Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
2.Искусство эпохи палеолита.
Палеолит: первоначалально первобытное искусство отражало постепенное познание человеком действительности, его первые представления об окружающем мире. Некоторые искусствоведы выделяют 3 этапа изобразительной деятельности: 1) натуральное творчество (композиции из туш, костей, натуральный макет) 2) Искусственно-изобразительная форма - крупная глиняная скульптура, барельеф, профильный контур 3) Верхнепалеолитическое изобразительное творчество - росписи пещер, гравировка на кости.
Натуральное творчество включало обрядовые действия с тушей убитого зверя, позже с его шкурой, наброшенной на камень или выступ скалы. В последствии появилась лепная основа для этой шкуры. Элементарной формой творчесва была звериная скульптура. Натуральный макет проходит несколько стадий. Сначала использовался естесственный фигурный объем - природный холмик. Затем голова зверя помещалась на преднамеренно сооруженный постамент. Позднее производилась грубая лепка зверя без головы. Это сооружение накрывалось шкурой зверя, к которому прикреплялась звериная голова.
Для третьего этапа характерного дальнейшим развтием палеолитического изобразительного творчества, связанного с появлением выразительных художественных образов в цвете и объемном выражении. Наиболее характерные образцы живописи э того периода представлены пещерными росписыми. Древнейшие памятники искусства найдены в Зап. Европе. В 1879 году испанский археолог Саутуола открывает многокрасочные изображения палеолитических эпох в пещере Альтамира (Испания). В 1895 году рисунки первобытного человека в пещере Ля Мут во Франции. Археолог Пестрони в пещере Фон де Гом в1908 году открывает целую картинную галерею - 40 диких лошадей, 23 мамонта, 17 оленей. Рисунки написаны охрой и другими красками, секрет которых не найден и по ныне. Палитра каменного века была бедна - в ней основные краски черная, белая, красная, желтая.
Музыкальный элемент "натуральной пантомимы" включал: имитацию звуков природы, искусственную интонационную форму (мотивы с зафиксированным звуковысотным положением тона), интонационное творчество: двух и трехзвучные мотивы. Музыкальные ниструменты: из костей мамонта, флейта из рога, северного оленя, колотушки из бивней мамонта.
Первобытные художники стали зачинателями всех видов изобразительного искусства: графики (рисунки и силуэты), живописи (изображения в цвете, выполненные минеральными красками), скульптуры (фигуры, высеченные из камня или вылепленные из глины). Преуспели они и в декоративном искусстве - резьбе по камню и кости, рельефах.
Особая область первобытного искусства - орнамент. Геометрическим узором покрыты браслеты, всевозможные фигурки, вырезанные из бивней мамонта. Геометрический орнамент - основной элемент Мезинского искусства. В его основе оказался узор, нарисованный самой природой. На сосудах каменного века был богатый орнамент, который выдавливался специальными штампами. Они изготавливались из округлых, тщательно отшлифованных плоских галек из желтоватого или зеленоватого с блестками камня. По острым краям их находились прорези. Оттиск с такого штампа называют гребенчатым или зубчатым.
Создавались и произведения малых форм - самые ранние из них относятся к палеолиту.
3.Росписи Альтамиры(Испания),пещеры Фон де Гом(франция)
Росписи часто полихромные, то есть многокрасочные, иногда же рисунки нарисованы одним цветом или процарапаны на стене. Часто росписи расположены в труднодоступных частях пещер, иногда к ним надо проникать даже через сифоны с водой. Чаще всего изображались лошади и бизоны – главный объект охоты, намного реже – мамонты, шерстистые носороги и хищники – крупные и опасные животные. Крайне редко встречаются изображения змей, птиц, рыб, насекомых и растений. Люди в верхнем палеолите почти не изображались, а когда изображались – очень схематично и грубо, в отличие от крайне реалистичных рисунков животных (пример: гравировки лиц из Ля Марш). Довольно регулярно встречаются изображения неких геометрических знаков, пятен, полос. Некоторые из них, видимо, изображают жилища, другие могли иметь мистическое или календарное назначение. Во многих пещерах найдены отпечатки человеческих рук, часто с недостающими фалангами пальцев. Их значение неизвестно.
4.Искусство эпохи мезолита.
Мезолит и неолит: в эпоху неолита и бронзового века подлинный расцвет пережил орнамент, появились изображения, передающие более сложные и отвлеченные понятия. Сформировались многие виды декоративно-прикладного искусства: керамика, обработка металла.
Бронзовый век: яркие изображения зверей почти исчезают. Всюду распространяются сухие геометрические схемы. Люди затрачивают на создание петроглифов (резьба) все меньше усилий, наспех нацарапывая на камне маленькие фигурки. В поздний период первобытного общества развивалис художественные ремесла: изготавливались изделия из бронзы, золота, серебра. Появлися новый вид архитектурных сооружений - крепости. Чаще всего это сооружение из огромных грубо отесанных камней.
В средней лесной полосе Европы со второй половины 1 тыс до н. э. распространились поселения и погребения.
Поселения делятся на неукрепленные (стоянки) и укрепленные (городища). Селищами и городищами обычно называют памятники бронзового и железного веков. Под стоянками - поселения каменного и бронзового веков. Особое место занимают мезолитические поселения, называемые къекенмеддингами, что означает кухонные (*возможна ошибка в этом слове*) кучи (выглядят как длинные кучи отбросов устричных раковин).
И стоянки охотников каменного века, и Помпеи, и Геркуланум, и Троя - все это поселения.
Особый вид поселений - риские террамары - укрепленные поселения на сваях. Римляне строили город на сухом месте, а уже потом вокруг поселений пространство заполняли водой.
Погребения: с надмогильными сооружениями (курганы, мегалиты, гробницы) и грунтовые. Курганами отмечены все погребения Ямной культуры, над некоторыми из них возвышались каменные надгробия, надмогильные статуи, каменные бабы.
Начался период господства человека над природой и господства его образа в искусстве. Наиболее сложные сооружения - мегалитические погребения, то есть в гробнищах, сооруженных из больших камней - дольмены, менгиры. В Зап. Европе и юге России распространены дольмены (от слова стол, камень). Четыре плиты стоят на ребре и пятая на перекрытие. Менгиры: отдельные каменные столбы.
5.Мегалетические сооружение и их назначение: дольмены, кромлехи,менгиры.
Мегалитические постройки, мегалиты (гр. megas - большой, lithos - камень)
Археологические памятники, сооружённые из блоков дикого или грубообитого камня. К мегалитам принадлежат МЕНГИРЫ - вертикально врытые каменные столбы; КРОМЛЕХИ - каменные аллеи; ДОЛЬМЕНЫ - гробницы с галереей, каменные ящики, крытые галереи. Мегалитические постройки широко распространены в разных странах мира, в частности, в Сибири, на Украине, в Крыму, в особенности на Кавказе, где имеются все виды мегалитических построек. Назначение их не всегда удастся точно определить, чаще всего они были связаны с погребальным культом. Меганиты относятся к разным археологическим эпохам: от неолита и эпохи бронзы до железного века. Возведение этих самых ранних памятников архитектуры представляло для первобытной техники сложнейшую задачу. Вес покровных плит достигает 40 тонн, а отдельно стоящих камней до 300 тонн, Кроме ряда приспособлений: подсыпки земли, установки рычагов, вальков и т.д. для их сооружения необходимо много людей. По-видимому, мегалиты являлись общинным сооружением.
6.Искусство Древнего Египта. Древнее царство .Комплекс пирамид в Гизе.
Приблизительно в XXX веке до н. э. фараоном I династии Нармером, или Менесом, были объединены в единое государство Северный и Южный Египет со столицей в Мемфисе.
Создание мощного централизованного государства под властью фараона, который считается сыном бога Ра, продиктовало и основной тип архитектурного сооружения — гробницу, внешними средствами передающую идею его божественности. Наивысшего подъема Египет достигает при правителях III и IV династий. Создаются самые большие по размерам царские гробницы-пирамиды, над сооружениями которых десятками лет трудились не только рабы, но и крестьяне. Этот исторический период нередко называют "временем пирамид", и его легендарные памятники не были бы созданы без блестящего развития в Египте точных наук и ремесел.
7. Искусство Древнего Египта: скальный храм в Дэйр Эль-Бахри.
Комплекс пирамид в Гизе находится на плато Гиза в пригороде Каира, Египет. Этот комплекс древних памятников находится на расстоянии около 8 км по направлению в центр пустыни от старого города Гиза на реке Нил, примерно в 25 км к юго-западу от центра Каира. Постройки были созданы в Древнем царстве Древнего Египта во время правления IV—VI династий (XXVI—XXIII века до н. э.).
Пирамида Хеопса (Хуфу) является единственным оставшимся памятником из семи чудес древнего мира.
Этот древнеегипетский некрополь состоит из Пирамиды Хуфу (известной как Великая пирамида и пирамида Хеопса), несколько меньшей пирамиды Хафры в менее чем двух сотнях метров к юго-западу и относительно скромных размеров Пирамиды Менкаура в нескольких сотнях метров дальше на юго-запад, а также ряда менее крупных пирамид-спутников, известных как пирамиды цариц, тротуары и пирамиды долины.
Поверхность пирамид была покрыта плитами полированного белого известняка. Уже после падения древнеегипетской цивилизации известняк был растащен местными жителями для собственных нужд.
Большой Сфинкс расположен на восточной стороне комплекса лицом на восток. Многие учёные продолжают считать, что Сфинкс имеет портретное сходство с Хафрой.
Монолит, использованный в заупокойном храме Менкаура — его вес оценен в более чем 200 тонн — самый тяжёлый на плато Гиза. Колоссальная статуя сидящего царя из центральной капеллы храма Менкаура — одна из самых больших в эпоху Древнего царства.
8. Искусство Древнего Египта: росписи гробниц в Бель Гасане.
Ярко реалистическая струя проявилась в рельефах и росписях Среднего царства, созданных главным образом в ряде местных центров. Номархи Среднего Египта, которые чувствовали себя полновластными хозяевами в своих областях, строили здесь храмы и пышные гробницы, для чего привлекали зодчих, скульпторов и живописцев. Поэтому, одновременно с усилением политической роли городов в отдельных номах, возросло их значение и как художественных центров.
Стены гробниц номархов украшаются не обычными для гробниц Древнего царства рельефами, а росписью, главным образом из-за характера местных известняковых скал, которые не позволяли высекать рельефы; стену покрывали предварительно слоем грунтовки, заглаживали, давали ей просохнуть и расписывали темперой.
Появляются в росписях могил номархов и новые сюжеты, например изображение прихода в Египет кочевников-семитов.
Характерными для новых исканий художников номов Среднего Египта являются многочисленные изображения животных, при создании которых мастера менее всего были связаны канонами. Такова знаменитая роспись из гробницы номарха Хнумхотепа II в Бени-Хасане со сценами охоты, где фигуры мелких хищников и птиц переданы не сплошной закраской одним тоном, а с применением полутонов, новых оттенков (густо-оранжевого, желтовато-серого и других). Например, шерсть кошки передана серовато-коричневыми мазками по желтому фону).
Большой реалистичностью отличаются деревянные статуэтки, изображающие слуг и служанок, иногда сгруппированные в целые сцены, во множестве находимые в гробницах этого времени. Очень показательны в этом отношении рельефы из Меира, где изображены с большой наблюдательностью тощий пастух и толстый, обрюзгший сборщик папируса.
9. Искусство Древнего Египта: Скульптурный портрет и его эволюция.
Зарождение портретного искусства относится к глубокой древности. Первые значительные образцы портрета встречаются в древневосточной, главным образом древнеегипетской, скульптуре. (Сохранившиеся изображения лиц предшествующего периода — искусства Месопотамии, являются имперсональными изображениями божеств и не несут индивидуальных черт).
Назначение портрета в египетском искусстве было обусловлено культовыми, религиозно-магическими задачами. Существовала необходимость «дублирования» модели (то есть портрет был двойником умершего в загробной жизни). Поэтому на канонический тип изображения (воплощающий нечто неизменное) проецировались собственно индивидуальные черты модели. Чем более портрет походил на модель, тем гарантированней была связь между каменным изображением и собственно усопшим: его жизненная сила («ка»), и его душа («ба») оставляли человека при его смерти, но ка могла найти дорогу обратно в тело, для чего его необходимо было сохранять максимально целым и похожим — так возник принцип мумифицирования и портретирования.
Известные портреты периода Древнего Царства: статуи супружеской четы Рахотепа и Нофрет, вельможи Ти, Хефрена (Каирский музей), Хемона, писца (Лувр), Ранофера. Сохранились образцы деревянной портретной скульптуры — т. н. «Сельский староста» (статуя Ка-Апера — Шейх эль Беледа, Каир). Одна из самых ранних царских статуй — фараона Хасехема (II династия).
В скульптуре устанавливаются строгие каноны определенных типов композиции — тип идущей фигуры с выдвинутой вперед ногой (всегда левой), тип коленопреклоненной фигуры, фигуры, сидящей на корточках или на троне, с симметрично положенными на колени руками. Статуи раскрашивались (на некоторых памятниках остатки краски сохранились). Употреблялись инкрустированные вставные глаза в статуи из полудрагоценных камней[8]. Портретная скульптура Древнего царства все еще находится в полном контакте с архитектурой и подчиняется геометризированным принципам. Для всех портретов Древнего царства характерны обобщенная моделировка формы лица, расширяющийся книзу нос, подчеркнуто большие губы. В эпоху V династии власть фараона постепенно ослабевает, и начинают появляться портреты земельной знати, частных лиц. Пропорции тела удлиняются, увеличивается красивая линия силуэта.
Со временем содержание древнеегипетского портрета углубляется (особенно в одухотворённых образах эпохи Нового царства периода Эль-Амарны, XIV в. до н. э.). Наиболее прославленным египетским портретистом является скульптор Тутмос Младший, работавший в эту эпоху. Его самые известные работы — портреты царицы Нефертити.
10. . Искусство Древнего Египта: храмы Луксора и Карнака.
Оба храма находятся на восточном берегу реки Нил в «Городе Живых». Именно Карнакский и Луксорский храмы являются главной достопримечательностью этого города. Храмовые комплексы Карнака и Луксора, находятся в трёх километрах друг от друга. Когда-то они были соединены трёхкилометровой аллеей в триста шестьдесят пять сфинксов, сидящих друг против друга по обе стороны аллеи. Каждый, кто проходил по ней, ощущал на себе взгляд скульптур-хранителей. До наших времён дожила лишь малая часть этой аллеи.
Карнакские и Луксорские комплексы посвящены триаде богов: Амону, его супруге Мут и их сыну Хонсу.
Карнакский храм
Карнакский храм - величайшее архитектурное строение Древнего Египта, и самое большое по площади.
На протяжении существования культа бога Амона все фараоны вносили свои изменения либо дополнения в Карнакский храм, а точнее в его комплекс. Центр храма – это древнейшее святилище поклонения богу Амону, его супруге Мут и их сыну Хонсу – богу луны. Вокруг него можно увидеть более поздние построения. Весь комплекс состоит из трёх храмов: в центре большой храм Амона, на юге храм Мут, на севере храм Менту в руинах. Войдя в Карнакский музей, со стороны Нила, за вторым пилоном стоят 134 колонны, которые начал строить Аменхотеп III; справа располагается храм Рамсеса IIIс барельефами; слева маленький храм, построенный Сети I Двор Аменхотепа III, вернее оставшийся от него обелиск, расположился между третьим и четвертым пилонами. В одной из «солнечных зал», известной как "Ботанический сад", изображены цветы и животные, которые водились тогда в Древние времена.
Расстраивался Карнакский храм приблизительно 2000 лет (до 1 в. до н.э.). Выдающиеся строители Карнакского храма: Хатшепсут, Тутмос III, Тутмос I, Аменхотеп III, Рамсес I, Рамсес II, Рамсес III, ливийские цари ХХII династии (начало I в. до н.э.) и Птолемеи.
Царица Хатшепсут строила здесь обелиски в свою честь, а племянник Тутмос III, после её смерти застроил почти все стенами. Тутмосу IIIпринадлежат барельефы с изображениями подвигов египетского народа.
В Карнакском музее в большом дворе есть священное озеро, на берегу которого на мраморной колонне восседает жук – скарабей, символ благоденствия древнего мира. Возле озера находится колоннадный храм Аменхотепа III
Ежедневно, когда наступает вечер, Карнакский храм начинает освещаться со всех сторон и сопровождаться музыкой.
Луксорский храм
Луксорский храм начал строить фараон Аменофис в ХIVвеке до н.э. для встречи нового года. Позже фараон Рамсес IIзначительно расстроил храм, построив пилон и новый двор, окруженный 74 колоннами, меж которых стояли его статуи. Наружные стены всего храма украшает барельеф с изображением битвы при Кадеше, где Рамсес IIвышел победителем. Внутренние стены изображают культ происходящих обрядов в храме.На входе во двор когда-то стояли 6 колоссов и 2 обелиска.
Во втором храме находятся громадные статуи Рамсеса IIи Нефретари – его жены. В третьем дворе возвышаются 32 колонны с капителью. Этот вестибюль ведёт к храму, который расширил Аменхотеп IIIиз святилища, воздвигнутого Тутмосом IIIи Хатшепсут в ХVIв. до н.э.
От Луксорского храма к Карнакскому когда-то вела трёхкилометровая аллея в триста шестьдесят пять сфинксов, сидящих друг против друга по обе стороны аллеи. От аллеи отходил поворот в правую сторону к храму Мут.
Всё что находилось в пределах Луксорского комплекса, сейчас находится в Луксорском музее.
11. Искусство Древнего Египта: Амаринский период.
Амарнским периодом (или Амарной) в истории Древнего Египта принято называть эпоху правления фараона XVIII династии Эхнатона (1351-1334 гг. до н.э.). Амарна стала яркой вспышкой, всколыхнувшей традиционную египетскую культуру, своеобразной революцией, отголоски которой слышались на протяжении всей последующей древнеегипетской истории.
При Аменхотепе III (1388-1351 гг. до н.э.) Египет достигает своего расцвета. Он утопает в роскоши. Власть фараона становится поистине беспредельной, вплоть до того, что Аменхотеп Ш при жизни почитается как бог. Вместе с почитанием фараона небывалого размаха достигает почитание Амона, издревле считавшегося покровителем царской власти. Именно в это время начинается строительство грандиозного храма царя всех богов в Карнаке, ставшего впоследствии одним из самых известных храмов древнего мира. Но такой расцвет культа верховного бога имел достаточно сильные отрицательные стороны. Из концепции покровительства Амона над царской властью вытекала идея ее зависимости от воли бога, толкователями которой были жрецы. Жречество, постепенно набирая силу, становится соперником фараона и претендует на управление страной. В этой ситуации главной задачей фараона становится подрыв авторитета жрецов, в первую очередь, Амона. Решением этой проблемы могло бы стать противопоставление культу Амона культа иного бога, который целиком бы поддерживал царскую власть. И вот на престол вступает сын Аменхотепа III – Аменхотеп IV. При нем в ответ на усиливающиеся влияния жрецов Амона начинается возвышение культа второстепенного до этого божества Атона – видимой формы солнечного диска. Выбор солнечного божества был не случаен, потому что солнце в Древнем Египте всегда было окружено особым почетом. Аменхотеп IV принимает новое имя – Эхнатон (“Действенный дух Атона”). Он покидает столицу страны Фивы и в среднем течении Нила основывает новую – Ахетатон, “Горизонт Атона”, на месте которого находится современная деревушка Телль-эль-Амарна (отсюда и название исторического периода). Вскоре Эхнатон возводит почитание Атона в ранг государственной религии, запрещая культы всех остальных богов.
Древнеегипетское искусство всегда было тесно связано с религией, художественные каноны считались священными и часто были отражением религиозного мировоззрения. Поэтому неудивительно, что религия Атона получила отражение и в искусстве. Изменить искусство – значило внести вклад в великую религиозную революцию, освободиться от прежних канонов, связанных со старыми “ложными” богами. Главным мотивом искусства Амарны стал “поиск истины”, который выразился в общей реалистической направленности этого искусства.
12. Искусство Древнего Египта: храмовый ансамбль Абу-Симбел.
Ансамбль Абу Симбела образуют два сооружения: Большой храм, посвященный фараону Рамсесу II и трем богам: Амону, Ра-Хорахте и Птаху, и Малый храм, воздвигнутый в честь богини Хатор, в образе которой представлена жена Рамсеса II Нефертари-Меренмут.
Абу-Симбел построен во вторую половину эпохи Нового царства и в нем уже чувствуется начало упадка древнеегипетского искусства. Затевая в 1260-х годах до н. э. строительство храма, зодчие исходили из принятых традиций оформления гробниц, но гигантские размеры храма порождали свои трудности.
Вход в Большой храм Абу-Симбела ориентирован на восток. Первые лучи солнца, освещая фасад, проникают во внутреннее пространство – сначала в первый зал, с четырехгранными колоннами-столбами и статуями фараона в образе бога Осириса, затем во второй зал, и далее – в святилище. В его самом дальнем конце располагались статуи богов и фигура фараона Рамсеса II. Два раза в год лучи восходящего солнца падали на статуи Рамсеса, Амона и Ра-Хорахте; четвертая фигура, бога Птаха, не освещалась никогда: Птах – владыка подземного мира, и солнце ему ни к чему, он должен вечно пребывать во тьме.
Несмотря на то что Большой храм, помимо обожествленного фараона, был посвящен еще трем богам, вся идея сооружения состояла в возвеличивании Рамсеса II всеми возможными средствами. Это особенно подчеркивает фасад храма, вырубленный в скальном массиве в виде традиционного пилона, только невообразимых размеров, где вход в святилище обрамляют четыре исполинские, двадцатиметровой высоты фигуры Рамсеса II. Эти изображения сидящего фараона портретны! Как мастерам удалось при таких масштабах статуй, высеченных из твердого песчаника, умудриться сохранить портретное сходство? Это же поразительно! И дело не столько в том, насколько похож или не похож изображенный ими фараон на себя – восхищает сама техника изготовления фигур таких масштабов. Ведь изготовить их можно было, только в совершенстве владея системой пропорций, устанавливающей точные соотношения между размерами фигуры и каждой из ее частей.
Громадные статуи Рамсеса были издалека видны всем плывущим по Нилу. А когда над горизонтом появлялись первые лучи солнца, колоссы окрашивались в темно-красный цвет, резко выделяясь на фоне иссиня-черных отбрасываемых ими теней.
Образ великого фараона господствует в храме Абу-Симбел. Сразу же за дверями, в первом помещении храма, посетителя встречают восемь фигур фараона Рамсеса в облике бога Осириса. Они стоят по четыре с каждой стороны. Стены и потолки внутренних помещений храма покрывают росписи и раскрашенные рельефы, относящиеся к лучшим образцам искусства Древнего Египта позднего периода.
Рельефы храма Абу-Симбел выделяются своей динамикой, экспрессией движений и поз. Их авторами были фиванские скульпторы Пиаи, Панефер и Хеви. Сюжеты рельефов посвящены жизни и подвигам Рамсеса II: вот фараон повергает к стопам богов толпы пленников – белокожих ливийцев и темнокожих нубийцев, вот он безжалостно убивает их перед лицом богов… Грандиозные картины повествуют о войне Рамсеса II с хеттами. Замечателен рельеф, изображающий сцены битвы при Кадеше: мчащийся на колеснице фараон резким движением натягивает лук, целясь в перепуганных врагов; на стенах вражеской крепости кипит бой, со стен валятся поверженные воины; пастух поспешно угоняет скот, боясь, что он станет добычей египтян. Беспомощно поднятой рукой пастух как бы пытается загородиться от грозящей опасности…
Малый храм Абу-Симбела посвящен богине Хатор. Он намного проще и скромнее, чем Большой, и состоит из высеченных в скалах колонного зала и святилища с тремя нишами. Фасад Малого храма украшают шесть фигур, выполненных в полный рост. Между статуями фараона Рамсеса II здесь помещены статуи его супруги Нефертари-Меренмут. Скульптуры стоят в глубоких затененных нишах, благодаря чему в лучах солнца создается игра света и тени, усиливающая впечатление от этих монументальных фигур. На одной из колонн Малого храма высечена надпись: «Рамсес, сильный правдой, любимец Амона, создал это божественное жилище для своей возлюбленной супруги Нефертари».
В святилище Малого храма, в центральной нише, стояла статуя священной коровы, в образе которой почиталась богиня Хатор. Перед ней был изображен фараон Рамсес II, находившийся как бы под защитой богини.
Фасад храмов высечен в скале, высотой 31 метр и шириной в 38 метров. Колоннами фасаду служат четыре статуи фараона, изображённого сидячим на троне. Высота этих статуй около 20 метров, а голова каждой из этих скульптур достигает 4 метров! Над фасадом высечен орнамент в виде бабуинов.
Фасад храмов высечен в скале, высотой 31 метр и шириной в 38 метров. Колоннами фасаду служат четыре статуи фараона, изображённого сидячим на троне. Высота этих статуй около 20 метров, а голова каждой из этих скульптур достигает 4 метров! Над фасадом высечен орнамент в виде бабуинов.
13. Искусство Древнего Египта: Сокровище гробницы Тутанхамона.
Тутанхамон знаменит тем, что его гробница в «Долине царей» возле Фив случайно оказалась почти нетронутой древними грабителями и сохранилась до наших дней. В ней, среди погребальных принадлежностей и утвари, было обнаружено множество замечательных произведений искусства той эпохи — тысячи различных предметов, включая позолоченную колесницу, сиденья, ложа, светильники, драгоценные украшения, одежду, письменные принадлежности и даже пучок волос его бабки. Это открытие дало миру наиболее полное представление о великолепии древнеегипетского двора. Благодаря этому имя владельца этих сокровищ, ничем не примечательного юного египетского царя, стало сразу же широко известным.
Ведь в глазах историков Тутанхамон оставался малоизвестным второстепенным фараоном вплоть до начала XX века. Более того, даже высказывались сомнения в реальности его существования. Поэтому открытие гробницы Тутанхамона рассматривается в качестве величайшего события за всю историю археологии. Тем не менее, правление Тутанхамона действительно не отличилось ничем значительным, помимо отказа от атонизма. Говарду Картеру принадлежат следующие слова о молодом фараоне: «При нынешнем состоянии наших знаний мы можем с уверенностью сказать только одно: единственным примечательным событием его жизни было то, что он умер и был похоронен».
Гробница Тутанхамона (объект KV62[en]) расположена в Долине Царей, и это единственная почти не разграбленная гробница, дошедшая до учёных в первозданном виде, хотя её и вскрывали дважды гробничные воры. Она была обнаружена в 1922 году двумя англичанами — египтологом Говардом Картером и археологом-любителем лордом Карнарвоном. В гробнице сохранились многочисленные украшения, а также украшенный бирюзой саркофаг массой 110,4 кг из чистого золота[8] с мумифицированным телом фараона.
4 ноября 1922 был расчищен вход в гробницу KV62, у входа в гробницу Рамсеса VI (строители усыпальницы этого Рамессида, видимо, засыпали путь в гробницу Тутанхамона, что объясняет её относительную сохранность). Причём печати на дверях оказались нетронутыми, что вселяло серьёзные надежды на возможность совершения крупнейшего археологического открытия века. 26 ноября 1922 Картер и Карнарвон стали первыми за три тысячелетия людьми, спустившимися в гробницу (грабители, которые могли побывать в гробнице, очевидно, спускались в неё ещё во времена XX династии).
16 февраля 1923, после длительных раскопок, Картер, наконец, спустился в погребальную камеру гробницы («Золотой чертог»), где находился сам саркофаг фараона. Среди утвари и прочих предметов, погребённых с фараоном, было обнаружено множество образцов искусства, носящих печать влияния искусства Амарнского периода. Владелец обнаруженных сокровищ, тогда ещё практически неизвестный юный правитель Египта, сразу же превратился в объект повышенного внимания, а феноменальное открытие не только сделало его имя общеизвестным, но и вызвало очередной всплеск обновлённого интереса ко всем следам египетской цивилизации в современном мире.
В 2009 году Захи Хавасс сообщил о том, что гробницу Тутанхамона в ближайшем времени закроют на реставрационные работы. Верховный совет по древностям совместно с институтом консервации Гетти — Getty Conservation Institute (GCI) осуществят проект по консервации гробницы. Проект планируется осуществить в пятилетний срок.
На стенах гробницы были замечены коричневые пятна, природа которых пока не выяснена, но ясно, что распространение этих пятен может навсегда уничтожить уникальный памятник Древнего Египта[9]. Однако в 2011 году появилась информация о том, что пятна вызваны микроорганизмами, которые к настоящему моменту мертвы. Они могли появиться вследствие того, что фараона хоронили в спешке и не дали высохнуть настенным росписям перед запечатыванием входа. Это открытие вызвало споры о причинах поспешности[10]. Тем не менее было принято решение в конце 2011 года полностью закрыть памятник для туристов. Взамен для просмотра собираются создать копию гробницы[11][12].
14.Эгейская(крито-микенская) культура и искусства.
Крито-Микенское искусство
условное наименование искусства Древней Греции эпохи бронзы (около 2800-1100 до н. э.); более широкое название - эгейское искусство.
(Источник: «Популярная художественная энциклопедия.» Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство "Советская энциклопедия", 1986.)
кри́то-мике́нское иску́сство
(эгейское искусство), искусство, сложившееся на островах Эгейского моря и в южной части Балканского полуострова (3 – 2-е тыс. до н. э.). Искусство о. Крит и островов Кикладского архипелага – Парос, Наксос, Сирос, Фера (3-е – сер. 2-го тыс. до н. э.) принято называть минойским по имени мифического царя Миноса, сына бога Зевса и царевны Европы. Культуру, развивавшуюся на Балканском полуострове (1600–1100 гг. до н. э.), где жили грекоязычные племена ахейцев и где главенствующее положение занимали «златообильные Микены», город легендарного царя Агамемнона, именуют микенской.
Минойская культура пережила яркий расцвет в первой пол. 2-го тыс. до н. э. Её памятники были открыты лишь в нач. 20 в. Английский археолог А. Эванс раскопал руины дворца в Кноссе на о. Крит, который он назвал «дворцом Миноса». Центром огромного, площадью более 8 тыс. м2, комплекса был обширный прямоугольный двор; вокруг него на уровне нескольких этажей располагались парадные залы, святилища, склады, соединённые длинными извилистыми коридорами и лестницами. Нижние помещения вырубались в толще скалы, верхние возвышались над холмом. Восточная часть дворца открывалась в окружающий пейзаж колонными галереями. В западной части, где, по-видимому, находился парадный вход, помещения были защищены мощными стенами. Сложная планировка дворца, обилие запутанных ходов, внезапные спуски и повороты позднее напомнили грекам построенный мифическим зодчим и скульптором Дедалом Лабиринт, в подземелье которого обитал Минотавр. Окон не было. В коридорах царила кромешная тьма. Лишь иногда за поворотом в местах т. н. световых колодцев сиял ослепительный столп света, лившегося сверху; для этого в плоских крышах были сделаны квадратные проёмы, которым соответствовали такие же отверстия в нижележащих этажах. Вокруг открытого проёма вились лестницы, украшенные покрытыми ярко-красной обмазкой деревянными колоннами, сужавшимися книзу, что уподобляло их сталактитам, свисающим со сводов пещер. Позднее в Фесте и др. местах на Крите были также обнаружены руины дворцов и меньших по размеру комплексов (т. н. виллы). Во всех дворцах были зрелищные площадки – мощённые плитами дворы, обрамлённые каменными лестницами. Здесь происходили священные игры с быком, более опасные, чем испанская коррида, так как участвовавшие в них юноши и девушки были безоружными (фреска «Игры с быком», 17–16 вв. до н. э.). Бык считался священным животным Великой Богини, в образе которой критяне почитали природу. Изображения священных рогов и двулезвийных топоров-лабрисов, с помощью которых совершались жертвоприношения, – один из излюбленных мотивов минойских мастеров. Однако искусство критян словно «не знает» зла и смерти: в вазописи лабрисы «прорастают» лепестками лилий; поражают совершенством ритоны (фигурные сосуды) в виде головы быка, на лбу которого, в том месте, куда вонзается топор, расцветает цветок. Фресковые фризы с пейзажами и сценами празднеств опоясывают комнаты. Силуэты фигур и предметы очерчены гибкими, «бегущими» линиями («Собиратель шафрана», 17 в. до н. э.). Чарующе прелестна т. н. «Парижанка» (15 в. до н. э.), изображение одной из девушек в сцене празднества в оливковой роще. Критские мастера были знакомы с египетскими канонами изображения человеческой фигуры («Царь-жрец», 15 в. до н. э.), однако в целом минойское искусство не было связано жёсткими правилами: в нём воплотилось восторженное любование природой, с которой органически слит человек. Образы природного мира воплотились
Упадок минойской культуры связывают с извержением вулкана на о. Фера (ныне Санторин), произошедшим ок. сер. 2-го тыс. до н. э., вызвавшим землетрясения и волну-цунами, обрушившуюся на Крит. Воспользовавшись ослаблением Кносса, ахейцы захватили остров, испытав при этом сильное влияние минойской культуры. Согласно другим версиям, ахейские правители, бравшие в жёны критских принцесс, постепенно завладели островом в период обострения там внутренних междоусобиц. С 15 в. до н. э. минойское искусство утратило живую непосредственность, стало суше и жёстче. Появившиеся в нём новые черты отражали вкусы ахейских правителей, на которых, вероятно, работали в это время многие критские мастера. Расцвет микенской культуры приходится на 14–13 вв. до н. э. Города ахейцев – Микены, Тиринф, Афины, Пилос и др. – представляли собой суровые крепости, возводившиеся на склонах скал. Их центром был акрополь с дворцом правителя (мегароном). Мощные крепостные стены были сложены из огромных необработанных камней без скрепляющего раствора (т. н. «циклопическая кладка»: по преданию, тяжёлые глыбы поднимали одноглазые великаны-циклопы). Стены Тиринфа достигали толщины 17 м; внутри них располагались ходы, где помещались цистерны с водой, склады оружия и продовольствия. Входом в цитадель Микен служили Львиные ворота, украшенные плитой с изображением двух грозных львиц. В 1876 г. немецкий археолог Г. Шлиман обнаружил внутри крепости шахтовые (высеченные в скале) гробницы правителей Микен, которых он принял за Агамемнона и его сподвижников. Впоследствии было установлено, что захоронения гораздо древнее (16 в. до н. э.). Грудь умерших прикрывали золотые доспехи, на лицах лежали золотые маски. Выбитые на тонком золотом листе лики лаконично и убедительно передавали облик суровых вождей-воинов (т. н. «маска Агамемнона»). Обычай прикрывать лица покойных масками существовал в Древнем Египте, однако пока нет данных о заимствовании этого обычая ахейцами оттуда. В 15 в. до н. э. шахтовые могилы сменились величественными каменными гробницами – толосами. К т. н. «гробнице Атрея» (14 в. до н. э.) ведёт выложенный каменными плитами коридор-дромос длиной 36 м. Захоронение перекрыто полусферическим ложным сводом, образованным выступающими друг над другом рядами камней. В древности потолок был украшен позолоченными розетками (украшениями в форме цветка), олицетворяя звёздное небо. Из микенских дворцов лучше всего сохранился дворец в Пилосе, обнаруженный археологами в 1950-х гг. Строгая продуманность, симметрия плана просторных прямоугольных помещений – отличительная черта микенской архитектуры. В монументальной живописи и вазописи праздничное ликование минойского искусства сменилось прославлением торжества физической силы, героического духа и сурового мужества. Живописные изображения отличает строгая симметрия и жёсткость форм. В изобразительном и декоративно-прикладном искусстве преобладают битвы и охоты (кинжал со сценой охоты на львов, золотой перстень со сценой битвы; оба – 16 в. до н. э.; кратер – сосуд для вина – с проводами воинов, 12 в. до н. э.). Троянская война (13 в. до н. э.) положила начало упадку микенской культуры. Ок. 1200 г. её развитие было прервано нашествием племён дорийцев. Возможно также, что дорийцы пришли на уже разорённые междоусобными войнами земли. Наступили «тёмные века», по прошествии которых искусство пережило новый расцвет в Древней Греции.
(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.» Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)
и в пластичных, упругих формах и росписях критских сосудов (см. ст. Вазопись). На Крите не были обнаружены крупные статуи; скульптура представлена небольшими керамическими фигурками богинь (или жриц) со змеями в руках, с осиной талией, в пышных юбках с воланами и корсажах, открывающих пышную грудь.
15.Кносский дворец на Крите.
Кносс (греч. Κνωσσός, лат. Cnossus, исконное название на минойском языке — KA-NU-TI) — древний город на острове Крит, расположен около современного Ираклиона, на северном берегу, в 4 км от моря, в древности с двумя гаванями.
Главный город острова во времена минойской цивилизации (в греческой мифологии связывается с именем легендарного критского царя Миноса), а также некоторое время под властью ахейских греков, во временаМикенской цивилизации. По легенде, в его окрестностях находился лабиринт Дедала, где был заключён Минотавр.
В эпоху классической античности — средоточие культа критского Зевса, родина Эпименида.
Первый дворец-храм в Кноссе был построен ок. 2000-1700 г. до н. э., «раннедворцовый период», на остатках находившегося здесь ранее неолитического поселения. Этот дворец был разрушен землетрясением ок. 1700 г. до н. э.
Однако вскоре были проведены необходимые восстановительные работы и на его месте был построен другой дворец, который и дошёл до нашего времени, «новодворцовый период». Период 1700-1450 гг. до н. э. — время высочайшего расцветаминойской цивилизации и особенно Кносса.
После сильнейшего землетрясения и огромного цунами между 1628 и 1500 г. до н. э., вследствие извержения вулкана на острове Санторин дворец был разрушен. В 1450 г. до н. э. пожар окончательно уничтожил Кносский дворец. Причём в это же время пожары уничтожили и другие похожие дворцы на Крите (Фест, Закрос и др.). Причина этих пожаров до настоящего времени не ясна. Территория дворца больше не заселялась, но Кносс продолжал оставаться значительным городом-государством вплоть до ранневизантийского периода.
Название Кносс[en] осталось от древнегреческих упоминаний на главный город Крита. Отожествление Кносса с Бронзовым веком основывается на традициях, римских монетах, разбросанных по окрестностям мест раскопок; а так же на большом кургане – холме, называемом Кефала, высотой 85 метров (279 футов) над уровнем моря. На многих монетах была надпись Кнос или Кносион на лицевой стороне и изображение Минотавра или лабиринта на оборотной стороне. Оба изображения – символы, происходящие от мифа о царе Миносе, по легенде, правителя с Кносса. Монеты появились из римского поселения Colonia Julia Nobilis Cnossus, а римская колония располагалась как раз к северу и включала в себя холм Кефала. Считается, что римляне превратили Кносс в колонию. [1]
Открытие Эвансом [править]
О наличии развалин в Кноссе было известно уже Шлиману (из писем местного купца Калокериноса). Шлиман планировал раскопки в Кноссе, но из-за натянутых отношений с турецкими властями этим планам не было суждено осуществиться. Систематические раскопки территории начаты в 1900 году английским археологом Артуром Эвансом, который скупил земли, на которых стоял дворец. Поскольку англичан интересовал период до 1450 г. до н. э. (т. н. новодворцовый), все более поздние слои были уничтожены. Параллельно с раскопками велось воссоздание руин в «первоначальном виде» (как его представлял себе сам Эванс). В связи с этим в настоящее время рядовому туристу не всегда просто отделить останки древних построек от того, что было достроено Эвансом.
Версии гибели дворца [править]
При раскопках не были найдены трупы людей и животных. Существует версия, что после извержения жители Кносса и других дворцов Крита в 1450 г. до н.э. покинули остров и расселились на побережье. В пользу этой версии говорит то, что у этрусков, а также в Палестине найдены сходные артефакты более позднего периода. Ряд современных авторов отождествляют жителей Крита данного периода с легендарной Атлантидой.
16.Керамика стиля Камарес.
Характерной особенностью Камареса является линейный орнамент, который наносился на матовую основу чёрного цвета белой, оранжевой или красной краской. В этом стиле расписывалась тонкостенная глиняная посуда в крито-минойский период. Камарес был чрезвычайно популярен и распространился по всему восточному побережью Средиземного моря до Египта.
Чаще всего минойские вазы расписывались спиральными узорами и стилизованными изображениями настоящих и мифологических животных и растений.
В XV веке до нашей эры минойский стиль вазописи эволюционирует, и появляются росписи, выполненные темной краской на светлом фоне.
Критская керамика пользовалась широким спросом за пределами острова. Сосуды с маслом и благовониями были обнаружены на различных островах Эгейского моря, на материковой Греции, на Кипре, на побережье Сирии и Египта, что говорит о широкой
сети торговых контактов минойцев
17.Архитектура Микеи.
Критская архитектура не знает здания как некоего законченного, пластического тела, как самостоятельного тектонического организма. Не знает она и принципиального различия между внутренним и наружным пространством. В архитектуре главным было сквозное пространство, а не стены, движение, но не укрытие.
Неповторимое крито-микенское искусство создано народами Восточного Средиземноморья, населявшими острова Эгейского моря, остров Крит(Crete), и близлежащие города материковой Греции – Тиринф (Tiryns) иМикены (Mykenai) в эпоху бронзового века (III-II тыс. до н. э. ).
До раскопок английского археолога Артура Эванса(Evans, Arthur John, 1851-1941), начатых в 1900 г. на о. Крит(Crete), главными центрами древнейшей культуры Восточного Средиземноморья считали города Тиринф и Микены на полуострове Пелопоннес. В 1874-1885 гг. сенсационные открытия в этих местах сделал Генрих Шлиман (Henryh Shliman) В 1878 г. близ Микен была открыта галерейная гробница, так называемая сокровищница Атпрея. Ранний этап «домикенской» культуры называли элладской. А. Эванс, открыв остатки дворца в Кноссе на о. Крит, принадлежавшего, по его убеждению, легендарному царю Миносу, предложил наименование «минойская культура». Ее развитие условно подразделяется на три основных периода:
– раннеминойский (раннеэлладский; 3000-2200 гг. до н. э. );
– среднеминойский (среднеэлладский; 2200-1600 гг. до н. э. );
– позднеминойский (позднеэлладский; 1600-1100 гг. до н. э. ).
На «малых островах» Эгейского моря, севернее Крита, между Пелопоннесом и побережьем Малой Азии в 3-2 тыс. до н. э. также развивалась своеобразная культура. Вместе с культурой Крита и Микен ее именуют эгейской. Средиземноморское побережье Малой Азии в древности называли Анатолией. Согласно одной из версий, древние жители Крита – арийские племена, пришедшие в эти места с северо-запада, они принесли с собой культуру бронзовых изделий. Примерно в это же время тиррены, или этруски, двигались с востока на запад. Возможно, что встреча двух разных культур стала причиной расцвета оригинального крито-микенского искусства. Среднеминойская эпоха, возвышение Тиринфа и Микен связаны с появлением на Пелопоннесе племени ахейцев. По некоторым предположениям, ок. 1470 г. до н. э. в Восточном Средиземноморье произошло извержение вулкана (либо тектонические сдвиги), приведшее если не к гибели, то к упадку минойской культуры. В XII-XI вв. до н. э. с севера в Элладу вторглось воинственное племя дорян, или дорийцев, в конце концов уничтожившее существовавшую до них культуру Тиринфа и Микен. «Дорийское нашествие» (ок. 1100 г. до н. э. ) считается началом железного века в Восточном Средиземноморье. Древние египтяне называли критян, с которыми они поддерживали торговые отношения, «кефти». Греки всех островитян именовали карийцами, или пеласгами (несмотря на существование г. Кария на Пелопоннесе и на то, что древнейшее племя пеласгов жило на материке). В начале нашей эры закрепилось название Крёта (позднее, с XIII в. – Кандия, ныне Крит). Географическое положение Крита в самом центре Восточного Средиземноморья Аристотель называл счастливым – там пересекались древние морские пути (остров расположен почти на равном расстоянии от Азии, Африки и Европы).
Кроме дворца в Кноссе (Knossos) на северном берегу о. Крита, вскоре после Эванса итальянские археологи на южном берегу острова открыли дворец в Фесте (Phaistos), близ него – загородную виллу, или «малый дворец», в Агиа Триаде (новогреч. Hagia Triada – «Святая Троица», позднейшее название) с остатками росписей XVI в. до н. э. После подъема культуры на Крите в среднеминойский период наступил некоторый спад, и гегемония перешла к материковым Микенам, ранее находившимся в зависимости от Крита, а также к городам Пилос, Тиринф на Пелопоннесе и Орхомен, Фивы в Беотии. Поэтому хронологически и территориально крито-микенское искусство подразделяется на минойское (островное) и микенское (континентальное). Согласно мифу, на о. Крит младенцем был спрятан сам Зевс. Когда же он в образе быка с золотыми рогами похитил дочь финикийского царя Европу, то доставил ее также на Крит. Сын Зевса и Европы Минос стал правителем Крита. В Кносском дворце, который открыл А. Эванс, по преданию, обитало чудовище Минотавр (греч. Minotauros – «Бык Миноса»), для которого мастер Дедал построил лабиринт. Предполагают, что древние критяне почитали Миноса, как и Зевса Астерия («Звёздного»), в образе быка – солярный символ, порождающее начало. Отсюда легенда о Минотавре и традиционный мотив росписей «игры с быком». Другим божеством, почитавшимся на острове, была змея, покровительница дома – хтонический символ хаоса, родящее начало. Один из символов «Зевса Астерия» – равносторонний крест, другой, часто встречающийся изобразительный мотив – двойной топор (лабрис). Исследователи отмечают культовое значение женщины. Об этом свидетельствуют мотивы росписей Кносского дворца (ранее их называли «фресками», но выяснено, что они выполнены темперой). Изысканные одеяния, прически, которые мы видим на этих росписях, предметы косметики – все говорит об утонченной, эстетской культуре. Женственный, мягкий и живописный стиль критского искусства разительно отличается от геометрического стиля предыдущей эпохи, искусства Киклад, суровых вкусов ахейцев и дорян. На востоке острова в Гурнии открыты остатки прямоугольных в плане жилых построек критян. Захоронения делались круглыми, типа толоса. Интересно, что на Крите отсутствуют храмы. Сложный комплекс дворцовых сооружений в Кноссе начал формироваться ок. 2000 г. до н. э. , в среднеминойский период. Около 1700 г. до н. э. по неясным причинам произошли значительные разрушения, и дворец стали строить заново. Удивительная особенность Кносского дворца – отсутствие ясного плана и видимой закономерности в организации пространства .
Дворец растет как бы сам по себе, свободно заполняя окружающее пространство, асимметрично, на нескольких уровнях. Примечательно обилие лестниц, переходов, причудливо сообщающихся между собой, никуда не ведущих коридоров, световых колодцев (существует гипотеза, что происхождение понятия «лабиринт» связано с запутанной планировкой Кносского дворца).
«Критская архитектура, – как пишет Б. Виппер, – вообще не знает здания как некоего законченного, пластического тела, как самостоятельного тектонического организма. Не знает она и принципиального различия между внутренним и наружным пространством: ее комнаты ничем не отличаются от портиков, ее световые шахты – от закрытых зал... Создается впечатление, что в этой архитектуре главным было сквозное пространство, а не стены, движение, но не укрытие. Стены шахт, соединяемые с лестницами, пробиты окнами, простенки расцвечены яркими полосами – красными, желтыми, синими». Но, несмотря на динамичный, «двигательный» характер архитектуры Кносса, в ней отсутствует направленность движения. Опоры могут появляться посреди дороги, пространство – пересекаться без всякой логики.
Тот же характер имеет дворец в Малии, восточнее Кносса, и в Фесте, вероятно, предшествовавший более известному Кносскому. Характерно также, что орнаментальные росписи, в которых преобладает атектоничный мотив волны, спирали, «перебегают» с одной плоскости на другую, игнорируя углы и членения стен. Оригинальна форма сужающихся книзу деревянных, окрашенных красной краской колонн. Такая форма не повторяется более нигде: ни в архитектуре Месопотамии, Персии, ни в Египте или классической Греции. Колонны Кносского дворца атектоничны, они кажутся поставленными «с ног на голову», хотя отчасти их форма обусловлена материалом (сужающимся стволом дерева, поставленным комлем, корневищем вверх, на которое удобно укладывать балки перекрытия). В верхней широкой части прочнее оказывается связка, крепление. По одной из версий, необычная капитель в форме двойного вала изначально могла служить для закрепления велума – тента из ткани. Примечательно также, что колонны никогда не ставились на углах здания, как того можно было бы ожидать. Базы из камня в виде кольца предохраняют деревянный ствол от гниения. Есть также свидетельства о существовавших витых колоннах и опорах с выпуклыми ложками, наподобие ребристых. Зигзагообразный орнамент на стволах колонн, возможно, повторяет более древние металлические украшения. Все это дополняет представления о живописном стиле критского искусства. Декоративные росписи выполнены красной, желтой, голубой, черной красками. Фигуры мужчин изображались красным цветом, женщин – белым. Орнаментация не связана с характером персонажей и их одеждой.
Складывается впечатление, что росписи, не имеющие явных прототипов, возникли внезапно, существовали всего каких-нибудь сто – двести лет среднеминойского периода и так же внезапно исчезли. Обнаружены лишь малые фрагменты (позднее они были «дописаны», и поэтому на репродукциях невозможно определить подлинные детали и позднейшие добавления). Самая известная композиция: «Собиратель крокусов», или «Голубой мальчик» – условные названия изображения фигуры «мальчика» голубоватых тонов на фоне огненно-красной лужайки с фантастическими цветами. Обращает внимание свободное, декоративное использование цвета, локальность тонального пятна. Близок египетскому искусству «Царь-жрец». Некоторые изображения произвольно срезаются «рамой». Подобный оптический прием невозможно представить ни в тектонических композициях египетского искусства, ни в последующем искусстве греческой классики. В росписи керамического саркофага, найденного в Агиа Триаде, и в рельефе каменной «вазы со жнецами» используется аналогичный атектоничный прием «выхода» изображения за обрамление. На парных золотых кубках, найденных в Вафио (селение на севере Пелопоннеса), расположены рельефные изображения: на одном – ловля диких быков, на другом – пасущиеся быки. Причем, как и в росписях Кносского дворца, земля с цветами и травами показана одновременно вверху и внизу композиции – вдоль верхнего и нижнего края кубка так, что цветы верхней части свисают вниз. «Кубки Вафио» относят к позднеминойскому периоду, возможно, они сделаны в мастерских Крита. Общая тенденция к орнаментализации и стилизации изображений на основе какого-либо одного формального мотива – волны, зигзага – заметна во многих памятниках. В этом отношении характерна роспись «вазы с осьминогом» из Кипрского музея, в которой, несмотря на симметричное и тектоничное расположение декора, обыгрывается мотив извивающейся линии. Б. Виппер обратил внимание на относительно слабое развитие скульптуры и объяснил это тем, что живописность стиля предполагает большее внимание к пространству, чем к форме.
Мастера Крита предпочитали не скульптуру, а пластику, работу в малых формах и мягких материалах. Они использовали не камень, а мрамор, в изделиях из слоновой кости, фаянса, бронзы обыгрывали блеск поверхности и живописную трактовку формы. Очевидно развитие от предельной схематизации кикладских идолов к «пространственному натурализму» крито-микенского искусства. Для критской пластики типичны пространственные композиции, например, фигурка «акробата» на рогах быка или женщины на качелях (мотив почти невозможный в скульптуре). Живописная тенденция в критском искусстве была столь сильна, что она приводила к диковинным (ни архитектурным, ни скульптурным и ни живописным) формам: изделиям из глазурованной керамики, «изображающим растения, коралловые рифы и раковины, морских раков и летающих рыбок. Эванс составил из них примерную панораму подводного царства, которая, возможно, находилась на дне бассейна и, таким образом, была видима сквозь прозрачную поверхность воды». Подобные опыты оптической иллюзии появились в античном искусстве снова более чем тысячелетие спустя – в эллинистический период, и они достаточно редки. В позднемикенской керамике заметно развитие новых, тектонических тенденций расположения декора (так называемый дворцовый стиль).
Однако до этого, на рубеже среднеминойского и позднеминойского периодов, появляется своеобразная группа керамических изделий, расписанных живописно расположенными изображениями рыб, осьминогов, моллюсков, дельфинов, раковин. Но и в них есть своеобразная живописная тектоника. Так, фляга из Палейкастро с изображением осьминога похожа на огромную каплю воды, и кажется, будто мы видим плавающего осьминога не снаружи, а внутри. Характерны ритмические сдвиги бесконечного раппорта из моллюсков, аналогично узору на ткани, не имеющие примеров в более ранних стилях. Подобные примеры служат поводом для сравнения крито-микенского искусства с позднеэллинистическим, арабским, японским и даже с искусством французского Рококо XVIII в. «Нельзя не удивляться, – писал Э. Кон-Винер, – что уже в то время, почти на заре европейской культуры, в бронзовый век, мы находим искусство роскоши так ярко выраженное, искусство, богатые формы которого не только не вытекают из определенной цели, но, в особенности на Крите, прямо борются против ясного выражения подобной целесообразности». Позднее, когда около 1500 г. до н. э. гегемония перешла к континентальным Микенам, художественный стиль стал более суровым, чтобы затем, по мере усиления геометрического начала в Х-VIII вв. до н. э. послужить основой искусства древнегреческой классики V в. до н. э.
18.Искусство Древней Греции: эпоха геометрики.
Эпоха получила название по виду вазописи.
Для древнегреческой культуры этого периода характерна связь с культурой ахейцев и, через них — с крито-микенским искусством. Несмотря на то, что поселения и ремесленные центры остаются на тех же географических местах (например Микены,Аргос), прямым продолжением эгейской культуры геометрику считать нельзя.
В этот период идет процесс ученичества, базирующегося на эгейском и древневосточном наследии. Новые племена, пришедшие на полуостров, начинают заново, используя то, что было оставленно на занятых территориях предшественниками. В архитектуре эллины геометрического периода начинают с нуля — с сырцового кирпича (предшествующему периоду была свойственна циклопическая кладка). Мегарон эволюционирует из дворца в храм: на месте старых мегаронов появляются новые греческие святилища, повторяющие их типологию. Постройки, сырцово-деревянная архитектура, с перекрытиями вальмового типа, как правило, прямоугольные, узкие и вытянутые, могли раскрашиваться.
Постепенно развивается типология храма: уже есть и наос, и пронаос.
Лучше всего представлена живопись, давшая название периоду. Её стиль отталкивается от геометризированности, свойственной поздней эгеике. В протогеометрике начинает использоваться инструменты — циркуль, линейка. В расцвет геометрики превалируют в основном закрытые сосуды, вся поверхность которых покрывается геометрическим орнаментом. Начинают формироваться специфически греческие черты: регистровость росписи, а также узоры — меандры, зубцы, треугольники, волны, сетки.
Эпоха поздней геометрики получила название «депилонской» по сосудам, найденным у Депилонских ворот в Афинах. Начинают делать ленточные вставки на наиболее ответственных чертах, использовать большие фигуративные композиции, появляются изображения геометризированных животных. Улучшается качество гончарных изделий, появляются крупные формы. Центры — в Аргосе, Беотии, Аттике. Росписи осуществляются с использованиемкоричневого лака (наследие ахейцев). В поздний период начинают добавлять пурпур и белила. В рисунках появляется т.н. ковровое решение.
Изображения человека выполняются практически по древнеегипетскому канону. Очень любят изображение коней. Появляется лащение поверхности ваз — проходят жидким разбавленным лаком, получая розовато-золотистый цвет. Направлению свойственна рафинированная стилистика, повышенная тектоничность, замечательное пропорционирование.
Крупных скульптур не сохранилось. Малые формы принято разделять на несколько стилей:
19.Греческие архитектурные ордера.
Архитектурный ордер (лат. ordo — строй, порядок) — тип архитектурной композиции, использующий определенные элементы и подчиняющийся определенной архитектурно-стилевой обработке.
С формированием греческих полисов совпадает развитие культовой архитектуры. К VII веку до н.э. появилась необходимость в храмах, которые строились на самых видных местах, на высоких холмах, порой на берегу моря, так как храм был не только святилищем, центром религиозной жизни полиса, но и центром его политической и экономической деятельности.
Греческий храм возник из микенского мегарона. Статуя божества помещалась в святилище - целле (cella), архитектурно соответствующей залу царского мегарона, где стоял очаг. Свет проникал в целлу только через дверь, так что в ней царил полумрак, создававший особо торжественное настроение. Целлу обрамляла колоннада.
Древнейшим типом каменного архаического храма был так называемый "храм в антах". Он состоял из небольшой целлы с двускатной крышей. Её фасад был оформлен выступами боковых стен - антами и украшен двумя колоннами. по этому типу были построены сокровищницы в Дельфах и Олимпии.
Дальнейшим шагом в развитии архитектуры храма был простиль. На переднем фасаде простильного храма были размешены четыре колонны. В храме амфипростильного типа колоннада украшала уже как передний, так и задний фасад, где был вход в сокровищницу. Причём колонны теперь располагались не между, а перед антами. Однако самым распространённым стал другой тип храма - периптер, который был окружён колоннами со всех четырёх сторон. Чаще всего на главном фасаде было шесть колонн, такие храмы назывались гексастильными периптерами. Наиболее сложный тип храмового здания - диптер, который включает два ряда колонн, окружающих целлу.
Уже в архаическую эпоху в греческой архитектуре ясно выявились два стиля, или, как принято говорить, ордера: дорический и ионический. Ордер (что значит строй, порядок) определяет структуру колонн и покоящейся на ней верхней части здания (антаблемента).
Дорический ордер, который можно считать основным в развитии греческой архитектуры, частично восходит к Микенам, а также отражает начало, внесённое дорийским завоевательным потоком. Он характерен для Пелопонесса и греческих поселений в Сицилии и Южной Италии. Происхождение ионического ордера связано с богатыми городами Ионии, где в разных формах ощущается наследие минойского искусства, и влиянием архитектуры стран Передней Азии (Финикии, Ирана).
Одни и те же ордерные части применялись в обоих стилях, но различие в деталях приводило к совершенно разному впечатлению. Дорический ордер своей простотой и геометричностью воплощал идею мужественности, гармонию силы и строгости. Ионический же ордер выражал стремление к декоративности, лёгкости форм, лиричности.
Важнейшей частью ордера была колонна, как основная несущая конструкция. В дорическом ордере колонна не имеет базы и стоит прямо на стилобате. Её массивный ствол сужается кверху, прорезан желобками-каннелюрами и завершается капителью состоящей лишь из круглой подушки-эхины, которая в свою очередь упирается в квадратную плиту-абаку. Соотношение частей в ней основано на точном математическом расчёте.
Фриз дорического ордера разделён триглифами на участки-метопы. Триглифы - участки фриза с тремя вертикальными каннелюрами. Прямоугольные метопы дорического фриза требовали рельефов, изображающих не более двух-трёх фигур, а их чередование позволяло рассказать в эпизодах о каком-нибудь сражении или подвиге мифологического героя.
Дорический карниз имеет простое ступенчатое строение, без дополнительных украшений. Вернее, украшением ему служат его пропорции. Архитрав представляет собой простую гладкую балку. В соотношении ширины карниза, фриза и архитрава, как и в колонне основанном на математическом расчёте, часто используются пропорции "золотого сечения".
Колонна ионического ордера выше и тоньше по своим пропорциям, чем дорическая. Она имеет базу, а эхина капители образует два изящных завитка-волюты. Рёбра каннелюр по бокам стёсаны и имеют дорожки. Ионическая колонна как бы вырастает над базой и распускается вверху, подобно цветку. Соотношение частей в ней тоже основано на математическом расчёте, но этот расчёт не стесняет фантазии, он менее очевиден, чем дорический.
Ионический фриз идёт сплошной полосой и не разделён на отдельные участки, подобно дорическому. По непрерывной горизонтали ионического фриза располагаются вереницы фигур - перед нами опять таки либо сражения, либо охоты, либо культовые процессии.
Карниз и архитрав ионического ордера более декоративны, чем в дорическом, имеют более сложную ступенчатую структуру. Некоторые их части дополнительно украшены простым линейным орнаментом.
По своему строению греческая колонна идеально соответствовала своему назначению, полностью отвечала принципу функциональности, и потому греческие ордеры выдержали испытание временем.
Зодчество и ваяние составляли в Греции единое органическое целое. В замечательном памятнике VI века, сокровищнице в Дельфах, человеческая фигура заменяет ионическую колонну, так что опорой кровли служат статуи девушек-кор.
20. Образ человека в искусстве архаики Древней Греции: куросы и коры.
Cкульптура эпохи архаики украшает храмы. Суровые изваяния изображают богов и мифологических героев (Тесея, Геракла, Персея), борющихся со страшными чудовищами — олицетворениями зла и пороков. Архаическая скульптура представлена первоначально небольшими деревянными, позже бронзовыми статуэтками ("Аполлон из Фив", 1-я пол. 7 в. до н. э.), затем изваяниями обнажённых куросов и стройных кор в длинных одеждах. Назначение кор, как и назначение куросов неизвестно, но главное - в них сосредоточено женское, подвижно-эмоциональное начало, как в куросах - мужское, разумно-волевое.
Массивность и слабая расчленённость фигур созвучна архитектурным формам архаических храмов. В них воплотились эстетические представления о физическом совершенстве человека, доблести защитника полиса, могуществе божества. Неподвижность и обобщённость форм дополняются условным обозначением движения. Первые из дошедших до нас греческих скульптур ещё явно отражают влияние Египта. Оно проявляется во фронтальности скульптуры и вначале ещё робком преодолении скованности движения - выставленной вперёд левой ногой или прижатой к груди рукой.
Знаменательная черта: уже на заре греческого искусства скульптурные изображения богов отличаются от изображений человека только эмблемами. Так что в той же статуи юноши мы подчас склонны признать то просто атлета, то самого Апполона, бога света и искусств.
Скульпторы, использовали как средство психологической выразительности лишь крайне ограниченную мимику человеческого лица, так называемую "архаическую улыбку". Трудно подыскать ей точный эпитет. В "архаической улыбке" проскальзывает игривая насмешка, но откровенно насмешливой её не назовёшь. Улыбка застывшая, не совсем естественная. Так что черты куроса или коры не создают впечатления подлинно живого человеческого лица. Это ещё не лица, а лики, как в Древнем Шумере. Однако "архаическая улыбка" свидетельствует о стремлении художника одухотворить образ, чтобы предстал перед нами не только обнажённый атлет с прекрасно тренированным телом, но и юный муж, озарённый разумом... Условная улыбка, в котой какая-то особая острота, особое очарование, передающиеся всему образу.
Несмотря на скудость средств психологической выразительности, художники умели вместе с тем достигать богатства эмоционального строя образов с помощью тонкой моделировки цельных объёмов, виртуозной пластической трактовки драпировок, отличающихся то сдержанным и строгим, то прихотливым линейным ритмом складок.
Архитектурные детали и скульптурные украшения храмов были ярко раскрашены, что придавало зданиям нарядно-праздничный вид. Богатая раскраска усиливала реализм и выразительность изображений, манила и веселила взор, делала образ ещё более понятным и близким. Однако эту окраску утратила почти вся дошедшая до нас античная мраморная скульптура.
Но и бронзовые изваяния не дошли до нас в первоначальном виде. Бронзовые статуи богов и героев ярко сверкали на солнце золотистым светом металла. И подобно мраморным статуям, они были многоцветны: с глазами из стекла или самоцветов, с красной медной пластиной на губах, часто приоткрытых над серебряной чеканной пластиной, изображающей зубы, и со многими другими инкрустациями иного цвета, чем бронза. Почти всё это утрачено, кроме бронзы, но и она сама потеряла свой первоначальный солнечный блеск.
21.Греческая вазопись. Стили . Форумы. Мастера. Локальные центры. Классификация сосудов.
22.Классический период в искусстве Древней Греции.Архитектура.Скульптура.
23.Комплекс Акрополя в Афинах.
Афи́нский акро́поль (греч. Ακρόπολη Αθηνών) — акрополь в городе Афины, представляющий собой 156-метровый скалистый холм с пологой вершиной (ок. 300 м в длину и 170 м в ширину).
Первые укрепления на скалистом отроге площадью 300 м на 130 м, поднимающемся на окраине Афин, появились ещё задолго до наступления классического периода. Уже во времена архаики здесь располагались величественные храмы, скульптуры, различные предметы культа. Акрополь также называют «Кекропия» (Cecropia) или «Кекропс» (Kekrops) – в честь Кекропса, который по легенде был первым царем Афин и основателем Акрополя. [1]
В микенский период (XV—XIII вв. до н. э.) являлся укрепленной царской резиденцией. В VII—VI вв. до н. э. в Акрополе велось большое строительство. При тиране Писистрате (560—527 гг. до н. э.) на месте царского дворца был построен храм богини Афины Гекатомпедон (то есть храм длиною в сто шагов; сохранились фрагменты скульптур фронтонов, выявлен фундамент). В 480 году до н. э. во время греко-персидских войн храмы Акрополя были разрушены персами. Жители Афин дали клятву восстановить святыни только после изгнания врагов из Эллады.
В 447 году до н. э. по инициативе Перикла на Акрополе началось новое строительство; руководство всеми работами было поручено знаменитому скульптору Фидию, который, видимо и явился автором проекта, лёгшего в основу всего комплекса, его архитектурного и скульптурного облика. Над созданием ансамбля Акрополя работали также зодчие Калликрат, Иктин, Мнесикл, Архилох и другие[2].
В V веке Парфенон стал церковью Богоматери, статуя Афины Парфенос была перевезена в Константинополь. После завоевания Греции турками (в XV веке) храм превратили в мечеть, к которой пристроили минареты, затем — в арсенал; Эрехтейон стал гаремом турецкого паши, храм Ники Аптерос был разобран, из его блоков сложена стена бастиона. В 1687 году после попадания ядра с венецианского корабля взрыв уничтожил почти всю центральную часть храма Афины — Девы, при неудачной попытке венецианцев снять скульптуры Парфенона несколько статуй были разбиты. В начале XIX века английский лорд Элгин выломал ряд метоп, десятки метров фриза и почти все сохранившиеся скульптуры фронтонов Парфенона, кариатиду — из портика Эрехтейона.
В 1827 году во время обороны Акрополя греческими повстанцами от турецкого пушечного ядра сильно пострадал храм Эрехтейон. Предыдущие попытки турков взорвать Акрополь с помощью подкопов сорвал греческий сапёрХормовитис, Костас, имя которого дано одной из центральных улиц .
После провозглашения независимости Греции в ходе реставрационных работ (в основном в кон. XIX века) по возможности был восстановлен древний облик Акрополя: ликвидирована вся поздняя застройка на его территории, заново выложен храм Ники Аптерос и т. п. Рельефы и скульптуры храмов Акрополя находятся в Британском музее (Лондон), в Лувре (Париж) и Музее Акрополя. Остававшиеся под открытым небом скульптуры сейчас заменены копиями.
24.Парфенон.
Парфенон представляет собой дорический периптер с элементами ионического ордера. Он стоит на стилобате (69,5 м в длину и 30,9 м в ширину) — трёх мраморных ступенях, общая высота которых составляет около 1,5 метров, и был покрыт черепичной кровлей. Со стороны главного (западного) фасада прорублены более частые ступени, предназначенные для людей. Храм имеет по 8 колонн на фасадах и по 17 по бокам (учитывая угловые). Это одна из ионических черт Парфенона: для дорического периптера обычным было отношение 6 на 13. Высота колонн равна 10,4 м, они составлены из 10-12 барабанов. Диаметр их основания — 1,9 м, у угловых колонн — 1,95 м. Кверху диаметр сужается. На каждой колонне выточено по двадцать каннелюр.
Внутреннее помещение (59 м в длину и 21,7 м в ширину) имеет ещё две ступени (общая высота 0,7 м) и является амфипростилем. На фасадах имеются портики с колоннами, которые чуть ниже колонн перистиля. Восточный портик был пронаосом, западный — постикумом.
Целла, располагавшаяся с востока, имела длину в 29,9 м (ширина 19,2 м), что составляло 100 греческих футов. Поэтому её часто называли гекатомпедон (стофутный храм). Два ряда дорических колонн (по 9 в каждом) заканчивались у стены поперечным рядом с тремя дополнительными колоннами и образовывали три нефа, средний из которых был значительно шире двух других. Считается, что на архитраве первого яруса колонн стоял второй, поддерживавший перекрытия. В центральном нефе стояла статуя Афины Парфенос работы Фидия. Над статуей был устроен гипефр.
В опистодоме (19,2 м в длину и 13,9 м в ширину), называвшимся Парфеноном (затем это название распространилось на весь храм), стояли четыре высоких колонны, скорее всего, ионических. Две небольших двери вели отсюда в боковые нефы целлы. Изначально здесь хранились дары богине. В 464 году до н. э. сюда была перевезена казна Делосского союза. Долгое время в опистодоме располагался также государственный архив.
Парфенон был продуман в малейших деталях, совершенно незаметных постороннему наблюдателю и имеющих целью зрительно облегчить нагрузку на несущие элементы, а также исправить некоторые погрешности человеческого зрения. Историками архитектуры отдельно выделяется понятие курватура Парфенона — специальная кривизна, вносившая оптические коррективы[4]. Хотя храм кажется идеально прямолинейным, на самом же деле в его контурах нет почти ни одной строго прямой линии:
Этот приём был впервые открыт именно Иктином, архитектором Парфенона, и впервые использовался здесь в полной мере. Кроме того, с точки зрения оптического сокращения были выполнены и скульптурные детали, которые помещались на высоте.
Как отмечает Виппер, гармония Парфенона вытекает из аналогий, из повторения одних и тех же пропорций в плане как наружной колоннады, так и четырёхугольника целлы и её внутренней колоннады[5]. Значение имеет и постановка здания храма относительно акропольского холма: он отодвинут к юго-восточному краю скалы и поэтому посетители видят его отдалённым, по сути большой Парфенон не подавляет своими размерами и «вырастает» по мере приближения к нему человека[6].
Храм построен целиком из пентелийского мрамора, добывавшегося неподалёку. Во время добычи он имеет белый цвет, но под воздействием лучей солнца желтеет. Северная сторона здания подвергается меньшему облучению — и потому там камень получил серовато-пепельный оттенок, тогда как южные блоки отдают в золотисто-желтоватый окрас. Черепица и стилобат также выполнены из этого мрамора. Колонны сложены из барабанов, скреплённых между собой деревянными пробками и шкворнями.
Кладка осуществлялась без каких-либо растворов или цемента, то есть была сухой. Блоки были правильными квадрами. Они тщательно обтачивались по краям и подгонялись по размеру друг к другу. Внутренняя часть оставалось грубо обработанной, что экономило время и уменьшало затраты на рабочую силу. В самом низу лежали ортостаты — большие квадры, на которых уже располагаются гораздо меньшие камни, составляющие регулярную кладку. По горизонтали блоки соединяли железными скрепами, вставлявшимися в пазы и заливавшимися свинцом. По вертикали связь осуществлялась при помощи железных штырей.
Перекрытия были деревянными. Потолки внутри, очевидно, были кассетированы, поскольку считается, что наружные — каменные — подражают внутренним.
Скульптурная отделка Парфенона, как отмечает Плутарх[7] велась под руководством великого мастера Фидия и при его непосредственном участии. Эта работа делится на четыре части: метопы внешнего (дорического) фриза, сплошной ионический (внутренний) фриз, скульптуры в тимпанах фронтонов и известнейшая статуя Афины Парфенос.
25.Скульптура Мирона.
«Дискобол» (греч. Δισκοβόλος) — одна из наиболее прославленных статуй античности; первая классическая скульптура, изображающая человека в движении. Оригинал «Дискобола» — статуя из бронзы, считающаяся работой скульптора Мирона, жившего в середине V века до н. э. — не сохранился, он был утерян в Средние века, но представлен многочисленными копиями римского периода.
Статуя дискобола изображает победителя соревнований по метанию диска в момент размаха перед бросанием. Тело атлета представлено в сложном повороте — в стиле Figura serpentinata, что было чрезвычайно сложным и в то же время смелым приемом. Имя атлета, изображённого в скульптуре, не сохранилось.
Известны многочисленные римские копии статуи:
Скульптура «Дискобол» принята в качестве символа современного олимпийского движения, что подчёркивает связь с традициями античного спорта.
26.Скульптура Фидия.
«Афина Парфенос» (др.-греч. Ἀθηνᾶ Παρθένος — «Афина-Дева») — знаменитая древнегреческая скульптура работы Фидия. Время создания — 447—438 г. до н. э. Не сохранилась. Известна по копиям и описаниям.
Изображение богини Афины, покровительницы города Афины. Была установлена на вершине Акрополя, в главном храме, — Парфеноне.
Была выполнена в хрисоэлефантинной технике (золото и слоновая кость). Золото на сумму 40 (или 44) талантов (около тонны) и слоновая кость покрывали деревянный остов статуи высотой в 13 метров. Золото, пошедшее на изготовление Афины, являлось значительной частью национального золотого запаса полиса.
Мореплаватель Павсаний в своем путеводителе описывает ее так:
«Сама Афина сделана из слоновой кости и золота… Статуя изображает ее во весь рост в хитоне до самых ступней ног, у нее на груди голова Медузы из слоновой кости, в руке она держит изображениеНики, приблизительно в четыре локтя, а в другой руке — копье. В ногах у нее лежит щит, а около копья змея; эта змея, вероятно — Эрихтоний». (Описание Эллады, XXIV, 7).
Шлем богини имел три гребня (средний со сфинксом, боковые с грифонами). Как пишет Плиний Старший, на внешней стороне щита была вычеканена битва с амазонками, на внутренней — борьба богов с гигантами, а на сандалиях Афины имелось изображение кентавромахии. База была украшена историей с Пандорой.
На мраморных копиях руку богини с Никой поддерживает столб, существовал ли он в оригинале — предмет многочисленных дискуссий. Ника кажется крошечной, в действительности ее высота составляла 2 метра.
Копия щита с изображением битвы, т. н. «Щит Странгфорда», Британский музей
«Особенно его обвиняли в том, что он, изображая на щите битву с амазонками, вычеканил свое собственное изображение в виде плешивого старика, поднявшего двумя руками камень, а также прекрасный портрет Перикла, сражающегося с амазонкой. Он очень искусно расположил руку, поднимающую копье перед лицом Перикла, как будто хотел скрыть сходство, но оно все же видно с обеих сторон» (Плутарх, «Перикл»).
27.Канон Поликлета.
Самое знаменитое произведение Поликлета — «Дорифор» (Копьеносец) (450—440 до н. э.). Считалось, что фигура создана на основе положений пифагореизма, поэтому в древности статую Дорифора часто называли «каноном Поликлета», тем более что «Каноном» назывался его несохранившийся трактат по эстетике. Здесь в основе ритмической композиции лежит принцип перекрестной неравномерности движения тела (правая сторона, то есть опорная нога и опущенная вдоль тела рука, статичны и напряжены, левая, то есть оставшаяся сзади нога и рука с копьем, расслаблены, но в движении). Формы этой статуи повторяются в большинстве произведений скульптора и его школы.
Расстояние от подбородка до темени в статуях Поликлета равняется одной седьмой от высоты тела, расстояние от глаз до подбородка — одной шестнадцатой, высота лица — одной десятой.
В своем «Каноне» Поликлет уделял большое внимание пифагорейской теории золотого деления (вся длина так относится к большей части, как большая к меньшей). Например, весь рост «Дорифора» относится к расстоянию от пола до пупка, как это последнее расстояние — к расстоянию от пупка до темени. При этом Поликлет отказывался от золотого деления, если оно противоречило естественным параметрам человеческого тела.
В трактате воплощаются также теоретические идеи о перекрещенном распределении напряжения в руках и ногах. «Дорифор» — ранний пример классического контрапоста (от итал. contrapposto — противоположность), приема изображения, при котором положение одной части тела контрастно противопоставлено положению другой части. Иногда эту статую также называли «Канон Поликлета», даже предполагали, что Поликлет исполнил статую для того, чтобы другие пользовались ею как образцом.
28.Искусство Древней Греции поздней классики.
(конец 5—4 вв. до н. э.)
Концентрация все больших богатств в руках крупных рабовладельцев приводит в конце 5 в. до н. э. к падению значения свободного труда в полисах, к кризису рабовладельческой демократии. Междоусобная Пелопоннесская война углубила кризис.
Подчинение греческих полисов возникшей на Балканах мощной Македонской державе, завоевания Александра Македонского на Востоке положили конец классическому периоду греческой истории. Распад полисов повлек в философии и искусстве утрату идеала свободного гражданина. Трагические конфликты общественной действительности вызвали появление более сложного взгляда на явления жизни, на человека, привели к значительным изменениям в области искусства, которое обретает в известной мере противоречивый характер. В нем утрачивается ясная вера в возможность гармоничной и совершенной жизни, ослабевает дух гражданственной героики. Однако, как и раньше, главной художественной задачей оставалось изображение прекрасного человека; скульптура в значительной мере продолжала быть связанной с архитектурой. Но художники все чаще обращались к таким сторонам бытия человека, которые не укладывались в мифологические образы и представления прошлого. Развивая и углубляя достижения высокой классики, ведущие мастера 4 в. до п. э. поставили проблему передачи противоречивых переживаний человека, показа героя, раздираемого глубокими сомнениями, вступающего в трагическую борьбу с враждебными силами окружающего мира. Были достигнуты первые успехи в раскрытии духовной жизни личности. Зарождается, хотя и в самых общих чертах, интерес к быту и характерным особенностям психологического склада человека.
Архитектура
Развитие архитектуры протекало неравномерно. В первой трети 4 в. до н. э. наблюдался известный спад строительной деятельности, отразивший экономический и социальный кризис греческих полисов. Наиболее остро этот спад сказался в Афинах, потерпевших поражение в Пелопоннесской войне. Впоследствии строительство развивалось довольно интенсивно, особенно на периферии.
Постройки 4 в. до и. э. следовали принципам ордерной системы. Наряду с храмами большое распространение получило строительство театров, которые обычно устраивались под открытым небом. По склону холма вырубались места для зрителей (в театре в Эпидавре было 52 ряда скамей), обрамлявшие круглую или полукруглую орхестру — площадку, на которой выступали хор и артисты. Удивительна по совершенству акустика театра в Эпидавре.
Появились сооружения, посвященные возвеличению отдельной личности или монарха-самодержца. В честь победы на состязаниях хора, субсидированного богатым афинянином Лисикратом, в Афинах был сооружен памятник (334 г. до н. э.), представляющий собой стройный цилиндр, декорированный пилястрами.
Возведенный на кубическом цоколе и завершенный конусообразной кровлей, он увенчан акротерием — своеобразной подставкой для приза — треножника. Небольшой по размерам памятник производит впечатление гармонии и величия благодаря умелому применению коринфского ордера. Совсем иной масштаб, характер форм отличает Галикарнасский мавзолей — грандиозную монументальную усыпальницу правителя Карий Мавсола (ок. 353 г. до н. э.).
Скульптура
Общий характер скульптуры поздней классики определился дальнейшим раз¬витием реалистических тенденций.
29.Творчества Скопаса.
Скопас. Трагические противоречия эпохи нашли наиболее глубокое воплощение в творчестве крупнейшего мастера первой половины 4 в. до и. э. Скопаса, работавшего в разных городах Древней Греции. Сохраняя традиции монументального искусства высокой классики, Скопас насыщал свои произведения большим драматизмом, стремился к многогранному раскрытию образов, сложных чувств и переживаний человека. Герои Скопаса, подобно героям высокой классики, воплощали совершенные качества сильных и доблестных людей. Но порывы страсти нарушали гармоническую ясность образов, придавали им патетический характер. Скопас открыл область трагического в самом человеке, ввел в искусство темы страдания, внутреннего надлома. Таковы образы раненых воинов с фронтонов храма Афины в Тегее (сер. 4 в. до н. э., Афины, Национальный археологический музей). Голова воина с западного фронтона дана в стремительном патетическом повороте, резкая беспокойная игра светотени подчеркивает драматизм выражения. Гармоническое строение лица нарушено ради выявления внутреннего напряжения.
Сконас предпочитал работать в мраморе, почти отказавшись от излюбленного мастерами высокой классики материала — бронзы. Мрамор позволял передавать тонкую игру света и тени, разнообразные фактурные контрасты. Его «Менада» («Вакханка», ок. 350 г. до н. э., Дрезден, Скульптурное собрание), дошедшая в небольшой поврежденной античной копии, воплощает образ человека, одержимого бурным порывом страсти. Танец Менады стремителен, голова запрокинута назад, волосы тяжелой волной спадают на плечи. Движение изогнутых складок ее хитона подчеркивает стремительный порыв тела.
Герои Скопаса предстают то глубоко задумчивыми, элегичными, то живыми и страстными, но всегда они гармоничны и значительны. Сохранился фриз Галикарнасского мавзолея с изображением битвы греков с амазонками (ок. 350 г. до н. э., Лондон, Британский музей). Стремительной динамики и напряжения полна часть фриза, исполненная Скопасом. На смену равномерному и постепенно нарастающему движению фриза Парфенона приходит ритм подчеркнуто-контрастных противопоставлений, внезапных пауз, вспышек движений. Резкий контраст света и тени подчеркивает драматизм композиции. С именем Скопаса связывают замечательное надгробие юноши («Надгробие юноши из Аттики», ок. 340 г. до н. э., Афины, Национальный археологический музей).
Влияние искусства Скопаса на дальнейшее развитие греческой пластики было громадным, и его можно сравнить лишь с воздействием искусства его современника — Праксителя.
30.Скульптура Праксителяю
Пракситель. В своем творчестве Пракситель обратился к образам, проникнутым духом ясной и чистой гармонии, спокойной задумчивости, безмятежной созерцательности. Пракситель и Скопас дополняют друг друга, раскрывая различные состояния и чувства человека, его внутренний мир.
Изобразив гармонически развитых, прекрасных героев, Пракситель также обнаружил связь с искусством высокой классики, однако и его полные грации и тонких чувств образы утратили героическое жизнеутверждение и монументальное величие произведений эпохи расцвета, приобретая более лирически-утонченный и созерцательный характер.
С наибольшей полнотой мастерство Праксителя раскрывается в мраморной группе «Гермес с Дионисом» (ок. 330 г. до н. э., Олимпия, Археологический музей).
Гермес с Дионисом
Изящен изгиб фигуры Гермеса, непринужденна поза отдыха молодого стройного тела, прекрасно одухотворенное лицо. Блестяще использует мастер возможность мрамора передавать мягкую мерцающую игру света и тени, тончайшие светотеневые нюансы.
Пракситель создал новый идеал женской красоты, воплотив его в образе Афродиты, которая, сняв одежду, собирается войти в воду. Хотя статуя предназначалась для культовых целей, образ прекрасной обнаженной богини освободился от торжественной величественности. Он пленяет жизненностью, совершенством форм и пропорций, удивительной гармоничностью. Статую чрезвычайно высоко ценили в древности.
Афродита Книдская вызывала множество повторений в последующие времена, но ни одно из них не могло сравниться с оригиналом, так как в них преобладало чувственное начало, в то время как в Афродите Книдской воплощено преклонение перед совершенством красоты человека. Афродита Книдская (до 360 г. до н. э.) дошла в римских копиях, лучшие из них хранятся в Ватиканском и Мюнхенском музеях, голова Афродиты Книдской — в собрании Кауфмана в Берлине.
Афродита Книдская
В мифологические образы Пракситель подчас привносил черты повседневной жизни, элементы жанра. Статуя «Аполлона Сауроктона» (третья четверть 4 в. до н. э., Рим, Ватикан) — изображение изящного мальчика-подростка, который целится в бегущую по стволу дерева ящерицу. Так переосмысливается традиционный образ божества, приобретая жанрово-лирическую окраску.
Некоторые статуи Праксителя были искусно окрашены живописцем Никием.
Воздействие искусства Праксителя проявилось в дальнейшем в многочисленных произведениях парковой скульптуры эпохи эллинизма, а также в мелкой пластике, в частности, в замечательных терракотовых (из обожженной глины) статуэтках из Танагры (например, «Афродита в раковине», Ленинград, Эрмитаж, или «Девушка, закутанная в плащ», конец 4 в. до н. э, Париж, Лувр). Эти изящные грациозные женские образы сохранили все обаяние и чистоту греческой классики. В мелкой пластике еще долго продолжала жить тонкая поэзия, присущая творениям Праксителя.
Если в искусстве Скопаса я Праксителя еще ощутимы связи с принципами искусства высокой классики, то в художественной культуре последней трети 4 в. до н. э. эти связи слабели.
Ведущее значение в общественно-политической жизни древнего мира приобрела Македония. После победоносных походов Александра Македонского и завоевания им греческих полисов, а затем и громадных территорий Азии, вошедших в состав Македонской державы, начался новый этап в развитии античного общества — период эллинизма.
Ломка старого и зарождение нового в искусстве, и прежде всего в скульптуре, привели к размежеванию направлений: классицизирующего идеалистического и реалистического, ищущего новых путей развития на основе переработки лучших достижений классики.
31.Скульптура Леохара.
Самым видным представителем идеализирующего направления был Леохар, придворный мастер Александра Македонского. Его наиболее прославленная статуя — Аполлон Бельведерский (ок. 340 г. до н. э., Рим, Ватикан), исполненная с высоким профессиональным мастерством, характеризуется спокойным величием и холодной торжественностью.
32.скульптура Лисиппа.
Крупнейшим скульптором реалистического направления был Лисипп, последний большой мастер поздней классики. Расцвет его творчества приходится на 40—30-е гг. 4 в. до н. э., на время правления Александра Македонского. В искусстве Лисиппа, так же как и в творчестве его великих предшественников, решалась задача индивидуализации образа человека, раскрытия его переживаний; он вносил более ясно выраженные особенности возраста, рода занятий. Новыми в творчестве Лисиппа были его интерес к характерно-выразительному в человеке, а также расширение изобразительных возможностей скульптуры. Ему принадлежали и огромная (20 м высоты) бронзовая статуя Зевса (не дошла до наших дней) и настольная статуэтка Геракла, исполненная для Александра Македонского.
Свое понимание образа человека Лисипп воплотил в статуе юноши, скребком счищающего с себя песок после состязаний,— «Апоксиомен» (325—300 гг. до н. э., Рим, Ватикан), которого он представил не в момент напряжения сил, а в состоянии расслабленности. Стройная фигура атлета показана в сложном развороте, словно предлагающем зрителю обойти статую. Движение свободно развернуто в пространстве. Лицо выражает усталость, глубоко посаженные затененные глаза смотрят вдаль.
Лисипп умело передает переход от состояния покоя к действию и наоборот. Таково изображение отдыхающего Гермеса (330—320 гг. до н. э., Неаполь, Национальный музей).
Большое значение имело творчество Лисиппа для развития портрета. В созданных им портретах Александра Македонского обнаруживается глубокий интерес к раскрытию духовного мира героя. Наиболее примечательна мраморная голова Александра (Стамбул, Археологический музей), в которой раскрыт образ сложный и противоречивый.
В искусстве поздней классики появились более дифференцированные изображения людей разных типов и в различных состояниях. Учеником Лисиппа выполнена голова кулачного бойца Сатира из Олимпии (ок. 330 г. до н. э., Афины, Национальный археологический музей), с беспощадной реалистической наблюдательностью передающая грубую физическую силу, примитивность духовной жизни, мрачную угрюмость характера. Автор портрета кулачного бойца не интересовался вопросами оценки и осуждения уродливых сторон человеческого характера, он только их констатировал. Таким образом, обращаясь к более конкретному изображению действительности в ее индивидуальных проявлениях, скульптура утрачивала интерес к идеальному обобщенному героическому образу, а вместе с тем и то особое воспитательное значение, которое она имела в предшествующие периоды.
Вазопись и живопись
К концу классического периода характер вазописи изменился. В ней все большее место занимала узорчатая орнаментальность, героические мотивы уступали место жанровым, лирическим. В том же направлении эволюционировала и живопись. По образному решению с Афродитой Праксителя перекликается «Афродита Анадиомена» — картина прославленного художника конца 4 в. до н. э. Апеллеса, обогатившего красочную палитру и более свободно пользовавшегося светотеневой моделировкой.
О разнообразии тенденций в монументальной живописи поздней классики дают яркое представление уникальные росписи неизвестного греческого мастера, найденные в Казанлыкской гробнице, в Болгарии в 1940-е гг., а также красочные мозаики в Пелле, в Македонии.
Художественные ремесла
В период поздней классики продолжали процветать художественные ремесла. Вазы приобрели более сложные формы, иногда мастера имитировали в глине дорогие серебряные вазы с их сложной чеканкой и рельефами, прибегали к многоцветной раскраске. Распространение получили изделия из металла, посуда из серебра, позолоченные кубки и пр.
Искусство поздней греческой классики завершило большой плодотворный путь развития древнегреческого искусства.
33.Эллинизм.Новые формы и типы зданий в архитектуре, новые черты в скульптуре.
Лучшие произведения эллинистического искусства создавались с конца IV века до н.э. до середины II века до н.э., в период расцвета эллинистических государств и возникновения рядя самостоятельных культурных центров.
Характер художественного творчества эпохи эллинизма резко изменился по сравнению с классическим периодом. На смену обобщённому образу героя-гражданина полиса приходят, с одной стороны, изображение обожествлённой и героизированной личности монарха, а с другой - индивидуализированный образ личности, либо находящейся в трагическом конфликте с окружающей средой, либо эгоистической, любыми средствами добивающейся своей цели, либо образ с преувеличенным героическим началом. Возникает интерес к социальным мотивам, лирически-интимным и будничным аспектам индивидуальности.
Развитие частной жизни, распространение роскоши в быту знати вызвали подъём жилищной архитектуры. Дома, имеющие в центре двор с перистилем, увеличиваются в размерах, украшаются мозаикой, росписями, скульптурой.
Целый ряд архитекторов пишут трактаты, излагая основы строительной науки и сведения по теории архитектуры. Важное место в этих трактатах уделяется архитектурным стилям. Если в классической греческой архитектуре ордеры - дорический, ионический, коринфский - не были канонизированы и обладали в каждом отдельном случае своими своеобразными пропорциями, то в эллинистической архитектуре делается попытка установить известные каноны, наиболее удачные пропорции ордеров и их отдельных частей. Наметились тенденции к смешению различных ордеров и их элементов в одном здании, усложнялись планы сооружений. В архитектуре восточных районов наряду с ордерной системой использовались иногда арки и своды.
Зодчие эллинизма не создали архитектурных образов, по глубине подобных Парфенону, но превзошли классических мастеров в создании огромных строительных комплексов. В формах архитектуры нашло яркое выражение эллинское чувство безграничных просторов. В грандиозных ансамблях и величественных высотных сооружениях эллинизма находили отражение чувства, вырвавшиеся из тесных рамок полисной уравновешенности в бурный, дисгармоничный мир огромных монархий.
Ещё одной особенностью эллинистической архитектуры было звучание новой темы - напряжения - в художественной компоновке зданий эллинистических акрополей, особенно заметной после величаво спокойных классических ансамблей.
В связи с расцветом архитектуры в эпоху эллинизма широкое распространение получили фрески и мозаики, которыми украшали дома и общественные здания. Мозаика украшала часто не только стены, но и полы. В живописи и мозаиках эллинистические мастера предпочитали необычные, возбуждающие, тревожащие сюжеты и темы.
В скульптуре нашли продолжение и развитие те тенденции, которые проявились уже в работах поздней классики. Однако тема образов Праксителя приобрела в эллинизме характер подчёркнутой чувственности, а пафос образов Скопаса отозвался в повышенной драматичности многих эллинистических изваяний. Но и те и другие пронизывала особенная, выраженная ещё Лисиппом, напряжённая пульсация динамического ритма эпохи.
В эллинистическом искусстве скульпторы научились передавать самые свободные движения, но целью этого мастерства является - произвести как можно более сильное впечатление на зрителей, поэтому все средства выражения усиливаются, и уже нет сдержанности, присущей высокой классике. Таков фриз алтаря, воздвигнутом на Пергамсом Акрополе. Его грандиозные образы призваны потрясти человека, заставить его почувствовать свою слабость перед высшими силами.
Эллинистические правители и их вельможи, богатые люди желали украсить свои дворцы, сады и парки художественными произведениями, как можно более похожими на те, что почитались совершенством в эпоху классики и могущества Александра Македонского. Развивается декоративная скульптура. Получив многочисленные заказы, мастера эпохи эллинизм уже не утруждали себя поисками новых форм, а стремились лишь смастерить статую, которая показалась бы не хуже оригинала Праксителя или Лисиппа, что неизменно приводило к заимствованию уже найденных форм, то есть к академизму, и появлялись статуи Афродиты, изображавшие богиню кокетливо-жеманной или стыдливой. В густой зелени садов и парков можно было встретить статуи нежно обнявшихся Амуров и Психей, кентавров, оседланных шаловливыми божками любви...
Однако в 1820 году на острове Милос (в Эгейском море) была найдена статуя Афродиты, известная ныне как "Венера Милосская". Автором её был ваятель по имени Александр или Агесенд: в надписи сохранились не все буквы. В этой статуе всё так стройно и гармонично, в сильном, спокойном и прекрасном теле воплощён высокий идеал классической эпохи, а классически прекрасное лицо полно внутренней страстности под стать эллинистической эпохе.
Искусство портрета очень распространено в эллинистическом мире. Множатся "именитые люди", преуспевшие на службе у правителей-диадохов или выдвинувшиеся на верхи общества благодаря более организованной, чем в былой раздробленной Элладе, эксплуатации рабского труда: им хочется запечатлеть свои черты для потомства. Вместе с тем портретное искусство продолжало развивать позднеклассическую традицию. Портреты всё более индивидуализируются, но вместе с тем, если перед нами высший представитель власти, то подчёркивается его превосходство, исключительность занимаемого им положения.
Такие грандиозные скульптурные группы, как "Лаокоон с сыновьями" и "Фарнезский бык" вызывали восхищение многих поколений просвещённых представителей европейской культуры. Ныне же, когда открылись красоты Парфенона, они кажутся излишне театральными, перегруженными, размельчёнными в деталях.
Однако "Ника Самофракийская", изваянная в более ранний период эллинизма, - одна из вершин искусства. Статуя эта стояла на носу каменного корабля-монумента. Во взмахе могучих крыльев Ника-Победа неудержимо несётся вперёд, рассекая ветер, под которым колышется её облачение. Голова статуи отбита, но грандиозность образа доходит до нас полностью.
Именно в эллинистическом мире впервые появились камеи - рельефно вырезанные самоцветы. Они не имели никакого практического применения. Ими украшались, ими любовались - и только. Однако для их создания требовались редкие камни и кропотливейший труд. Только богатое общество в стремлении к блеску и утончённому великолепию могло позволить себе такую роскошь, такое широкое распространение этого искусства. Камеи появились впервые именно в эллинистическом мире и, по всей вероятности, в Александрии, где царствовала с подлинно фараоновской пышностью македонская династия Птолемеев.
Маленькими шедеврами, навеянными гением Праксителя, были терракоты - статуэтки из обожжённой глины, которые воспроизводят характерные типы, выхваченные из самых разных слоёв населения: нарядных молодых женщин, детей, музыкантов, акробатов, кулачных бойцов, рыбаков, струх, негров, пигмеев, ремесленников, слуг, рабов. Это было самое дешёвое производство, так как статуэтки выделывались в формах и производились в огромном количестве как в самой Греции, так и в греческих городах Малой Азии, в Александрии, в Северном Причерноморье. ПЕрвое же место по своим художественным качествам занимают терракоты из Тангары в Беотии, почти полностью посвящённые женской прелести и изяществу. И нет вних ничего слащавого, никакой нарочитой грациозности. маленькие, словно игрушечные, женские образы пленяют нас своей свежестью и самой живой непосредственностью.
К концу I века до н.э. Рим утверждает своё владычество в эллинистическом мире. Но трудно обозначить, даже условно, конечную грань эллинизма - как во времени, так и в пространстве. Рим по-своему воспринял культуру Эллады и сам оказался эллинизированным. Сияние Эллады не померкло при римской власти, не угасло и после падения Рима.
В области искусства для Ближнего Востока, особенно для Византии, наследие античности было во многом греческим, а не римским. Дух Эллады светится и в древнерусской живописи. И этот дух озаряет на Западе великую эпоху Возрождения, названную так именно потому, что в ту пору возродился идеал гуманизма и красоты, некогда нашедший своё воплощение в Афинском Акрополе.
И так же трудно определить географические границы эллинизма. Ибо влияние эллинизма распространялось не только непосредственно из таких коренных эллинистических очагов, как сама Греция и заморские греческие поселения, птолемеевский Египет, Малая Азия, Двуречье, но и через Рим, либо от одной культуры к другой на периферии античного мира.
34.Искусство Рима- преемственность культуры этрусков и греков.
В VII веке до н. э. народы, населявшие Этрурию, овладели письменностью. Поскольку они писали на этрусском языке, правомерно называть регион и народ упомянутыми выше именами. Однако точных свидетельств, доказывающих какую-либо одну из теорий о происхождении этрусков, не существует. Наиболее распространены две версии: по одной из них, этруски родом из Италии, по другой этот народ мигрировал из Восточного Средиземноморья. В пользу второй теории служат труды Геродота, появившиеся в V веке до н. э. Как утверждал Геродот, этруски — это выходцы из Лидии, области в Малой Азии, — тиррены или тирсены, вынужденные покинуть родину из-за страшного голода и неурожая. По мнению Геродота, это произошло практически одновременно с Троянской войной. Гелланик с острова Лесбос упоминал предание о пеласгах, которые прибыли в Италию и стали именоваться тирренами. В то время рухнуламикенская цивилизация и пала империя хеттов, то есть датировать появление тирренов следует XIII веком до н.э, или чуть более поздним временем. Возможно, с этим преданием связан миф о бегстве на запад троянского героя Энея и основании римского государства, имевший большую важность для этрусков.
Сторонники автохтонной версии происхождения этрусков отождествляли их с обнаруженной в Италии более ранней культурой Вилланова. Подобная теория была изложена в I веке до н. э. Дионисием Галикарнасским, но приведенные им доводы вызывают сомнения. Археологические раскопки свидетельствуют о преемственности, проходящей от культуры Вилланова I через культуру Вилланова II с импортом товаров восточного Средиземноморья и Греции до ориентализирующего периода, когда возникают первые свидетельства проявления этрусков в Этрурии. В настоящее время культура Вилланова ассоциируется не с этрусками, а с италиками.
Вплоть до середины XX в. «лидийская версия» подвергалась серьёзной критике, особенно после дешифровки лидийских надписей — их язык не имел ничего общего с этрусским. Однако по современным представлениям, этрусков следует отождествлять не с лидийцами, а с более древним, доиндоевропейским населением запада Малой Азии, известным как «протолувийцы» или «народы моря».
По мнению А. И. Немировского, промежуточным пунктом миграции этрусков из Малой Азии в Италию была Сардиния, где с XV века до н. э. существовала весьма сходная с этрусками, но бесписьменная культура строителей нурагов.
На материале античных источников и данных археологии следует принять, что в этногенезе этрусков приняли участие: древнейший элемент доисторического средиземноморского единства в период начала движения с Востока на Запад в IV—III тыс. до н. э.; также волна переселенцев с ареала Чёрного и Каспийского морей во II тыс. до н. э.; в процессе формирования этрусской общности встречены следы эгейских и эгейско-анатолийских эмигрантов. В подтверждение тому приводят результаты раскопок на о. Лемнос (Эгейское море), где были встречены надписи, близкие грамматическому репертуару этрусского языка.
С этрусками раннего, египетского периода связывают легендарное племя турша, жившее в восточном средиземноморье и совершавшее захватнические набеги на Египет (XIII—VII вв. до н. э.). Тит Ливий приводит полулегендарную версию о северном происхождении этрусков от приальпийских племён. Вероятно, проникновение мигрирующих северных племён на Апеннинский полуостров как носителей культуры Протовилланова, следует принять. Возвышение же этрусков в VIII в. до н. э. в Средней и Северной Италии есть естественное развитие предыдущей культуры Вилланова.
Точные пределы Этрурии определить не представляется возможным. Начало истории и культуры этрусков положено в регионе Тирренского моря и ограничено бассейном рек Тибр и Арно. В речную сеть страны входили также реки Авенция, Весидия, Цэцина, Алуза, Умбро, Оза, Альбиния, Армента, Марта, Минио, Аро. Широкая речная сеть создавала условия для развитого земледелия, в ряде мест осложнённого заболоченными участками. Южная Этрурия, почвы которой были часто вулканического происхождения, имела обширные озёра: Циминское, Алсиетиское, Статоненское, Вольсинское, Сабатинское, Тразименское. Более половины территории страны было занято горами и холмами. По росписям и рельефам можно судить о разнообразии флоры и фауны региона. Этруски культивировали кипарис, мирт, гранатовое дерево, привезённое в Италию из Карфагена (изображение граната встречается на предметах этрусков в VI в. до н. э.).
Становление, развитие и распад этрусского государства происходили на фоне трёх периодов Древней Греции — ориентализирующего, или геометрического, классического, эллинистического, а также возвышения Римской Республики. Более ранние этапы даны в соответствии с автохтонической теорией происхождения этрусков.
35.Искусство Древнего Рима. Общая характеристика. Вклад римлян в цивилизационное развитие человечества .Периодизация.
36.Искусство Рима в период Республики.
37.Помпеянская живопись.
Условное обозначение стадий развития единого декоративного стиля древнеримских стенных росписей со 2 в. до н. э. до 3-й четв. 1 в. н. э., основанное на изучении образцов, сохранившихся гл. обр. в Помпеях, Геркулануме и Стабиях (города были погребены под слоем пепла и лавы при извержении Везувия в 79 г.; систематические раскопки велись с 1748 г.). Деление росписей на четыре группы (в хронологической последовательности) распространяется на всю древнеримскую декоративную живопись того времени. В открытых памятниках нередко встречаются повторения не дошедших до нас картин знаменитых древнегреческих художников 5-1 вв. до н. э.
Первый П. с. («инкрустационный»; 2 в. до н. э. — 80-е гг. до н. э.) — подражание кладке стены из цветного мрамора (квадры цоколя, карнизы, пилястры выполнены из стукко окрашенным плоским рельефом); цвета росписи — темнокрасный, желтый, черный, белый — отличаются глубиной и чистотой тона (росписи «Дома Фавна» в Помпеях, «Самнитского дома» в Геркулануме).
Второй П. с. («архитектурно-перспективный»; ок. 80-13 гг. до н. э.) носит более пространственный характер; в живописной передаче фасадов и архитектурных деталей (колонн, карнизов, пилястр, капителей), в изображении портиков, беседок, эдикул использовались перспектива и светотень, что создавало эффект зрительной иллюзии (см. Иллюзионизм). В центре стены часто помещались большие композиции («картины») на мифологические (реже бытовые) темы, с крупными фигурами. Для этого стиля характерны глубокий темно-красный фон, светлая, изысканная гамма в изображении фигур, подчинение объемных и пространственных элементов стенной плоскости, введение пейзажа (фрески «Виллы Мистерий» и «Виллы Фания Синистра» в Помпеях, виллы в Боскореале, «Дома Ливии» на Палатине в Риме).
Третий П. с. («канделябровый»; кон. 1 в. до н. э. — 50-е гг.) отмечен классицизирующими тенденциями, плоскостной декоративной орнамен тальностью архитектурных мотивов, среди которых преобладают легкие ажурные сооружения типа трельяжей, обвитые гирляндами и лентами изящные колонны или подставки (похожие на металлические канделябры); в этом стиле используются также египетские мотивы. В центре композиций часто помещаются небольшие картины мифологического содержания; нередко в орнаментальную композицию вводятся натюрморты. В росписях используются яркие, чистые цвета, игра светотени, мягкие тональные переходы. Этот стиль, создающий эффект интимности и уюта комнат, в наибольшей степени был предметом подражания в европейском искусстве 18 — нач. 19 в. (фрески из «Дома Наказанного амура» в Помпеях и др.).
Четвертый П. с. («стиль фантастической архитектуры»; 63 г. — 2-я пол. 1 в.) резко отличается от предыдущих динамичностью пространственных композиций, их нарочитой театральностью, обилием неравномерно освещенных фигур в сильном движении, стремлением к иллюзионистическим эффектам, разрывающим плоскость стены пестротой колорита. Этот стиль представлен с наибольшей полнотой (фрески из «Дома Веттиев», «Дома Диоскуров» и «Дома Трагического актера» в Помпеях, «Золотого дома» Нерона в Риме, т. н. Базилики в Геркулануме и др.).
38.Искусство Рима в период Империи.
После длительных и кровавых распрей в Римском государстве приходит к власти внучатый племянник Цезаря Октавиан Август. Он утвердил строй, при котором формально сохранялась республика, но все важнейшие должности в государстве сосредоточивались в руках императора.
Античные историки характеризуют время правления Августа (27 г. до н.э. - 14 г н.э.) как "золотой век" Римского государства. Прекращены гражданские войны, экономика находится на подъёме, расцвет переживают все виды искусств, творят лучшие римские поэты: Вергилий, Овидий, Гораций, историк Тит Ливий, складывается классический римский стиль, оказавший огромное влияние на последующее развитие западноевропейской культуры.
Вот что пишет Светоний о деятельности "божественного Августа" по украшению Рима:
"Вид столицы ещё не соответствовал величию державы, Рим ещё страдал от наводнений и пожаров. Он так отстроил город, что по праву гордился тем, что принял Рим кирпичным, а оставляет мраморным; и он сделал всё, что может предвидеть человеческий разум, для безопасности города на будущие времена.
Общественных зданий он выстроил очень много... Форум он начал строить, видя, что для толп народа и множества судебных дел уже недостаточно двух площадей... Некоторые здания он построил от чужого имени, от лица своих внуков, жены и сестры... Да и другим настойчиво советовал украшать город...
Весь город он разделил на округа и кварталы... Для охраны от пожаров он расставил посты и ввёл ночную стражу, для предотвращения наводнений расширил и очистил русло Тибра... Чтобы подступы к городу стали легче со всех сторон, но взялся укрепить Фламиниеву дорогу... а остальные дороги распределил между триумфаторами, чтобы те вымостили их на деньги от военной добычи. Священные постройки, рухнувшие от ветхости или уничтоженные пожарами, он восстановил и наравне с остальными украсил богатыми приношениями."
Благоустройство великого города и всей великой империи - такова была первейшая задача Августа. Благоустройство и культурный расцвет. В римской истории век Августа имел для культуры такое же значение, как в греческой - век Перикла.
...Девять грандиозных акведуков снабжали водой императорский Рим. римский писатель Юлий Фронтин уверенно заявляет, что нельзя сравнить их "каменные громады с бесполезными пирамидами Египта или самыми прославленными, но праздными сооружениями греков".
В этих словах - ключ к пониманию едва ли не главного стимула римского искусства.
Культ полезности, даже пафос. Во имя государства! ибо пафос Рима имел очень конкретную основу; то был не пафос борьбы со смертью, как у египтян, не пафос красоты, облагораживающей мир, как в Элладе, не пафос борьбы со Зверем, как во многих древних цивилизациях то был пафос государственности, перерастающий в пафос мирового господства. Владычество как самоцель. Грандиозные вожделения, не устремлённые ввысь. Нужным, полезным было лишь то, что удовлетворяло таким вожделениям, будь то акведук, из окрестных гор доставляющий живительную влагу в столицу мира, или триумфальная арка, вдохновляющая римлян на новые ратные подвиги.
Для растущих городов империи требовались всё новые форумы, где в важные дни собирался народ; доходные жилые дома в несколько этажей; просторные портики, разделённые продольными рядами колонн, где заседали судьи и шла торговля; грандиозные амфитеатры, вмещающие десятки тысяч зрителей; термы - роскошные бани, часто служившие средоточием общественной жизни, - с огромными плавательными бассейнами, площадками для физических упражнений и... обширными библиотеками; монументы, прославляющие императоров и победы римских легионов.
Все эти сооружения прекрасно отвечали своему назначению, выражали в то время последнее слово техники, и их несколько тяжёлая величавость отличала зародившийся римский стиль от его эллинского прообраза. То было умелое развитие уже найденых архитектурных форм в соответствии с новыми потребностями.
Так как покорённые народы, будь то варвары, греки или иудеи, должны были зримо ощущать непоколебимое превосходство Рима, по всей необъятной империи воздвигались памятники, поражавшие воображение своей грандиозностью и своей пышностью, порой даже чрезмерной.
Триумфальная арка, запечатлевающая церемонию триумфа, т.е. въезд победоносного полководца в Рим, - одно из самых замечательных новшеств римского зодчества.
Главными мотивами творчества римских художников и поэтов становятся идеализация старины, воспевание "римского мира", прославление "божественного Августа". Художественное творчество этого периода в архитектуре воплощает идею мощи Рима, идею вселенского господства и непобедимости. Эта идея осуществлена в двух ведущих постройках: триумфальной арке Тита и Колизее
39.Колизей.
В конце I века н.э. около Республиканского Форума было возведено самое гигантское зрелищное сооружение Древнего Рима - амфитеатр Флавиев или, как его ещё называют, Колизей. Такой амитеатр является чисто римским изобретением: не разомкнутый полукруг, открывающийся в естественный природный ландшафт, как в Греции, а замкнутый эллипс, отъединённость которого от окружающего ещё усилена высокой внешней стеной. Эллипс наиболее полно отвечал требованиям динамично развёртывающихся зрелищ - гладиаторских боёв, являющихся порождением древних жертвоприношений в честь погибших на поле боя воинов.
Снаружи Колизей представляет собой трёхъярусную систему, основанную на применении римской архитектурной ячейки - ордерной аркады, - совмещающей два взаимопротивоположных принципа перекрытия - архитравный (балочный, как в Элладе) и сводчатый, воспринятый римлянами от этрусков.
В Колизее аркады пробивают единое мощное кольцо внешней стены, выявляя её толщу, а колонны, связанные с плоскостью, отмечают промежутки между арками, облегчая стену постепенной сменой тосканского , ионического и коринфского ордеров. Основой архитектурного образа Колизея является не пространство, как в греческом периптере, а глухая стена в сочетании с проёмами аркад, напоминающих о мостах, акведуках и триумфальных арках, воплощающих в себе эстетику римского техницизма. Их многократно повторяющийся ритм, их широкая победоносная поступь свидетельствуют о сложившемся и воплощённом образе имперского римского искусства.
40.Пантеон. Величавая мощь, изнутри озарённая ярким светом, - вот, пожалуй, идея, воплощённая в архитектуре этого храма. Пантеон - самый значительный по размерам римский купольный храм с совершенными пропорциями - диаметр купола почти равен высоте храма и, таким образом, в подкупольное пространство вписывается шар. Купол имеет высоту полусферы, которая покоится на цилиндрической основе стен. Толщина их достигает шести метров, и это придаёт внешнему облику храма некоторую тяжеловесность, которая, однако, искупается небывалым простором, открывающимся перед изумлённым посетителем внутри храма.
Вошедшего в храм поражает прежде всего раскрывающийся перед ним огромный зал, смелый разворот стен и совершенно особое, специфическое распределение света, проникающего в зал через круглое девятиметровое отверстие - "глаз Пантеона" - в центре колоссального купола, как в зените небесного свода. Под светом, падающим с неба, посетитель воспринимает весь этот величественный простор, обрамлённый роскошной архитектурой, словно частицу вселенной, здесь собранную под своды храма.
Греция не знала этого сферического охвата пространства, а Европа позднейших времён узнала благодаря Риму.
41.Римские форумы, триумфальные арки, акведуки ,театры ,термы-новый тип архитектуры Рима.
В период расцвета империи потребности римской городской жизни вызвали появление уже в I веке н.э. нового типа зданий - гигантских терм, рассчитанных на две-три тысячи человек. Лишь в руинах дошли до нас наиболее знаменитые термы императора Каракаллы (нач. III века н.э.) представлявшие собой целый ансамбль разнохарактерных по своему назначению сооружений, предназначенных для всестороннего развития человека.
К залам холодных и тёплых бань примыкали бассейны, палестры, стадии, цветники, библиотеки, залы для занятий музыкой, площадки для игр. Окружённое парком здание внутри было роскошно декорировано инкрустацией, колоннами, нишами со скульптурой, подлинными греческими статуями и их копиями.
С конца II века н.э. в римской архитектуре всё больше дают себя знать повышенная декоративность и внешняя репрезентативность, призванные утвердить подданных в богатстве императора и его щедрости, несмотря на разруху и обеднение империи. Композиционное решение строящихся в конце Римской империи зданий не несёт почти ничего нового по сравнению с более ранними постройками.
Колонна ТраянаВ первой половине II века н.э. при императоре Траяне продолжалось строительство грандиозных сооружений. В это время творил крупнейший архитектор из Дамасска Апполодор, грек по национальности. Он признан наиболее значительным представителем римской архитектуры. Апполодор возвёл новый Форум, превышающий размерами и роскошью все предыдущие. Этот новый Форум включал в себя триумфальную арку, двор м портиками, храм, библиотеку, рынок. Форум Траяна выделялся не только своими размерами и разнообразием композиционного решения, но и богатством отделки.
В центре Форума Траяна высится колонна, поставленная в честь победы над даками, жившими на территории нынешней Румынии. Построенная из мрамора 38-метровая мемориальная колонна обвита спиральной лентой рельефов с изображениями военных подвигов Траяна.
Перед нами подробнейшее и добросовестное повествование. Именно повествование, а не обобщённое изображение. В греческом рельефе рассказ о реальных событиях подавался аллегорически, обычно переплетался с мифологией. В римском же рельефе ещё со времён республики ясно видно стремление как можно точнее, конкретнее передать ход событий вместе с характерными чертами участвовавших в нём лиц. В рельефе колонны Траяна мы видим римские и варварские лагеря, приготовления к походу, штурмы крепостей, переправы, беспощадные бои. Всё как будто действительно очень точно: типы римских воинов и даков, их оружие и одежда, вид укреплений - так что этот рельеф может служить как бы скульптурной энциклопедией тогдашнего военного быта. Изображения самого Траяна встречаются не менее девяноста раз, лица воинов чрезвычайно выразительны. Эта конкретность и выразительность составляют отличительную черту всей римской портретной скульптуры, в которой сильнее всего проявилось своеобразие римского художественного гения.
Перегруженность композиции колонны Траяна, её "перенаселённость" создаёт впечатление человеческого столпотворения, всемирного сдвига людских масс, который осеняет стоящий вверху император. Эта грандиозная и теснящаяся цивилизация уже ищет выход из самой себя.
И не случайно. Растёт число поклонников иранского бога Митры, египетской богини Исиды, малоазийской Кибелы, растёт число христиан. И именно в это время в 125 году н.э. в Риме Апполодор воздвигает Пантеон - храм всех богов, прославляющий гордую объединительную мечту империи, которая включала под римским главенством множество различных национальностей, верований и культур. В Пантеоне проявляются новые тенденции, устремлённые в будущее, за пределы античной цивилизации.
Арка Тита - "прародительница" всех триумфальных арок нынешних европейских столиц - была возведена в 81 г. н.э. у входа на Римский Форум в честь победы в Иудейской войне. Она является классическим сооружением данного типа и представляет собой совершенную по форме, сверкающую белизной однопролетную арку, которая служит основанием для скульптурной группы императора на колеснице. Расчленение каменного массива классическим ордером внесло соразмерность и ясность в её формы, пластическую и живописную выразительность которых усиливают контрасты света и тени благодаря выступающему антаблементу и аттику (стены над антаблементом). Пространство арочного пролёта расширяется небольшими углублениями на поверхности свода (кассетами), а глубину пролёта усиливают настенные рельефные композиции, изображающие торжественное шествие триумфатора и легионеров с трофеями.
Позднее были воздвигнуты более сложные трёхпролётные триумфальные арки: Септимия Севера (III в. н.э.), Константина (IV в. н.э.).
42.Суровый реализм римского портрета.
В скульптуре начала Римской Империи складывается особый официальный стиль, ярко проявившийся в портрете и рельефе. В его основе лежит греческое искусство V - IV веков до н.э. Портретные статуи и бюсты императора Октавиана Августа изображают его молодым, во цвете лет, атлетического сложения и классической красоты, несколько греша перед истиной, так как по описаниям он был роста невысокого и хрупкого телосложения. Однако парадные портреты Августа, приравнивающие императора к небожителям, выявляют и индивидуальные, присущие только Августу черты, а также относительную уравновешенность и значительность его личности.
Идеализированы и многочисленные портреты преемника Августа - Тиберия. Большая динамичность, реалистичность, живописность, эмоциональность, театральная приподнятость характеризуют искусство середины и второй половины I века н.э. Уже полностью разоблачителен при всей своей благородной сдержанности портрет преемника Тиберия - Калигулы, убийцы и истязателя. Реализм римского портрета отчётливо проявляется в портрете Нерона. Здесь уже видно, как далеко отошло римское портретное искусство от идеализации времён Августа. Наиболее полное развитие новый стиль реалистического портрета приобретает в последнюю треть I века н.э., и в бюсте Веспасиана отброшена всякая индивидуализация: хитроватый, умный, насмешливый, умудрённый опытом пожилой человек.
Стиль римского скульптурного портрета менялся вместе с общим мироощущением эпохи. В портретах второй половины III века воля к жизни исчезает, начинает доминировать покорность судьбе - человек осознаёт себя слабым существом. В IV веке появляются портреты, выполненные в различном стиле, и наряду с существованием традиции римского реалистического портрета появляются грубость и упрощённость или обобщённость образа.
В римском искусстве портрет получает широкое распространение не только в скульптуре, но и в живописи. Почти единственными памятниками античного живописного портрета являются фаюмские портреты. Название они получили по месту нахождения в римской провинции - Египте, в некрополе оазиса Эль-Фаюм. Это портреты культового назначения, их писали еще при жизни заказчика и изображали молодых людей и людей среднего возраста, но положены они нередко на мумии глубоких стариков. Иногда портрет, обрамлённый рамой, выставлялся в атриуме.
В портретах I и II веков н.э. заметно влияние эллинистически-римского искусства. Точно воспроизведены возрастные особенности и этнические черты, ярка обрисовка индивидуальных особенностей. В конце II - III веков в портретах появляется схематизм, обобщённость, игра светотени сменяется жёстким рисунком, раскрашенным локальными красками.