Шатровые храмы особый архитектурный тип появившийся и ставший распространённым в русском храмовом зод
Работа добавлена на сайт samzan.net:
Билет номер 14
Вопрос 1.
Шатровые храмы — особый архитектурный тип, появившийся и ставший распространённым в русском храмовом зодчестве. Вместо купола здание шатрового храма завершается шатром. Шатровые храмы бывают деревянными и каменными. Каменные шатровые храмы появились на Руси в начале XVI века и не имеют аналогий в архитектуре других стран
Каменные шатровые храмы на Руси появились на рубеже XV — XVI веков. (примеры наиболее известных храмов: Троицкая (теперь Покровская) церковь в Александровской слободе, первый шатровый храм. (1510-е гг.), Церковь Вознесения в Коломенском (1532 г.), «Дивная» церковь в Угличе (1628 г.), московская церковь Рождества Богородицы в Путинках (1649–1652 гг.) Медведковская же церковь имеет известную внешнюю близость к знаменитому произведению архитектуры Москвы XVI века — многопредельному Покровскому собору «на рву» (храм Василия Блаженного).
В целом, схема построения всех шатровых храмов была примерно одинаковой: четверик, на который ставился небольшой восьмерик («восьмерик на четверике»), служивший опорой для высокого восьмигранного шатра. Но при этом, зодчие проявляли такую изобретательность в украшении и варьировании различных деталей, что ни один шатровый храм не был похож на другие. Особенностью этого стиля было то, что храм не имел столпов и держался только на стенах, из-за чего слишком широкие шатры ставить было невозможно.
Крупнейшим памятником архитектуры Архангельска стал новый городской собор, начатый вскоре после того, как Архангельск в 1708 г. стал губернской столицей. Двухэтажный четырехстолпный Троицкий собор (1709–1743, не сохр.) стал достойным преемником Преображенского собора в Холмогорах (1685–1691), причем не только по своим архитектурным характеристикам, но и по своему статусу кафедрального собора епархии . Его строительство был прервано указом 1714 г. о запрете каменного строительства вне Петербурга ; недостроенный нижний этаж был освящен в честь Богоявления в 1715 г. В 1718 г. духовенству удалось добиться разрешения на продолжение работ, и в 1720 г. в южной апсиде нижнего храма был освящен Казанский придел (с 1743 г. — Никольский). В дальнейшем работы продвигались достаточно медленно, им сильно помешал пожар 1738 г. В целом, верхний этаж был окончен к 1743 г., однако его освящение состоялось только в 1765 г. В южной апсиде верхнего храма в 1775 г. был освящен Преображенский придел, упраздненный после пожара 1793 г. Тогда же вместо сгоревших луковичных глав сделали новые, колоколообразной формы.
Собор относился к разработанному в XVI–XVII вв. типу больших столпных храмов. Они ориентировались на идеальный образец — главный храм России, Успенский собор Московского кремля (1475–1479). На протяжении XVII в. этот тип в основном использовался для наиболее престижных построек — соборных храмов городов и монастырей . Они могли быть двух-, четырех- и шестистолпными. У двухстолпных иконостас располагался у восточной стены, у шестистолпных (наиболее редкий тип) — перед восточной парой столбов; для четырехстолпных были возможны оба варианта. Таким образом, внутренне пространство этих храмов воспринималось входящим или как двухстолпное (дву- и четырехстолпные храмы), или как четырехстолпное (четырех- и шестистолпные). Архангельский храм принадлежал к разновидности с иконостасом у восточной стены, т. е. его пространство воспринималось четырехстолпным. Столпные храмы XVII в., как и их идеальный образец, всегда были пятиглавыми. Традиционно они имели позакомарное покрытие, однако с 1680-х стали распространяться четырехскатные кровли, при которых промежутки между закомарами закладывались — к этому типу относился и собор в Архангельске. Для 1700-х – 1730-х гг. строительство столпных храмов стало архаизмом , количество их в 1700–1714 гг. невелико — вряд ли более двух десятков; после 1714 г. они практически не строились — лишь заканчивались ранее начатые постройки . В 1740-е гг. в русской архитектуре начинается новое обращение к соборному типу, вдохновленное программными указаниями императрицы Елизаветы , которое, однако, нельзя считать непосредственным продолжением традиции. Таким образом, Троицкий собор оказывается едва ли не последним в славной череде позднесредневековых русских соборов.
Вопрос 2
«Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело — это художники — символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры — ранний, средний и поздний — монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио
В эпоху Возрождения (она же – Ренессанс) появился такой тип личности, который принято называть “Титанами Возрождения”, с лёгкой руки то ли Маркса, то ли Энгельса.
В России примером такого человека может служить Михаил Ломоносов, к примеру.
Эти титаны отличались тем, что умели сразу много: они писали трактаты о химии, минералогии, об искусстве сонета, верховой езды, о ядах...
При этом они занимались государственным управлением, анатомировали трупы, писали картины, работали дипломатами, врачами, делали открытия в астрономии, знали много языков и коллекционировали античные обломки, составляя к ним такие каталоги, которыми искусствоведы частично пользуются и до сих пор.
Вот этот тип личности и называется – “ренессансный тип личности”. Всё умею, всё могу. Такие люди встречаются и сейчас. Но очень редко. Это особенный дар, вывих природы, исключение из правила. Как гибкость (растяжка) в гимнастике, как в балете – высокий прыжок.
Гуманисты разработали свой идеал человека, названный универсальным человеком. По определению одного из наиболее известных представителей гуманизма, Леона Баттиста Альберти (1404-72), это «человек, который может сделать всё, если он будет».
«Универсальный человек» воплотил основные принципы возрожденческого гуманизма, который считал человека центром вселенной, неограниченным в способностях к развитию. «Универсальный человек» стремился охватить всё знание, развивать свои способностей настолько полно, насколько возможно, совершенствоваться в физическом развитии, в социальных достижениях и в искусствах.
Такой идеал блестяще иллюстрировался Леонардо да Винчи (1452-1519), чья одарённость проявилась в искусстве, науке, музыке, изобретательстве и литературе. Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля и других гениев часто называют «титанами Возрождения». Главным признаком Возрождения, как казалось современникам, явился расцвет искусств после долгих веков средневекового «упадка»; расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость.
Труд художника, скульптора и архитектора люди XV–XVI веков понимали как особый язык, с помощью которого можно узнать тайны «божественной Природы».
Своего расцвета Возрождение в Италии достигает в конце XV – первой половине XVI века. Этот период называют Высокое возрождение. К нему относится творчество величайших деятелей Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонароти, Рафаэля Санти. Это были гении, проявившие себя во многих областях искусства и науки. Поэтому их часто называют титанами Возрождения.
Леонардо да Винчи (1452–1519).
Его необыкновенная одарённость поражала современников. Он был художником, поэтом, архитектором, разбирался в механике и военном деле. Длительные опыты научили изображать объём тончайшими оттенками, игрой света. Математические расчёты помогли ему показать в картинах глубину пространства, перспективу,
Кроме живописных произведений, сохранилось несколько грандиозных фресок, например «Тайное вечере», украсившее стену богатого миланского монастыря. Но фреска написана не по мокрой штукатурке и ещё при жизни художника стала осыпаться. Выбрав традиционный сюжет, он поставил задачу изобразить различную реакцию на слова Христа: «Один из Вас предаст меня».
Но, наверное, наиболее известное произведение – портрет Моны Лизы. Неуловимая дымка окутывает лицо и фигуру, смягчает контуры. Этот приём называется сфумато (дымка) – когда краски смешиваются без линий и краёв. Часто художник делал это пальцем
Билет№ 18
Вопрос 1
Скульптура начала XIX века отражает рост национального и общественного самосознания русского общества. Очень сильно на эти умонастроения повлияла борьба с Наполеоном. Отечественная война 1812 года породила высокий патриотизм, в искусстве отразившийся в интересе к воспеванию величия победившего народа[1].
Для развития скульптуры этого периода оказался важен тот факт, что русская архитектура тогда поднялась на не бывало высокий уровень. В Петербурге, Москве и других городах возводились величественные сооружения и целые ансамбли, которые значительно меняли облик городов. Архитекторы Андреян Захаров, Андрей Воронихин, Тома де Томон, Карл Росси — придали русской архитектуре торжественное величие, свойственное александровскому ампиру. Архитекторы активно сотрудничали со скульпторами, мастерами декоративной пластики, ведь скульптура обогащала архитектурные сооружения, внося в них силу конкретно-чувственного образа, углубляющую содержание построек и делающие их ближе и понятней. «Пластика развивалась в тесном единстве с поисками в области зодчества. Этим, между прочим, объясняются достижения в области синтеза искусств, до сих пор сохранившие значение высокого образца. Декоративная скульптура вводилась в архитектуру не как простое украшение, а как необходимая часть сооружения, связанная с ним тысячью нитей, обогащающая его содержание и вносящая пластическую красоту в замысел архитектора».
Таково, например, здание Адмиралтейства (1823), которое невозможно представить без декоративного убранства. По словам его автора архитектора Захарова, без скульптуры оно теряет пропорции и красоту. Пластика Адмиралтейства стала классическим примером синтеза искусств. Над ней трудились лучшие мастера — Феодосий Щедрин, Василий Демут-Малиновский, Степан Пименов, Иван Теребенёв. При создании здания архитектор подробно разработал систему убранства, определив для каждого скульптора участок работ, общий силуэт и масштабность декоративных элементов. Эта общая схема послужила руководством для скульпторов самого разного дарования и мастерства, которым удалось выразить общий замысел Захарова, сохранив своеобразие в частном. Важную роль в общем композиционном замысле играют «Морские нимфы» работы Щедрина — это наиболее яркое и зрелое произведение скульптора. По четырем углам аттика стоят фигуры Ахилла, Пирра, Аякса и Александра Македонского, скульптуры по наверху башни а также по углам четырех фронтонов — аллегории 12 месяцев (скульпторы Щедрин, Демут-Малиновский и Пименов). Над «Нимфами» установлен знаменитый горельеф Теребенева «Возрождение флота в России». Им же выполнены рельефы для фронтонов портиков с изображением летящих Слав. «Успех этой грандиозной коллективнй работы во многом объясняется тем, что вся скульптура была создана по единому плану зодчего и пронизана единым содержанием. В аллегорических композициях художники передали идею мощи России как великой морской державы, владычицы морей. Была найдена самобытная монументальная форма, которая придала сооружению неповторимую декоративную красоту».
Вопрос 2
В истории музыкального искусства XVIII век получил огромное значение и поныне представляет первостепенный интерес. Это эпоха создания музыкальной классики, рождения крупных музыкальных концепций по существу уже светского образного содержания. Музыка не только встала на уровень других искусств, переживавших свой расцвет с эпохи Возрождения, на уровень литературы в ее лучших достижениях, но в целом превзошла дocтигнyтое рядом дрyгиx искусств (в частности, изобразительных) и к концу столетия оказалась способна создать большой синтезирующий стиль такой высокой и длительной ценности, как симфонизм венской классической школы.
Бах, Гендель, Глюк, Гайдн и Моцарт - признанные вершины на этом пути музыкального искусства от начала к концу века. Однако значительна роль и таких оригинальных и ищущих художников, как Жан Филипп Рамо во Франции, Доменико Скарлатти в Италии, Филипп Эмануэль Бах в Германии, не говоря уж о множестве других мастеров, сопутствовавших им в общем творческом движении.
Как известно, Германия, Италия и Франция с их творческими школами занимали ведущее положение в развитии музыкального искусства того времени. Но участие других стран в этом процессе тоже не вызывает сомнений.
На общих путях музыкального развития от начала к концу XVIII века многое уже объединяет или сближает страны Западной Европы (что становится наиболее очевидным в последней трети столетия). И что особенно показательно, все страны Западной Европы так или иначе участвуют в движении к новому стилю венской школы, знаменующему торжество гомофонно-гармонического склада и сонатно-симфонических форм. Как ни различны традиции и творческие возможности каждой из стран, стилевой перелом около середины столетия и дальнейшее развитие сонатно-симфонических принципов подготовлены целой системой творческих усилий многих мастеров Италии, Франции, Германии, не говоря уж о народно-национальных истоках, идущих отовсюду.
Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660-1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И.С. Баха и Генделя. В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди.
Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями. Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И.С. Баха, общепризнанные интеллектуальными шедеврами эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».
Музыкой периода классицизма или музыкой классицизма, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами.
2. Туризм для студентів які навчались в УжНУ ІІ семестр 20132014 н
3. Основы работы с редакторами MS Word, MS Excel и Visual Basic
4. Реферативная работа студентки 4 курса дневного отделения-Кушнировой ОльгиПреподаватель-д.
5. На тему-1
6. Информатика на тему Классификация структура и основные характеристики микропроцессоров ПК
7. Work in time ~ Нам необходимо сделать эту работу вовремя
8. Лекции по социологии лекции
9. .com-bestpslterium. Самая большая библиотека ВКонтакте Присоединяйтесь Если хочешь знать как выгля
10. Сиднейская опера
11. ru Соглашение об использовании Материалы данного файла могут быть использованы без ограничений2
12. Реферат- Шпоры на экзамен по экономике
13. Варіант Полтава 2010 Автори- Мороз С
14. 17 января Если будут какие либо вопросы обращайтесь 0953130487 Понедельник
15. Студенты и выпускники против специалистов Ф
16. Стресс без дистресса
17. Бытовой холодильный прибор; разработка системы охлаждения герметичного компрессора
18. Курсовая работа- Теории аудита и бухгалтерского учета расчетов с персоналом по прочим операциям
19. Собственно речевые умения- вступать в общение уметь и знать когда и как можно начать разговор со знако.html
20. Кишечные инфекции