Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
Музична культура епохи Ренесансу
Музика епохи Відродження або музика Ренесансу — період у розвитку європейської музики приблизно між 1400 (1430) і 1600 роками.
Епоха Відродження, чи Ренесанс - поворотний час у історії європейських народів, час великих відкриттів. Етап Відродження приніс значні зміни у різноманітні галузі економіки, науки, культури, відкрив новий шлях розуміння образу свіу і визначила місце людини у ньому. Художня культура Ренесансу - це особистісне начало з опорою на науку.
Тому часу характерні: перехід від феодалізму до капіталізму, географічні відкриття, розвиток торгівлі, особистої підприємливості, вивільнення людини від станових обмежень. В добу Ренесансу зароджується сучасна наука, особливо природознавство. До цього періоду відносяться геніальні наукові винаходи Леонардо так Вінчі, астрономічні теорії Коперника, географічні відкриття Колумба і Магеллана.
Епоха Відродження - це переворот насамперед у системі цінностей, щодо оцінки всього сущого і відношення до нього. Виникає переконання у цьому, що людина - самоцінність, народжується філософія гуманізму. Гуманізм висуває цілком нове трактування естетичних категорій, що виросла з урахуванням нового розуміння світу. Мислителі ставили людину у центр світу, людина, який має власну особливу природу, має сформувати її самотужки, як і все, що її оточує.
Однією із центральних категорій було поняття "гармонії". Естетика Відродження виробляє інше розуміння гармонії, засноване на новому розумінні природи, буття й людини. Якщо у середньовіччя вбачали в гармонії простий відбиток ідеального, творче начало, божествену красу, то у естетичній свідомості епохи Відродження гармонія виступає, передусім, як розвиток творчих потенцій, як діалектична єдність тілесного та духовної, ідеального і матеріального.
Ідеал гармонійної людини гуманісти шукали в античності, а давньогрецьке і римське мистецтво служило їм зразком для художньої творчості. Проте, на відміну від античного проповідування наслідування природі, на першому плані не стільки природа, скільки художник, його особистість, його почуття.
Як і в культурі взагалі, ренесанс в музиці характеризується відновленням інтересу до античної культури, прагненням відобразити багатоманіття світу і, разом з тим, ідеями гармонії і благозвуччя. Ренесанс, використовуючи уроки античності повертав до життя в повному обсязі античні жанри, проте лише ті, які були співзвучні прагненням його часу й культури. Ренесанс поєднав нове прочитання античності з новими прочитанням християнства. Відродження зблизило ці два основних засадничих принципів європейської культури.
Музика - єдина всесвітня мова, її не треба перекладати, на ньому душа розмовляє з душею. Авербах Бертольд. Музиці Відродження були зовсім далекі грубі і різкі звуки. Закони гармонії склали її головну суть. Надзвичайно складна майстерність поліфоністів XV-XVI століть, їх віртуозна техніка уживалися разом з яскравим мистецтвом побутових танців, вишуканістю світських жанрів. Все більше вираз у творах отримує лірико-драматизм.
Отже, головна складова Відродження — це висування на перший план і запровадження у культурі й суспільстві людської особистості. Антропоцентризм висував на перший план не просто особистість, а особистість як активну, діяльну першооснову.
Відбувається формування основ новоєвропейського почуття особистості — автономної індивідуалістичної особистості, яка усвідомлює власну цінність відчуває потребу у свободі. Відтоді людська особистість, вперше стає вихідним моментом для формування системи сприйняття світу.
У творах мистецтва, які поступово звільняються від церковної ідеології, найбільше цінується гострий художній погляд на речі, професійна самостійність, спеціальні навички, які набувають вже самодостатній, а не священний характер.
Музика мала, мабуть, особливо широкі можливості впливу на суспільство, вона стала незмінною частиною побуту простого люду, надбанням багатьох груп, що дуже відрізняє його від музики середньовіччя.
Провідне становище, як і раніше займала духовна музика, яка звучить під час церковного богослужіння. В епоху Відродження вона зберегла основні теми середньовічної музики: хвалу Господу і Творцеві світу, святість і чистоту релігійного почуття. Головна мета такої музики, як говорив один з її теоретиків, - «тішити Бога».
У французькій музиці набула значного розповсюдження поліфонічна пісня – шансон, представники: До.Жанекен, До. деСермизи, Р.Котле та інші; даний жанр був проникнутий народно-побутовою жанровістю, що свідчить про різкий відхід від церковної музики.
У музиці Іспанії ренесансними рисами відзначені пісенні жанри народного походження, такі як вильянсико (пісенно-танцювальний жанр) і романс. Для німецької професійної музики характерне тяжіння до хорального складу багатоголосної пісні з провідною мелодією в тенорі.
У період Відродження починається інтенсивний розвиток інструментальної музики. Епохи Відродження ми зобов'язані формуванням інструментальної музики як самостійного виду мистецтва. У цей час з'являється ряд інструментальних п'єс, варіацій, прелюдій, фантазій, рондо, токати.
Основу музичної культури становили меси, мотети, гімни і псалми.
Меса - музичний твір, що являє собою зібрання частин католицької літургії латинського обряду, тексти якої покладено на музику для одноголосного або багатоголосого співу, у супроводі музичних інструментів або без, для музичного супроводу урочистого богослужіння в Римо-католицької церкви та протестантських церквах високого напрямки.
Меси, що представляють собою музичну цінність, також виконуються поза богослужіння на концертах, більше того багато меси пізнішого часу спеціально створювалися або для виконання в концертному залі, або з нагоди якої-небудь свята.
Церковна меса, висхідна до традиційних мелодій григоріанського хоралу, найбільш яскраво виражала суть музичної культури. Як і в Середні століття, меса складалася з п'яти частин, але тепер вона стала більш величної та масштабною. Світ уже не здавався людині настільки малим і доступним для огляду. Звичайне життя з її земними радощами вже перестала вважатися гріховним.
Багатоголосні вокальні твори мотети, традиційно належали до жанру духовної музики, стали тепер набувати більш світського характеру. Мотет (фр. motet від mot - слово) - вокальний багатоголосний твір поліфонічного складу, один з центральних жанрів в музиці західноєвропейського Середньовіччя та Відродження.
Гімн (грец.. Ὕμνος) - урочиста пісня, вихваляє і славила кого-небудь або що-небудь (спочатку - божество).
Псалом (грец. ψαλμός «хвалебна пісня»), р.п. псалми, мн. псалми (грец. ψαλμοί) - гімни іудейської (гебр. תהילים) і християнської релігійної поезії і молитви (зі Старого Завіту).
Вони складають Псалтир, 19-ту книгу Старого Завіту. Авторство псалмів традиційно приписується царя Давида (близько 1000 до н. Е..) І декільком іншим авторам, серед яких Авраам, Мойсей та інші легендарні особистості.
Всього в Псалтир входить 150 псалмів, які поділяються на молитви, хвали, пісні та вчення.
Псалми справили величезний вплив на фольклор і послужили джерелом багатьох прислів'їв. У юдаїзмі псалми виконувалися у вигляді співів гимнические характеру під акомпанемент. При кожному псалмі, як правило, вказувалися спосіб виконання і «модель» (в григоріанському хоралі звана словом інтонація), то є відповідний наспів. Псалтир посіла важливе місце в християнстві. Псалми виконувалися під час богослужінь, домашніх молитов, перед боєм і при пересуванні ладом. Спочатку в церкві вони співалися всією громадою. Псалми виконувалися а капела, лише в домашній обстановці дозволялося застосування інструментів. Тип виконання був речитативно-псалмодическими. Крім цілих псалмів, використовувалися і окремі, найбільш виразні вірші з них. На цій основі виникли самостійні піснеспіви - антифон, градуал, тракт і алілуя.
Поступово в творах церковних композитори починають проникати світські віяння. У багатоголосої тканина церковних піснеспівів сміливо вводять теми народних пісень зовсім не релігійного змісту. Але тепер це не суперечило загальному духу й настроям епохи. Навпаки, в музиці дивовижним чином поєднувалося божественне і людське.
Світська музика Відродження була представлена різними жанрами: мадригалами, піснями, канцони. Музика, переставши бути «служницею церкви», тепер стала звучати не латинською, а рідною мовою. Найбільш популярним жанром світської музики стали мадригали (італadrigal - пісня рідною мовою) - світський літературний та музично-поетичний пісенний жанр епохи Відродження, невеличкий (від 2 до 12 рядків) вірш на любовну тему. У музицы це - багатоголосі хорові твори, написані на текст ліричного вірша любовного змісту. Найчастіше для цієї мети використовувалися вірші прославлених майстрів: Данте, Франческо Петрарки і Торквато Тассо. Мадригали виконувалися не професійними співаками, а цілим ансамблем любителів, де кожну партію вів один співак. Основний настрій мадригала - печаль, туга і смуток, але зустрічалися і радісні, жваві твори.
Сучасна дослідниця музичної культури Д.К. Кірнарская зазначає:
«Мадригал перевернув з ніг на голову всю музичну систему епохи Відродження: зруйнувалася рівна і гармонійна мелодійна пластику меси ... зник і незмінний cantus firmus, фундамент музичного цілого ... звичні методи розвитку« строгого письма »... поступилися місцем емоційним і мелодійним контрастів епізодів, кожен з яких максимально виразно намагався донести укладену в тексті поетичну думку.
Не менш популярним жанром світської музики була пісня в супроводі музичних інструментів. На відміну від музики, яка звучить в церкві, пісні були досить простими у виконанні. Їх римований текст чітко членується на 4-6 - рядкові строфи. У піснях, як і в мадригалах, велике значення набував текст. При виконанні поетичні рядки не повинні були загубитися в багатоголосому співі.
Італійський, німецький і англійський мадригал та пісенні жанри яскраво відбивали притаманну гуманістичному мистецтву Відродження увагу до внутрішнього світу особистості.
З`явився новий характер у інтонаційного-мелодичній будові музичного твору: плавність, гнучкість, наспівність; значніша проти минулого ступінь узагальненості мелодики «широти дихання» - усе це яскраві засоби для передачі людських переживань.
Великим досягненням музичної культури Відродження став розвиток інструментальної музики для нових різновидів смичкових інструментів, які допускали «спів» на інструментах: віола, смичкова ліра (однострунна смичкова ліра, близька до гудка. На ній бродячі музиканти грали дугоподібним смичком), гамба (від іт. viola di gamba) – вид великої скрипки,яку при грі тримали між колінами), скрипка).
Серед музичних інструментів особливою популярністю користуються орган, клавесин, віола, різні види флейт, а в кінці XVIв. - Скрипка.
Відбулося значне розширення виразних можливостей клавішних інструментів орган, клавікорд, клавесин.
Швидко вдосконалюється і лютня – один з найбільш поширених інструментів побутового і концертного музикування.
Крім цього, у епоху Ренесансу відбувається розвиток професійного майстерності, що з появою метриз (Метриза - музична школа у Франції та Нідерландах, що готувала церковних півчих. У XVIII столітті у Франції налічувалося близько 400 метриз. Метризи зіграли значну роль у поширенні професійної музичної освіти. З-поміж учнів метриз вийшло багато видатних французьких і нідерладнських композиторів-поліфоністів. В період буржуазної революції 1791 року метризи були скасовані.)
Ці школи-інтернати – свого роду хорових капел, у якому навчання співу, грі на органі, музичної теорії та загальноосвітніх предметів викладалося для хлопчиків.
Так формувався новий тип музиканта - не дилетанта з аристократів, не жонглер і шпільман, а професіонал, який одержав спеціальне музичну освіту. В епоху Відродження було покладено початок професійній композиторській творчості
В середині XVI століття провідною європейською композиторською школою стає римська школа на чолі з її найпотужнішим представником, композитором Луїджі Палестриною.
Як і у живопису епохи Відродження, у музиці відбувалася динамізація просторових характеристик, а саме віднайдені були нові фактурні рішення — наскрізна імітаційність, вільні включення й вимикання голосів, антифони хорів, ефект луни, протиставлення соло і хору, вокальних і інструментальних розділів). Головним музичним засобом стала імітація, тобто повторення які вступають у голосі мелодії, безпосередньо після виконанням у іншому голосі, що призвело згодом до вищої контрапунктичної (поліфонічної) форми – фуги.
Посилюється вплив народного на духовну музику, особливо це відбувалося у країнах, охоплених антикатолицьким рухом Реформації (що викликало до життя гуситські гімни у Чехії, протестантський хорал у Німеччині, гугенотскі псалми у Франції). Проте церква продовжувала займати позицію потужного організаційного центру, будучи провідником офіційної ідеології, вона виховувала переважну більшість композиторів-професіоналів.
Виходячи з цього, передові світські вокальні та вокально-інструментальні жанри дедалі гучнішає заявляли про своє право на більш значне місце у музичній культурі, прагнули витіснити меси, мотети і близькі до них жанри церковної музики. Це було пов’язано з тим, що ці жанри, призначені або для церкви (для виконання хорової капели), або для двору того чи іншого короля, князя, герцога (як наприклад мотет) була не достатньою для вираження власне особистісного начала. З часом складається інша естетична атмосфе ра, де лірика і драматизм отримали широке і вільне втілення спочатку у італійському мадригалі, потім у ранніх зразках нового жанру – «drama per musica» (драми на музиці), тобто першої італійської опери.
Завершується епоха Відродження виникненням нових музичних жанрів: сольної пісні, ораторії та опери. Якщо раніше центром музичної культури був храм, то з цього часу музика зазвучала в оперному театрі. А сталося це так.
В італійському місті Флоренція в кінці XVIв. стали збиратися талановиті поети, актори, науковці та музиканти. Ніхто з них тоді не думав про яке-небудь відкриття. І все-таки саме їм судилося зробити справжній переворот у театральному та музичному мистецтві. Відновлюючи постановки творів давньогрецьких драматургів, вони почали створювати власну музику, відповідну, за їх уявленнями, характером античної драми.
Члени камерати (так називалося це суспільство) ретельно продумували музичний супровід монологів і діалогів міфологічних персонажів. Від акторів було потрібно виконання розмовних партій речетатівом (декламацією, промовою співуче). І хоча слово продовжувало грати провідну роль по відношенню до музики, був зроблений перший крок до їх зближення і гармонійного злиття. Подібне виконання дозволяло більшою мірою передавати багатство внутрішнього світу людини, його особисті переживання і почуття. На основі таких вокальних партій виникли арії - закінчені епізоди в музичному спектаклі, в тому числі і в опері.
Оперний театр швидко завоював любов і став популярним не тільки в Італії, але і в інших країнах Європи.
Техніка композиції зазнала істотних змін у зв'язку з поширенням хроматизму, формуванням мажору й мінору, появою тонально-гармонічної функціональності, установленням нової тризвукової концепції вертикалі (теоретично розроблена Дж. Царліно).
Отже, музика у епоху Відродження виробляла відповідно до неї свій стиль, брала немислимі раніше завоювання, сходила на нові щаблі у своєму розвитку.
Музика нідерландских композиторів епохи Відродження
Найвищого розквіту духовна музика досягла в XV ст. в Нідерландах. Тут музика шанувалася більше інших видів мистецтва. Нідерландські і фламандські композитори першими розробили нові правила поліфонічного (багатоголосого) виконання - класичний «строгий стиль». Найважливішим композиційним прийомом нідерландських майстрів стала імітація - повторення однієї і тієї ж мелодії в різних голосах. Провідним голосом став тенор, якому доручалася головна повторювана мелодія - cantus firmus («незмінний наспів»).
Нижче тенора звучав бас, а вище - альт. Самий верхній, тобто підноситься над усіма, голос отримав назву сопрано.
Творчість нідерландського
композитора Орландо Ласо
(бл. 1532-1594)
Значний інтерес представляє творчість нідерландського композитора Орландо Ласо (бл. 1532-1594), який створив більше двох тисяч творів культового і світського характеру.
Лассо - найплодовитіший композитор свого часу, з-за величезних обсягів спадщини художня значимість його творів (багато з яких були замовними) до кінця ще не оцінена.
Творча спадщина Лассо дуже багата. Працював виключно у вокальних жанрах: півтори тисячі тисячі мотетів, 53 меси, близько ста магнификатов й інших літургійних творів, близько 250 мадригалі, сотні французьких шансонів, німецьких пісень (Lieder), вілланел, мореск (буквально «мавританська» — музично-танцювальна форма) і інших дрібних п'єс.
Слава Лассо як церковного композитора пов'язана головним чином з його мотетами, що ілюструють різні євангельські події й сцени. Вищим досягненням Лассо в церковній музиці строгого стилю — «Сім покаянних псалмів».
В той же час деякі його меси вважають легковажними, наприклад він уводить у літургію теми пісень із красномовними назвами «Я ніколи не їм свинину», «Добре вино», «Давай стягнемо ячмінь», пристосовуючи до них слова Святого Писання. Одна із кращих мес Лассо написана на чарівну мелодію пісні із цілком відвертою назвою «Солодкий спогад».
Ряд яскравих коротких п'єс Ласо написаний на досить легковажні вірші, наприклад, шансон «Дивилась в замку дама з інтересом / На мармуровій статуї єство» (En un chasteau ma dame ...), а деякі пісні (особливо Мореско) містять обсценную (нецензурну) лексику.
Творчість француського композитора
Жоскен Депре
Творчим доробком Жоскена Депре є майже виключно вокальна музика. Його спадщина включає основні жанри духовної музики того часу - 18 мес[1], близько 100 мотетів, псалмів і гімнів, 52 світські п'єси на французькі й 3 на італійські тексти. Духовні твори Жоскена Депре спиралися на cantus firmus з хоралів або світської музики. Французькі пісні (шансони) різноманітні і за формою і за тематикою. Незважаючи на рясне використання техніки імітацій, композиції Жоскена Депре ясні і прозорі.
Жоскен Депре вважається найвидатнішим композитором кінця XV - початку XVI століть. Був званий principes omnes (князем усіх)[2]. Мартін Лютер писав про Жоскена Депре: "Інші композиторі роблять з нотами те, що вийде, Жоскен робив те, що хотів". Теоретики Г. Глареан і Дж. Царліно описували його стиль як такий, що найкраще передає досконалість. На честь Жоскена Депре названий кратер на Меркурії.
Творчіость
французького композитора
Клемана Жанекена
(біля.1485-1558)
Особливою популярністю користувалися пісні французького композитора Клемана Жанекена . Клеман Жанекен написав близько 250 шансон, більшою частиною для 4 голосів, на вірші П'єра Ронсара, Клемана Маро, М. де Сен-Желе, анонімних поетів. У відношенні ще 40 шансон авторство Жанекена сучасна наука заперечує (що не зменшує, втім, якості самої цієї спірної музики). Головна відмінна риса його світської багатоголосої музики - програмність і образотворчість. Перед думкою слухача проходять картини битви («Битва при Маріньяно», «Битва при ренти», «Битва при Меці»), сцени полювання («Спів птахів», «Спів солов'я», «Жайворонок»), побутові сценки («Жіноча балаканина »). Атмосферу буденного життя Парижа Жанекен яскраво передає в шансон «Крики Парижа», де чути вигуки вуличних торговців («Молоко», - «Пиріжки!» - «Артишоки!» - «Риба!» - «Сірники!» - «Голуби», - «Старі черевики!» - «Вино!"). При всій винахідливості у фактурі і ритміці музика Жанекена в області гармонії і контрапункту залишається досить традиційною.
Італійський композитор
Джованни Пьерлуиджи да Палестрина
(1525-1594)
Яскравим представником римської композиторської школи епохи відродження є італієць Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Довгий час він працював керівником хору в соборі Святого Петра у Римі. Створену ним церковну музику відрізняють чистота й піднесеність почуттів. Світська музика композитора пройнята надзвичайною одухотвореністю та гармонією.
Творчий доробок надзвичайно великий і включає 104 меси (на 4-8 голосів),близько 370 мотетів, близько 70 гімнів, 35 магніфікатів, кілька ламентацій та літаній, близько 140 мадригалів. Перше повне зібрання творів Палестрини вийшло у 1862—1907 і становило 33 томи. Жанрова палітра Палестрини представляє найтиповіші жанри XVI століття, розкриває його зв'язок із папством і відображає стилістичні тенденції церковної музики, пов'язані з постановами Тридентського собору.
У своїй творчості Палестрина слідував певними правилами, виробленими самостійно. Їх можна сформулювати наступним чином:
MISSA PAPAE MARCELLIS ( Messe du Pape Marcel )
a sei voci ( 1562 )
Netherlands Chamber Choir Direction FELIX DE NOBEL
Enregistré le 3 juillet 1952 VINYL Philips
аудио : Palestrina - Agnus Dei
https://www.youtube.com/watch?v=4NWd9TUu97U
Кла́удіо Джова́ні Анто́ніо Монтеве́рді
італійський композитор, один з основоположників жанру опери (т. зв. drama per musica), видатний майстер мадригалу.
Творчість Монтеверді представлена трьома групами творів: мадригали, опери і духовна музика. Головна особливість композиційної техніки Монтеверді - поєднання (нерідко в одному творі) імітаційної поліфонії, характерної для композиторів пізнього Відродження, і гомофонії, досягнення нової епохи бароко. Новаторство Монтеверді викликало різку критику з боку відомого теоретика музики Джованні Артузі, в полеміці з яким Монтеверді (і його брат Джуліо Чезаре) виявили свою прихильність так званій «другій практиці» музики. Згідно з декларацією братів Монтеверді, в музиці другої практики безроздільно панує поетичний текст, якому підкоряються всі елементи музичної мови, перш за все, мелодія, гармонія і ритм. Поетичний текст виправдовує будь-які нерегулярності музичних компонентів.
Кульмінацією всієї творчості Монтеверді вважають оперу «Коронація Поппеї». Вона поєднує трагічні, романтичні і комічні сцени (новий крок у драматургії оперного жанру), реалістичніші портретні характеристики персонажів і мелодії, що відрізняються надзвичайною теплотою і чуттєвістю. Для виконання опери потрібний невеликий оркестр, і також відводилася невелика роль хору. Протягом довгого часу, опери Монтеверді розглядалися тільки як музично-історичний факт. Але починаючи з 1960-х, Коронація Поппеї була відновлена в репертуарі найбільших оперних сцен світу. У 2005 році Міхаель Ґрюбер зняв фільм-оперу "Коронація Поппеї".
Творчество Монтеверди, во многом новаторское, знаменует переход от эпохи Возрождения к эпохе барокко в музыке.