Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
АКЦИОНИЗМ (англ. action art - искусство действия) - обобщающее название для ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х гг. (хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации). Флаксус (Йозеф Бойс) расцвел в Европе, в частности, в Германии, но родился в Нью-Йорке. В переводе этот термин означает "течение", и, действительно, Флаксус не был ни организацией, ни группой — скорее неким образом жизни (Джордж Мачюнас, лидер Флаксуса описывал этот идеальный образ жизни так: восемь часов заработка в области прикладного искусства, восемь часов чистого бескорыстного творчества и пропаганды Флаксуса, восемь часов сна). Представители акционизма считают, что художник должен заниматься не созданием статичных форм, а организацией событий, процессов. Истоки акционизма следует искать в деятельности футуристов, дадаистов, сюрреалистов. Движение стремится стереть грань между искусством и действительностью. Флаксус отрицал произведение искусства как предмет и привилегировал процесс ("перманентное творчество"). Произведение искусства для Флаксуса — фрагмент жизни, "событие" (один из самых радикальных "флаксистов" Джордж Брехт). Слово "Флаксус" вызывает в памяти мгновенные снимки, фиксация однажды случившегося, "визуальные афоризмы" —Джун Пайк, разбивающий скрипку; Бен Паттерсон, накидывающий на зрителей огромную ленту бумаги: Джордж Брехт, при огромном скоплении публики медленно входящий в комнату и выходящий в другую дверь. Можно это назвать перформансом, но можно — и музыкой, разбитой на дискретные фрагменты, именно поэтому Флаксус состоялся в основном в жанре "концерта". Ветераны Флаксуса — Бен Паттерсон и Эммет Уильямс. Взорвали кочан капусты, растворили алую розу в бокале воды, проткнули дирижерской палочкой целую сюиту мыльных пузырей. Последний перформанс был особенно символичен — художник-режиссер уничтожает всякие материальные следы отдельного произведения ради еще более эфемерного целого под названием Искусство. Флаксус — дитя "золотой эпохи шестидесятых", рядом с которым были и другие явления, отдававшие предпочтение процессу, а не результату — ситуационизм в Европе, Гутай в Японии, хэппенинг в Америке. Все это обычно трактуется как "размывание границ жизни и искусства", как проявление безграничной свободы творчества, а свобода эта обычно понимается как разрешение (данное Марселем Дюшаном) называть искусством все подряд. История знакомства Мачюнаса с великим Джоном Кейджем, учителем всех "флаксистов": Мачюнас застал своего идола в гостиничном номере за чисткой ботинок, чем был глубоко шокирован — гению не пристало заниматься столь прозаическими вещами. Такие вещи, добавим от себя, во Флаксусе предполагалось делать лишь во время перформанса. Важно было достичь несовпадения ожиданий и действия, добиться от зрителя мгновенного эстетического переключения при восприятии обыденного действия как реди-мейда. Техника такой "медитации" давала возможность сделать выбор между возможностями жизни, не делая его, и показать, как выглядит то самое "все, что угодно", что может стать искусством ("Флаксус создал искусство из ничего и наоборот", утверждал Ларри Миллер). Флаксус был всем обязан Дюшану. Взгляд на искусство как на систему, как на целое. Флаксус разрешал вопрос "Что есть искусство?" (на экспериментальном уровне). Отечественный Флаксус 70-х годов, создававшийся безо всякой связи с европейским и американским перформансы группы "Коллективные действия", сатирические — группы "Мухомор" и дидактические — группы "Тотарт", объекты Андрея Монастырского, Павла Пепперштейна). Комизм акций — эстетический эффект, связанный с чувством иллюзорности человеческой свободы. Те из участников акций КД, кто выступал "жертвой" или "объектом эксперимента" (гуляя по снежным полям, ползая по трубам или зарываясь в норы, как было им предписано сценарием), рано или поздно осознавали, что их действия были предусмотрены авторами сценария заранее и, следовательно, свобода есть лишь утопия. Может быть, русские авторы осознавали это более трезво, чем их европейские коллеги. Во всяком случае свобода как абсолютная ценность ХХ века есть единственное, что может явиться оправданием странностям современного искусства; во Флаксусе художник всегда меньше, чем Искусство, — он всего лишь актер в инсценировке. «Бедное искусство» в какой-то мере можно назвать итальянским аналогом французского «нового реализма», обогащенного более поздними тенденциями 1960-х гг. — минимализмом и концептуализмом (направление, близкое концептуальному искусству и минимализму (наиболее известные его представители в Италии -Я. Кунеллис и М. Мерц). Нарочито скудные, "бедные" предметы и символы лишь намекают на художественную идею, придавая последней таинственную недосказанность. Инсталляции в духе "бедного искусства" часто уподобляются руинам, что сближает его с археологизмом. Для создания предметов бедного искусства используются недорогие, или вовсе ничего не стоящие (природные, подручные) материалы, просто мусор, в изобилии имеющийся на любой городской свалке. Кроме "бедности" материала, по идее, должна бы иметь место и некая скудность, лаконичность самого художественного высказывания (об этом часто забывают, причисляя к "бедному искусству" и перегруженные смыслами объекты Флоренских). Бедное искусство — это то, что легко сделать, не имея спонсоров и специальных средств. Арте повера (итал. Arte Povera — бедное искусство) — термин, введённый в 1967 году искусствоведом и куратором Джермано Челантом для определения художественного течения, объединившего художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине 1960-х — 1970. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. В Европе получила развитие своя разновидность поп-арта – Новый реализм = представляя собой своеобразный иронический городской фольклор. Группа художников во Франции, организованная критиком Пьером Рестани (1960 – начало 1970-х) объявила о возвращении в изобразительное искусство предмета, вещи, употребляемой согласно случайному побуждению художника, по воле его «жеста». Отсюда – произвольное использование предмета в качестве объекта так называемых ассамблажей, аккумуляций, компрессий, динамических конструкций. Наиболее известные художники этого направления – Арман А. Фернандес, И.Клейн, Ж.Тенгли. Творчество Ива Клейна выходило далеко за рамки установок «Новых реалистов», однако использование им губок при создании знаменитых «синих монохромов» и первые спроектированные им энвайронменты натолкнули Рестани на поиски пути выхода к «средовому» искусству. Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, отрывистый удар, хлопок т.е. производящее шокирующий эффект) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов (Англия – США (неодада) Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, расцвет; бунты молодежи. Молодежное движение не имело единой цели - его объединял пафос отрицания. Выбросить за борт всю прошлую культуру), использующие образы продуктов потребления. Впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя. Как реакция на абстрактную живопись, которую сторонники поп-арта считали слишком сложной и элитарной. (смена абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации, знаменует переход к концепции нового авангардизма.). «Возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы, сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно. Оспаривал принципы "хорошего дизайна", отрицая модерн и его ценности. Основной упор на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление (вещи, которые потребитель желал, а не те, в которых он нуждался). Средства массовой информации и реклама были основными темами поп-арта, остроумно прославлявшими "общество потребления". Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст: 1. изменяются масштаб и материал; 2.обнажается приём или технический метод; 3. выявляются информационные помехи и др. (Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит). Икона поп-арта - коллаж Ричарда Хамилтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956) Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы. Включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции. (СССР - «железный занавес»). Зарождение поп-арта. 1952 при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков, художников и архитекторов образовали «Независимую группу», изучавшую современные технологии и городскую народную культуру. Художники Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци начали заниматься изучением «имиджей» (обликов) массового искусства (на основе американской культуры). Критик Лоуренс Аллоуэй предложил термин «поп-арт». В 1956 в Лондоне прошла выставка «Это – завтра», состоящая из фотографий голливудских кинозвезд и кадров из фильмов, увеличенных до размера киноэкрана. Из интеллектуалов-исследователей художники постепенно превращались в апологетов массовой культуры, проповедников нового образа жизни, снованного на анархических идеалах свободы, новых принципах морали и рок-музыке (Битлз 1967 Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера). Реабилитация мира красоты банального, в их произведениях сквозит гордость тем, что американская торговля изобрела такие товары, которые всегда хороши, дешевы и равнодоступны. Уорхол «поп-арт поменял внутреннее и внешнее местами». Поп-артисты создавали образы, который любой человек, идущий по Бродвею, узнавал в ту же секунду» (абстрактные экспрессионисты изо всех сил старались вовсе не замечать). Поп-арт использовал готовое изделие. Раушенберг, Уорхол вводили предметы «массовой культуры» в картину как прямую цитату: в виде коллажа или фотовоспроизведения. Между скульптурой и живописью часто нет границы. Раушенберг разработал жанр комбинированных картин, в которых живопись в духе абстрактного экспрессионизма соединялась с реальными предметами (Кровать). Лихтенштейн увеличивал картинку комикса полумеханическими способами до размеров большого полотна. Певоначальный образ парадоксально преобразовывался и иронически перетолковывался. Особенностью английского поп-арта было то, что он никогда окончательно не порывал с традиционной живописью. Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его "обозначение", избавляющее автора от рукотворного процесса его создания. Хэппенинг, предметная инсталляция, энвайромент. Аналогичные течения: андеграунд, гиперреализм, оп-арт, реди-мейд. Хэппенинг(случающееся, происходящее) 1) Вид театрального представления, в котором событие и действие являются самоцелью, а не частью драматического сюжета.
2) Одно из направлений поп-арта, где «объектом искусства» становится разыгрываемое...Лэнд-арт (земляное искусство) течение западноевропейского авангардного искусства последней трети 20 в., пародирующее в абсурдистских формах традиционную ландшафтную архитектуру. Основано на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Разлад творчества художника с окружающей действительностью (в идейном, эстетическом и предметном отношениях) породил в 1960-1970-х гг. своеобразные пейзажные инсталляции – искусственные образования, создаваемые представителями лэнд-арта: рвы, спиральные насыпи, борозды, холмы, пирамиды из камней. Для акций обычно избираются безлюдные, "первозданные" и "дикие" ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Благодаря своему "первобытному" облику многие акции и объекты такого рода сближаются с археологизмом, а также (поскольку большинство публики может созерцать их лишь в сериях фотографий) с фото-артом. Противопоставление современной организации общества жизненным формам архаических обществ, социально-природному, рациональному и инстинктивному. Помещение абстрактных конструкций, призванных создать «возмущение» в природной среде и тем самым изменить обыденное восприятие, провоцировать зрителя на необычную реакцию. В одних случаях возникают образы, подобные «агитационному искусству», соотносимые с идеологией социальных движений за охрану окружающей среды от технической цивилизации, в других – композиции, близкие дадаизму и поп-арту. Наиболее известные представители лэнд-арта: Р. Смитсон, Христо, Р. Серра. Художественный мир особенно протестовал против традиционных устоев. Само существование рыночной системы подвергалось сомнению, а традиционные музеи и галереи не воспринимались всерьёз. Картины были просто таким же товаром, как и любые другие вещи. Кристо (Христо Явачев) (техника эмбаллажа) оборачивает или упаковывает на некоторое время в ткань (обычно серебристую) крупные природные или культурные объекты – острова во Флориде, участок побережья в Австралии, мост Пон-Неф в Париже, Рейхстаг фольгированной тканью, превратив его тем самым в произведение современного искусства. Зрелище необыкновенно красивое и впечатляющее. На Большом Солёном озере в штате Юта (США) Роберт Смитсон Вид огромных экскаваторов, самосвалов, перевозящих тонны земли и камня, приводил его в восторг, сравнивал это зрелище с великими памятниками древности. Под впечатлением от них Смитсон создал серию объектов под общим названием «не-места» собранные художником камни и земля экспонировались в галерее как скульптуры, нередко в сочетании со стеклами и зеркалами). Одна из известных работ, «Дрейфующий остров», представляла собой баржу, наполненная деревьями, кустами, камнями и грязью, которая неспешно кружила вокруг острова Манхэттен. «Спиральная дамба» (идеальные сады прошлого) – объект ленд-арта, созданный в 1970 году. Он выстроен из грязи, земли, воды, кристаллов соли и обломков базальта на северо-восточном берегу Большого Соленого озера у нефтяного месторождения Розел Пойнт в штате Юта. Spiral Jetty уходит в озеро закрученной против часовой стрелки спиралью длиной в четыреста пятьдесят метров и шириной в пять. Природа сама раскрасила его в голубые и розовые цвета. Ландшафтные произведения искусства требуют немалых затрат на изготовление. И это также примета нашего времени: деньги играют в искусстве всё более важную роль. Дело в том, что в высокотехнологичную эпоху для создания произведения требуются большие материальные затраты. Стиль поощряет постоянное творческое движение, самобытность. Основной материал – земля, используют её и всё, что она даёт. В символической форме это значит, что художники пробуют добраться до самой сущности произведения искусства.
PAGE 3