранилось крайне мало. Из построек, доживших до наших дней (частично). Весьма распространенным типом скульптуры был так называемый адорант — статуя молящегося человека со сложенными на груди руками, сидящего или стоящего. Адорантов обычно дарили храму. Особенно выразительны огромные глаза адорантов, зачастую скульпторы их инкрустировали. Характерная особенность шумерской скульптуры — в условности изображения. Стиль скульптурных мастерских в Мари напоминает утонченную лепку из мягкой глины. Стены шумерских храмов украшались рельефами, повествовавшими как об исторических событиях, происходивших в жизни города (таких как военные походы, закладка храмов и т.п.), так и о повседневных делах (хозяйственные работы и проч.). Рельеф делился на несколько ярусов, последовательно отражавших череду событий. Все персонажи были одинакового роста, однако правителей обычно изображали крупнее других. Потребность в ознаменовании победы в постоянной борьбе за власть между городами обусловила появление нового типа рельефа мемориального характера. Речь идет о стелах — каменных плитах разных размеров, имеющих закругленную верхнюю часть и изображения с исторической или религиозной тематикой. Одной из самых эффектных стел является Стела царя Эаннатума (Стела коршунов), от которой сохранились некоторые фрагменты. На обеих сторонах стелы изображены сцены, разделенные на полосы. Рельеф отличается повествовательной строгостью. Особое место в шумерском культурном наследии принадлежит глиптике — резьбе по драгоценному или полудрагоценному камню. Сохранилось множество шумерских резных печатей в форме цилиндра. Печать прокатывали по глиняной поверхности и получали оттиск — миниатюрный рельеф с большим числом персонажей и ясной, тщательно выстроенной композицией. Для жителей Междуречья печать была не просто знаком собственности, а предметом, обладавшим магической силой. Печати хранили, как талисманы, дарили храмам, помещали в захоронения. На шумерских гравюрах наиболее частыми мотивами были ритуальные пиршества с сидящими за едой и питьем фигурами. Другие мотивы составляли легендарные герои Гильгамеш и его друг Энкиду, борющиеся с чудовищами, а также антропоморфные фигуры человекобыка. С течением времени этот стиль уступил место непрерывному фризу с изображением дерущихся животных, растений или цветов. В конце XXIV в. до н. э. территорию Южной Месопотамии завоевали аккадцы. В аккадский период возникает новая форма храма — зиккурат. Зиккурат представляет собой ступенчатую пирамиду, на вершине которой помещалось небольшое святилище. Нижние ярусы зиккурата, как правило, окрашивали в черный цвет, средние — в красный, верхние — в белый. Форма зиккурата очевидным образом символизирует лестницу в Небо. Тем не менее шумерские традиции сохранились. Бронзовая голова из Ниневии воплощает в себе новые достижения аккадских ювелиров. Композиция гравюры приобретает наибольший динамизм, на печатях впервые появляются боги в человеческом обличье. Особенно часты мифологические сцены кровопролитных схваток между богами и демонами. На гравюре воплощаются повествования и различные надписи. В 2003 г. до н. э. царство Шумера и Аккада прекратило свое существование, после того как в его пределы вторглось войско соседнего Элама и разгромило столицу царства — город Ур. Произведений изобразительного искусства и архитектуры того периода сохранилось мало.
Искусство Двуречья создало особый вид орнаментики, связанный с суровой, военизированной действительностью. В XIV в. до н. э. возникло Ассирийское царство. Сформировалось самобытная и своеобразная ассирийская культура. Получили распространение геральдические и эмблематические композиции с фигурами грифонов, крылатых гениев, вепрей, быков, иногда с человеческими головами (шеду), лошадей. Часто эти мотивы располагались по сторонам священного Древа жизни, одного из важнейших элементов искусства Востока. В VI в. до н. э. Вавилон и всю равнину Месопотамии, Сирию, Египет, Малую Азию захватили персы, ставшие наследниками древних традиций египетского, ассирийского, вавилонского искусства и создателями новой придворной культуры Передней Азии, в которой большая роль отводилась декоративно-прикладному искусству, особенно ткачеству и книжной миниатюре, которые богато и изощренно орнаментировались. Разнообразные растительные мотивы, которые преобладают в персидском декоре соединили в себе условность и натуралистичность.В орнаменте используются цветы гвоздики, шиповника, нарциссов, анемонов. Из животных в декоре присутствуют зображения львов, леопардов, верблюдов, слонов, газелей. В декоративные композиции вводились изображения людей — пеших и всадников, птиц. 4 — начало 3 тыс. до н. э. Скульптура и рельефы Двуречья подчас кажутся грубыми и тяжеловесными сравнительно с египетскими, вместе с тем они поражают огромной внутренней силой. Художественный стиль скульптурных изображений в разрозненных городах-государствах при отсутствии единого пантеона, единой мифологической системы кристаллизуется здесь более медленно. Излюбленная тема рельефов, печатей-амулетов древнего Шумера — изображение зверя, домашних животных, сцен охоты и скотоводства. Зверь изображался с пристальным вниманием, точным знанием его облика, красоты движений. Он служил источником многочисленных и по-разному решенных композиций шумерийской глиптики. В начале 3 тыс. до в. э. появилось и изображение человека — участника торжественных шествий, храмовых церемоний, а с середины 3 тыс. встречаются фантастические сюжеты. Поставленные в храмах глиняные расписные статуэтки божеств и знатных лиц, возносящих молитвы, показывают, что в середине 3 тыс. до н. э. в скульптуре уже существовала значительная образная дифференциация. Стилистически скульптура разделяется на северную и южную группы. Для северной характерны более вытянутые пропорции, утрирование черт лица. Наивные и несложные образы, воплощенные в небольших статуэтках молящихся, отмечены печатью духовного подъема, светлого и чистого порыва. Утрированные огромные расписные или инкрустированные глаза, своей лазурной синевой соперничающие с небом, сообщают шумерийским статуям черты эмоциональности. Изделия художественного ремесла, созданные в период развития Шумерского государства, весьма многочисленны, а истоки, их питающие, восходят к самым отдаленным эпохам. Шумерские мастера знали чеканку, филигрань, зернь, плавили металлы, изготавливали изделия из золота, меди, серебра. О необыкновенной высоте развития ремесел, и, в частности, мастерства ювелирного, свидетельствуют предметы, обнаруженные при раскопках гробниц Ура (ок. 2600 г. до н. э.). Любовь к сочным красочным сочетаниям, красота синих и красных тонов, соединенных с золотом, характеризуют большинство найденных там предметов. К лучшим из них принадлежат навершия резонаторов арфы, выполненные в виде головы быка. Золотые чаши, кубки, кинжал, шлем, ожерелья, венки и подвески инкрустировались ярким лазуритом, сердоликом и перламутром, тонко орнаментировались. Черты, свойственные пластике, сочетаются в предметах шумерского художественного ремесла с той отточенной изысканностью, которая была неведома многим другим видам изобразительного искусства Двуречья. Памятников искусства пародов Передней Азии сохранилось до наших дней значительно меньше, чем памятников искусства Египта. Войны, пожары, равно как и непрочные строительные материалы, способствовали их разрушению. Однако до нас дошел целый ряд разнообразных художественных произведений, созданных на протяжении 4—3 тыс. до н. э. в древнейших государствах Двуречья — Шумерийском и Аккадском, позволяющих судить об основных особенностях искусства Передней Азии. Древние Шумер и Аккад, исторические судьбы которых тесно переплелись друг с другом, как бы заложили первый мощный фундамент культуры Двуречья. Именно здесь возникла письменность, сложились основные образы и типы зодчества, сформировались рельеф, круглая пластика, глиптика, художественное ремесло.
4.Индия
Только незначительное количество изделий из слоновой кости сохранились до наших дней. Записи свидетельствуют о существовании корпораций резчиков по слоновой кости. Это была почетная профессия, пользовавшаяся покровительством правящих каст. Резные пластины из слоновой кости изумительного мастерства, изначально декорировавшие предметы мебели или крышки шкатулок, были обнаружены в Бергаме, приблизительно в восьмидесяти километрах к западу от Кабула; они датируются I-II вв. н.э. Темы, изображенные на этих пластинах, созданных в регионе, который был широко открыт западным влияниям, тем не менее типично индийские, так что они были либо просто ввезены сюда, либо выполнены художниками, обучавшимися у индийских мастеров. Здесь мастерски используются несколько техник: так, слоновая кость поочередно вырезается, вытачивается и разделяется на горельеф и барельеф, насекается и приобретает свето-теневую игру. Четкость линий, несмотря на изящность изделия, придает этим фигурам поразительную рельефность и ставит их в один ряд с другими шедеврами Древней Индии. В более поздний период (XV-XVII вв.) в мастерских южной Индии и на Цейлоне тоже были созданы замечательные с технической точки зрения изделия из слоновой кости, многие из которых были предметами повседневной жизни: статуэтки, элементы архитектурного и мебельного декора, футляров, шкатулок, расчесок и т.д. Уже в древности ювелирное искусство достигло высокой степени совершенства. Для изготовления художественных изделий использовались: дерево и ореховая скорлупа, глина, металлы, поделочный камень (например, мрамор), жемчуг, кораллы, раковины, кость (в особенности, слоновая), рог, черепаховый щит, хлопок, шерсть, козий пух, растительное волокно, шелк, кожа, иными словами, практически все, что могла дать богатая индийская природа. Красители тканей (в частности, индиго) славились долговечностью и красотой оттенков на весь мир, а знаменитая индийская булатная сталь не имела себе равных. В колониальную эпоху некоторые виды художественных ремесел исчезли и были возрождены лишь после обретения страной независимости в 1947 г. В древней и средневековой Индии было широко распространено художественное прядение и ткачество. Наиболее часто изготовлялись вышивки, набойки, ковры, а также различные ткани. Индия, первой в мире начала культивировать хлопок. Тончайшие ткани из него ценились еще в древнем Вавилоне и Риме. Им давали образные названия: сотканный воздух, струящаяся вода, вечерняя роса, так как становились почти невидимыми в воде или на росистой траве. Ткани украшали вышивкой, росписью, набивкой узоров (оттиск рисунков резными деревянными штампами) и другими способами. Применение штампов вручную и размещение деталей рисунка на глаз создавало живописную игру цвета и линий, что делало каждую вещь подлинно художественной. Иногда, на полотнищах покрывал или занавесей изображались сцены свадебного поезда с невестой, едущей в повозке на быках, в сопровождении музыкантов и других участников празднества. Все фигуры выглядели изящно и гибко, позы и жесты передавались точно и выразительно. В XIX веке распространилась слава о тонких шерстяных шалях Кашмира. Нити для них прялись из козьего пуха и при помощи маленьких челночков переплетались с нитями основы, натянутыми на вертикальных станках. Для каждого цвета бралась отдельная уточная нить и свой челночок. Самые сложные многофигурные сцены передавались с мастерством, которому мог бы позавидовать живописец. Кашмирские шали были так тонки, что продевались сквозь перстень. Сюжетные мотивы, часто воспевали радость влюбленных среди ликующей природы, который был также одним из популярных в древнеиндийской литературе, фольклоре и живописи. Популярным во многих районах Индии было и остается ремесло резчика по дереву, техника художественной резьбы. Ввиду особой прочности и красоты фактуры, используется красное, розовое и черное дерево, палисандр, ароматный сандал. Деревянную мебель часто инкрустируют слоновой костью и перламутром, а также латунной проволочкой. Применяются и накладные украшения из металла. В Кашмире процветает производство ширм с изящной ажурной резьбой, рельефами. Резьбой украшают столики из черного дерева, изготовляемые на юге страны. В инкрустации костью невысоких многоугольных столиков, всевозможной формы ларцов, шкатулок и ящичков, геометрические и стилизованные растительные орнаменты удачно сочетаются с фигурами животных и людей, с элементами пейзажа. Особенно распространено изображение слона, широко почитаемого обитателя джунглей. Нередко можно увидеть героя индийской мифологии бога грозы и бури Индра, мчащегося на белом слоне, символизирующем грозовое облако, или бога Солнца, пересекающего небосвод в колеснице на золотистых конях. Символичны также птицы, рыбы и пресмыкающиеся, а также деревья и цветы. Из животных особенно почитались корова, обезьяна Хануман, из пресмыкающихся кобра (один из атрибутов бога Шивы), из птиц лебедь, павлин, из цветов лотос (символ чистоты). В производстве художественных изделий часто применяется металл. Разнообразны древние технические приемы его декора: насечка золотом и серебром, резьба и гравировка, чеканка, инкрустация, украшение самоцветами, позолота, бронзировка и шлифовка. Интересен черный сплав, украшенный серебром в технике бидри. Гравируется рисунок, и в углубления молоточком вбивают серебряную проволочку или пластинку. Затем, серебряный орнамент полируется и потому эффектно блестит на черном фоне сплава. Раньше, использовались лишь растительные мотивы; в последние годы появились рисунки, навеянные стенописью пещер знаменитой Аджанты. Формы и назначение предметов бидри разнообразны. Важное место в прикладном искусстве занимало художественно отделанное оружие, но его производство прекратилось в XIX веке. Лишь музейные коллекции говорят об исключительной роскоши этого убранства, для которого применялись золото, серебро и драгоценные камни, а для деревянных частей огнестрельного оружия слоновая кость и перламутр. Каждая провинция Индии славилась особым видом орнамента, убранства, ковки холодного оружия. Например, в районе Пахари делали мечи-диковинки некоторые с зубьями, как у пилы, с насечкой, в форме птичьего клюва. Высокого совершенства достигла обработка благородных металлов, драгоценных и полудрагоценных камней, продолжая традиции изсвестных в прошлом разнообразных народных ремесел. Шлифовка камней была на очень высоком уровне, причем предпочиталась округлая форма драгоценного минерала, а не граненая, как в Европе. До нашего времени, сохранилась техника тончайшей серебряной филиграни, отличающейся легкостью ажурных стформ. Широко распространились изделия, которые уже не имеют практического применения, но обладают художественной ценностью. Сюда относятся, например, кораблики из серебряной филиграни, настенные чеканные подносы. И сегодня, в ювелирных украшениях широко применяются полудрагоценные камни разных пород. Разнообразием и яркостью отличаются дешевые изделия искусные имитации драгоценностей из цветного стекла, блестящей фольги, бисера, кусочков зеркал. Таковы женские браслеты и броши, пользующиеся широким спросом. С большим мастерством и вкусом в них подобраны белые и цветные стеклянные шарики, отражающие свет благодаря подложенной фольге. В Индии, славились своим искусством резчики по кости. Слоновая кость - прекрасный материал для тонкой резьбы благодаря прочности и мелкозернистой однородной фактуре; она особенно приятна на вид своей мелкой изящной слоистостью и нежным оттенком. О высоком искусстве древних сингальских мастеров - резчиков по слоновой кости сообщают местные хроники. Любопытное свидетельство сохранилось в "Чулавамсе" о том, что царь Джеттхатисса (IV в.) славился своими резными работами по слоновой кости и даже учил других своему замечательному искусству. Древние хронисты сообщали, что царь сделал из слоновой кости фигуру бодхисаттвы и отдельные части своего царского трона. В Индии из слоновых бивней изготовлялись статуэтки, панели, дверные косяки с резьбой (например, из Ри-дивихары, с танцовщицами и животными), ларцы, книжные переплеты, женские украшения, гребни, ручки ножей и т. п. Традиции искусства резьбы по слоновой кости были устойчивы. Об этрм ясно свидетельствуют сохранившиеся образцы работы XVIII - начала XIX в. Очень изящны и красивы были гребни - панава, двух-и односторонние. На одном из них, например, хранящемся в музее в Канди, в средней части ажурной резьбой создан богатый по формам рельеф. В центре на троне восседает богиня, держа в руках древесные ветви. По обеим сторонам от нее - две танцовщицы. Простая рамка с геометрическим узором оттеняет сложное изображение. У другого двухстороннего гребня пространство, заключенное в изящной ажурной рамке, разделено на три вертикальные части: в середине - фигурка матери, сидящей с грудным младенцем на руках, справа - фигура стоящей женщины с ребенком, в левой части - пара влюбленных. Одежды раскрашены черными и красными полосками (Музей Коломбо). Сравнение обоих гребней показывает, с каким художественным чутьем мастер меняет форму рамки в зависимости от центральной резьбы: у первого гребня сложный рисунок внутри, со многими мелкими деталями, потребовал упрощения рамки; у второго гребня фигуры без подробных деталей допускали сложную рамку, которая своим узором не конкурирует с внутренними изображениями. Декоративный вкус и опыт, основанные на длительной традиции, оказываются безупречными. Большую художественную ценность представляет искусно и тонко исполненная фигура божества-охранителя на пластинке с дверного косяка храма (собрание А.-К. Кумарасвами). В невысоком рельефе фронтально вырезана богиня, держащая в согнутых руках побег растения и цветок. Необыкновенно изящно исполнены пальцы, тонкие складки одеяния, плотно облегающего фигуру. Ученые датировали эту пластинку XVIII в., но можно думать, что по времени она значительно древнее.
5.Арабо-мусульманское дпи. Иран
Иран – государство с древней и богатой историей, издавна славящееся своими уникальными промыслами и ремеслами. В стране действует особое государственное ведомство – Организация культурного наследия, народных промыслов и туризма Ирана, занятое сохранением и развитием народного искусства. Оно имеет региональные управления во всех провинциях (останах) Ирана. По данным Организации культурного наследия, сегодня в Иране в сфере народных промыслов в общей сложности занято около 7,5 млн. человек, товарами работы народных мастеров пользуется все больше иранцев и гостей страны. Персидские ковры обладают международной известностью. В каждом регионе Ирана можно встретить ковры различных цветов, размеров, с различным рисунком, сотканные либо из шерсти, либо из шелка. Встречаются варианты, сочетающие шерсть и шелк одновременно. В ряде провинций, например, в Систане и Белуджистанае, Фарсе, Керманшахе, Курдистане, Кермане, а также Кохгилуйе и Бойер-Ахмади распространена техника изготовления особых плетеных ковров – джилимов. На данный момент в экспорте ковров Иран занимает первое место в мире (31,8%). Второе и третье место занимают соответственно Индия и Афганистан (22,4 и 18,3%). В провинции Тегеран ежегодно производится 100 тыс. кв. м ковров ручной работы. Ввиду особой важности ковроткачества для экономики страны в Иране создана особая организация - Национальный центр иранского ковра Народные мастера Ирана славятся своими изделиями, выполненными из драгоценных металлов – золота и серебра. Эти изделия широко представлены разнообразными украшениями – как женскими, так и мужскими – кольцами, браслетами, ожерельями. Распространено изготовление жестяных тарелок и кувшинов, которые покрываются эмалью. С древнейших времен Иран славится кинжалами и мечами. В основном, материалом для их выплавки является дамасская сталь. На рукояти кинжалов и мечей, как правило, наносится традиционный рисунок. Сегодня Иран является важнейшим центром инкрустации в мире. В стране возрождается облицовочная инкрустация, действуют мастерские для инкрустационных работ. Керамика на территории Ирана известна с глубокой древности. Главные центры ручного производства керамики в стране - Манде-Ганабад и Лаледжин в Хамадане, Мейбод в Йезде, Шахреза в Исфахане, Калпурган в Систане и Белуджистане, Джуйбар в Мазандаране и Сиахкал в Гиляне. Иран – одна немногих стран мира, в которых существует производство изделий из стекла. В настоящее время стекло выдувают в основном в Тегеране, в Мейманде в Фарсе и в Тезендже (Центральный Иран). Большей популярностью в иранском искусстве пользуется каллиграфия на бумаге, осуществляющаяся с помощью тростникового пера. Сегодня иранские мастера в области каллиграфии, сохраняя древние традиции, успешно работают над совершенствованием своего искусства. В Иране в общей сложности насчитывается около 400 селений, которые интересны для туристов. С целью развития туризма в Иране создаются деревни народных промыслов, которые представляют собой комплексы туристических достопримечательностей и мастерских. В них представлены памятники культуры, традиционные для данной местности типы жилых строений. Здесь можно познакомиться с местной кухней, национальной одеждой, приобрести изделия местных мастеров.
6.Крито-Микенское дпи
Первая эпоха греческой истории - крито-мискенская (III -II тыс. до н. э.) - охватывает время двух древнейших цивилизаций, открывших первую страницу европейской истории. Название цивилизации принадлежит археологу Артуру Эвансу, который в 1901г. начал рискованные раскопки и обнаружил Кносский дворец с его тронными залами, лабиринтами коридоров, ванными комнатами, с его изысканными фресками и керамикой предстал перед изумленным взором археологов и историков как памятник древнейшей и, вместе с тем, высокоразвитой цивилизацией. Время данной эпохи - это время зарождения первых государств, возникновения первых образцов подлинного искусства, появления первых памятников письменности в Европе. События и герои этой цивилизации послужили основой для мифотворчества позднейших греков, создание легенд о могущественном критском царе Миносе, подвигах Геракла и Тесея, трагической судьбе Эдипа, плаваний аргонавтов и Троянской войне. Отличительной чертой критской архитектуры являлось отсутствие симметрии, в расположении жилых, парадных и хозяйственных зон. Запутанность ходов и выходов, внезапные спуски по лестницам и неожиданные повороты, характерные для лабиринта Дедала, усугублялись неожиданными световыми эффектами, поскольку свет проникал только через световые колодцы, в потолке и других источников освещения не было. Изобразительное искусство Крита достигло, небывалых высот и было исключительно динамичным и красочным. Движение волн, порывы ветра, надувающиеся паруса кораблей, вечная стихия, окружающая критских художников, обусловливали в их искусстве динамичные композиции. В пейзажных композициях основными темами росписей являлись море с рыбами, заросли кустарников с яркоперыми фазанами, могучими быками, грациозными козочками, вертлявыми обезьянами. Минойские художники середины II тысячелетия искусно воспроизводили детали туалета участников пышных шествий, женские и мужские одеяния: одежда мужчин была проста и состояла из набедренной повязки, пояса и головного убора; каждая из женщин была олицетворением богини-матери. Костюм женщины-аристократки поражает больше, чем все искусство в целом. Это прекрасно разработанный крой, подчеркивающий характерные особенности женской фигуры: пышную грудь, тонкую талию, округлые, широкие бедра. Роскошные распущенные волосы критянок поддерживала драгоценная диадема или венец. На большинстве изображений женщин, и особенно на статуэтках богинь, узкий лиф платья оставлял грудь совершенно обнаженной. От Эгейского мира сохранилось также множество предметов мелкой пластики: статуэтки со змеями в руках, божества, заботящиеся о благосостоянии дома. Всевозможные сосуды. Извержение вулкана на Крите в XV в. до н.э. и успешный исход войны с Троей в пользу ахейцев обусловили перемещение культурных центров с Крита на Пелопоннесский полуостров. Археологические раскопки обнаружили много памятников, дающие представления об особенностях культуры ахейцев. Ювелирное дело Микен известно нам благодаря целому ряду различных предметов, найденных в могилах акрополя Шлиманом. Эти сосуды можно разделить на 2 категории: сосуды для хранения жидкости и для разливания и сосуды для питья. Уже среди первой категории имеются экземпляры, не лишенные изящества; но наибольшая изобретательность ювелирного искусства сказывается главным образом в сосудах для питья. Высокое состояние ювелирного искусства видно в композиции драгоценных украшений - диадема в форме золотой повязки удлиненного овального вида, древние пуговицы, сделанные из листка золота, наложенного на деревянный или костяной остов, на котором был выгравирован рисунок, серьги, пластинки и кружки, крепившиеся к одежде. На острове Крит господствовал культ верховного женского божества. Великая богиня, имя которой неизвестно до сих пор, приобретала в представлении критян различный облик. Ей посвящались деревья, с культом богини были связаны птицы, чаще всего голуби. Во дворцовых и домашних святилищах Крита очень часто встречаются фигурки богини со змеями в руках. Они сделаны из фаянса или слоновой кости, щедро украшены золотом. В бедных домах можно встретить грубые глиняные фигурки той же богини. Великая богиня посчиталась и как владычица дверей. На кносских геммах она изображается в виде женщины, у ног которой распростерты два льва. Иногда она выступает в роли охотницы, убивающий вепря. Также в критском пантеоне встречается мужское божество, олицетворяющее силы природы. Символом этого божества был двойной топор - лабрис, изображение которого часто встречается в критском искусстве. Мужское божество олицетворялось и в образе бога - быка. Культ данного бога предусматривал игры с быком, послужившие сюжетом для одной из кносских фресок. Во время религиозных празднеств на Крите происходили торжественные процессии, приносились жертвы, исполнялись священные танцы и песни. Об этом свидетельствуют многочисленные изображения культовых сцен на фресках, сосудах, рельефах, печатях. В культовых церемониях критян ведущая роль отводилась женщинам - они выполняли различные религиозные обряды. Мужчины редко появлялись в культовых сценах. Одна из вершин крито-микенской культуры — вазопись. Объёмная форма критской вазы вызывает ощущение движения, текучести, упругого напряжения. Роспись построена на гибких силуэтах и ритмах стилизованных реальных форм.
7.Др.Греция
Искусство Древней Греции. Искусство Древней Греции внесло значительный вклад в развитие всего мирового искусства. Среди основных характеристик греческого искусства: гармония, уравновешенность, упорядоченность и красота форм, четкость и пропорциональность. Оно рассматривает человека как меру всех вещей и носит идеалистический характер, так как представляет человека в его физическом и моральном совершенстве. Трехмерность, пластика, скульптурность греческого искусства была отражением чрезвычайно целостной и гармоничной модели мира древних греков. Первый период в развитии собственно греческого искусства совпадает с последней стадией первобытнообщинного строя. Наиболее отражена эта эпоха в поэмах Гомера, именем которого ее и принято называть. До начала нашего века единственным источником для изучения истории Греции XI-IX вв. до н.э. были знаменитые творения Гомера “Илиада" и “Одиссея”, да немногие отрывочные сообщения значительно более поздних греческих авторов. Однако, археологические раскопки, которые, особенно на протяжении последних 4х десятилетий, почти непрерывно велись на территории Эллады, дали возможность накопить ряд важных данных. Новые открытия позволили значительно дополнить данные эпоса. Изобразительное и декоративно-прикладное искусство гомеровской эпохи носят достаточно примитивный характер. Среди них относительно большего развития достигает искусство керамики, подразделяемое на субмикенское (1я половина 11в. до н.э.), протогеометрическое (2я половина 11-10в. до н.э.) и геометрическая (9-8вв. до н.э.). Субмикенские гончары и вазописцы опирались на позднемикенскую традицию; при этом усилилась тенденция к геометризации орнамента: преобладают круги, волнистые линии, треугольники. Сосуды протогеометрического периода более стройны, более четко расчленены росписью. Состав орнамента сохраняется, но окружности наносятся циркулем. Сложнее и совершеннее вазы геометрического стиля. Ее поверхность целиком покрыта росписью, состоящей из полос лесандра, крестов, окружностей и т.д. На вазах развитого стиля (“дипилонские" вазы, т.е. найденные на Дипилонском некрополе в Афинах) появляется геометризованное изображение человека. Геометризмом форм отличается и мелкая пластика 9-8ии. До н.э.: вотивные (т.е. приносимые в святилище во исполнение обета или с какой-либо просьбой к божеству) фигурки животных, главным образом коней, бронзовая статуэтка воина с Акрополя, одна из многих подобных, многочисленные терракотовые статуэтки из Беотии. Монументальная скульптура геометрической эпохи не сохранилась. В древнейших храмах стояли деревянные, иногда обитые кованой бронзой статуи богов (“ксоаны”). Они были предельно обобщены, геометризированы. Так, статуя Аполонна в Амиплах, по словам греческого писателя 2в. н.э. Павсанием, напоминала медную колонну. К гомеровскому периоду относятся первые памятники греческого искусства резьбы по камню. Резные камни с углубленными изображениями (инталии) использовались как личные печати, амулеты, украшения. Они изготовлялись преимущественно из мягких пород камня (гематит, стеатит и др.). Изображения на камнях напоминают геометрические рисунки на вазах. В числе художественных изделий из металла сохранились украшенные рельефными изображениями посуда, вотивные треножники, предметы вооружения. Много новых элементов и композиционных решений привнесла в искусство декора величайшая культура античности.Греческая вазопись принадлежит к вершинам мирового прикладного и изобразительного искусства.По вазописи можно проследить всю историю развития греческой орнаментики.В зависимости от времени создания, исторической культуры и стиля, древнегреческая вазопись подразделяется на несколько периодов.Украшенная росписью глиняная посуда появляется в крито-минойском культурном ареале начиная с 2500г. до н.э. Простые геометрические узоры на первых вазах к 2000г. до н.э. сменяются цветочными и спиральными мотивами, которые наносятся белой краской на чёрный матовый фон, и так называемым стилем Камарес. Характерной особенностью Камареса является линейный орнамент, который наносился на матовую основу чёрного цвета белой, оранжевой или красной краской. В дворцовый период в минейской культуре (1650г. до н.э.)произошли серьёзные изменения в стиле росписи керамики, которая в новом морском стиле украшается изображениями разнообразных обитателей моря:наутилусов и осьминогов, кораллов и дельфинов, выполняемых на светлом фоне тёмной краской. Важное место в орнаменте Древней Греции занимает ритм, построенный на чередовании одинаковых элементов, на основе их равенства между собой.Сюжеты орнамента всегда размещены на строго определенном месте. Декоративные украшения гармонически сочетаются с конструкцией предмета. Один из излюбленных древнегреческих мотивов — меандр. Как считают, в этом узоре заложена глубокая идея вечного движения, бесконечного повторения. С введением коринфского ордера в зодчество в орнаментике появляется стилизованное изображение акантового (аканфового) листа. Широко распространенными были пальметты, ионики (овы — яйцеобразные элементы), кимы (набегающая волна из стилизованных листьев) и др. Однако, заимствуя элементы египетского и персидского декора, имеющие для этих народов символическое значение, греческая орнаментика использует их как украшение. Утвердилась в античной орнаментике и морская раковина. Согласно мифологии, из нее вышла богиня Афродита. В эллинистическую эпоху появились изображения сплетенных плодов и цветов в виде гирлянд и венков, а листья аканта и пальметты стали дополняться усиками (стебельками), в которые вплетали фигурки людей и животных.
8. Этрусское дпи
Искусство этрусков, живших в первом тысячелетии до н. э. (конец VIII - I вв. до н. э.) на территории Апеннинского полуострова, оставило значительный след в истории мировой культуры и сильно повлияло на древнеримскую художественную деятельность. Произведения этрусского искусства создавались в основном в районе, ограниченном с севера рекой Арно, а с юга Тибром, но существовали и значительные художественные мастерские в этрусских городах на север от этих границ и на юг. Освоение различных видов изобразительного искусства у этрусков шло тем же путем, что и у других народов. Чувство пропорций, ритмов, числовых соотношений находило отражение в архитектуре - об этом свидетельствуют этрусские храмы, гробницы, крепостные сооружения. В монументальной и камерной скульптуре, украшавшей храмы, гробницы, саркофаги, погребальные урны, культовые и бытовые предметы - треножники, цисты, зеркала - получило выражение тонкое ощущение пластической формы. Художественные произведения из камня, созданные этрусскими мастерами, столь же совершенны, как и изделия из металла и обожженной глины. Этрусские скульпторы, конечно, использовали для своей работы наиболее распространенный на их родине материал - чаще всего туф или известняк, иногда алебастр. Как правило, они выбирали материал помягче, легче поддававшийся обработке. О художественной одаренности этрусков свидетельствуют не только монументальные произведения, но и мелкие изделия - украшения и предметы обихода. Они изготовлены со вкусом и выдумкой, которые говорят о том, что этруски и в повседневной жизни стремились к красоте. Светильники, канделябры, треножники, курильницы, металлическая и глиняная посуда, зеркала и другие предметы быта привлекают к себе внимание своим изяществом. Этрусские мастера создали оригинальную керамику угольно-черного цвета, известную в современной науке под названием буккеро. Во второй половине VII века до н. э. В Этрурии налаживается производство ваз коринфского стиля. Рисунки на этих вазах нередко отличаются по своему типу от греческих. С середины VI в. утверждается чернофигурный стиль, сменяющийся во второй четверти V в. краснофигурным. Здесь также, несмотря на греческое влияние, мы видим своеобразие художественного вкуса и мироощущения этрусков. Влияние этрусского художественного стиля ощущалось и в Риме, особенно после создания там в VI в. до н. э. коллегии горшечников. Глина в руках этрусских скульпторов и простых ремесленников была столь благодатным материалом, что изделия из нее ценились наряду с мастерски обработанным металлом. Фантастические глиняные маски с изображением медузы-горгоны широко применялись в качестве антефиксов (украшений из обожженной глины, прикрывающих концы балок по краям кровли). Об этрусках как народе с давними традициями обработки металлов говорит бронзовое литье, высоко ценимое в Италии и за ее пределами. Греки в V в. до н. э. широко пользовались бронзовыми этрусскими сосудами и светильниками. Остатки плавильных печей находят во всей Северной Этрурии. Среди металлических предметов многочисленную группу находок составляют зеркала. Как и на металлических шкатулках и вазах, на тыльной стороне зеркал воспроизведены сюжеты из мифологии. Нередко встречаются и сцены повседневной жизни. Они изобилуют деталями, значительно обогащающими наши познания об этрусках. На многих зеркалах есть надписи, поясняющие смысл рисунка. Особый интерес представляет техника изображения отдельных сцен. Ограниченная площадь зеркала, его стереотипная круглая форма, сам способ работы - гравировка по металлу - определяли отличие от могильных стенных фресок. Выгравированные изображения украшали также металлические сосуды - цисты. Их поверхность, естественно, предоставляла художникам больше возможностей, чем зеркала. Но наивысшее достижение этрусков в этой области - их ювелирные изделия, отличающиеся великолепной техникой исполнения, изяществом, изысканностью форм. Особенно успешно этруски обрабатывали золото, причем нередко в качестве образца они пользовались чужеземными ювелирными изделиями, особенно восточными. Изяществом поражают ювелирные изделия этрусков из ажурной проволоки, так называемая филигрань, и гранулированные украшения, замечательные, кроме того, техникой изготовления. Грануляция, т. е. припаивание мельчайших золотых шариков к медному основанию, пользовалась большой популярностью у этрусских ювелиров. Золотые крупинки были очень малы, почти микроскопичны - на этрусских украшениях они достигают 0,14 мм в диаметре. Естественно, для каждого изделия их требовалось огромное множество. На некоторых, особенно дорогих изделиях, их число достигало нескольких тысяч. Золотые шарики особым способом приклеивали к папирусу, который затем накладывали на медную основу и постепенно нагревали. При температуре 890 градусов шарики припаивались, так как при нагревании меди в контакте с золотом их общая температура плавления ниже, чем при нагревании каждого металла в отдельности. В этом и заключается секрет припаивания золота к меди. Этрусская скульптура оказала не менее сильное влияние, чем архитектура, на римлян. Уже в первые годы республики римский памятник - Капитолийская волчица - исполнялся этрусским мастером. Этруски издавна стремились подчеркнуть индивидуальность человека. Замечательные изделия этрусских мастеров, так называемые антропоморфные канопы, в большом количестве найдены в окрестностях древнего Клузия (некоторые из них относятся к VII веку до н. э.). Это овальные урны, стилизованные под человеческое тело, с ручками в виде человеческих рук. Урна закрывалась крышкой с изображением головы умершего. При изготовлении крышек проявилось умение этрусков передать портретное сходство. Отдельные изделия отличаются друг от друга не меньше, чем сами люди при жизни, но выражение их лиц говорит о том, что они смотрят на нас не из мира живых. Эти портреты напоминают посмертные маски, снимавшиеся, как правило, с лиц зажиточных этрусков.
9. ДПИ РИМА
Расцвет оформления интерьера в годы августовского классицизма сопровождался и большими успехами римских мастеров, работавших в области глиптики, торевтики, керамики, монетного чекана. Это совпадение не случайно. Интерьер нуждался в украшении не только настенными росписями, но и предметами прикладного искусства. Крупные камеи из красивых камней, тонкой работы краснолаковые чаши с рельефными изображениями, большие серебряные сосуды, служившие украшением не только стола, но и всего зала, должны были отвечать и соответствовать своими формами и материалами великолепию интерьеров августовских построек. На характер инталий, камей, серебряных сосудов, керамических изделий, монет, несомненно, оказывало сильное влияние эллинистическое искусство.
Камень. Мастера — резчики по камню, торевты и керамисты — нашли в Риме и других городах молодой империи большой спрос на свою продукцию. Естественно, что экспрессивно-динамические формы эллинистического искусства на почве Римской империи стали разнообразнее, и мастерам, чтобы удовлетворить требования заказчиков, пришлось учитывать новую для них обстановку. Эти обстоятельства: с одной стороны, потребность римской императорской знати и всех подражавших ей подданных в достойном украшении домов и быта, с другой — наплыв в Рим мастеров, чаще всего греческих (торевтов, резчиков по камню, керамистов, скульпторов), не находивших работы в разоренных эллинистических городах,— обеспечили расцвет высокохудожественных ремесел, как, впрочем, и других видов искусства — скульптурного портрета, статуарной пластики, рельефа и архитектуры.
Керамика. Керамика ранней империи, как и другие виды художественных ремесел, оставила памятники, отличающиеся высоким мастерством исполнения, гармоничностью пропорций и форм, разнообразием сюжетных рельефных композиций на стенках сосудов. Особенного расцвета достигла в тот период краснолаковая керамика с ярким и звонким цветом лака, покрывавшего стенки глиняных сосудов различных форм. В крупных керамических мастерских небольшого города Арретиума (теперь Ареццо), расположенного севернее Рима, работали талантливые художники, оживлявшие стенки сосудов различными изображениями и сценами в невысоком рельефе. Керамика из Арретиума, получившая название арретинской, широко распространилась в годы ранней Римской империи во многих городах Апеннинского полуострова. Образцы арретинской керамики — чаще всего небольшие по размерам сосуды (чаши, кубки, иногда блюда или кувшины) — отличаются красивым и чистым красным цветом и невысокими рельефами на внешней поверхности стенок. Однотонность фона и рельефов несколько сближает арретинские сосуды с распространенными тогда мегарскими чашами, в которых поверхность красной или темной глины была того же тона, что и украшающие их рельефы. Много позаимствовали арретинские мастера у керамистов мегарских чаш и в манере заполнения поверхности. Но если мегарским композициям свойственна симметричность и повторы одних и тех же мотивов, то в арретинских сосудах больше свободы в расположении рельефов, разнообразнее сюжеты, совершеннее изображения фигур, предметов, богаче сопутствующая сценам орнаментика. Правда, и в арретинской керамике в ряде образцов заметно чередование сходных фигур, но это встречается не так часто, как в мегарских чашах.
В арретинской керамике, годы расцвета которой приходились на последнюю четверть I в. до н, э. и первую четверть I в. н. э., нашли отражение вкусы римлян ранней империи и черты стиля, господствовавшие тогда и в других видах искусства. Как и в мегарских чашах, рельефы на некоторых арретинских сосудах создавались с помощью форм, имевших «негативные» углубленные изображения. Они оттискивались в мягкой глине на поверхности сосудов, а затем покрывались красным лаком и подвергались обжигу в горячих печах. Лак приобретал исклю-чительную стойкость и совершенно не изменял цвет, несмотря на долгое пребывание сосудов в земле. В сюжетах рельефов арретинских ваз часто можно видеть дионисийских божеств, и нередко в них фигурируют сатиры и менады. Много создавалось также сосудов с эротическими сценами, встречаются изображения музыкантов, жрецов около жертвенников, эротов, танцовщиц в высоких головных уборах; показывали в этих рельефах богиню Победы с крыльями, очень напоминающую стуковую с рельефа в римском доме близ виллы Фарнезина. Как и в стуковых рельефах августовского времени, мастера арретинской керамики предпочитали невысокий рельеф, используя однотонность фона и изображения. Отличие заключалось лишь в том, что в стуковых рельефах преобладал белый тон, а здесь ярко-красный. Кроме того, стуковые рельефы наносились или на плоскую стену, или на вогнутую поверхность свода; в арретинской же керамике основанием служили выпуклые стенки чаш. Кроме того, композиции в стуковых рельефах были значительно крупнее, нежели в арретинских сосудах. И все же единство стилевых качеств, общность сюжетов сближают рельефы на арретинских сосудах со стуковыми рельефами, с одной стороны, и с ме-гарскими чашами — с другой. Украшения арретинских ваз помимо сюжетных сцен включают и орнаментальные узоры из гирлянд цветов, чередующихся листьев, побегов аканфа, а иногда повторяющихся театральных масок, астрагалов и т. п. Некоторые арретинские чаши имеют клейма, по которым покупатель отличал продукцию одного керамиста от другого и мог делать выбор по своему вкусу. Иногда на стенках сосудов помещались имена создававших их мастеров.таллические сосуды.
Металл. Мастера прикладного искусства изготавливали немало художественных бронзовых изделий. Небольшие статуэтки богов и ларов находят во время раскопок римских слоев античных городов как Апеннинского полуострова, так и всего Средиземноморья. В быту была распространена красивая по форме бронзовая посуда, фигурные светильники, зеркала с изящными ручками или в коробочках, крышки которых обязательно украшал сюжетный или орнаментальный рельеф. Исполнялись в металле фигурки животных и птиц, а также небольшие портретные головки юношей, принадлежавших к императорской семье, чаще всего наследников престола; бронзовые головки служили порой и гирями для весов. Свойственная римлянам прозаическая целесообразность выступала в соединении качеств чисто художественного по исполнению памятника с его практическим применением в жизни, в данном случае в хозяйстве и торговле. Мелкие бронзовые предметы, в частности гири, скульпторы времени Августа выполняли в виде портретов. В собрании Государственного Эрмитажа хранится бронзовый (высотой 16 см) бюст мальчика, возможно, портретное изображение (настолько индивидуальны черты лица).Тонкая прорисовка в бронзе прядей волос, век, очертаний губ, общая графичность образа свойственны художественному стилю ранней империи. В верхней части головы имеется металлическая петля, с помощью которой бюст использовали в качестве гири. Созвучные живописным декорациям стен, стуковым рельефам и деревянной мебели, образцы которой почти не сохранились, изделия из бронзы хорошо вписывались в общий стиль интерьеров августовских домов. Бронзовые статуэтки, чаши, канделябры, треножники составляли важный компонент в общем ансамбле, которому в годы ранней империи придавали большое значение.
Монеты. С III в. до н. э. римские монеты начали, подобно греческим, украшаться высокохудожественными изображениями как на лицевой стороне (аверсе), так и на оборотной (реверсе). Однако расцвет монетных чеканов — миниатюрных рельефов, которыми покрывались аверс и реверс,— приходится на эпоху Августа. Золотые монеты (ауреусы) поздней республики выпускались редко. При Августе же золотая чеканка приобрела регулярность, и художники ранней империи большое внимание стали обращать на исполнение монетных композиций. Обычно на лицевой стороне монет изображали портрет Августа, а после его смерти — профили других императоров, иногда и императриц. Так, известна монета с портретом Ливии. На оборотных же сторонах воспроизводились алтари, храмы, триумфальные арки, военные трофеи, коленопреклоненные варвары. Введение во времена Августа в монетное обращение более дорогих материалов, нежели в годы республики, естественно, способствовало и улучшению чеканов монет. Совершенствовалось и производство медных монет, в частности использовалась не бронза, а более дорогой сплав меди — латунь.
Стекло. Расцвет искусства и художественных ремесел, наступивший после ожесточенных гражданских войн, в годы ранней империи, определил и применение в городах римского государства изделий из сравнительно нового, мало известного ранее материала — стекла. Сосуды из непрозрачного, иногда называемого финикийским, стекла были знакомы римлянам уже давно, но изделия из прозрачного стекла, выполненные в технике выдувания, и особенно многоцветные чаши мозаичного стекла или так называемые миллифиори, а также кубки с двойными стенками, между которыми вставлялись тонкие прокладки золотой фольги, только начинали входить в обиход. На росписях третьего стиля можно часто видеть крупные стеклянные чаши, наполненные фруктами, кубки с вином. В древнеримских погребениях обнаруживают прекрасные образцы стеклянных сосудов разнообразных форм, выполненных в различной технике. Обломки стеклянной посуды находят и при раскопках древнеримских поселений в жилых домах. Помимо грушевидных или кубических сосудов бесцветного прозрачного стекла создавались яркие, красочные стеклянные сосуды. Для этого использовались различные методы. В технике мозаичного стекла с различными цветовыми тонами исполнялись флаконы, пиксиды, чаши. Образец мозаичного стекла — хранящаяся в Государственном Эрмитаже чаша с массивными ребрами на внешней поверхности. Плотное по тону, фиолетового цвета с белыми прожилками в виде спиралевидного узора стекло чаши воспринимается как драгоценный камень. В мозаичном стекле пиксиды и грушевидного флакона отчетливо выступают плоскости одного или другого цвета, разбивающие форму сосуда произвольными, похожими на затеки, поверхностями. В чаше же с реберчатыми стенками плотность стеклянной массы больше. Возможно, ее изготовили уже в конце августовского правления, когда в художественных формах, начинали проявляться такие качества, как массивность, объемность некоторая перегруженность деталями. Примером использования другой техники может служить стеклянная одноручная кружка из некрополя Пантикапея из собрания Государственного Эрмитажа. Всю поверхность ее синего стекла с внешней стороны покрывают желтые и белые пятна произвольной формы. Подобно тому, как в пиксиде, грушевидном сосудике и чаше с реберчатыми стенками, стекло здесь кажется не стеклом, а красивым камнем или цветным мрамором с определенными природой прихотливыми узорами. Для искусства августовского классицизма с его любовью к аллегоричности и символике, с тяготением выдавать одно за другое характерна эта имитация стекла под драгоценный камень или цветной мрамор. Нашел отражение в декоре стеклянных сосудов и жанр пейзажа, интерес к которому в эпоху августовского классицизма заметен в различных видах искусства и прежде всего в живописи. Рельефные растительные орнаменты покрывают не только амфору мастера Энниона, но и поверхность многих стеклянных чаш. Для нанесения на стекло таких часто красочных украшений, как растения, листья, цветы, животные, использовалась довольно прочно державшаяся эмалевая краска.
10.ИСКУССТВО обр камня в Риме.
Миниатюрные резные камни и раковины с рельефными изображениями женских и мужских фигур, аллегорических картин, военных сцен, зверей и птиц называют геммами. Резной камень с углубленным изображением именуют инталией, с выпуклым – камеей. Геммы, выполненные на самоцветах и цветных камнях, долшли до наших времен великолепно сохранившимися, пережив одновременно с ними созданные храмы, дворцы, скульптуры и другие памятники искусства. Глиптика – искусство миниатюрной резьбы на цветных камнях и самоцветах (название происходит от греческого слова «глипто» – вырезаю"), знакома людям с давних времен. Древнейшими из известных гемм являются выполненные на высоком техническом и художественном уровне интальо Египта и Мессопотамии, датируемые IY тыс. до н. э. В конце IY – начале III в. до н. э. появляются камеи. Это выпуклые рельефные многоцветные резные камни, вырезанные чаще всего на сардониксе, многослойном, состоящем из чередующихся белых и бурых полос агате.
камея Гонзага. Это одна из самых крупных гемм. Длина ее 15,7 см, ширина 11,8 см, высота рельефа 3 см. Вырезана она из великолепного трехслойного оникса – верхний и нижний слой темно-коричневые, средний молочно-белый. В отличие от большинства гемм, на камее Гонзага не один, а два профиля – мужской и женский. На первом плане изображен прекрасный профиль царя, на втором – лицо царицы. Камея Гонзага отличается мастерским использованием красочных эффектов оникса. Оникс состоит из трех слоев: средний молочно-белый слой изобилует полутонами, в верхний коричневый вкраплены светлые пятна. Мастер сумел превратить эти недостатки в достоинства: светлые пятна стали изображениями двух голов на чешуйчатом панцире царя – женской – Горгоны и мужской – Фобоса. Нижний слой оникса темно-коричневый. Из среднего слоя вырезаны фигура царицы и лицо, шея, плечо и гребень шлема царя. Общая окраска слоя молочно-белая с голубоватым оттенком. Участок идеально ровного тона использован для лица и шеи царя. Лицо царицы темнее и в цветовом выражении отличается от лица царя. Из верхнего коричевого слоя получены шлем, панцирь и волосы царя. Извилистость коричневого слоя оникса мастер использовал для передачи вьющихся локонов. В Древнем Египте в Александрии при дворе первых Птоломеев появился новый вид резьбы по камню. Там и была создана камея Гонзага в III веке до н. э. До сих пор не установлено, кто изображен на камее. Некоторые специалисты предполагают, что на ней вырезаны бюсты Александра Македонского и его матери Олимпии. Имя замечательного творца камеи неизвестно. Неизвестно также кто и где владел этой камеей почти две тысячи лет. Первые сведения о камее появились в середине XYI века, когда она была упомянута в списке личных вещей мантуанской герцогини Изабеллы дъЭсте Гонзага, составленном после ее смерти. Отсюда и название этой камеи. Замечательный памятник глиптики ранней Римской империи представляет камея, хранящаяся в Историко-художественном музее Вены и впервые упомянутая в 1246 г. Называемая часто «геммой Августа», она исполнена в конце правления принцепса, очевидно, после победы и триумфа Тиберия над Иллирией в 12 г. н. э. Материалом для нее послужил двуслойный сардоникс со светлым верхним слоем, составляющим основу для фигур и предметов, и темным нижним, на фоне которого они выступают. Предполагают, что исполнил камею известный мастер того времени резчик по камню Диоскурид. Широкое распространение в годы правления Августа получили инталии — геммы с углубленными изображениями, вырезанными на небольших красивого цвета полудрагоценных камнях, служивших и для украшения перстней и как необходимые в быту печати. Оттискиваемые на письмах, ценных пакетах, дверях кладовых и домов. Огромные состояния многих римлян, разбогатевших во время завоевательных походов и покорения других народов, позволяли им тратить большие средства на украшения, заказывать резчикам по камню дорогие инталии и камеи. Тяга к роскоши, проявившая себя в этот период, стала причиной создания многих гемм. Художественной же основой популярности глиптики в годы Августа несомненно было тонкое чувство гармонии форм, проявившееся у римлян в связи с познанием эллинского искусства. В годы поздней республики и ранней империи в Риме сосуществовали различные художественные школы и несходные по манерам направления, очевидно, противоборствовали как в монументальной скульптуре, так и в глиптике. Находившаяся ближе всего к римлянам этрусская художественная школа испытывала тогда глубокий кризис и была почти уничтожена.