Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
1. Хореография как вид иск-ва. Танец – это вид искусства, материалом которого являются движения и позы человеческого тела, поэтически . осмыслённые, организованные во времени и пространстве , связанные с музыкой и составляющие некую единую художественную систему. Хореография – (понятие утвердилось в 19 веке) (хорео- танец, граф – писать; запись танца)- танцевальное искусство в целом. Это система средств и приёмов, художественно-выразительный язык, который создаёт художественный образ, передающий духовный мир человека.
Виды хореографии: сценическая и бытовая. Бытовая: фольклор, который исполняют в деревнях, без стилизации, без исполнения в ансамбле. Подлинный фольклор называется аутентичным фольклором. Сценическая: создана специально для показа на сцене. Главным признаком сценического танца является наличие художественного образа, созданного с помощью усовершенствования выразительных возможностей взятого за основу народного танца. Это классический балет, система которого была собрана и систематизирована Вагановой в книге: «Основы классического танца». Характеризует социальный слой, эпоху и время. Отражает действительность тесно связан с георграфией с местностью. Несёт в себе свойство действительности не только в лексике, но и в рисунках. Первый рисунок – круг, отражал структуру общества (все равны и едины). С появлением войн появился такой рисунок как диагональ, что показывало воинственность и стремление. Далее рисунки становились всё более разнообразыми. Лексика отражает жизнь и при разделении на классы появились колонны (бургомистр и далее более низкие должности). В 19 веке упростились нравы. Вальс дал возможность быстрее знакомиться, что приводило к образованию семей. Начал развиваться индивидуализм. Уходит парный танец, появляются одиносчки. Лексика изменилась. Если раньше учили месяцами фигуры, то сегодня учить некогда, происходит полная импровизация. Танец связан со многими сторонами жизни: мировоззрение, география, соц. Фактор, менталитет. Под влиянием идеала формируется наша жизнь и наши вкусы.
2. Специфика хореографической образности. Художественный образ – это диалектическое единство, слияние противоположностей. Слияние их таким образом, что они представляют собой одно целое. Это представление субъекта об объекте. Это единство субъективного и объективного. Субъективный образ объективного мира. Субъект это то, что нас окружает. Объект – это мы, с нашими чувствами и ощущениями, со своим представлением о мире. (Представление об образах, например, женских у каждого народа было разным. Вот в советское время для девушек была характерна простота. Они были тихими спокойными трудолюбивыми, умиротворённые, правильные. В результате это проявлялось и в танце и во внешнем виде: одинаковость, никто не выделял свою индивидуальность, рост, аккуратность в исполнении, тело было прикрыто, например, длинные сарафаны, в которых девушки выглядели как статуэтки. А уже, например, во Франции в кабаре главным является шоу. Носит распущенный, открытый, вызывающий, яркий, красочный характер. Что касается хореографии, то она может быть и на последнем плане. Здесь девушек и мужчин раздевают, чтобы привлечь ещё большее внимание. Перед всегда открыт, а вот перья, хвосты сзади пребывают в избытке. Танцующие выступают в характере соблазнительности, грациозности, изящества и сексуальности). Например, балет «Жизель», каждая балерина передавала художественный образ Жизели по своему, перенося его через своё нутро. Лучшей Жизелью можно назвать Спесивцеву и Уланову, их образы были наивными, нежными, лёгкими. А другие балерины могли передать этот образ агрессивно, нервно, неуравновешенно. Также и образ Альберта мог быть представлен по-разному. Например, образ благородного и раскаявшегося. В другой передаче холодный, светский, а Ермолаев представил Альберта низменны, лживым, омерзительным существом. Пример: «Кармен». Музыка Бизе сделала Кармен более благородной. В балете Елизарьева Инна Душкевич нежная и углублённая. Ролан Пети – динамичная. Матс Эк – грубая, полна сексуальной энергии. В результате можно сказать, что образ зависит от субъективного начала. В художественном образе сливаются ещё 2 противоположности: условное и безусловное. Безусловное втекает в условное. Безусловное – это всё, что находится вокруг нас, окружающий мир. А условное – это само искусство. В искусстве все движения условны, но на самом деле несут в себе скрытый символ. Например, арабеск, казалось бы просто поза, но она несёт в себе смысл стремления к чему-то, движения, побуждения к полёту. Или вращение – вихрь, страсть, энергию.
Формы условного, выразительные средства: метафора – ряд, одно из средств распространяемых, это сравнение. Художник соединяет не соединимое. У нас в балетах метафоры используют часто. Пример: Тиль Уленшпигель: три разных человека соединяются в единое, показывает образ паука хищника, образ мясорубки и далее слепливаясь подобно свастике; символ – через какой-то знак передаются суть явления, ощущение или представление чего-либо (цепи – символ принуждения, рабства. Голубь-чаще голубь мира). Пример: Братья Карамазовы, Мастер и Маргарита Бориса Эйфмана. Эйфман изобразил 2 противоположные личности: единоличники и коллективисты. Балетмейстер использует условные знаки, чтобы изобразить кого-то или что-то; пантомима – сочетание мимики и действия всего тела, передача каких-либо эмоций определёнными знаками; гротеск – пародия, преувеличение; интернациональное – общечеловеческое.
Одной из форм условного является аллегория – изображение чего-то в какой-то произвольной форме. Существует иррациональное и рациональное – это чувство и разум.
3. Роль иск-ва в жизни общества. Необходимость и важность изучения искусства и его роли в жизни общества объясняется тем, что искусство как плод художественной деятельности запечатлевает общий характер культуры (скажем, первобытной, средневековой и т.д.), в которой оно создается, к которой принадлежит и которую целостно представляет. Искусство имеет аналогичную культуре структуру, так как образно раскрывает то, что связывает культуру с природой, обществом и человеком. Таким образом, изучение искусства разных народов и разных эпох позволяет понять общий характер соответствующих культур.
Искусство является неотъемлемой частью жизни общества, т.к. сопровождает его в течении всей истории. Иск-во одна из форм общественного сознания. В её основе лежит художественно-образное отражение действительности. Иск-во познаёт и оценивает мир, формирует духовный облик людей и их мировоззрение, воспитывает человека, расширяет его кругозор, пробуждает творческие способности. Художник как и учёный стремиться показать смысл жизненных явлений, увидеть в случайном закономерности в развитии действительности. Современное искусство обладает возможностями, позволяющими открыть таланты нового времени. Оно непрерывно стремиться к поколению горизонтов, неся в себе мощный эмоциональный заряд. Искусство как большой развёрнутый вид культуры обязано создать образы произведений, которые мы определяем как художественные и классический образы.
Искусство полифункциональное.
функции искусства: 1) познавательная – позволяет расширить свой кругозор, стать более духовноразвитым, изучить и перенять опыт других людей 2) коммуникативная – играет роль языка. Искусство в отличие от языка можно понять без перевода, при этом оно общедоступно и помогает нам общаться без слов. Это своего рода диалог на танцевальном языке. 3) воспитательная – искусство способно внушить, посоветовать нам что-либо (например, какие-то чувства, отношение к чему-то, взгляд на многие вещи), оно воспитывает нас, показывает идеал 4) собственно-эстетическая – искусство доставляет нам удовольствие, наслаждение, радость, формирует эстетическое отношение к миру. Эстетика зависит от того, как ты относишься к миру, как ты живёшь в нём, что ты чувствуешь к нему и что ты оставляешь за собой. 5) креативная – искусство позволяет нам раскрыть в себе какие-то новые способности, научиться другими способами выражать своё отношение к окружающему миру, почувствовать ощущение новизны, открытия. 6) компенсаторная – искусство позволяет нам компенсировать то, что недодаёт или забирает у нас жизнь (пример, ВОВ)
4. Происхождение искусства. Все виды искусства появились как бы одним целым на примитивной основе. (т.е носили синкретический характер) В том числе и хореография возникла в русле общего потока искусства. Иск-во первобытного строя возникло тогда, когда возник человек. Позже искусства начинают разделяться. Теории происхождения: религиозная (бог), биологическая (иск-во появилось как биологическая потребность , теория игры (человек играя создавал себе возможности ещё не владея ими), теория труда – представляли эту теориию ещё маркс и энгельс (считали, что труд сподвиг людей к действию , к созданию всего и вся). Танец возник из разнообразных движений и жестов, связанных с трудовыми процессами и эмоциональными впечатлениями человека от окружающего мира. Человек начинает добывать еду, охотиться, и не осознавая это он начинает создавать первые виды иск-ва (танец, пляска) , которые имели абсолютно другое значение, чем сегодня. Разнообразными жестами движениями, человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывал своё настроение (возгласы, пение, пантомимическая игра). Почти все важные события в жизни первобытного человека отмечались танцами: рождение, смерть, война, избрание нового вождя, исцеление больного. Что касается искусства в целом, то существовали 3 условия для формирования искусства: 1) необходимость появление развитой руки (она должна быть сформирована) 2) научиться абстрактно мыслить 3) необходимость эстетически относиться к миру (Сначала иск-во имело сугубопрактическое значение, например, дождь необходим для того, чтобы что-либо возростало и т.д. А только потом поняли, что это красивое, прекрасное, появились пейзажи и т.д.). Отличительная черта первобытного искусства – это отображение в нём всех сфер жизни общества – экономическая, социальная и религиозная. Чаще всего древнюю скульптуру находят в специальных культовых местах или в погребениях. Это говорит о ее неразрывной связи с религиозными представлениями и обрядами. Сознание древних людей представляло собой сложное переплетение реалистического и иллюзорного начал. Первобытное изобразительное творчество развивалось по двум направлениям. Первое из них включает в себя монументальные формы (рисунки в пещерах и на скалах, мегалиты), второе представлено памятниками искусства малых форм: мелкой скульптурой, глиняной пластикой, художественной резьбой по камню, кости и дереву. Образ женщины – один из основных сюжетов в искусстве этого времени. Например, первой идеальной женщиной была палеолитическая Венера (большая грудь, широкие бёдра, округлых форм, но при этом смыто лицо, т.к. идеальной женщиной тогда была прародительница рода, женщина-мать, хранительница домашнего очага). К таким фигурам приписывалась и особая магическая сила, способность повлиять на удачный исход охоты. Выдающееся место в иск-ве занимают росписи на стенах и потолках пещер. Ранние рисунки примитивны: контурные изображения звериных голов на известняковых плитах (пещеры Ла-Ферраси, Пеш-Мерль во Франции); беспорядочные переплетения волнистых линий, продавленных в сырой глине пальцами ,оттиски человеческих рук, обведенных краской – так называемые, «позитивные» или «негативные» отпечатки рук. Немного позже (поздний палеолит) наскальные росписи приобретают конкретные черты, животные изображаются в движении. В живописи совершается переход от простейшего контурного рисунка, равномерно залитого краской, к многоцветной росписи. Одна из знаменитых первобытных пещер – пещера Ласко, сейчас это музей. Затем в период мезолита в наскальной живописи начинают преобладать многофигурные композиции, живо воспроизводящие различные эпизоды из жизни охотников. Особая область первобытного искусства – орнамент. В эпоху палеолита появляется орнамент в виде параллельных волнистых линий, зубцов, спиралей, которым покрывали орудия. На керамике орнамент появляется в эпоху неолита вместе с возникновением гончарного дела. Создавая орнамент по образцам природы, человек стремился к постижению природных знаков. В основном орнамент выполнялся в чёрном цвете на оранжевом фоне.
5. Древнейшие формы танца. Все виды искусства появились как бы одним целым на примитивной основе. (т.е носили синкретический характер) В том числе и хореография возникла в русле общего потока искусства. Появление танца и определило его подразделение на виды. Пляска и хоровод были наиболее распространены.Танец возник из разнообразных движений и жестов, связанных с трудовыми процессами и эмоциональными впечатлениями человека от окружающего мира. Человек начинает добывать еду, охотиться, и не осознавая это он начинает создавать первые виды иск-ва (танец, пляска) , которые имели абсолютно другое значение, чем сегодня. Разнообразными жестами движениями, человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывал своё настроение (возгласы, пение, пантомимическая игра). Классификация первобытных танцев: 1) Охотничьи танцы (подготовка, период работы, ликование, радость, когда охота свершилась). Танцы развивались во времени. В источниках сохранилось описание охоты на буйволов, которые делали северный переход. Охотники готовились, делали облаву. В танце были одни – охотники, другие – звери. Люди накидывали шкуры, привязывали хвосты, надевали маски. Вошёл в обиход ритуал азарта и считали, если не сделать обряд, но на охоте не повезёт. В охотничьей пляске передавался опыт, выносливость закалка, психологическое воздействие 2) Военные и воинственные танцы. Когда люди начали вступать в племенные объединения, появляется разделение на более и сильные и слабые племена. Т.к. они жили на небольших расстояниях друг от друга появляются междоусобные воины – это определяет развитие искусства на военную тематик. Военные танцы развивались от более простых к развёрнутым. Танцы военные имели определённую раскладку, разновидности в своём внутреннем понятии. А) военные танцы. Репетиции перед настоящим боем. Исполнители делились на противников и нападающих. И таким образом поднимали дух людей. Б) танцы после боя. Грусть, погибшие, захоронение их и ликование победы с другой стороны. В любом племени есть вождь, которого выбирает племя. Он отличается умом, смелостью, сообразительность, лидерством и смекалкой. Ему доверяло всё племя. Было заведено, что как поведёт за собой, как построит, так и пройдёт бой. Движения: выпады, прыжки, опускание на колено, обращение с оружием, возгласы, крики, речетативы, жестикуляция, поэтому это претворяется в эмоциональное ритмическое сценическое действие. Орудия охоты: палка, камень, далее остроконечники, лук и стрелы, булава, мечи и др. Эти обряды исполнялись мужчинами. 3) Танцы магические, религиозные или культовые. Внутри племени существовала своя культура и традиции. Люди не могли объяснить силы и явления природы, поэтому они пытались идеализировать солнце, дождь и т.д. Что-то их радовало, или наоборот. В результате были созданы идолы, боги, которым они поклонялись. Эти танцы считаются самыми загадочными. Когда появилась вера, вырисовывался лидер – вождь, шаман, имевший сильную интуиции человек. Поэтому ему и доверяли люди. Складывались обряды: социальной жизни, календарно-годового цикла жизни, рождение ребёнка, совершеннолетие, свадьба, смерть человека. Ритуал – целый спектакль. Это слово, пение, аккомпанемент, пантомима, жестикуляции, театрализация и наконец танец. Важно было создать такую обстановку во время поклонения, чтобы люди почувствовали себя будто в потустороннем мире. Эту задачу выполнял шаман – талантливый актёр, владевший словом, энергетикой, умением всех заставить людей верить. 4) обрядовые танцы – связан с укладом жизни человека, т.е показывает цикличность жизни: рождение, смерть, совершеннолетие, свадьбы. А) Считалось, что человек рождается не один раз. Считалось, что человек после смерти переходит из одного тела в другое и живёт другой жизнью (анимизм). Во время патриархата главенствующая роль принадлежала отцу. Роль женщины сведена в тень. Мужчина считался главным участником в рождении ребёнка, поэтому все почести отдавались и ребёнку. Б) Виды похорон: предание земле в разных позах, сжигание, мумифицирование, опускание в воду. Ритуал захоронения в каждом племени определялся песнями, танцами, оплакиванием, словесными почестями и передавался из поколения в поколение. В) период силы и взросление, после чего шла речь о замужестве. Проводились состязания женщины: умение готовить, создать уют в доме, мужчина: проверка на смелость, удаль силу. Г) один из самых радостных праздников. У каждого народа проходил по-разному, но имеются и общие черты: проверка на годность молодого человека, песни, танцы, спортивные состязания. Отличительные особенности: уже в первых танцах присутствовали элементы композиции, такие как круг, олицетворяющий солнце, огонь костёр, яму. По характеру первобытные танцы были очень сильно экстатичные (эмоциональны). Танец у людей шёл от души естественным порывом. Позже отделились наиболее талантливые исполнители – скамарохи. Первобытные люди воплощали в своих танцах идеал своей эпохи.
6) Искусство Древней Греции
В Древней Греции сложилось искусство, проникнутое верой в красоту и величие свободного человека — гражданина полиса. Произведения греческого искусства поражали последующие поколения глубоким реализмом, гармоническим совершенством, духом героического жизнеутверждения и уважения к достоинству человека. История Древней Греции и соответственно история греческого искусства прошла следующие ступени своего развития. 1. Так называемая гомеровская Греция (12 - 8 вв. до н.э.) - время распада родовой общины и зарождения рабовладельческих отношений. На этот период приходится развитие эпоса и появление первых, примитивных памятников изобразительных искусств.
2. Архаика, или период образования рабовладельческих городов-государств (7 - 6 вв. до н. э.). Развитие греческой архитектуры, скульптуры, художественных ремесел, расцветом лирической поэзии. 3. Классика, или период расцвета греческих городов-государств (5,4 в. до н.э.). Период первого расцвета античного рабовладельческого общества на ранней стадии его развития. Рост гражданского самосознания, активное участие в общественной жизни массы свободного населения. Классика - это время важных естественнонаучных открытий, блестящего развития поэзии и в особенности драмы, высочайшего подъема в архитектуре и полной победы реализма в изобразительных искусствах.
4. Эллинистический период (конец 4 - 1 в. до н.э.) - период кратковременного выхода из кризиса рабовладельческого общества путем образования больших империй. Искусство постепенно теряет тот дух гражданственности и народности и ту высокую реалистическую типизацию, которые ему раньше были свойственны. В дальнейшем эллинистические государства были завоеваны Римом и включены в состав его державы, а их искусство частично растворилось в римском искусстве.
Архитектура Др.Греции представлена такими памятниками как Парфенон — храм богини Афины — самое большое сооружение на Акрополе и самое прекрасное создание греческой архитектуры. Он стоит не в центре площади, а несколько сбоку, так что можно сразу понять красоту храма в целом. Древние греки верили, что храм с основной культовой статуей в центре представляет собой как бы дом божества. Парфенон размещался на четырехступенчатой террасе. С четырех сторон Парфенон окружают стройные колоннады. Поставленный на верхней площадке Акрополя, на высоте около 150 метров над уровнем моря, Парфенон был виден не только из любой точки города, но и с подплывавших к Афинам многочисленных судов. Художественным руководителем строительства и оформления Парфенона был Фидий, один из величайших скульпторов всех времен. Ему принадлежит общая композиция и разработка всего скульптурного декора, часть которого он выполнил сам. ТЕАТР В ЭПИДАВРЕ Театр был построен середине 4 в. до н.э. архитектором Поликлетом Младшим. Этот театр, по свидетельству греческого историка и географа 2 в. н.э. Павсания, уже в древности считался самым знаменитым из всех греческих и римских театров по изяществу своей архитектурной формы. Театр в Эпидавре— образец древнегреческого театра на 14 тыс. мест. 50 тыс рядов каменных сидений, выстроенных по склону с такой точностью, что акустика театра безупречна. Причина его нахождения в таком укромном месте – медицина. Греки относили театр к медицине. Античный театр был музыкальным, а музыка активно использовалась в лечебной терапии. Артисты ходили на картунах (обувь на платформе) и одевали маски. Скульптура отличается совершенством форм и идеалистичностью. Пракситий создатель статуи Афродиты Кинитской – считалась лучшей статуей всех времён. Статуя Венера Милосская – богине любви Афродиты из белого мрамора. Фидий – статуя Зевса в Олимпе, одно из 7 чудес света. Статуя Афины Парфенос была установлена в Афинском Парфеноне, представляла богиню в полном вооружении. «Дискобол» – скульптор Мирон, первая классическая скульптура, изображение человека в движении. В искусстве была распространена вазопись – это роспись предметов домашней утвари. Керамика расписывалась орнаментами и сюжетными изображениями. Со временем роспись развивалась и усложнялась. От простых узоров, до целых сюжетов, с детальным изображением людей, их одежды, предметов быта. Вазы обжигали, и их цвет становился красно-коричневым. На этом фоне рисовали черные изображения. Такой стиль получил название чернофигурный. В дальнейшем пространство между фигурами стали покрывать черным лаком, а очертания фигур имели естественный цвет красной глины. Так появилась красно-фигурная вазопись. Вазопись по белому фону стала высшим уровнем греческих мастеров. Здесь использовалась разнообразная палитра цветов - белый, жёлтый, оранжевый, красный, коричневый, зелёный и другие цвета. Боги - олимпийцы
Аид— владыка подземного царства мертвых, Аполлон— бог солнца, света и правды, покровитель искусств, наук и врачевания, Арес — бог войны, Артемида — богиня луны и охоты, Афина — богиня мудрости и войны, покровительница города Афины, Афродита — богиня любви и красоты, Гермес — бог торговли, Деметра— богиня земледелия и плодородия, Дионис — бог виноградарства и виноделия, Зевс — бог неба и грома, глава древнегреческого Пантеона, Посейдон — владыка морей, Аид— бог подземного царства мёртвых.
Классификация танцев Др.Греции: 1) Танцы священные. Носили отпечаток религиозного культа древних греков. 2) Военные пляски (пиррические ) эти пляски ставились на военные сюжеты, воспитывали мужественность и патриотизм. Были массовые, где танцевали только мужчины, иногда добавлялись и девушки для контраста нежности , чтобы подчеркнуть женское начало и мужское достоинство. Исполняли и дуэты. Танцы определяли физические способности юношей. 3) сценические танцы – были частью театральных представлений.. 4) общественно-бытовые. Исполнялись как на семейных торжествах, так и на праздниках гос. важности. Подготовка шла со школы. Танец «Журавля» в Афинах от 300 и более человек. Парный, исполнялся в виде хоровода, имел много фигур. и другие.
7. эпоха средневековья.
Живопись: Многое зародились в Италии, нежели в других странах Европы. Двое мастеров конца XIII века - Чимабуэ и Дуччо - считаются обще признанными основателями традиции реализма в живописи. Оставили потомкам знаменитые алтарные образы «Мадонна с младенцем». Применяется фресковая техника (роспись красками по мокрой штукатурке). Фресками занимался Джотто. Величайшим шедевром фресковой живописи является Сикстинская капелла в Ватикане кисти Микеланджело. Основателем фламандской живописной школы был Робер Кампен. Появляю.тся масляные краски. помощью масляных красок он добивался великолепной передачи игры света и тени на различных предметах.
Скульптура. Скульптура в средние века была тесно связана с архитектурой. Соборы украшались сотнями, даже тысячами скульптурных изображений богов, апостолов, епископов и королей. Романские мастера часто изображали людей немощными, страдающими, с некрасивыми, изможденными лицами. Но они более глубже стремились передать их внутренний мир. В средние века художники почти не соблюдали пропорции размеров в пространстве и дальние, и ближние объекты изображали по размерам почти одинаково.
1) Дохристианство. Это период с падения римской империи и до 11, 12 веков. Европа была населена многими народами. Происходило много междоусобиц, военных действий. Но несмотря на это языческие народы любили увеселения, праздники – это для того, чтобы выплеснуть весь негатив, тревожные мысли. Танцы бли простыми по строению, люди плясали для собственного удовольствия. Сольников практически не было, были массовые танцы – хороводы. Танцы разделялись на мужские и женские, но были и смешанные. Люди становились в ряд, двигались шеренгой, использую повороты, наклоны, хлопки. Хороводы подразделялись на: линейные, набирательные и собирательные. Темпы были разные: от умеренного до быстрого. Они сопровождались пением или муз. Сопровождением, причём самым примитивным. 2) В общем этот период определяет позиции, законы, когда всё было подчинено религии. Народ любил танцевать, был свободен, определил своих богов, свои правила. Необходимо было всё это привести в порядок. В первую очередь это касалось религии. Было принято решение о принятии христианства. С этого периода начинается развитие эпохи Средневековья. Язычество искоренялось строгими и принудительными методами. Людям не запрещалось веселиться, но только с разрешения церкви. Позже церковь дала очень много запретов. На территории церкви проводились веселья по самому разному поводу, хотя это официально было запрещено. Но люди не сдавались и подпольно собирались, веселились, танцевали. В это время церковь показывала беспредельщиков, причём очень жестоко (сжигание на кострах). Этот период определился тяжёлым периодом или периодом «тяжёлого молчания». У людей не было возможности высказывать своё мнение. Народы заставляли молчать. В странах принявших христианство, вера определялась религиозной содержательностью. В храмах изображались божественные мистерии (представления), которые были в жанре драмы и священных фарсов (комические) с пением и танцами. Танец являлся частью этих праздников. Например, в Англии в канун дня Святого Иоана устраивали пляски вокруг костров, сложенных из снопов соломы, пускали горящие колёса. Приглашались талантливые плясуны, которые могли импровизировать. Виды: пляска смерти – суть пляски в том, что все люди равные перед смертью; пляска святого Витта – существовала по всей Европе (пляска бешенства).
3) 11 – сер. 15 ст. Танец разделялся на: танец бытовой (народный), танец средневекового города, танец аристократов (светского феодального общества). А) Бытовые танцы распространились очень быстро и их танцевальная культура в первую очередь определяется танцем «Бранль». Был развит в своём состоянии во Франции (от слова качание хороводов). Вначале были простыми, а потом начинают разделяться на технические и по образам на группы. Бранли являются синтетическими. Танцевали под пение с шутками, образами, исполнители двигались точно по кругу. В каждой провинции бранли делились на группы. Простые Бранли – это танцы с покачиваниями и притопами, весёлые бранли – с подскоками и прыжками, подражательные – танцы изображающие трудовые процессы, передающие повадки животных и птиц, бранли ремесленников – отражающие деятельность ремесленников (прачек, конюхов и т.д.).Их создавал народ. Разносчиками Бранлей были бродячие артисты – потешники, наиболее одарённые артисты, которые зарабатывали танцами на жизнь. То, что они исполняли не мог исполнить каждый. Городские Бранли отличались от сельских. Мастерство городских было выше и техничнее, нежели сельские. Б) Вся знать заимствовала танц. культуру у народа. Отталкиваясь они строили свою манеру и стилистику танца. Исполнялись они в замках. Роль играл костюм, отношение, атрибутика. У богатых костюм не позволял делать резких движений. Эти танцы требовали ровной осанки, умение исполнять множество поклонов, приветствий, салютов. Требовали медленной поступи. Если в народе это бранли, то у аристократов они назывались бас-дансы. От французского старинные, беспрыжковые, медленные танцы. Прыжки, подскоки запрещены этикетом. Главный был кавалер, он её вёл приглашал и т.д. Разновидности бас-дансев: медленные танцы (танцы с откинутым корпусом – паванна; алиманда; дворцовый бранль), умеренно-скорые, скользящие (менуэт –король танца, танец королей, парный танец, исполнялся на всех балах), быстрые танцы (гавот Франция, Жига, бурре– пляска с многочисленными переходами и переступаниями.
8. Эпоха Возрождения
15 – 16 века. Переход от запретов к свободе. Огромную роль определяют гуманисты (философы). Определяет такие критерии как разум и красота. В эту эпоху появляются первые теоретики танца, которые будут профессионально обучать танцу. Формируется театр, появляются зрелища, спектакли. Танец часть спектакля, танец самореализовался, что предопределило развитие балетто.
Ранее Возрождение: Донателло «Святой Георгий» и «Давид», Филлип Бруне: купол Собора Санто – Мария.
Высокое Возрождение: Леонардно да Винчи «Джаконда», «Тайная Вечере». Происходит освобождение культуры от власти церкви. Гуманисты обращаются к античности. Опираются на обращение к легенде, сказанию, сказки, мифу, нереальности, в которой можно подчеркнуть свободу творения. Живопись: Микеланджело Буанаротти «Сикстинская мадонна», скульптура «Давид», Рафаэль Санти. В Италии театр принадлежал комедийному жанру с использованием масок, например, Итальянская комедия масок. Комедия дель арте или комедия масок — вид итальянского народного (площадного) театра, спектакли которого создавались методом импровизации, на основе сценария, содержащего краткую сюжетную схему представления, с участием актёров, одетых в маски. Повлияло на искусство Италии творчество Баккаччо. В Испании определился испанский народный театр. Выделяются имена драматургов Сервантес «Дон Кихот» (позже выйдет на сцену), Лопе де Вега. В Англии создаются театр Уильяма Шекспира. Такие произведения как Ромео и Джульетта, Отелло, вышли на драматургическую сцену, позже как балет. Английский театр определён маской, роли исполняют мужчины В16 столетии женщина выходит как профессиональная исполнительница. Музыка. Появляются новые жанры: оратория, контата, опера, сольная песня. Танцевальная культура. Тачало развития балетов-выходов. Сложился классический тип танца. Танцы выстраивались от умеренно-медленных, до умеренно-быстрых, перед ними была прелюдия. Народный танец и придворный разделились навсегда.
Балетто появляется в эпоху Возрождения. В этот период танец подвергался стилизации и приходит в систему (более серьёзный). В Италии балетто называлось фесто. Образцовым примером настоящего балета во Франции это «балет королевы Екатерины Медичи» или Церцея. Появляются такие танцы как Бурре, менуэт, паванна и др. Организованна группа талантливых людей – плеяда (Во франции). Туда входит не только танцевальное искусство, но и другие виды. В Англии происходили танцевальные празднества, которые назывались маска – театральное представление, которое имеет синтез нескольких видов искусств (музыка, пение, танец). На смену приходит антимаска, в основе сюжета берутся комедийные темы. В маске - правильные красивые образы, в антимасках – подражание, карикатура.
9. Эпоха классицизма
Огромный период, который охватывает 14-18 века. Это эпоха канонов и правил, потому что для всех видов искусства существовали жестокие нормы. Если в 17 ст. только начинает свое развитие, то в 18 он имел пик своего развития. Прогрессирующие страны: Франция, Италия, Англия. В середине 17 Франция определила балет как жанр. В переводе с латинского – образцовый. В основе классицизма был разум человека, его поступки. Не эмоции, не чувства. Эти нормы вошли в культуру, и соответственно в образы хореографии. На пике своего совершенства этот век был назван самым рациональным и умнейшим веком. Классицизм определял человеческое начало как приобщение к красивому, к нормам хорошего поведения, как образец гармонии. Основу классицизма было положено античное искусство. Создаются рациональные произведения – шло противостояние долго и чувства. Долг выше чувств. Это отразилось и в искусстве. Например, живопись: портреты – выделяются люди, которые имели подвиги, были психологичны глубоки, пейзажи – показывают благородство природы. Титул первооткрывателя можно отдать Людвигу 14, который очень любил танцы и много сделал для их открытия. Сделал многое для их развития. В результате его действия существует 4 вида балетных жанров: 1) балет-маскарад. Характерна маска. Серьёзный танец не требовался, каждый импровизировал. Это определило развитие гротескового танца (пародийный) 2) драматический балет – серьёзные танцы, где сюжеты брались с литературы. Сюжет рассказывался через слово. Женские роли танцевали мужчины. Затем приходят женщины. Первой является Лафонтен. 3) балеты-выходы. Сюитная форма танцев. Эти балеты определялись только чистым танцем. 4) мелодраматические балеты. Перекликаются с драматическими. Также существовали бытовые танцы, которые были приближены к сценическим. 1-ые имена, которые определили развитие искусства классицизма 17 ст. были: Пьер Бошан, Жан Батист Мольер, Жан Батист Люлли.
Жан Батист Мольер. Его основной жанр – комедия. В 17 веке создана комедия-балет. В основе больше пантомимы театрализации, танец вторичен, акцент на актёрское мастерство. Считал, что спектакль неполноценен без хорошей музыки, без актёрской игры и танца, который раскрывает образы. В основе его произведений были показаны характеры, нравы, социальные проблемы людей. Показывает в своих произведениях людей низшего сословия. Происходит противоречие богатых и простых людей. Простые люди как герои добивались цели честностью, богатые же глупые люди, которые не могут решить элементарную проблему. Произведения: Брак по неволе, Мещанин во дворянстве, Мнимый больной, Сицилиец, Господин Де Курсоньяк, Докучные. Благодаря комедии-балету во Франции продолжал развиваться действенный сюжетный балет. Заключался в том, что сюжет нужно было взять из источника, в котором происходят интересные действия. Под влиянием Мольера балет драматизировался. Использовалось много пантомимы, расширение хореографии, усиление техники. Использовал музыку Люлли, постановкой занимался Бошан. Также ставил трагедии балеты. «Психея». Серьёзно болел чахоткой, умер на сцене, во время представления «Мнимый больной».
Пьер Бошан – балетмейстер, педагог, хореограф, артист. В 16 веке создал Французксую Королевскую академию – Гранд-Опера – привилегированное учебное заведение. Был директором. При работе в Академии была попытка и возвожность вывести бытовой танец на уровень сценического. Усложнилась композиция, фигуры техника. Появились прыжки, пируэты, заноски. Эти танцы стали называть благородными. Соединились между собой в сюитную форму и определили фигурные танцы. Как теоретик совершенствовал систему классического танца. Благородный – серьёзный – воздушный – классический. Создаёт 5 позиций ног. При Бошане стали готовиться профессиональные исполнители. Ему принадлежит сокращённая система танца в записях. Вместе с Люлли и Мольером создали жанр комедия-балет. Ставил всю хореографию к балетам Мольера. Лучшая постановка балет «Триумф любви», с привлечением женского исполнительства. Также известны «Дворец Флоры», «Фей», «Тезей и Эсида», «Празнества Амура и Вахка».
10. Хореография эпохи Просвещения.
18 ст – умнейший из всех веков. В это время проходит буржуазная революция, которая дала выстрел демократических патриотов, которые хотели новых перемен. Это был общественный переворот. Она была подавлена, но те силы и подготовка дали толчок в развитие всех форм деятельности: экономики, политики, культуре, балете. Взлёт этому веку дали – Руссо, Вольтер, Дидро, лидер Декарт. Они пытались объяснить людям, просветить их и тем самым делали переход к новой общественной информации. Всё завершилось переворотом и длительным кризисом, которые определился эпохой романтизма. Эти деятели видели в искусстве силу. Говорили, что надо что-то менять, а не только тешить и развлекать богатых людей. Мольеровские балеты считались придворными, не для широкого зрителя. Необходимость для произведений заключалась осмысленность, содержательность, реальность, простота. Каждый своим путём пытался сделать перемены в хореографии. В Англии – Джон Уйвер(создаёт балетную реформу в Англии, соединяет маску с балетами выходами), в Италии – Гаспаро Анджиолини, Сальвадор Авигано, во Франции – Новерр, Доберваль, Австрия – Франц Гильфердинг.Развитие русского балета началось с Анджиолини и Гильфердинга, которые были приглашены в Россию. Там обучают французским танцам, сначала насильно, а затем пришло в норму. Цель – сделать балет простым, но определить как самостоятельный жанр. Для балетов того времени характерно существование сюжетности и художественного образа, нахождение балета как самостоятельного вида.
Новерр. Жан Жорж Новер был реформатором и теоретиком хореографического искусства. Первой его постановкой являлось произведение «Китайский балет» в театре Комической оперы в Париже.(тогда все увлекались искуством Востока и новерр последовал вкусам) Одним из важнейших преобразований, которое совершил Новер была его реформа, которая стала настоящей сенсацией в балетном мире. До Новера во Франции танец на сцену допускался лишь как чисто декоративная вставка в оперу, но малосодержательная интермедия, как дивертисмент. Он боролся за более глубокую связь хореографического искусства с литературой, призывал к созданию балетов на темы современной жизни, обращался к сюжетам, заимствованным из истории и мифологии. Своими действиями он превратил балетный спектакль в самостоятельный вид сценического искусства. В таких постановках как «Туалет Венеры», «Празднество в серале» Новерр более приближается к созданию действенного балета. Для творчества Новера характерна разработка жанра героического «трагического балета» с сильно развитой сюжетной пантомимой, например «Адмет и Альцесса», «Смерть Геркулеса». Новерр впервые ввел пантомиму в своем балете "Медея и Язон". Он реформировал балетный костюм, а также отменил маски и другие условные атрибуты придворных балетов, что очень сильно изменило внешнее представление о танце. «Я разбил уродливые маски, предал огню нелепые парики, изгнал стеснительные панье и еще более стеснительные тоннеле; на место рутины призвал изящный вкус; предложил костюм более благородный, правдивый и живописный; потребовал действия и движения в сценах, одушевления и выразительности в танце. Реформу во Франции в то время особо никто не оценил, зато в Англии постановки Новерра пользовались большим успехом. Когда работал в Парижской опере поставил такие постановки как «Безделушки», «Горации и куриации» и др. Работал с такими талантливыми людьми как Дэвид Гаррик, Гайтаном Вестрисом, с реформатором оперы Глюком, Шарлем Дидло. Всю жизнь работал над своим теоретическим трудом «Письма о танцах». В ней утверждал свою эстетику балетного искусства. Здесь он пишет о Возрождении искусства, о разделении танца, о качествах и знаниях необходимых балетмейстеру, о композиции и правилах сочинения балетов, в общем о балете и о костюмах. Это книга является заветом и основоположением для многих балетмейстером мира и времени.
11. Жан Доберваль
Балетмейстер, ученик Новерра. Принял принципы Новерра, т.е. выступал за самоопределение балета как жанра, но пошёл своим путём. Создал реформу в жанрах балет-комедия. Продолжает начинания Мольера в плане развития комического балета, сделал его обособленным, драматургическим с объёмным сюжетом. Настоящая фамилия Берше. Среди его ролей: «Маленькие вещички» на музыку Моцарта в постановке Новерра. Среди основных партнёров: Мари-Мадлен Креспе, Мадлен Гимар, Мари Аллар, Гаэтано Вестрис, Огюст Вестрис. Возглавлял балетную труппу Парижской оперы, сменив на этом посту своего педагога Ж.-Ж.Новерра. В Большом театре Бордо (Исп.) полностью раскрылся его талант как балетмейстера и создателя жанра комедийного балета. Персонажами его постановок стали не боги и древние герои, а представители народа, так называемого третьего сословия, самые простые люди с их недостатками и пороками. Все балеты глубоко реалистичны, где герои живя в реальном мире побеждают зло, благодаря своему уму и настойчивости, важное место занимал народный танец. В его балетах прослеживается демократические тенденции, поиск нового, свободные высказывает. Эта эстетика в конце 18 столетия стала новаторством. Известные балетные постановки: "Плохо присмотренная дочь" или, как он её назвал, «Балет о соломе», поставленная в 1789 году и ставшая основой нескольких постановок под названием «Тщетная предосторожность», спектакль впервые состоялся в Бордо. Следующей постановкой Доберваля стал спектакль «Национальный балет» — далёкий от политических веяний и революционных идей балетмейстер привычно декларировал верность королю и королеве, не разобравшись, что время настало революционное, требовавшее новых политических порядков; в результате балетный спектакль был расценён как измена революционному движению. Ученики – Луи Дидло, Сальвадор Авигано, Медина – итал.танцовщица. Доберваль с женой-балериной бросились спасаться в Англию. Он поселился в небольшом провинциальном французском городке Туре, где скончался 14 февраля 1806 года.
"Тщетная предосторожность". Петера Гертеля. балет в двух действиях, созданный французским балетмейстером Жаном Добервалем. Есть мнение, что Ж.Доберваль не сам придумал сюжет балета, а однажды подсмотрел эту вполне реальную, фактически произошедшую, историю в какой-то деревне. Балетмейстер, посмеявшись забавному случаю, решил воплотить его на сцене. Действующие лица: Марцелина(зажиточная крестьянка),Лиза(её дочь),Колен(бедный крестьянин),Мишо(откупщик),Никез(его сын),Нотариус,Подруги Лизы,Крестьяне и крестьянки. Сюжет: Марцелина мечтает выгодно пристроить свою красавицу-дочь Лизу замуж за Никеза, сына местного богача Мишо. Но дочь влюблена в соседского бедного крестьянского парня Колена. Мать это не устраивает и она не спускает глаз с дочери, препятствуя её свиданиям с Коленом. Но проворный бедняк не собирается предавать любимую. Он пробирается в чулан дома, где живут Марцелина и Лиза, и прячется в стоге сена. А Марцелина, ничего не зная задумала собственное коварство: чтобы дочь в неподобающий момент не убежала к нищему возлюбленному, она запирает её в чулане — том самом, где спрятался Колен. Сама же она активно готовится к предстоящей свадьбе, и лишь когда в доме собираются все она торжественно выпускает узницу-дочь из чулана. Но перед взорами присутствующих предстают двое — влюблённые Лиза и Колен, да ещё в каком виде!.. Планам Марцелины на материальное благополучие не суждено сбыться — несчастной матери, все так тщательно продумавшей и принявшей все меры предосторожности, ничего не остаётся, как согласиться на брак Лизы и Колена. Роль Марцелины выполняет мужчина, с целью подчеркнуть всю комичность произведения. Музыка в балете была сборная.
Идея балета: как не оберегай от любви всё напрасно; Тема: тщетная предосторожность матери, плохо сбережённая дочь.
12 Романтизм в балете и его худ.принципы
Принцип романтизма- конфликт между идеалом и реальностью. Выделяется два направления в каждом из них конфликт решается по-разному : 1) погибает идеальное начало, грубая реальность торжествует. (формула=жизнь героя-смерть героя-отрицание идеала ) или так, герой гибнет и вместе с ним гибнет идеал, наступает разочарование, безнадёжность, пессимизм. Пример «Сильфида». 2) идеальное начало гибнет утверждающую идеал (формула=жизнь героя-смерть героя-утверждение идеала) или герой гибнет, но идеал торжествует и утверждается. Пример «Эсмеральда». Романтизм - это художественное направление, которое развивалось постепенно и целенаправленно. Зародилась во Франции затем распространилась во всех странах Европы. Начина с 50х романтизм как направление терпит кризис до60х. наступает кризис балета как жанра. Романтизм определился после подавления французской буржуазной революции. Если идеалом классицизма была античность, то романтизм ориентировался на искусство средних веков. Мир предоставляется романтизму как что-то таинственное необъяснимое. В это время в балете выделяются два великих имени которые предопределили развитие романтизма первой половины 19в. Первый кто стоял у истоков романтизма – Филипп Тальони. Он проявил себя как великолепный танцор, но в большей степени как балетмейстер. Он не вёл класс, работал только с дочерью, воспитывал и готовил её к своим балетам. Первый выдающийся балет «Сильфида». Классического танца как такового не было, он определялся как воздушный. Филипп заставлял её долго стоять на полупальцах, что приподнять над землёй, для этого поменялась обувь и она стала основоположницей пальцевого танца. Появилось много прыжков с заносками, развился дуэтный танец, главная роль у девушки. Мужской танец делает ход назад, является просто поддержкой для танцовщицы. («Дева Дуная» , «Испанская циганка», «Тень», «Воспитанница Амура» и др ). Второй Жуль Перо определил в эпохе романтизма реалистические тенденции, реальности быта, герои пытаются быть более земными и борятся за свои чувства. Он возрождает мужской танец . В Италии он встречает балерину Карлоту Гризи на которую поставил балет «Жизель» сделав всемирно известной(«Нояда и рыбак», «Корсар»,«Собор Парижской Бога Матери»).Из малых форм поставил известнейший подекатр-танец 4х. (М. Тальони, К. Гризи, Ф. Черрито, Л. Грант)
Также не следует забывать еще одно имя Август Бурнонвиль который определит романтический балет у себя на родине (Дания). Он прославился тем что ставил балеты ставил отталкиваясь от датского фольклора, мифов, литературы. Соединил народный танец с серьезным. Как педогог прославился методом преподования урок Бурнонвиля («Далеко от Дании», «Народное предания», «Ярмарка в Брюге»). Все его балеты были проникнуты национальным духом, они были непохожи на другие. Оставил после себя несколько мемуарных книг, воспоминаний(рассказ о своем пути артиста).
13.Анализ "Сильфида". Романтизм в балете. В истории музыкального театра балет «Сильфида» занимает особое место. Премьера балета ознаменовала начало блистательной эпохи балетного искусства — эпохи романтизма. Создатели «Сильфиды» — либреттист А. Нурри, композитор Ж. Шнейцгоффер, балетмейстер Ф.Тальони, художник П. Сисери. «Сильфида» поразила современников художественным совершенством. Сюжет балета навеян шотландскими легендами. Его непосредственный источник — фантастическая повесть Ш. Нордье «Трильби», существенно переработанная сценаристом. Тема балета - крестьянин Джеймс, оставив дом и невесту ради прелестной девы воздуха Сильфиды, невольно губит свою избранницу. Идея балета – не стоит жить мечтами, нужно быть реалистом. Новой была художественная форма спектакля, где танец, потеснив в правах пантомиму, стал основным выразительным средством, наполнился глубоким лирическим подтекстом. Танец персонажей был начисто лишен бытовых примет. Этот танец, получивший впоследствии наименование «классический», «передавал самые сложные движения души. Воздушность и строгую красоту «сильфидного» танца подчеркивал условный балетный костюм: лиф, открывающий плечи и руки, прозрачные крылышки за спиной. В «Сильфиде» спервые используется пальцевая техника, с целью решения определённых художественных задач: сильфида существо сверхъестественное и воздушное. В балете раскрывается принцип романтизма: жизнь героя – смерть – герой гибнет и вместе с ним погибает его мечта, одолевает разочарование, безнадёжность. Действующие лица: Сильфида(дух воздуха),Анна(вдова фермера),Джеймс(сын Анны),Эффи(племянница Анны и невеста Джеймса),Нэнси(подруга Эффи),Гюрн(крестьянин),Мэдж(колдунья). Действие 1 Молодому шотландцу Джеймсу, накануне его свадьбы с Эффи, является Сильфида — пленительный дух воздуха. Она порхает вокруг Джеймса и будит его поцелуем. Джеймс, очарованный Сильфидой, полюбившей его, пытается поймать её, но она исчезает. Когда собираются гости, Сильфида появляется вновь — невидимая никому, кроме Джеймса. Колдунья Мэдж предсказывает Эффи совсем другого жениха — Гюрна. Джеймс прогоняет колдунью, которая уходит, затаив на него обиду. Во время свадебного празднества вновь появляется Сильфида и похищает обручальное кольцо. Не в силах противостоять её чарам, Джеймс устремляется за ней, покинув убитую горем Эффи. Действие 2 Колдунья Мэдж ворожит, склоняясь над кипящим котлом, у неё в руках длинный прозрачный шарф. Царство сильфид в зачарованном лесу. Джеймс следует за ускользающей от него Сильфидой, но никак не может удержать её. Она возникает перед ним, подает воду из родника, ягоды. Джеймс пытается поймать её, но она недосягаема. Тогда колдунья предлагает Джеймсу волшебный шарф, с помощью которого он сможет пленить неуловимую Сильфиду. Когда Джеймс накидывает шарф на плечи Сильфиды, она теряет свои крылья и не может улететь. Но и жить она тоже не может. Подруги уносят погибшую Сильфиду в облака. Вдали проходит свадебное шествие — это Эффи и Гюрн… Джеймс понимает, что потерял земное счастье.
14. Творчество Тальони и Фани Эльслер. Романтизм в их тв-ве.
Всё его творчество связано с открытием имени своей дочери. Мария отразила романтизм в его постановках. Он не вёл класс, работал только с дочерью, воспитывал и готовил её к своим балетам. Первый выдающийся балет «Сильфида». Классического танца как такового не было, он определялся как воздушный. Филипп заставлял её долго стоять на полупадьцах, что приподнять над землёй, для этого поменялась обувь и она стала основоположницей пальцевого танца. Появилось много прыжков с заносками, развился дуэтный танец, главная роль у девушки. Мужской танец делает ход назад, является просто поддержкой для танцовщицы. Следующая постановка «Дева Дуная», сюжет перекликается с сюжетом действительности. Девушка заколдована в русалку, парень спасает её от чар, и возвращает девушку в реальный мир. Балеты Филиппа Тальони «Тень», «Озеро волшебниц», «Морской разбойник», «Воспитанница амура». Приезд дал толчок развития русскому балету. Создал много сольных вариаций, дуэтный танец, показал другие образы, сюжет, поднял технику танца на высоту. Музыка теперь не аккомпанемент к танцу, а соединение танца и музыки.
Мария – лучшая романтическая танцовщица (Гранд Опера). Её танец неземной, бесполый, но образы однообразны. Лицо не менялось, было сценическим, полупрозрачным, как нарисованным. Практически все её героини в балетах погибали с несбывшейся мечтой. Не могла найти общий язык с партнёрами, если он пытался лидировать. К 1830 году появляются танцовщицы, которые превосходят её талант, и она остаётся как прообраз своего времени. Соперничала со многими мировыми звёздами, во многом превосходила их.
Эльслер. Австрийская балерина, получала образование в Италии, стажировалась у великих педагогов, перешагнула мастерство Тальони. Не придерживалась никаких академий и школ. Танцевала всем телом, обладала огромной техникой, продвинулась дальше, чем предыдущие представительницы. Характерно – быстрые темпы, мелкие движения и их техника. Стала танцевать народные танцы в романтических балетах. В основном танцевала балеты Перро. Ей удавались реальные живые образы. Её героини призывали отстаивать своё счастье. Лучшие её партии «Эсмеральда». Здесь показан земной танец, но неземные грёзы. Удавались такие танцы как качуча – испанский, мазурка – польский, тарантелла – Италия, русская пляска.
15. Перро. "Жизель", "Эсмеральда". Перро. В своих балетах изображал реальные сцены быта соединённые с романтизмом. Реформатом, французской хореографии. Родился в театральной семье. Работал в цирке. Ученик Огюста Вестриса. Непропорционален. Перро — романтический балетмейстер с ярко выраженными демократическими тенденциями. В свое время на него оказало большое влияние творчество Новера, рассказы и показы его учеников. Традиции Новера через Дидло, Доберваля, Омера перешли к Перро. Основой спектакля он считал игровой танец, танцевальную пантомиму. Его балеты имеют, как правило, реалистическую фабулу, например, «Катарина...», «Эсмеральда», «Корсар», «Своенравная жена». Но самое главное, что Перро стремился в языке движений найти средства раскрытия характеров героев и ситуаций танца. Он внес в танец смысл и действие, первый ввел pas d'actions, pas de trots, pas de quarte в той классической форме, которая нам известна сейчас.
Образ летающего существа (из него хотели сделать). Повышается техника мужского танца. Перро был парнёром Марии Тальони, но не долго. Поставил "Жизель" на Карлотту Гризи (были парой). Балет "Жизель" поставлен на муз. Адольфа Адана, с Коралли в Гранд-опере. Старинная легенда сочинённая Готье. Древнее предание о Виллисах(девушки умершие до брака). Ночью танцуют, выплёскивая своё горе. Кого увидят, затанцовывают и сбрасывают в озеро. Состоит из двух актов балета: 1. бытовой, реальный. 2 решен романтической действительностью. Слияние музыки, танца, пантомимы. И сегодня популярен. Поставлен во всех странах Европы. Лучшие в России - Павлова, Спсивцева, Андреянова, Карсавина. В Советское вр. -Уланова, Бесмертова, Максимова. Требует огромного мастерства техники.
"Эсмеральда". Поставлен по произведению франц. писателя Гюго "Собор Парижской Богоматери". Балет в 3 действиях, 5 сценах. Впервые был поставлен на сцене Лондонского Королевского театра французским балетмейстером Жюлем Перро. Эсмеральда» имеет весьма солидный возраст. Этой «маленькой цыганочке» полтора века отроду. Балет вобрал в себя многие пласты романтического и академического спектакля. Музыку к балету написал Чезаре Пуни. Первой Эсмеральдой стала итальянская балерина Карлотта Гризи (она также была и первой исполнительницей партии Жизели). А сам Жюль Перро танцевал партию Гренгуара. Историческая тема, эпоха - средневековья. Главная героиня цыганка, танцовщица с тяжёлой судьбой. Лишь Квазимодо видит в ней человека. Умирает рядом с ней. С 1835 года начинаются гастроли Перро по Западной Европе. Постепенно он отходит от исполнительской деятельности и занимается постановками. Начав с дивертисментных номеров, в конце 40-х годов Перро становится знаменитым балетмейстером. Среди его балетов: «Наяда и рыбак», «Катарина, дочь разбойника», «Питомица фей», «Корсар», «Фауст», «Эсмеральда», «Своенравная жена». Так, миниатюра Жюля Перро «па де карт» стала всемирно известной. Действие первое
Картина первая В приют бродяг, нищих попадает поэт Пьер Гренгуар. Эсмеральда, чтобы спасти его от казни соглашается выйти замуж. Горбун Квазимодо по приказу своего господина священника Клода Фролло, влюбленного в Эсмеральду, пытается ее похитить. Ночной патруль во главе с офицером Фебом де Шатопером приходит на помощь молодой девушке. Феб вырывает Эсмеральду из рук Квазимодо. Фролло удается скрыться. Картина вторая.
Оставшись одна в своей комнате, Эсмеральда любуется подарком Феба. Вспоминая об офицере, она повсюду пишет его имя. Он пытается обнять молодую жену, но Эсмеральда в ответ на его настойчивость угрожает ему кинжалом — он может быть лишь ее спутником и плясать с ней на улице. Гренгуар вынужден покориться и уйти. Оставив за порогом Квазимодо, в комнату Эсмеральды проникает Клод Фролло. Он давно любит девушку и умоляет ее ответить на его чувства. Эсмеральда объясняет, что она любит молодого офицера и велит священнику удалиться. В душе взбешенного Фролло рождаются планы мести. Действие второе. Картина третья. В доме знатной дамы Алоизы де Гонделорье готовятся к венчанию Флер де Лис и Феба. Вошедший Феб рассеянно целует руку невесте. Флер удивлена, что на женихе нет подаренного ею шарфа. Начинается праздник, в котором принимают участие друзья Флер, переодетые в античные костюмы. Под звуки тамбуринов играют и пляшут приглашенные цыгане, среди которых Эсмеральда и Гренгуар. Тяжело переживает юная плясунья свадьбу Феба. Тщетны попытки Гренгуара утешить ее. Флер замечает на цыганке шарф Феба и, потрясенная изменой, вырывает шарф из рук Эсмеральды, осыпает упреками жениха. Спасая Эсмеральду от гнева аристократов, Гренгуар уводит ее из дома Алоизы де Гонделорье. Феб устремляется за ними.
Действие третье. Картина четвертая. Таверна на одной из отдаленных улиц Парижа. Здесь в ожидании Эсмеральды прячется Фролло. Появляются Феб и Эсмеральда. Феб клянется девушке в вечной любви. С трепетом внимает цыганка страстным признаниям офицера. Притаившийся Клод Фролло ревниво наблюдает за влюбленными. Наконец не выдержав, он с кинжалом в руках бросается на Феба. Прибывший патруль уводит Эсмеральду: Клод обвинил ее в убийстве офицера. Картина пятая. Площадь перед собором Парижской Богоматери. Средневековый праздник шутов. По традиции «папой шутов» выбирают самого уродливого человека. В этот раз им стал Квазимодо, звонарь собора.
Появляется Клод Фролло. Он гневно обвиняет Квазимодо в кощунстве. Внезапно праздник прерывается мрачным шествием: это ведут на казнь Эсмеральду. Цыганка прощается с друзьями и, прижав к груди шарф любимого, уходит навсегда.
В балете осуществляется принцип романтизма: герой погибает, но идеал остаётся побеждённым, торжествуя и утверждая свою мечту.
16.Анализ "Жизель" Сценарий к спектаклю сочинил французский поэт Тофиль Готье по мотивам старинной легенды о виллисах – девушках, погибших от несчастной любви, которые после смерти превращаются в волшебных существ, и танцами доводят до смерти встречающихся им ночами молодых людей. Танцу в балете отводится роль основного средства выражения, с присвоением поэтической одухотворенности. Балет «Жизель» утвердил балетный романтизм, сделав тем самым большой шаг в направлении симфонизации балета и музыки. Тема: любовь крестьянской девушки с юношей дворянского происхождения. Идея: раскаяние сопровождает каждый обман. Сюжет: 1 акт: молодая девушка Жизель. В деревню приезжает принц, притворяется бедным. Но он обручён. Жизель любит Ганс(лесничий), но она его не любит. Она узнаёт всю правду о Альберте, сердце не выдерживает. Умирает. 2акт: кладбище. Мильта повелительница виллис. Альберт приходит на могилу. Виллисы его затанцовывают. Жизель его спасает. Наступает утро и действие уходит. Заканчивается тем, что Альберт падает у могилы, прося прощение. Драматургия: 1: представление героев, эпоха 2: развитие. Встреча влюбленных.3: сцена сумасшествия, кульминация. 4:развязка смерть 5:хар-ка гл. лиц.
В сольные "фантастические" партии вошли разнообразные полеты, создающие впечатление воздушности персонажей. В едином ключе с ними были решены и танцы кордебалета. В "земных", нефантастических, образах танец приобрел национальную характерность, повышенную эмоциональность. Героини поднялись на пуанты, их танец по виртуозности стал походить на творчество виртуозов инструменталистов того времени. Именно в "Жизели" окончательно утвердился балетный романтизм.
17. Кризис западноевропейской хореографии к концу 19 – нач. 20 века
Истоки теорий основывающих хореографию. Вторая половина 19 века. Древнейшая – неотомизм – религиозное учение, появился в 13 веке, набрал силу в 18 веке. Главным в учении является теория, что всё происходит от бога. Бог даёт человеку творчество, внушает идеи, раскрывает суть явления, даёт вдохновение. Неотомизму были близки абстракционализм, сюрреализм и т.д. Неотомизм превозносит власть и главенства бога над художником. Фрейдизм – учение пошло от Фрейда. Он Австралиец, врач психотерапевт. Начал со скромной теории, заметил, что наше сознание является неоднородным. В теории большую роль играет подсознание, которое управляет нашей психической деятельностью. Человеком управляет два влечения: агрессивное и сексуальное. Человек не может от них избавиться и сублимируют энергию в другие сферы: сны, фантазии, искусство (здесь человек удовлетворяет свои желания). Сознание является цензором, которое придаёт потоку приемлемые для общества рамки. Избавиться от влияния подсознательного пытается человек. В искусстве человек находит своё символическое выражение, удовлетворение своих желаний. Фрейд развил свою теорию, он первым заговорил в подсознании о сексуальном. Искусство взяло многие его идеи на вооружение. Был поставлен знак равенства между безумным и гением – чем больше энергии у творца, которую надо выплеснуть, тем сильнее произведение. Чем сильнее первичное влечение, тем больше поток в искусстве. Чем больше поток, тем ярче произведение. Новый всплеск Фрейдизма проявился в послевоенные годы, и наиболее проявился в сюрреализме. Ярчайшим представителем является Сальвадор Дали. Он воплотил идеи фрейдизма, представил себя безумным гением. Экзистенциализм. Получил распространение во Франции. Основоположник…. Суть: отчуждение человека от себе подобных. Кафка и Сартр являются сторонниками этого течения. Сартр, считал, что человек становится человеку чужим, показывает его равнодушным и низменным. Экзистенциализм показывает человека равнодушным, отчуждённым, уродливым. Театр абсурда воплотил принципы экзистенциализма на практике.
18. Сен Леон, Коппелия Лео Делиба.
Артур Сен-Леон (1821 — 1870) родился в семье танцовщика. Танцам он учился сначала у отца, Леона Мишеля, затем у балетмейстера Альберта Декомбе. В 17 лет Артур дебютировал в Брюсселе, после чего гастролировал в Италии, Германии, Англии. Дебютировал в балетах «Мраморная красавица», который он поставил специально для своей жены Фанни Черрито. За этим балетом последовали «Маркитантка» и «Заколдованная скрипка», где Сен-Леон не только танцевал, но и играл на скрипке. Спектакли Сен-Леона носили развлекательный характер, в них было много танцев и технических фокусов. Работая во многих европейских театрах, А. Сен-Леон поставил в них множество балетов, дивертисментов, концертных номеров. Танцовщик, балетмейстер, сценарист, композитор, дирижер, виртуоз-скрипач, он поражал современников многогранностью своих талантов и необычайной работоспособностью. Мастер сценических эффектов, трюков, красочных танцевальных выходов — антре. Его не привлекали темы и образы романтического балета, эстетику которого он знал прекрасно, ему не нужно было глубокое содержание, философский подход к решению образов, ему нужен был повод для танцев, и он находил его в литературных сюжетах.
Сен-Леон широко использовал в своих балетах характерные танцы, элементы плясового фольклора, была характерна зрелищность, фокусы. Но это все подвергалось вольной стилизации и поэтому танцы в его балетах утрачивали свой национальный колорит, подлинную народную стихию.
Лучший свой балет «Коппелия» (на музыку Л. Делиба) Сен-Леон поставил 25 мая 1870 года в Париже. Балет до сих пор не сходит со сцен многих балетных теа
Балеты: "Сальтарелла", "Метеор", "Пламя любви". Переставлял старые балеты. Интерес ослабевает к нему. Представитель кризиса зап-евр. хор. 19-20вв. Сочинял музыку к балетам своим. Танцевал в паре с Фанни Черрито(супруга). Ставил на неё свои балеты. Балет "Золотая рыбка" очень переделывает. Балеты псевдорусские(наруш стилистика). Показал что русс. балеты надо ставить. Лучший балет "Капелия" идёт и сегодня, муз Делиба. Его находке способствовали развитию техники. Создал краткую систему записи танца. Пособия "Стенохореграфия". "Капелия" - другое название - "Девушка с голубыми глазами". Два акта, три картины. Балет пантомима. Анализ: тема: любовь, юныша и куклы. идея: всё тайное становится явным; мир наполнен жестокостью и жаждой власти и только истинная любовь способна спасти человечество. Сюжет: гл. героиня дев. Сванильда. Жених Франц. Копелиус - мастер кукол. Копелия - кукла. Маленький город. Парень влюбляется в незнакомку в окне. Свинильда ревнует, прониканиет тайком в замок незнакомки и переодевается в платье куклы Капелии. Конец: все счастливы. драматургия: 1:герои, эпоха, место. 2: завязка, девушка в окне. 3:переодивается в Копелию 4:разоблочение. 5:хар-ка героя .
19. Пина Бауш «Я не следую никакой школе, я просто танцую». Экспрессивный, незабываемый стиль, созданный хореографом, – результат смешения классического танца, пантомимы, акробатики в сопровождении музыки и текста, который всегда зачитывается на языке оригинала. Хореография Пины Бауш — это терапия человеческой души, постоянная импровизация и нарастание ритма.Она наблюдала за людьми, изучала их движения. В ее поздних работах это заметно: под музыку люди движутся, поднимаясь и спускаясь. Также на нее повлияла и война: тема страха и паники перед неизвестностью.
Пина поступила в знаменитую Фольквангскую высшую школу, где училась у Курта Йосса, одного из основателей немецкого танцевального экспрессионизма. Кроме танцев студенты изучали гуманитарные дисциплины: музыку, историю, литературу, драматическое искусство, живопись, скульптура. В 1958 она была награждена призом школы «Фолькванг» и получила грант на обучение в нью-йоркской школе музыки Джиллиарда, где она провела год. По возможности она посещала все шоу, особенно новинки. Вдохновившись многообразием артистической жизни Нью-Йорка, она осталась здесь еще на год, правда ей пришлось оплачивать это пребывание из собственного кармана. Энтони Тюдор взял ее на работу в Метрополитен Опера. Затем она возвращается и начинает осуществлять самостоятельные постановки, такие как Fragment " или "Im Wind der Zeit", за которые она получила главный приз на хореографическом конкурсе в Кельне. Работает в тардиционной для экспрессивного танца манере. В качестве приглашенного хореографа она поставила первые спектакли в Вуппертале с участием танцовщиков Фолькванг Данс Студии: "Aktionen für Tänzer" и "Tannhäuser-Bacchanal ". Снялась в двух культовых фильмах. У Федерико Феллини в картине 'И корабль плывет:' сыграла слепую принцессу, которая на ощупь играет в шахматы. И в фильме Педро Альмодовара 'Поговори с ней' сыграла саму себя. Когда Пина стала руководителем балета Вупперталя (позже переименованного в танцтеатр) она больше работает и приходит к новым жанрам. Использовав две оперы Глюка "Ифигения в Тавриде" и "Орфей и Эвридика» , она разработала первые две танцевальные оперы. В постановках она вводит мир поп-музыки, использует фольклорные песни. Её произведение «кафе Мюллер» основанно на личных детских и юношеских воспоминаниях хореографа. Действие происходит в пустом кафе, где люди, которые потеряли надежду и способность любить, переживают свое одиночество. Артисты вуппертальского 'Танцтеатра' (включая и саму Пину Бауш) рассказывают с помощью танца истории о себе. Действие разворачивается в декорации кафе с коричневыми столиками, серыми стенами .Сначала кажется, что публике всего лишь демонстрируют разные типы движения. Нервно-грациозная женщина в рыжем парике и черном пальто, высокая худая женщина в белом (сама Пина Бауш), движущаяся, полузакрыв глаза Вот порывистая девушка появляется из двери. Мужчина наблюдает за ее встречей с молодым человеком. Он кладет девушку на руки партнеру. Она выскальзывает из объятий, но мужчина снова и снова “вручает” ее молодому человеку, пока актриса сама не начинает кидаться на шею партнеру, не способному ее удержать. Со временем Пина поменяла манеру работы. Она захотела поставить новую версию пьесы Шекспира «Макбет». Большая часть ее труппы не согласна работать в этой постановке, и лишь некоторые следуют за ней. В итоге с ней остаются лишь четыре танцовщика, пять актеров и певец. Так как она не может поставить нормальную пьесу с таким составом, она начинает играть в ассоциативные движения, связанные с пьесой.Когда результат этого эксперимента был представлен «Он взял ее под руку и отвел в замок, вслед за другими», он полностью провалился. Однако используя необычные движения, Пина Бауш наконец нашла отправную точку своей работы, о которой мечтала, включающую в себя поэтические образы и язык тела, и они быстро завоевали признание. Иногда Пина Бауш сопоставляет два начала, сталкивая бытовые, случайные жесты с этикетными. Например, спектакль “Контактхоф” построен на игре со светскими манерами 30-х годов. Сначала актеры просто демонстрируют походку, улыбки, приветствия. А затем трансформируют их, представляя то забавными, то трогательными, то отвратительными.
В спектакле есть пластические перепалки мужчин и женщин, безмолвно кричащих друг на друга, церемонные ухаживания, светские шутки вроде эпизода с игрушечной мышью, которой кавалеры пугают, дам. Акцент делается не на том, что исполняют актеры, а на том, как они это делают. Многие хореографические постановки Пины были экранизированы. Начав с основных человеческих чувств, со страхов и желаний, Танцтеатр Вупперталя не просто стал всемирно известным, но совершил международную хореографическую революцию. А сама Пина Бауш была удостоена множества наград и премий.
20 Айседора Дункан, Франсуа Далькрос
В начале 20 века наступает кризис балета он терпит упадок и практический перестаёт существовать. На сцену приходит различные новомодные ритмопластические танцы. Выделяется ряд имен этой эпохи: 1 Айсидора Дункан- явилась примером в развитии современного танца (второе её имя Изадора). Она была удивительным человеком, её судьба была также неординарна удивительна. Она явилась основоположницей танца модерн. Её кредо- движение тела которое выражает внутренний импульс человека Она не создала профессиональной танцевальной системы. Её теорияабсолютно не коснулась мужского танца ,она резко выступала против школы классического танца, точнееотрицала его полностью. Выдвигала принципы общедоступности танца, пропагандировала развитие массовых школ танца. Идеалом для Дункан служила античность, обращение к древнегреческим фрескам,вазописям. Танцевала в лёгкой греческой тунике, босиком (босоножество).В своих номерах она использовала не балетную, серьёзную музыку. Она обладала огромным искусством импровизатора.Это искусство было индивидуально и единично. У неё практически не былопрограммных танцев.Поэтому они были неповторимы.Пластика была довольно проста(ходьба,бег,прыжки,выразительные жесты,позы) Ставила номера на патриотическую тему: «Марсельеза», «Интернационал».Дункан-любила мужчин,курила,свободно входила в любое общество,пила вино,вила свободный образ жизни.Соединила свою жизнь с Елезарьевым,однако брак был обречён на скорый распад.Еи были написаны несколько книг: «Моя жизнь», «танец будущего».
Француа Делькроз-1н из первых пытался у детей и душевно больных проанализировал свободную пластику.Свои наблюдения он записывал после систематизировал в методику.Которую применял в гимнастике,ритмике.Создал свою школу.
Эмиль жакдолькроз. швейцарец музыкант композитор педагог,основоположник современной ритмики.Он стремился развить у своих учеников чувство ритма,такта,пластики. Давал им задания на импровизацию. Своими учениями он предопределил подход к танцу модерн .Он не был хореографам но благодаря этим заданиям развил учащихся во всех направлениях.
21. Матс Эк
Матс Эк — крупнейший шведский хореограф и одна из культовых фигур балетного театра конца ХХ века. Он почти не обращается в своих постановках к классическому танцу, который знает, любит и уважает. Зато все крупнейшие «ключевые балеты» Эк поставил именно на материале классического наследия балетного театра XIX века, посягнув на «святая святых». Он предложил абсолютно самостоятельные версии «Лебединого озера», «Спящей красавицы» и даже «Кармен». Является сыном известного шведского балетмейсера. Увлекался драмой, потом классическим балетом. Искусству танца (модерн в стиле Марты Грэм) обучался в Стокгольме и Норрчёпинге, однако перевесило увлечение драматическим театром, и он оставил свои занятия. В 1966-73 гг. был режиссером и ассистентом режиссера в Королевском драматическом театре и Театре марионеток в Стокгольме.В 1972 г. вернулся к танцу и прошел курс занятий в Стокгольмской академии балета. В 1973 г. начал танцевать в составе Балета Куллберг. В 1974-75 гг. танцевал в составе балетной труппы Немецкой оперы на Рейне (Дюссельдорф). В 1976 г. впервые выступил в качестве хореографа. Балетмейстерский почерк – прямолинейность, не свойственно натурализму, еспользует шаржи, гротески, своеобразный юмор. Первая постановка, соединившая элементы классического танца и танца модерн, — «Денщик» на музыку Б. Бартока по мотивам пьесы «Войцек» Г. Бюхнера, — была осуществлена с артистами труппы Балет Куллберг.
В 1982 г. создает свою версию «Жизели», ставшей своего рода классикой XX века и открывшей череду его парадоксальных, ироничных переосмыслений балетного наследия. Балет получил мировую известность и произвел эффект разорвавшейся бомбы. Хрестоматийный сюжет Эк помещает в контекст ХХ века. Жизель решена средствами модернистской хореографии. В отличие от классического оригинала лексика главной героини отражает её социальный статус. Используется много символов(знак, через которые передаются какое-то ощущение). Второе действие балета происходит в женском отделении сумасшедшего дома. И еще неизвестно, что страшнее - гибель тела и вечная жизнь души, как в традиционной "Жизели", или же смерть духа в юном теле. Ана Лагуна (Жизель), для которой Эк поставил почти все центральные партии своих балетов, напоминает стихию, явление природы, воздух, ветер. Она естественна и открыта. Ей можно все: задирать юбку, хватать героя за нос, сутулиться, валяться по полу. Жизель — сгусток противоречий, которые разрывают ее на части. Эковский путь к прекрасному лежит через ужас и гротеск. Балет «Дом Бернарды Альбы» Балет по одноименной пьесе Федерико Гарсиа Лорки. Относится к лучшим постановкам Матса Эка. Балет «Кармен» был создан в 1992 году. Эк поставил свою "Кармен" на базе классической оперы Бизе, хотя его героиня – это не просто независимая женщина, которую терзают глубокие чувства, но также прельщающая и пользующаяся дурной славой особа. Свою "Кармен" Эк сочинял, пытаясь объединить два взгляда, две истории - в изложении Мериме и Бизе, опираясь на сюжет новеллы, и комбинируя различные части повести. Сам Эк говорил так: "Кармен является женщиной "мужского типа", так как ведет себя, как мужчина. Хозе, наоборот, больше похож на женщину, которая хочет построить домашний очаг и носить обручальное кольцо. Лживость Кармен расстраивает его до глубины души. Ана Лагуна танцует Кармен размашисто, грубовато. Сначала ее, такую яркую, в вызывающе-красном платье, никто не замечает. Группа мужчин предпочитает курить сигары. Появившийся Эскамильо - Иван Аузели раскручивает любовный поединок с Кармен грубо, страстно, жаргонно. Под конец и она курит сигару вместе с ним. В 1995 г. Матс Эк получил премию "Эмми" за свою версию "Кармен". Балет «Спящая красавица» Матса Эка значительно отличается от классического балета. Он поставил "Спящую" с совершенно другим сюжетом : Аврора в его спектакле - наркоманка, подсевшая на героиновую иглу. Далекая от классической версия балета «Спящая красавица», блестяще доказывающая все новые и новые возможности интерпретации нестареющей музыки Петра Ильича Чайковского. Матс Эк — не только всемирно известный балетмейстер, но и драматический режиссер, который внёс огромный вклад в развитие хореографического искусства.
22.Ролан Петти. "Кармен","Юнеша и смерть", "Сабор Парижской Богоматери". Ролан Петти - французский танцовщик и хореограф, один из признанных классиков балета XX века. Ролан с детства проявлял интерес к искусству: увлекался рисованием, кино. И отец отдал Ролана в балетную школу Парижской Оперы. В 16 лет Ролан Пети был принят в кордебалет Парижской Оперы, а вскоре известная танцовщица Марсель Бурга сделала семнадцатилетнего Ролана Пети своим партнером. Когда Пети был еще танцовщиком кордебалета, директор Парижской Оперы поручил ему большую сольную партию в балете "Любовь-волшебница". В 1945 году Ролан Пети создал собственную труппу "Балет Елисейских полей", просуществовавшую 2 года. В мае 1948 г. Пети создал новую труппу "Балет Парижа". В скором времени Пети впервые пригласили на зарубежную сцену - он поставил спектакль "Балабиль" на музыку Шабрие. В 1965 году Ролан Пети ставит в Парижской Опере балет "Собор Парижской богоматери". В 1972 г. Ролан Пети становится руководителем Балета Марселя. Первый спектакль Пети в новой труппе - балет о Маяковском "Зажгите звезды!". В следующем году состоялась премьера балета "Больная роза", главные партии которого исполнили Майя Плисецкая и Руди Бриан. Так же Пети поставил для Михаила Барышникова балет "Пиковая Дама". В 1978 г. Пети переносит свой "Собор Парижской богоматери" в Ленинград, в театр им. Кирова. В начале 90-х Ролан Пети пригласил в театр звезду Кировского театра Алтынай Асылмуратову, для которой он поставил новую версию балета "Лебединое озеро". В дальнейший период Пети поставил балеты "Гепард" для звезды Парижской Оперы Николя Ле Риша, "Шери". В 1997 Пети покидает пост руководителя Балета Марселя. В 1998 г. Пети перенес на сцену Мариинского театра свои балеты "Юноша и смерть" и "Кармен". В 2001 г. Ролан Пети поставил в Большом театре программу, состоящую из двух спектаклей - "Пассакальи" и новый балет "Пиковая Дама". 30, 31 октября 2004 г. в Москве, на Новой сцене Большого театра, была показана программа "Ролан Пети рассказывает". Пети рассказывал о своей жизни, а участники труппы "Сюрен Жан Вилар", Лючия Лакарра, Николай Цискаридзе и Илзе Лиепа танцевали отрывки из его произведений.
23, 24. Принципы анализа:
1) тема (о чём рассказывается). Пример: Тщетная предосторожность.
2) идея (мысль, которую имеет ввиду автор). Не оберегает любовь, всё напрсно
3) сюжет
4) драматургия (ход развития действия)
1 звено – экспозиция (представляются герои, эпоха, место действия)
2 звено – начало развития действия – завязка (встреча возлюбленных)
3 звено – кульминация (высший этап драматургии)
4 звено – развязка (чем разрешается действие)
5) характер главных действующих лиц
6) сценография
7) хореографические находки