Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
«Движение искусств и ремесел». Более широкий характер носила деятельность У.Морриса по возрождению английского декоративно-прикладного искусства, она объединила многих мастеров, в т.ч. Ф.М.Брауна, А.Хьюза, арх. Ф.Уэбба, которые стремились воссоздать в противовес машинному ручное производство, внести красоту в повседневный быт. Главной идеей Морриса было убеждение, что декоративное искусство так же важно, как и изящные искусства, он стремился к единству искусства и ремесла.
Новый аспект деятельности зародился в исканиях младших прерафаэлитов в 1857, когда Россетти получил заказ на роспись центрального зала дебатов Оксфордского союза сценами из Жизни короля Артура Т.Мэлори. Этот заказ дал возможность объединиться семи художникам: Моррису, Россетти, Бёрн-Джонсу, Артуру Хьюзу Спенсеру Стенхоупу, Уолу Принсеру и Хангерфорду Поллену. Проект не был успешен, фреска вскоре частично осыпалась, но всем понравился социальный аспект совместной работы.
В 1860 было закончено строительство знаменитого «Красного дома» (Red House) (арх. Филипп Уэбб) в Бекслихите, получившего название из-за цвета кирпича, из которого был выстроен. Дом стал центром литературного и художественного круга и первым примером соединения функциональных и эстетических задач, положивших начало «Движению искусств и ремесел». У.Моррис и его друзья сами расписывали потолки и стены дома, создавали эскизы мебели, драпировок, витражей и гобеленов. В 1861 появилась фирма «Моррис, Маршалл, Фолкнер и К». В этом предприятии участвовало семь партнеров: Моррис, Россетти, Бёрн-Джонс, Уэбб, художник Форд Медокс Браун, Питер Пол Маршалл – инженер и художник-любитель, Чарльз Фолкнер – преподаватель математики Оксфордского университета. Первыми заказами фирмы были витражи, обои-шпалеры. В 1866 фирма декорирует Оружейный зал и Зал гобеленов в Сент-Джеймском дворце в Лондоне. В 1867 У.Моррис, Бёрн-Джонс и Уэбб оформляют Зеленую столовую в Южно-Кенсингтонском музее (Музей Виктории и Альберта).
К 1875 относятся первые опыты окраски тканей. В том же году происходит реорганизация фирмы, получившей название «Моррис и К», в связи с тем, что Моррис становится единственным ее директором. В 1878 Моррис покупает 5-этажный дом в Хаммерсмите, переименовывает его в Кельмскотт-хаус, устанавливает там ткацкие станки и начинает работу над гобеленами и коврами ручной работы. В 1881 фирма перемещается в «Мертонское» аббатство, на старую фабрику, где устраивают мастерские по производству витражей, красильню, печатное и ткацкое производство. В том же году фирма производит оформление Тронного зала Сент-Джеймского дворца.
Возрождение ремесел, вызов традиционной иерархии искусств, акцент на социальное значение способа производства вылилось в основание в 1883 У.Крейном и Л.Деем Гильдии работников искусства, которая становится центром лондонского «Движения искусств и ремесел». В 1888 Уолтер Крейн определил цель «Движения искусств и ремесел»: «превратить художников в ремесленников, а ремесленников – в художников». В 1888 было основано «Общество искусств и ремесел», в том же году состоялась первая выставка. На второй выставке Общества У.Моррис экспонировал гобелены и раскрашенные хлопчатобумажные ткани.
«Движение искусств и ремесел» создало модель для деятельности последующих художественных групп последней четверти 19 в. Искусство прерафаэлитов впитало в себя разные стили и направления и повлияло на художественную жизнь не только 19, но и 20 вв.
Искусство последней трети XIX - начала XX.
Эстетика развития символизма и эстетизма. Сохдание тотального стиля. Идее полного синтеза искусств. Радикальное отношение к эклектике. Модерн осознавал техническую базу, эклектика действовала отдельно от функционализма, ерациональна. Основа стиля – удовлетворение современных нужд. Стиль совпал с вхождением мощных промышленников. Вырастают амбиции буржуазии. Художнмк – универсал, работает о всех областях. Философия жизни Ницше – сверхчеловек.
26. Модерн
Модерн:
В конце 80-х годов происходит формирование новых художественных форм – модерна. Множество названий. Эстетика модерна развивает идеи символизма и эстетизма, имеет чёткую идеологическую платформу в трудах Ницше, Вагнера, социалистов-утопистов. Отличие от предыдущих эпох – первая после классицизма попытка создать «тотальный» стиль, затрагивающая весь человеческий быт. Увлечение национальной традицией, особенно во внешних формах. Стремится стать универсальным – здания разного характера. Идея синтеза искусств. Радикальное противоречие с эклектикой: модерн чётко осознаёт материальную базу искусства, конструктивная и функциональная стороны. Модерн ищет то, как конструктивное решение второй половины XIX века должно эстетически осмысливаться. Каким должен быть декор? Как отойти от ордера? Какие новые способы декорирования соответствуют новой конструкции? Опираются на теории Морриса, Рёскина. И стоят в оппозиции к буржуазии, и работают на неё. Это стиль, который совпал со временем вхождения в социальную иерархию крупных промышленников, которые начинают диктовать путь развития Европы. Они нуждаются в новом стиле, дававшем роскошное обрамление. Готовность на эксперимент. Процветание массовых видов искусства – апелляция к низшим слоям. Расцвет ремесла. Эстетика модерна преображает художественный вид ремесла, делает его интересным, оригинальным. Организуются частные мастерские (например, Морриса), независимые от индустрии. Они поднимают общий уровень ДПИ того времени. Привлекаются крупные мастера того времени: Макинтош, ванн де Вельде и др. Они не гнушаются таких «мелких» художественных задач. Тип художника-универсала, работающего с равным успехом в разных областях, видах искусства, выступает как критик, теоретик. Всеохватность их культурной деятельности. Философия Ницше: понятие сверхчеловека захватило умы, стало этическим императивом для человека того времени. Все возможности приведены к максимальной степени разрешения. Одна из прогрессивных составляющих модерна – архитектура. Роль строительных материалов, принявших самоценное выражение. Каркасные конструкции, разнообразие материалов – железобетон, камень, стекло, мрамор, дерево, фанера, керамика и др. Центрами становится сразу несколько столиц Европы. Потребность в новых решениях – повсюду: Париж, Глазго, Брюссель, Вена, Мюнхен, Берлин, Барселона.
Виктор Орта:
- Дом Тассель (1892 – 1893): Исключительный по декоративным качествам интерьер. П-образная группировка помещений. Нетрадиционные железные опоры, которые Орта использует как конструктивный элемент с декоративным решением – побег, завиток. Напоминают отчасти орнаменты рококо. Отражение творческой фантазии архитектора. Завязка декора и конструкции, они не разобщены, взаимосвязаны. Аналогии из мира природы – биоморфные мотивы в решениях интерьера. Кованый орнамент в арках, рисунок пола и др. Характерная пластика декоративного языка – прихотливый изгиб, «удар бича» - стилистическая доминанта.
- Дом Ван Эйтвельд (?): 1895 – 1898 гг.: использование характерных черт – металлические опоры осмысленны как растительные формы, тонкие переходы от перекрытия (потолочных витражей) к опоре. Обилие металла, каменная облицовка лестничного марша, определённая связь с рококо – облегчённость стены, обилие зеркал, лёгкие филёнки и тяги, сложные выгнутые формы. Орта всю жизнь работает для брюссельского семейства Тассель (учёные, промышленники).
- Народный дом в Брюсселе, 1895 – 1900: решение проблемы понимания фасада. Он изгибает фасад, сообщает ему «приглашающий» характер. Достаточно скромен, но изобилует большим количеством занятных элементов, разбросанных в асимметричном порядке. Контраст гладких плоскостей с штифтовыми вставками.
Гимар:
Вдохновлён Орта. Стремится к максимальной пластике, внешним выразительным качеством. Фантазия в выполнении фасадов.
- Дом Куальё в Лиле (1898 – 1900 гг): фасад, его окна скрыты за огромным разрезом в толще камня. В нём – балконы. Странная группировка архитектурных масс, эклектика пластичных изгибов. Фронтон как из восточной архитектуры. В большей мере декоративист. Иррациональный, фантастический стиль.
- Проекты станций парижского метро. Три шаблона из одинаковых элементов, наборным методом. Прогрессивное решение, использующееся до сих пор. Воля фантазии. Уподобляет входы сложным биоморфным гибридам, в которых каждая часть конструктивно обоснована. Объединение входной арки с опорами, использование каркаса, соединение с декоративными мотивами.
Две линии модерна – романтическая и рационалистическая: Более строгое конструктивное основание решения. Эта линия представлена в Австрии. Скандал: общество расколото появлением Сецессиона («сецессио» - отход), они стремятся к самостоятельности и оригинальности. Климт, Ольбрих, Вагнер, Хофман.
- Здание Сецессиона (1897- 1898 гг): относительное стилистическое единство, много аллюзий на искусство разных эпох. Небывалая роскошь вместе с чистотой, скромностью: чёткий геометрический декор, ясные филёнки, выраженные архитектурные формы. Сосуществование рационализма, конструктивной оправданности и вычурности отделки. Но в целом больше строгости, чем во Франции и Бельгии.
Ольбрех:
Основатель Дармштадской колонии художников:
- Эрнст-Людвиг Хаус: сооружение для художников, где должны жить и работать передовые мастера, дом-коммуна для художественной богемы. Здесь и мастерские, и выставочный зал, и жилые помещения. Бегство от реалии к искусству – характерная черта модерна. Фигуры-аллегории на фасаде: труд и вдохновение, как тотемы для художников.
Отто Вагнер:
- Майолик-хаус: 1898. Большая рационализация архитектуры, это доходный дом. Более современное здание для жизни. Нерасчленённые стены, элегантные колонны-подпорки под нижним балконом. Ковёр декоративной майоликовой мозаики. Но более строгое мышление: преуменьшение декора в пользу функции, рациональной обоснованности.
Иозеф Хофман:
- Дворец Стокле: покровитель искусств, меценат. Стремление к роскоши + новые тенденции стиля. Очень скромное по формам здание, строгие геометрические формы, подчёркивание углов тёмными тягами. Но богатство облицовки (мрамор), золочёный кант. Строит башенку-завершение. Интерьеры роскошны, решены в соавторстве с Климтом (мозаики). Это идеал модерна – золочёная клетка, превращающаяся в дом для культурной элиты своего времени (там выступает Стравинский и другие). Для модерна принципиальна идея неделимого, целостного произведения, синтеза искусств.
Август Эндель:
- Фотоателье «Эльвира» (?) в Мюнхене: решает стиль, а не строит. Самоценные абстрактные средства выразительности, бурная пластика форм, ассоциация с природными формами. Абстрагированность от реальности. Произвольные формы, абстрактный узор. Архитектура тесно смыкается с самоценной пластической выразительностью декора.
В структуре модерна живопись претерпевает изменения. Она уже не самоценна, а является частью интерьера – тип живописного декоративного панно.
- Парис (?)
Характер связи фигур между собой, натуралистично скопированные фигуры, реалистичная постановка вопроса. Синтез холста и обрамления – скульптура тоже противоречива. Постепенно в модерне стилизация более соотнесена с понятием о высоком искусстве.
Фердинанд Ходлер:
Развивается от романтизма к «параллелизму».
- Ночь: картина показана на парижской выставке 1890 года, где стала главной вещью. Декоративность, изучение натуры. Ходлер пишет по сетке, тщательно прорабатывая поверхность. Плоские пятна одежд / гатурализм трактовки человеческого тела. Тема наступления мрака, неразрывности тёмного и светлого, добра и зла. Человек – на их перепутье.
Затем осваивает более условный, живописно осмысленный стиль (от постимпрессионизма), более ритмизованный.
- Жизнь мужчины: холодные тона, более живая работа кисти. Идея параллелизма. Ряд фигур, которые компануются одинаково, с небольшим нюансом. Депрессивность сюжета связана с личной трагедией художника.
- День: написана в нескольких вариантах. 5 фигур, тщательно продуманное ритмическое действо. Достижение постимпрессионистов (фиолетовые тона), орнаментальная выразительность. Создание единого кругового ритма. Условные, дотошно отработанная драматическая сцена.
Живопись Модерна более противоречива, чем архитектура. Художники тесно связаны с академизмом, пытаются дать ему иное звучание.
Франц фон Штук:
Художник осознаёт себя в ряду предшественников.
- Часовой рая: письмо с натуральной модели, портретное сходство с ней, лепка тела – от академизма. Но есть меч, драпировки, эффектный задний свет.
- Саломея: тёмная плоскость заднего фона, светлые куски – тело Саломеи.
- Поцелёй сфинкса: владеет пластикой формы. Грамотная работа с композицией, акцентами (высвечивает). Остался в рамках академического объёмно-пластического решения.
- Раненая амазонка: почти неоклассицизм. Выразительность светотеневой лепки.
Густав Климт:
Поздно становится художником. Ранее работает как монументалист и декоратор в академическом стиле. Затем, под влиянием византийского искусства (орнаментальное отношение к фону) вырабатывает свой художественный метод. Видит в Равенне золотофонные мозаики. Острый образ на стыке противоречий. Климт ведёт очень остро эротическую личную жизнь.
- Юдифь: художественный язык раздваивается. Декоративное решение плоскости сочетаются с типом салонного академического портрета. Острота работы. Жеманный излом, мелкие орнаменты, достойная проработка + большие плоскости локального цвета. Образ роковой женщины-хищницы.
Наби:
Французское художественное объединение (на древнееврейском – «пророк»). 1889 год. Последователи Гогена. Ставят целью сочетать серьёзность и шутливостью Каждый из участников кружка берёт себе прозвище – имя пророка. Перевод стилистики постимпрессионизма в новое искусство. Морис Денни, Эдуард Вейяр, Пьер Боннар – очень разные по мировоззрению художники.
Боннар:
Картина становится неким декоративным решением, суммой плоскостей.
Денни:
Стремится к религиозной трактовке.
- Священная роща: точки (как в пуантилизме) + широкие цветовые плоскости, чёткий ритм фигур (восхождение к классическому искусству).
- Лестница… : как декоративное панно. Построение изображения на силуэте, диктат декоративного начала. Сюжет и образ мало волнуют художника.
Вейяр:
Склонен к бытописанию, декоративист (близок Матиссу).
- Дама в синем: фиксация реальности, но с наложением опыта постимпрессионизма. Кадрирует действительность. Самоценное звучание декоративного пятна в чистом виде.
- Мадам … Фонтен: фигура растворяется в общем декоративном решении. Прихотливо брошенные мазки, тёмная диагональ, плоскостность при ощущении пространственного решения.
(от фр. moderne — современный) или Ар-нуво — направление в искусстве, бывшее популярным во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.
В 1860—1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей.
В 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приемы. Уильям Моррис (1834—1869) создавал предметы интерьера, вдохновленные растительными орнаментами, а Артур Макмердо (1851—1942) использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике.
Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича».
Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Вследствии этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике.
В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Мир искусства» (1890) в России.
В каждой стране возникало свое наименование стиля: В Англии — «Модерн стайл» (новый стиль), в США — «Тиффани стайл» (по имени Луиса Комфорта Тиффани), во Франции — «Ар Нуво», в Германии — «югендстиль» (молодой стиль), в Австрии — «стиль Сецессион», в Италии — «стиль Либерти», в Испании — «модернизм».
Распространению модерна способствовало проведение всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность модерн получил на всемирной выставке в Париже (1900). После 1910 значение модерна стало угасать.
27. Архитектура модерна
Освобождение от оков историзма и эклектики.
Каркасные конструкции (железобетон, камень, стекло, изразцы, картон, дерево).
Париж, Глазго, Брюссель, Вена, Мюнхен, Берлин, Барселона – центры модерна.
Архитектуру модерна отличает, в первую очередь, стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и внутреннему интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы художественно обрабатывались.
Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле.
«Дом Тассель» - т- образная группировка помещений. Причудливость орнаментов, парадоксальность, декоративность. Биоморфные мотивы – изгиб – удар бича.
«Дом Ванде Вельде» - металлические опоры, тонкое перекрытие, арочность, каменная облицовка, обилие зеркал.
«Дом Сольвей»
«Народный дом в Брюсселе» изгиб фасада, шрифтовые вставки.
Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро. Каркасность форм.
Тело архитектуры приобретало бионические формы.
«Дом Куалье в Лилье» 1890 Окна скрыты за разрезом в толще камня. Асимметрия в группировке масс. Острый фронтон.
2 линии в модерне:
- пластичная линия – природность
- четкая, выверенная линия – рационализм.
Еще дальше от классических представлений об архитектуре ушел Антони Гауди. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.
28. Архитектура венского модерна
Отказ от официальных позиций в искусстве.
«Эрнст Людвиг Хаус»
Стилистическое течение в искусстве Австрии периода модерна конца XIX - начала XX вв. Название возникло оттого, что в тот период искусство Вены, как и другого центра искусства - Мюнхена, воплощало в наилучшей форме самые передовые художественные идеи Юго-Восточной Европы. Венская архитектура периода историзма середины и второй половины XIX в. в творчестве Г. Земпера и К. Э. фон Хазенауэра подошла к решению новых градостроительных задач. «Изделия прикладного искусства, создававшиеся в этом городе, не знающем суеты, свидетельствовали о присущей Вене культуре и непринужденном юморе. Их отличал богатый декор поверхностей, иногда даже чрезмерный, который сочетался с искусным выполнением деталей и нередко смелым, даже грубоватым подбором цветов... Эпитет, который можно было бы применить к этим изделиям, относится и к самим венцам. Они были очаровательны».
Как и в эклектической архитектуре, эта пестрота, избыточность цвета и разностильность декора, насыщенность орнаментами в разных этнических традициях из составлявших Австро-Венгерскую империю стран - Богемии, Моравии, Хорватии, Далмации, Галиции, Боснии - стимулировали художников на резкий поворот от пережитков Бидермайера и «стиля Рингштрассе» к строгому и рациональному «новому английскому стилю».
Великий герцог Райнер в 1858 г. поручил Р. фон Айтельбергеру разработать план учреждений для Вены, первых на территории континентальной Европы, по образцу Южно-Кенсинг-тонского музея и художественно-промышленной школы, созданных в Англии Г. Земпером. Уже в следующем году открылась первая выставка Императорского и Королевского музея искусства и промышленности (сравн. «Виктории и Альберта музей» в Лондоне).
В 1867 г. в Вене создано Училище художественных ремесел, которое возглавил архитектор Отто Вагнер (1841-1918), после чего оно стало ведущим в Европе.
Вагнер был выдающимся архитектором, создателем новой венской архитектурной школы, теоретиком и педагогом. В 1894-1914 гг. он преподавал в Венской Академии изящных искусств, где, развивая идеи рационализма, воспитал целое поколение художников венского модерна, среди них: И. Хоффманн, М. Фабиани, И. Плечник, П. Янак. В 1898 г. в знак протеста против академической рутины основано венское отделение общества «Сецессион». В следующем году к нему примкнул О. Вагнер. «Стиль практической полезности» (нем. Nutzstil), разработанный Вагнером и его учениками, сочетал простые геометрические формы с минимумом декора. Этот стиль отличался от извилистых линий «удара бича», придуманных А. Ван де Велде и В. Орта в Брюсселе и X. Обристом в Париже. Венские художники дали миру свой региональный вариант искусства модерна, мало похожий на стилистику французско-бельгийского Ар Нуво.
«Майолик хаус» 1898г. Доходный дом, строгость и современность, простые стены, балкон, 2 этажа, ковровая мозаика, строгость мышления.
Влияние вагнеровской школы сказалось на сложении стиля петербургского и московского модерна, оно заметно во многих работах Ф. Шехтеля в Москве. Стиль прямых линий, квадратов, окружностей и «шахматной клетки» характерен для творчества Йозефа Хоффманна (1870-1956), лучшего ученика О. Вагнера и организатора «Венских Мастерских». За пристрастие к геометрическим формам этого художника прозвали «дощатым», «квадратным Хоффманном» («Quadratl Hoffmann»), В 1912 г. Хоффманн основал по типу германского австрийский Веркбунд - союз промышленников и художников. Лучшее и самое характерное произведение Хоффманна - архитектора - дом банкира и собирателя произведений искусства А. Стоклё в Брюсселе (1905-1911).(палаццо Стокле) Используя многообразие сочетаний чистых плоскостей, облицованных мрамором, квадратов и прямых линий, выступов и ритмических «сдвигов», архитектор создал выразительный образ в стиле геометрического течения Модерна. Дом Стоклё называют «музеем Сецессионизма». В оформлении его интерьеров принимали участие многие художники «Венских Мастерских»: Г. Климт, К. Мозер, М. Повольни, Ф. Метцнер, Р. Лукш, Е. Маковская. Скромное по форме, богатое в облицовке, золоченый кант, башня на верху. «Золоченая клетка» - дом принимающий все культурную элиту того времени.
Если О. Вагнер и И. Хоффманн не отрицали возможность традиционных форм декора и орнамента, то австрийский архитектор А. Лоос (1870-1933) вообще отказался от всяких «орнаментов как детского лепета живописи» и «искусства дикаря». Лоос изучал архитектуру в Дрездене, Париже, Нью-Йорке и Чикаго и своими дерзкими «американскими проектами» еще до Первой Мировой войны заложил основы нового течения.
И. Ольбрих (1867-1908) работал в архитектурном бюро в Вене. В 1898-1899 гг. И. Ольбрих выстроил в центре Вены новое выставочное здание Сецессиона, поразившее венцев своим необычным видом. Оно состоит из нескольких массивных кубических объемов, над которыми вознесен изумительный ажурный купол, сверкающий на солнце тысячами золоченых лавровых листьев. Членения здания экономно подчеркнуты лаконичным «вагнерианским» орнаментом. Формальная изысканность и сила контрастов как нельзя лучше выражали творческие устремления венских «сецессионистов». На фасаде здания, над входом золотыми буквами начертаны слова: «Каждому времени - свое искусство, каждому искусству - своя свобода» («Der Zeit Ihre Kunst - Der Kunst Ihre Freiheit»). Ольбрих здание Сецессиона, кованый купол, влияние византийской архитектуры, строгость, чистооа, угловатость, геометричность, пропорциональность, стремление к рационализму и роскоши.
«Эрнст Людвиг Хаус» - здание, Коммуна, для жизни художников, выставочные залы плюс квартиры художников.
С 1899 г. Ольбрих работал для Дармштадтской колонии художников, проектировал здания, мебель, оборудование интерьеров. В 1906 г. И. Ольбрих разработал модель корпуса нового автомобиля фирмы «Опель» в стиле плавно изогнутых линий и ясных, чистых поверхностей и таким образом оказал существенное влияние на формирование европейского дизайна. В 1908 г. в венском Императорском музее искусства и промышленности состоялась выставка, убедительно доказавшая, что венский модерн не только успешно миновал витиеватые формы Ар Нуво, но также избежал деструктивных крайностей германского югендстиля. Не случайно в то время стали чаще говорить не о «венском модерне», а о «венском дизайне». Характерны для венцев и «приятные исключения».
Снова вошла в моду венская гнутая мебель фирмы «Тонет», причем не самые рациональные, а дорогие образцы - с инкрустацией перламутром по черному дереву. В этой мебели заметны не столько английские, сколько восточные влияния. В ювелирном искусстве, одежде, изделиях из металла продолжали использоваться драгоценные камни, цветные эмали, кораллы, бисер, жемчуг, кружева, многоцветные вышивки.
Самым ярким воплощением нового венского стиля стал живописец Г. Климт (1862-1918). Этот художник казался не столько живописцем, сколько «монументалистом-ювелиром». В живопись он вводил золотой фон, мозаику, эмали, прочеканенную латунь и медь и даже инкрустацию кораллами и перламутром. Для картин-панно Климта характерны яркие цвета: красный, синий, зеленый, фон из мелких квадратов и прямоугольников. На таком фоне он размещал по-декадентски изогнутые и манерные фигуры.
В 1903 г. для актового зала Венского университета Г. Климт создал панно «Философия» и «Медицина». Они вызвали такой взрыв негодования, что художник вынужден был их убрать. Обнаженные женские фигуры, которые любил изображать Климт на своих «византийско-японских» мозаичных фонах, были не только декадентскими, но и вызывающе, откровенно эротичными - в позах и движениях, нечастых в истории изобразительного искусства.
Необычность сочетания смелости, изысканности формы с явными издержками вкуса, особенно в цвете, существенно дополняет расхожие представления о сдержанном и рациональном, геометрическом стиле венского модерна.
Эндель, Август (1871-1925). Немецкий архитектор и дизайнер, самоучка. Один из ярких представителей германского модерна: фотоателье "Эльвира" в Мюнхене (1898 - не сохранилось), с огромным абстрактным рельефом на фасаде, театра "Бюнте" в Берлине (1901) и множества статей, в которых отстаивал психологическую ценность "чистой" формы. Предвосхищение форм Василия Кандинского, самоценные формы, абстрактность/ новое свойство узора, архитектура смыкается с декором.
Меняется роль живописи – живопись, как часть интерьера – панно. (связь со стеной).
Макс Плингер «Суд Париса». Натурализм, вульгарность основной фигуры, противоречивость форм.