Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
19. Кубизм. Орфизм. Пуризм.
Кубизм
Авангардистское течение в изобразительном искусстве 1-й четв. 20 в. Развивалось во Франции (П. Пикассо, Ж. Брак, Х. Грис ), в других странах. Кубизм выдвинул на первый план формальные эксперименты — конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые.
Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques).
Начиная с 1912 г. в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали «синтетическим кубизмом».
Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девушки», «Гитара», работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан и др.
Появление кубизма в 1907 году во многом изменило установившиеся в европейской живописи эстетические представления. "Революционность" его связывалась главным образом с тем, что художники-кубисты порвали с "условностями оптического реализма", отбросили натуру как предмет художественного творчества, перспективу и светотень как средства художественной выразительности.
Возникновение кубизма неотделимо от творческих экспериментов Пабло Пикассо и Жоржа Брака на рубеже 1907—1908 годов. Исходным моментом кубистического периода творчества Пикассо послужила примитивистская африканская скульптура, заинтересовавшая его в эти годы. Правда, и до этого уже было заметно стремление Пикассо к абстрактной обобщенности образа, и геометризация формы в неродном африканском творчестве не могла не импонировать ему. Первым произведением кубистического цикла в творчестве Пикассо явились его "Авиньонские девицы" (1907).
Пространство передается геометрически жестко, чувственно-эмоциональное восприятие натуры почти утрачено. Розовые, не теряющие еще определенности контуров фигуры женщин прижаты к плоскости картины, раздробленной на более мелкие геометрические планы голубого, синего и коричневого цветов.
Осенью 1907 года французский критик и поэт Гийом Аполлинер приглашает в мастерскую Пикассо молодого Жоржа Брака, интересовавшегося в тот период живописью фовистов. Оба художника объединяют свои усилия и вплоть до первой мировой войны идут в своих поисках рука об руку. Очень скоро к ним присоединились другие молодые живописцы и поэты, обосновавшиеся на Монмартре, и группа, известная как "Бато-Лавуар", заявила о рождении нового течения в искусстве, которое вскоре с легкой руки критика Луи Векселя было окрещено кубизмом.
Новым направлением творчества увлекаются в это время живописцы Мари Лорансен, Хуан Грис; поэты, литераторы и художественные критики: Гийом Аполлинер, Морис Рейналь, Андре Сальмон, Макс Жакоб. а также Канвейлер—торговец картинами, собиратель полотен и устроитель выставок. Аполлинер пригласил принять участие в этой группировке Фернана Леже. В ближайшие два-три года к кубизму пришли также Робер Делоне, Альбер Глез, Анри Ле Фоконье, Жан Метценже, Франсис Пикабиа и другие.
Что характерно для этого направления? Прежде всего следует отметить, что кубисты существенно сузили задачу воспроизведения чувственно воспринимаемого мира. Их творчество основывается на разложении изображения предмета на плоскости и комбинировании этими плоскостями. Они отказались от передачи действительности посредством линейной перспективы и цветовоздушной среды и пытались показать пространство путем чередования плоскостей. Кубисты считали, что так называемый аналитический путь постижения реальности позволит глубже и полнее раскрыть суть явлений. Художники нередко прибегали к одновременному воспроизведению предмета с нескольких точек зрения.
В отличие от импрессионистов и постимпрессионистов родоначальники кубизма стремились осуществить свои творческие цели посредством тональной проработки объемов или плоскостей, на которые дробится предмет, существенно ограничив возможности цвета. Цвет сознательно преодолевался и изгонялся из живописи, поражавшей аскетизмом палитры. Цветовой строй в ряде картин в основном сводился к тональной градации охры, серых, черных и коричневых тонов.
Полотна кубистов представляли собой сопоставление различных геометризированных поверхностей и плоскостей при весьма отдаленном сходстве с реальным прообразом. Они полагали, что художественная форма не должна опираться на жизненную аналогию, на реальные элементы явлений. Она была вытеснена рассудочным сопоставлением самоценных линий и форм. Образы в произведениях кубистов становятся все более абстрактными, утрачивающими связь с реальными прототипами. Предметы и явления дробятся до такой степени, что постепенно они почти полностью утрачивают связь с визуальным прототипами, превращаясь в абстрактные символы, восприятие которых оказывается доступно лишь одному автору.
Абстрактный почерк кубизма подтверждает, например, теоретик абстракционизма Мишель Сейфор. "Художники-кубисты, — пишет он, — начиная с 1909 года разрушили предмет и заново реконструировали его, свободно импровизируя средствами живописи независимо от объективной реальности. Они тем самым открыли ненужность предмета и фактически стали первыми представителями абстрактной живописи".
Субъективистское начало особенно заметно в портретной живописи. Здесь образ не только лишен индивидуализации, но утрачивает даже сходство с портретируемым (портреты, подобньге "Портрету Воллара" Пикассо, скорее исключение, чем правило для ккубизма) . Нередко портрет предстает как безжизненный конгломерат геометрически усложненных плоскостей. Художник стремится сконструировать новую, ирреальную модель натуры, принципиально противоположную ее реальному содержанию.
Пикассо и Брак нередко помещали в своих полотнах отдельные буквы или слова, набранные типографским шрифтом, например "Тореро", '"Ария Баха", "Моя красотка". Таковы картины "Хвала И. С. Баху" Брака (1912) и "Моя красотка" Пикассо (1913). Надпись как элемент художественной выразительности, зачастую не соответствовала содержанию, но помогала публике приблизительно ориентироваться в замысле художника.
Зрители встречали выставки кубистов насмешками, иронией и нелестными эпитетами. В прессе появилось немало публикаций, по своему характеру приближающихся к общественному скандалу. Тем не менее кубизм находил поддержку у меценатов и критиков.
"Классический" период кубизма, связанный с деятельностью указанной группы художников, завершился с началом первой мировой войны, которая разобщила и разбросала их. Брак был мобилизован в армию и надолго оставил творческую деятельность, а после ранения многие месяцы провел в госпиталях. Позже, после войны, вновь обратившись к живописи, он отказывается от чрезмерной кубистической стилизации реальных форм.
Что касается Пикассо, то в течение многих лет он поочередно прибегал к взаимоисключающим способам выражения своей индивидуальности. Его творчество развивалось иногда в сторону кубистической живописи, граничащей с абстракционизмом, иногда в сторону реализма. В своих кубистических поисках, где образ человека рассекается, расчленяется и полностью приносится в жертву воображению, чрезмерному рационализму мышления художника, он настолько далеко уходил от традиций классического изобразительного искусства, что. казалось, никогда не сможет вернуться на путь реалистического творчества. Между, тем 6 годы первой мировой войны Пикассо, не отказываясь от кубизма, создал великолепные реалистические портреты и натюрморты, выполненные в неповторимо индивидуальной манере. Использование традиционных художественных средств здесь служило решению современных творческих задач.
Некоторое воздействие кубизма было заметно в искусстве последнего периода и в Европе, и в Америке. Кубизм оказал прямое или опосредствованное влияние на многих американских художников. Под его воздействием развивалось творчество Лионеля Фейнингера. работавшего до 1933 года в Германии, а также Джона Марина, Стэнтона Макдональда-Райта, Моргана Русселя, Макса Вебера, Чарльза Шилера и других. Но это было явлением, носившим характер чего-то пройденного в модернистской эволюции искусства.
Бурная художественная жизнь начала XX века породила множество течений и стилей. Попытки переосмысления творческого наследия, которые предпринимались в это время, дали жизнь многим необычным и интересным направлениям. Одним из таких направлений стал кубизм.
Возникновение кубизма было во многом обусловлено тем, что классическое искусство испытывало кризис. Поиск новых форм для выражения чувств и эмоций позволил по новому посмотреть на творчество, и дал возможность найти новые способы и методы в живописи. Наряду с импрессионизмом и сюрреализмом, возникновение кубизма стало попыткой посмотреть на живопись под новым углом, найти новые грани и переосмыслить созданное до этого.
История кубизма тесно связан с именем Пабло Пикассо. Во многом, кубизм Пикассо был обусловлен интересом художника к примитивистской африканской скульптуре, которой он заинтересовался на рубеже 1907-1908 годов. Рубленные формы африканского искусства укрепили склонность Пикассо к абстрактной обобщенности образов, и с этой точки зрения его можно считать предтечей кубизма, как стиля. Первой картиной в стиле кубизма стали «Авиньонские девицы», написанные в 1907 году.
1. Пабло Пикассо, "Авиньонские девицы".
Это произведение стало первым воплощением основных принципов кубизма — создавая эту работу, Пикассо порвал с «условностями оптического реализма» и отбросил натуру, как предмет художественного творчества, а также отказался от перспективы и светотени.
Днем рождения кубизма в искусстве можно считать встречу Пикассо и молодого художника Жоржа Брака, которая произошла при участии поэта Гийома Аполинера, пригласившего Брака в мастерскую Пикассо. Пикассо и Брак становятся основоположниками кубизма, и вплоть до первой мировой войны активно сотрудничают друг с другом, творя историю кубизма.
Со временем к ним присоединяются многие другие молодые живописцы и поэты с Монмартра. Примерно в то время, недавно присоединившаяся к Пикассо и Браку группа, известная как «Бато-Лавуар», заявила о рождении нового течения в искусстве, которое вскоре и получило свое название. Термин «кубизм» предложил французский критик Луи Вексель, и вскоре он прижился.
2. Хуан Грис, "Человек в кафе".
В отличие от импрессионизма и постимпрессионизма, живопись кубизма старается осуществить творческие цели художников путем детальной проработки объемов и плоскостей, ограничиваясь в возможностях манипуляций с цветами. Кубизм в искусстве — это принципиально новый подход к формированию изображения на бумаге. Основоположники кубизма сделали основой своего творчества разложение объектов на плоскости, и различное комбинирование этих плоскостей в пространстве. Художники кубизма отказались от передачи действительности при помощи классической линейной перспективы и цветовоздушной среды, считая, что они смогут добиться интересного художественного эффекта, чередую плоскости. Представители кубизма исповедовали тот принцип, что аналитический путь постижения реальности позволяет полнее и глубже раскрыть суть тех или иных явлений. Многие художники кубизма применяли интересный подход создавая картины кубизма. Он заключался в том, что один и тот же предмет изображался одновременно с нескольких точек зрения — это позволяло добиться разностороннего анализа рассматриваемого предмета.
3. Хуан Грис, "Жалюзи".
Представители кубизма сознательно ограничивали используемую цветовую палитру. Картины кубизма действительно кажутся ограниченными в цветах, поскольку в основном тональность картин кубизма сводится к градациям охры, серым, черным и коричневым тонам. Помимо цветового строя, кубизм в искусстве отличался еще и тем, что полотна кубистов представляли собой сопоставления различных геометризированных поверхностей и плоскостей при достаточно отдаленном сходстве с оригиналом. Представители кубизма не считали, что художественная форма должна полностью соотносится с реальной и поэтому предметы на картинах кубизма выглядят более абстрактными и утрачивают связь со своими реальными прототипами.
Кубизм в искусстве — это не просто изображение предмета, это изображение предмета, мысленно разрушенного и вновь созданного в сознании художника. Зачастую предметы на картинах в стиле кубизма полностью утрачивают связь со своими реальными прототипами и превращаются в абстрактные символы, восприятие которых оказывается доступно лишь одному автору.
Кубизм в изобразительном искусстве нередко предстает в виде безжизненного конгломерата геометрически усложненных плоскостей, которые конструируют новую, иррациональную модель натуры, которая может быть принципиально противоположна ее оригинальному содержанию.
4. Пабло Пикассо, "Гитара и Скрипка".
Говоря о кубизме Пабло Пикассо, стоит отметить, что картины кубизма Пикасса не были единственным направлением в его творчестве. Кубизм Пабло Пикассо сменил в его творчестве интерес к импрессионизму (голубой» и «розовый» периоды) и позднее он трансформировался в сюрреалистическое видение мира.
Стиль кубизма оказал громадное влияние на развитие живописи, изменив представление художников о пространстве и способах передачи объема и фактуры.
Говоря о русском кубизме, стоит понимать, что развитие этого течения у нас в стране шло несколько другим путем, чем в Европе. И хотя к русскому кубизму часто относят творчество Малевича, Шагала, Архипенко, Лентулова, Альтмана, их работы так же можно воспринимать в качестве примеров других направлений в искусстве. Безусловно, кубизм в живописи произвел огромное потрясение. Именно кубизм открыл дорогу абстрактному искусству, дав зрителям возможностям самим трактовать символы, изображенные на произведениях кубистов. Кубизм в живописи подготовил массовое сознание художников и зрителей, и послужил основой для развития таких направлений абстрактного искусства, как супрематизм, футуризм. Конструктивизм и много другое.
Кyбизм - (фpaнц. cubisme, oт cube - кyб) направление в искусстве первой
чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кубизма основывался нa деформации и
разложении предметов нa геометрические плоскости, пластическом сдвиге
фopмы.
Кубизм отрицает изображение предметов в том виде, как мы их
представляем. Он стремится найти способ выражения их сути. Кубизм низводит
формы до основных геометрических схем, раскладывает предметы на составные
части и объединяет их в абстрактное целое плоского декоративного
изображения.
Пабло Пикассо, одному из первых художников-кубистов, принадлежат
следующие слова: «Я пишу объекты такими, как я их мыслю, а не такими, как я
их вижу». Ведь в действительности, когда мы смотрим на человеческое лицо в
профиль, мы видим лишь один глаз, одну бровь. И воспринимаем объект во всей
целости, домысливая, что у него, конечно же, есть и второй глаз. На
кубистическом же портрете, будь то фас или профиль, объект предстает перед
нами увиденный автором сразу с нескольких точек. Автор совмещает их в одном
образе. Свои первые шаги художники кубисты делали именно в жанрах портрета,
натюрморта, пейзажа. Как правило, это были монохромные полотна.
Многие русские художники прошли через увлечение кубизмом, часто
соединяя его принципы с приемами других современных художественных
направлений - футуризма и примитивизма. специфическим вариантом
интерпретации кубизма на русской почве стал кyбoфyтypизм.
Влияние кубизма в изобразительном искусстве продолжалось до 1960-х
годов. К русским кубофутуристам можно отнести К. Малевича с его знаменитой
картиной "Черный квадрат"
В своей работе я расскажу об истоках этого направления в искусстве, о
выдающихся художниках кубизма, остановившись подробно на творчестве Жоржа
Брака и Пабло Пикассо, а так же российского художника Казимира Малевича;
уделю большое внимание картине Пикассо «Авиньонские девицы», а так же
постараюсь увидеть мир глазами этих загадочных и притягательных мастеров
своего загадочного и притягательного искусства.
2. Зарождение кубизма.
С середины XIX века отход от господствующей в это время в
изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется.
Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно прямому
(“буквальному”) воспроизведению. Отработка новых изобразительных средств,
стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных
символов, сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на
отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического,
эмоционального), с другой – на усиление выразительности, информативности
“телесной” структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до
задачи создания “самостоятельного живописного (изобразительного) факта”,
конструирования “новой реальности”.
Женская стоящая фигура. П.Пикассо. 1907 год
Последняя выставка импрессионистов в 1886 г. знаменует конец
классического периода европейского искусства. Начиная с этого времени в
европейской живописи одно за другим возникают многочисленные течения,
существующие более или менее длительное время: югендстиль, экс-прессионизм,
неоимпрессионизм, пуантилизм, символизм, кубизм, фовизм.
“В анархии эмоциональных ценностей в конце прошлого века, – писал
австрийский живописец Вольфганг Паален, – люди, обратившиеся к искусству
как к последнему прибежищу, начинают понимать, что внутренняя природа вещей
так же значительна, как и внешняя. Вот почему Сёра, Сезанн, Ван Гог и Гоген
открывают новую эру в живописи: Сёра – своим стремлением к структурному
единству, к объективному методу, Ван Гог – своим цветом, который перестает
играть описательную роль, Гоген – смелым выходом за рамки западной эстетики
и особенно Сезанн – решением пространственных задач”. Паален сжато
охарактеризовал важнейшие этапы художественного процесса, непосредственно
предшествовавшие открытию примитивного искусства и тому перелому, который
намечается в европейском искусстве около 1907 г.
1907 год считается поворотным в отношении к традиционному, в первую
очередь африканскому искусству, вместе с тем это рубеж, от которого берут
начало новейшие художественные направления. 1906 год – год смерти Сезанна –
знаменует начало особенно глубокого его влияния на целое поколение
художников. Позднее этот период был назван историками искусства
“сезанновским”, или “негритянским”.
Анализируя творчество Сезанна и в особенности его последние работы, в
которых он ближе всего подходит к решению поставленных пространственных
задач, сопоставляя их с наиболее характерными образцами африканской
пластики, являющими подчас идеальные примеры воплощения этих
пространственных решений, можно с уверенностью сказать, что именно
творчество Сезанна стало последним и, возможно, решающим в ряду факторов,
заставивших по-новому взглянуть на примитивное искусство.
Осязаемая весомость образов, которой стремился достичь Сезанн, пытаясь
посредством выявления ритмических, геометрических структур проникнуть в
сущность вещей и явлений и отобразить эту сущность, составляет, по общему
признанию, основное качество африканской пластики. Таким образом,
творчество Сезанна, бывшее логическим результатом всего предшествующего
развития европейской живописи, в известном смысле близкое к творчеству Ван
Гога, Гогена и Сёра, сыграло решающую роль в создании объективных условий,
при которых африканское искусство было включено в мировой художественный
процесс.
Наступает момент совместимости: чужеродная эстетическая система не
только признана, но и “взята на вооружение” художественной практикой. Более
того, примитивное искусство само стало инструментом открытия, и в этом
глубинная суть рассматриваемого процесса. Оно открыло глаза художникам,
обнаружившим там, где они меньше всего ожидали, новую систему
художественных ценностей, принципиально отличную от той, которой
тысячелетиями следовало европейское искусство.
Таким образом, в основу концепции кубизма легла “языческая” культура,
которая в свое время вызвала к жизни искусство античности, а позднее дала
новые ростки в эпоху Возрождения. Она освобождала художественное творчество
от салонной легковесности, возвращала его к раскрытию сущности вещей и
явлений, делая искусство в соответствии с тенденцией времени инструментом
познания. В своих последовательных проявлениях новое течение, условно
получившее название “кубизм”, явило зрителям структуры, как бы обнажающие
скелеты предметов.
Ощущения зрителя, оказавшегося на выставке перед полотнами кубистов,
можно сравнить с ощущениями человека, собравшегося совершить приятное
путешествие, а вместо этого получившего приглашение участвовать в прокладке
новых путей.
Реакция публики доказывала, что переход к новому направлению произошел
скачкообразно, несмотря на длительный подготовительный период, за время
которого столичный европейский зритель должен был бы значительно расширить
свой кругозор. После признания Ван Гога уже нельзя было считать гладкопись
и натуралистичность цвета непременным условием “хорошей живописи”; жизнь и
работы Гогена привлекли внимание к “примитивным” культурам и научили видеть
не столько их незрелость, сколько качественно иное их состояние,
предполагавшее немало ценного и поучительного; творчество Сёра явило пример
возможности использования научных методов для решения художественных
проблем; наконец, творческий метод Сезанна, особенно техника его последних
работ, столь близкая к технике ранних кубистских работ Брака, казалось,
должна была способствовать если не пониманию, то хотя бы признанию права на
существование этого эксперимента, который называют самым смелым в истории
искусства. И все же работы Брака, как и последующие работы кубистов, были
отвергнуты жюри и стали надолго мишенью критики и предметом скандала для
широкой публики.
Новое направление в изобразительном искусстве и литературе, родившееся
в эпоху открытия “l’art negre” (искусство негров) и тесно с ним связанное,
безусловно, не было единственным горнилом, где создавался сплав новой
художественной культуры.
Связь кубизма с открытием африканской скульптуры очевидна. Хотя вопрос,
кто именно является первооткрывателем африканской скульптуры, остается
спорным, ни у кого не вызывает сомнений, что ее урок впервые был
основательно воспринят молодым, но уже достаточно известным в то время
испанским живописцем Пабло Пикассо.
3. Новаторство кубистов.
Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то
кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер
пространства. Ж. Брак писал: “не нужно даже пытаться подражать вещам,
которые преходящи и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за
нечто неизменное”. Американский искусствовед Дж.Голдинг писал, что кубизм –
“самая полная и радикальная художественная революция со времен Ренессанса”.
Хуан Грис. Ваза с фруктами и графин. 1914 год.
Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего
развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование
концепции над художественной самоценностью картины. Еще Гегелем (1770-
1831гг.) было замечено, что искусство нового времени все более проникается
рефлексией, образное мышление вытесняется абстрактным, так что грань между
искусствоведением и практическим творчеством становится слишком тонкой.
Если в кубизме эта тенденция присутствовала в зачаточном состоянии, то в
искусстве постмодернизма она становится довлеющей.
Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению
примкнули Фернана Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. Слово “кубизм” по-
видимому возникло в 1908 году. Существует легенда о том, что Матис увидев
картину Брака “Дома в Эстаке”, сказал, что она напоминает ему изображение
кубиков. В том же году в журнале “Жиль Блаза” критик Луи Воксель пишет о
живописи Брака, как о сводящейся к изображению кубов. Так насмешливая шутка
Матиса переросла в название новой школы.
Период 1907-1912 годов – период аналитического кубизма (называемого
также стереометрическим или объемным). В это время происходит сенсационное
преобразование художественной реальности, невиданное доселе – разложение
формы, в данном случае на кубы.
Художественная практика кубистов: отказ от перспективы, сокращение
фигур в ракурсах, показ их одновременно с нескольких сторон, тяготение к
обратной перспективе.
В 1908-1909 годах и Брак и Пикассо ищут приемы за пределами кубизма.
После 1912 года начинается период так называемого “синтетического” кубизма,
именуемого также “кубизмом представления” Принцип создания художественного
пространства заключался в наполнении изобразительной плоскости элементами
расчлененного предмета, которые с треском сталкиваются между собой, ложатся
рядом, перекрывают или проникают друг в друга. Таким образом, картина
создается как нарисованный коллаж из отдельных аспектов формы, как бы
разрезанный на мелкие части. Форма у кубистов предстает в виде плоского
отпечатка, одновременно с разных сторон.
Направление кубизма, плод творческих изысканий Пикассо и Брака, сыграло важную роль в становлении художественного мышления XX века. В его названии, придуманном критиками того времени, отражен лишь внешний стилистический признак - геометризация формы, но упущено главное - динамические трансформации живописного образа, в которых раскрывалась многоликость самой реальности.
Такие нововведения кубизма, как коллаж, надписи, рельефная проработка красочного слоя механическим инструментом, ознаменовали прорыв в новое измерение живописи.
Начинания Пикассо и Брака увлекли многих художников. Но подлинное значение их открытий проявилось позднее, когда улегся скандал по поводу "геометрического безумства" и стало ясно, что "разрушители устоев" на самом деле возводили опорные конструкции новой художественной системы.
|
Брак Ж. Круглый стол |
Грис Х. Книга |
Грис Х. Портрет Жозетты Грис |
|
Брак Ж.Мастерская |
|
Дюшан М. Обнаженная, |
Дюшан М. Шахматисты |
Леже Ф.Лестница |
|
Леже Ф.Цирк |
|
Метценже Ж. Девушка с гитарой |
Метценже Ж. Кубистический пейзаж |
Пикассо П. Скрипка |
|
Пикассо П. Герника |
http://art-modernism.ru/index.php/kubism.html
Орфизм.
В недрах кубизма в 1912- 1913 годах сформировалось оппозиционное течение, которое благодаря поэту Гийому Аполлинеру, получило название «орфизм». Создателей его – художников Роббера Делоне и его жену Соню Терк-Делоне увлекала работа с абстрактным цветовым ритмом.
Хотя Супруги Делоне и использовали в построении пространства картины принципы кубизма, они создали свой художественный язык, в котором приоритетное значение приобретал цвет. Живописные концентрические «солнечные круги», составлявшие основу многих их композиций, были очень динамичны, а тонкости созвучий цвета, буквально пульсирующего в их картинах, казалось, издают звуковые вибрации. Делоне в своих картинах, как и кубисты, дробит формы на грани, состоящие из треугольников, трапеций и других геометрических фигур. Как и футуристы разрушает форму предметов. Цвет у него наполнен символическим значением, что сближает орфизм с экспрессионизмом. Этот музыкальный ритм цвета и формы и дал основание для названия течения. «Орфизмом» Аполлинер назвал новое течение в живописи по аналогии с именем древнегреческого певца Орфея, голосу которого подчинялись даже силы природы. Цвет у Делоне приобретает и композиционное назначение. Как и многие художники-модернисты – Роббер и Соня Делоне занимались изучением проблем оптического восприятия, их поиски натолкнули художников на идею создания живописных композиций в основе которых – кругообразные поверхности и плоскости. Они словно создавали разноцветную бурю, наполняя динамикой все пространство картины. Такой интенсивный цветовой ритм вызывал эмоциональный отклик у зрителей. «Орфизм» активизировал формирование беспредметных цветовых поисков в дальнейшем развитии европейской живописи.
Одним из первых произведений орфизма были композиции, напоминавшие цветные диски, яркие цветовые переходы этих концентрических кругов придавали всей композиции необычайную энергию. Для художников эти пульсирующие концентрические круги были символами космической энергии.
Сам Роббер Делоне говорил о своих картинах «Это синтез всего того, что присуще эпохе разрушения. Пророческое видение. Видение катастрофического проникновения, предрассудки, неврастения.. Космические потрясения, желание очищения… Ничего ни горизонтального, ни вертикального. Свет все деформирует, все разбивает… Европа рушится…»
Симультанизм – прием, который использовали и художники -орфисты. Кстати, с футуристами их сближало и восхищение достижениями техники. Вспомним работу Роббера Делоне «В честь Блерио». А этой картине среди абстрактных форм есть и вполне реальные элементы: высоко в небе над Эйфелевой башней летит самолет летчика Блерио впервые совершившего перелет через Ла-Манш. Тающее пространство за Эйфелевой башней говорит о небывалом по тем временам расстоянии, которое беспосадочно перекрыл героический пилот. Для такого перелета нужны была фантастическая энергия, которую художник передает с помощью расходящихся разноцветных кругов, на которых как лопающиеся мыльные пузыри, цветные пятна создают вибрирующую массу, «взбиваемую» пропеллером.
Соня Терк- Делоне – удивительно многогранная художница с яркой творческой индивидуальностью. Она создала свою концепцию синтетической «синхронной» живописи, которую Терк-Делоне соотносила с музыкой. Она стремилась к раскрепощению цветовой экспрессии. Кажется, что художникам – орфистам хотелось бы вернуться к первобытному синкретизму в восприятии мира. К такому мировосприятию, когда аналитическая составляющая мышления людей была еще не так сильна, и мир звучал красками, а человек все ощущения воспринимал как единую мощную полифонию прекрасного мира. Впрочем, как ощущал мир первобытный человек, нам все равно не известно. Но то, что художники модернисты, отталкивая наследие европейской живописи, обращали особое внимание на искусство народов Африки, Полинезии, Японии и там искали новые идеи – это факт. Но вернемся к творчеству Сони Делоне. Особую популярность художнице принесла её работа в театре. Они делала эскизы костюмов и декораций для дягилевских сезонов в Париже. Особенно удачными считались её эскизы костюмов и декораций к балету «Клеопатра». В живописи Соня Делоне продолжает исследование мужа, анализируя цветовые переходы, их влияние на восприятие картины, и идет дальше по пути синтезирования пространства с помощью цвета, яркий пример её творческих поисков – картина «Электрические призмы». Эти эксперименты найдут продолжение в работах художников геометрической абстракции. Кроме супругов Делоне к орфизму какое-то время примыкали художники Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел. Как художественное объединение орфизм просуществовал недолго и каждый из этих талантливых художников далее нашел свой собственный путь.
|
|
|
|
|
|
|
Орфизм (фр. orphisme, от фр. Orpһée — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х годов, образованное Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан. Генетически связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом.
Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером.
Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.
Орфизм повлиял на русскую живопись в 1913—1914 годах через прямые контакты русских с самим Робером Делоне. Его влияние можно увидеть в работах Аристарха Лентулова. Также орфизм повлиял на некоторые работы Александры Экстер, Георгия Якулова и Александра Богомазова.
Орфизм - одно из последствий кубистической революции. Его основоположник и главный представитель Робер Делоне, развивая и переосмысляя принципы кубизма, пришел к отвлеченным формам насыщенных контрастных цветов. Зрительная динамика цвета, его вибрации стали главной пластической темой его живописи.
Термин "орфизм" впервые употребил Гийом Аполлинер, усмотревший в абстрактных композициях Делоне сходство с музыкой, которая олицетворялась в греческой мифологии в образе Орфея.
Творчество Делоне, как и близкого ему художника Франтишека Купки, - одно из первых проявлений беспредметного искусства. Звучные цвета, циркулярные формы вызывают ассоциации с небесными светилами, с надмирной музыкой сфер.
Своим "космизмом" композиции орфистов перекликаются с ранними абстракциями Василия Кандинского.
|
Баранов-Россинэ В. Норвежская рапсодия Зимний мотив |
|
Баранов-Рассинэ В. Фиорд Христиания |
Делоне Р. Сен-Северен №1 |
Делоне Р. Эйфелева башня |
||
|
Купка Ф. Аморфа. Двухцветная фуга |
Купка Ф. Размещение графических мотивов |
|
|
Леже Ф. Диск |
Пикабиа Ф. |
|
|
Купка Ф. Этюд к языку вертикалей |
Терк-Делоне С. Цветной ритм |
Орфизм (от фр. orphisme, от Orpһée - Орфей) - направление в французской абстрактной живописи 1910-х годов. Этот стиль представляет собой сочетание кубизма, футуризма и экспрессионизма. Основными особенностями Орфизма можно назвать пластичность, эстетизм, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Величайшие мастера Орфизма - Робер Делоне, Фернан Леже, Франтишек Купка, Соня Терк-Делоне, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Морган Рассел и другие.
ПУРИЗМ
Направление пуризма возникло в 1918 году как реакция на кубизм. Его основатели, Эдуар Жаннере (Ле Корбюзье) и Амеде Озанфан, стремились противопоставить кубистическому дроблению объемов ясную, четко организованную форму.
Пуризм сложился на пересечении двух тенденций в художественной культуре Франции - неоклассицизма, с его лозунгом "возврата к порядку", и функционализма, провозгласившего принципы лаконичной, "чистой" формы в архитектуре и дизайне.
Живописные композиции мыслились Жаннере и Озанфаном как декор, оптимально соответствующий современному интерьеру, с его гладкими, обтекаемыми линиями мебели и утилитарного оборудования.
Эта программа воплотилась в тщательно выверенных, но несколько стерильных композициях. Ограничение живописи прикладными задачами и геометрической аскезой было мало привлекательным для станковистов, и пуризм остался фактически направлением двух художников.
|
Жаннере Ш.-Э. (Ле Корбюзье) Композиция |
Жаннере Ш.-Э. (Ле Корбюзье). Натюрморт с многочисленными предметами |
Леже Ф. Джоконда и ключи |
||
|
Леже Ф. Листья и раковины |
Жаннере Ш.-Э. (Ле Корбюзье) Две женщины |
Леже Ф. Натюрморт с двумя ключами |
||
|
Озанфан Амеде. Натюрморт. Посуда |
Озанфан Амеде. Графика на чёрном фоне |
Озанфан Амаде. Курительная комната |
Пуризм — (франц. purisme, от лат. purus — чистый) течение во французской живописи конца 1910—20-х гг. Основные представители — художник А. Озанфаном и архитектор Ш. Э. Жаннере (Ле Корбюзье). Отвергая декоративные тенденции кубизма и других авангардистских течений 1910-х гг., принятую ими деформацию натуры, пуристы стремились к рационалистически упорядоченной передаче устойчивых и лаконичных предметных форм, как бы «очищенных» от деталей, к изображению «первичных» элементов. Для работ пуристов характерны плоскостность, плавная ритмика лёгких силуэтов и контуров однотипных предметов (кувшинов, стаканов и т. п.). Не получив развития в станковых формах, существенно переосмысленные художественные принципы пуризма нашли частичное отражение в современной архитектуре, главным образом в постройках Ле Корбюзье.
Пуризм — это искусство интеллектуальное исключающее случайность и использующее четкие геометрические формы. Озанфан и Жаннере вдохновляются конструктивными методами конечными целями и эстетикой промышленных машин и утверждают «общую грамматику чувствительности». Формы и цвета упрощены а структуры основаны на прямоугольниках и «правильных планах». В темах преобладают натюрморты составленные из повседневных предметов: тарелки стаканы графины курительные трубки бутылки — которые имеют функциональное значение и трактованы экономично. Их простые и стандартизированные формы могут легко соединяться оставаясь при этом четкими. Эти предметы изображаются в соответствии с методами взятыми из промышленного рисунка с использованием плана общего вида и тени спроецированной по правилам перспективы. Их органичное расположение производит регенерацию форм. «Можно создать картину как машину. Картина — это механизм волнения». Эта теория была постепенно развита и усовершенствована практическим живописным опытом и особенно в теоретических работах — серии статей в журнале «L’Esprit nouveau» основанном поэтом Полем Дерме Озанфаном и Жаннере в 1920. Эти тексты затем вошли в книгу Современная живопись (Париж 1925) которая вызвала много шуму в кругах стремившихся к осознанию природы художественного творчества и ее рационализации. Пути Озанфана и Жаннере разошлись после 1925.
С 1927 творчество Озанфана изменило направление: он снова вводит изображение человеческой фигуры и обращается к стенной живописи («Купальщики в гроте» 1930-1931 Париж гал. Кати Гранофф). Он откликается на призыв сюрреализма странными но всегда рациональными образами. Затем Озанфан создает произведения на аллегорические темы принесшие ему к сожалению мало удовлетворения («Жизнь» 1931-1938 Париж Национальный музей современного искусства Центр Помпиду передано на хранение в музей Сен-Кантена). После 1940 он создает несколько привлекательных произведений таких как «Спящая пушка» (Миннеаполис Художественный центр Уокера) или «Освещенный небоскреб» (Париж Национальный музей современного искусства Центр Помпиду) — плод его американского путешествия. Озанфан оказал влияние на многих художников даже таких известных и значительных как Фернан Леже и Вилли Баумейстер. Педагог он преподавал в самых разных учебных заведениях в Париже Лондоне Соединенных Штатах и воспитал многочисленных учеников — от француженки Марсель Кан до американца Джеральда Мёрфи и в начале 1950-х Роя Лихтенштейна. Наконец из огромного литературного наследия Озанфана следует особо отметить книгу «Искусство» вышедшую в 1928 и вскоре переведенную на немецкий и английский языки. Его «Воспоминания 1886-1962» были опубликованы уже после смерти художника. Произведения Озанфана представлены в частности в музеях Базеля Нью-Йорка (Музей современного искусства и музей Соломона Гуггенхейма) Париже (Национальный музей современного искусства Центр Помпиду) Санкт-Петербурге (Государственный Эрмитаж) и Москве (Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). В 1985 в музее Сен-Кантена прошла большая выставка его творчества. Озанфан Амеде Ozenfant Amedee (1886 Сен-Кантен — 1966 Канны) французский художник и теоретик искусства.
Получив классическое образование Озанфан во время Первой мировой войны вырабатывает принципы своей живописи издавая в частности журнал «Elan» (1915-1917). Но его настоящая творческая карьера начинается в 1917 когда в мастерской Опоста Перре он знакомится с архитектором Шарлем Эдуаром Жаннере (Ле Корбюзье) который также начал заниматься живописью. В 1918 они появляются на художественной сцене показав на выставках свои пейзажи и главным образом натюрморты состоящие из обычных предметов и написанные в простой манере мрачной цветовой гамме и сжатом композиционном построении («Желтые скрипки» Париж Нац. музей современного искусства Центр Помпиду). В 1918 в Париже они публикуют манифест «После кубизма» который отметил рождение пуризма с их точки зрения — наследника кубизма. Они упрекают кубизм в декоративности и особенно в чуждости «современному духу» индустриальной цивилизации машин и научного прогресса. Они стремятся найти в искусстве «неизменные величины» каковыми в науке являются законы.