законы красоты складывались исторически постепенно

Работа добавлена на сайт samzan.net:

1Теории происхождения исскуств  

1. Биологическая теория происхождения искусства.
Эта теория берет свое начало от идей Ч.Дарвина. Сторонники данной концепции усматривают начало искусства в украшении самого себя для удовлетворения потребности привлечения внимание живого существа противоположного пола.
Теория основана на мнении, что способность к искусству, к художественному творчеству - врожденная способность человека, что он получает ее от природы. Однако "законы красоты" складывались исторически, постепенно. Они стали зарождаться с того времени, как в труде, в общении с природой человек стал чувствовать красоту, затем воплощать ее в своих произведениях и, наконец, понимать законы красоты. В этом процессе художественного творчества возникло и развилось эстетическое чувство человека.
2. Психоаналитическая теория происхождения искусства.
Основоположником данной теории считают З.Фрейда. По его мнению, искусство возникает из аффективных конфликтов психики, искусство - форма вытеснения и сублимации влечений человека (использование энергии элементарных влечений для более высоких целей).
3. Игровая теория происхождения искусства.
Основоположниками данной теории можно считать Г.Спенсера, Г.Аллена, К.Гросса и К. Ланге. Данные ученые видят основной причиной возникновения искусства потребность расходования энергии, которая осталась нерастраченной в трудовой деятельности. А также, причиной возникновения искусства считают необходимость "тренировки" для усвоения социальных ролей

2 Классификация.

Классифиация искусств:
-по форме существования
*пространст. (живопись, графика, скульптура, декоративное искусство, архитектура)
* временные (музыка, словесное искусство)
* пространственно-временные (театр, кино, танец).
-по отношению к пространству:
Пространственных исскуствах три рода:
* станковые (2-х,3-хмерные картины)(станковая живопись, станковая графика и т.п.),
* монументальные (монументальная скульптура, стенная живопись и др.)
*прикладные (типовая массовая архитектура, малая пластика, миниатюрная живопись, промышленная графика, плакат и др.).
-по сообщению художественного образа зрителям и слушателям:
* изобразительные (живопись, графика, скульптура и др.)
* выразительные (музыка, танец, архитектура и др.)
*словесные (литература)
* смешанные, синтетические (театр, кино и др.)
-по жанрам(типы произведений на основании общих черт):
Тематический принцип выделение жанров (на основе области действительности, отражаемой в произведении):
*бытовой*любовный*батальный*натюрморт*авантюрный*исторический* пейзаж
В современном искусстве наблюдается тенденция отрицания жанра как устойчивой формы художественного творчества (постмодернизм).
Различают искусства и псевдоискусства. Виды «псевдоискусств»:
искусство как: 1. Развлечение2. «магия»3. «загадка»4. «инструкция»5. «проповедь». .

3Станковое и монументальное искусство

Станковое искусство

        термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений С. и. не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «С. и.» произошёл от «станка», на котором создаются произведения С. и.; в живописи, например, им является Мольберт. Широкое развитие С. и. получило с эпохи Возрождения и особенно в 19 в.

Монументальное искусство

род искусств пластических . охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствующих ей своими идейными качествами.. относятся Памятники и Монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т. Д. К монументальному искусству относятся произведения больших форм, выступающие в синтезе с архитектурой, рассчитанные на массовое восприятие. Это настенная живопись, мозаика, витраж, памятники, мемориальные сооружения, парковая скульптура. Синтез с архитектурой, участие в оформлении городского пространства накладывает отпечаток на формы монументального искусства, он обуславливает размер, форму, характер пропорций,

4 Виды искусств.

Архитектура, живопись , Скульптура, графика, декоративно-прикладное иск., театрально-декоративное иск..

5 скульптура как вид иск

Скульптура  – ваяние, пластикапроизведения которого имеют объемную трехмерную форму и выполняются их твердых или пластичных материалов.
Скульптура – пространственно-изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах, которые запечатлеваются в материалах, способных передать жизненный облик явлений.
Скульптура проявляет определенную близость к архитектуре: она также имеет дело с пространством и объемом, подчиняется законам тектоники и материальна по своей природе. Но в отличие от архитектуры она не функциональна, а изобразительна. Главными специфическими чертами скульптуры являются телесность, материальность, лаконизм и универсальность.
Материальность скульптуры обусловлена способностью человека осязать объем.  Виды скульптуры:
- мелкая пластика [древние глиптики – резьба на полудрагоценных минералах; резьба по кости; фигурки из разных материалов, амулеты и талисманы; медали и т.д.];
- скульптура малых форм [статуэтки до полуметра];
- станковая скульптура [статуя, предназначенная для кругового обозрения];
- монументально-декоративная скульптура [рельефы, фризы на стенах, статуи на фронтонах, атланты и кариатиды,  декорации фонтанов и т.д.];
- монументальная [надгробия, монументы, памятники]. Основными эстетическими средствами скульптуры выступают объем, силуэт, пропорции, светотень, т.е. построение объемной формы, пластическая моделировка, разработка силуэта, фактура, материал, иногда цвет.

6 первобытное и традиционное искусство.это современное, давно укоренившееся название различных видов изобразительного творчества, возникшего в каменном веке и продолжавшегося около 500 тыс. лет. В палеолите - древнем каменном веке, оно было представлено первобытной музыкой, танцами, песнями и обрядами, а так же геоглифами - изображениями на поверхности земли, дендрографами - изображениями на коре деревьев и изображениями на шкурах животных, различными украшениями тела при помощи цветных пигментов и всевозможных природных предметов, например бус, популярных и в настоящее время. Но всё перечисленное не способно противостоять натиску разрушительного времени. Поэтому, сохранились и были постепенно обнаружены лишь абстрактные знаки, выбитые искусственно на сверхтвёрдых скальных поверхностях, а так же анималистическая пещерная живопись, антропоморфная скульптура малых форм из кости и камня, гравировки и барельефы на кости, каменных плитках и роге времени верхнего палеолита (35.000 - 30.000 тыс.лет).Начиная с классической античности, художники стремятся выразить в своих произведениях индивидуальную манеру и неповторимость. В народном искусстве индивидуальность тоже присутствует, но уступает первое место традиции. И традиция сохраняет на столетия и даже на тысячелетия не только манеру изображений, но и их композиционные особенности. В этом главное сходство между традиционным и первобытным искусством. Традиционное искусство тесно связано с ритуально-мифологическим коллективным сознанием, которое наряду с верованиями и культами, предшественниками развитых религий, накапливало систему позитивных знаний, характерных для каждой этнической группы. Искусство, по сути, является средством передачи этого родового знания.. В традиционном искусстве эстетическое качество произведения не является самоцелью. Произведения традиционного искусства свидетельствуют о том, что традиционное творчество, очень разнообразное в своих национальных, племенных и региональных проявлениях, имеет глубокие местные корни, связанные законами исторической преемственности с искусством предшествующих эпох. Синонимом понятия "традиционное искусство" можно считать "народное творчество (искусство)". Народное искусство понимается как нечто исконное, автохтонное, изначально присущее данному этносу, племени или народности.

7 Жанры изобразительного иск.

На основе предмета изображения:

1Пейзаж, 2 Натюрморт , 3 Портрет,   Анималистический – изображение животных  5Бытовой - изображение жизни людей , Батальный – изображение военных действий ,Сказочно-былинный

,4Исторический характера изображения (карикатура, шарж).

8проблема синтеза иск:

Синтез искусств.

Синтез искусств, органичное соединение разных искусств или видов искусства в художественное целое, которое эстетически организует материальную и духовную среду бытия человека. Архитектура и монументальное искусство постоянно тяготеют к объединению, создавая архитектурно-художественный синтез, в котором живопись и скульптура, выполняя собственные задачи, также расширяют и истолковывают архитектурный образ. В этом пространственно-пластическом синтезе обычно участвуют декоративно-прикладное искусство (средствами которого создаётся предметная среда, окружающая человека), а также нередко произведения станкового искусства.

Сочетание разных видов искусства, оказывающее многостороннее эстетическое воздействие. Единство компонентов синтеза искусств определяется единством идейно-художественного замысла. Архитектурно-художественный синтез искусств образуют архитектура, изобразительное и декоративное искусства (архитектурный ансамбль, здание, интерьер). Спектакль, кинофильм — синтез режиссерского, актерского искусства, литературы, музыки, изобразительного искусства и т. д.

9 Основные этапы развития первобытного искусства (палеолит, мезолит, неолит). Местонахождение основных памятников.

Каменный век:

1.древний (палеолит = ранний\ средний\ поздний или верхний = появление искусства) = около 35 — 10 тысячелетие до н.э. 2.средний (мезолит) = 10 — 6-е тысячелетие до н.э.3.новый (неолит) = 6-е — 2 тысячелетие до н.э. - переход от присваивающего хозяйства (собирательство, охота) к производящему (земледелие, скотоводство). Орудия из камня шлифовались, сверлились, появились глиняная посуда, прядение, ткачество.Энеолит (медный век - переходный период от каменного к бронзовому веку Преобладают орудия из камня, но появляются медные.)Бронзовый век (около 2 тысячелетия до н.э.)Железный век (1-е тысячелетие до н.э.).Венера Виллендорфская. Самыми древними скульптурными изображениями являются примитивные женские фигурки — «палеолитические венеры». Статуэтки не более 12-15 см в высоту, вырезанные из мягкого камня или слоновой кости. Такие фигурки найдены во Франции, Бельгии, Италии, Германии, Австрии, чехии и Украине.«ВенераЛоссельская», «ЛеспугскаяВенера»Лучники и стадо. Росписи пещеры Кастильон. Испания.

Оттиск человеческой руки. Пещера Пеш-Мерль. Франция. Изображение кистей рук на стенах пещер  — одно из первых проявлений искусства. Хотя это просто контуры кистей рук или их отпечатки («окрашенные руки»).Малая статуэтка мамонта, вылепленная из глины. ДолниВестонице, Моравия.Стилизованная статуэтка мамонта, вырезанная из кости. Авдеево, Украина.

Первые шаги в области изобразительного искусства. Появляются гравированные изображения, рисунки, сделанные краской, рельеф и круглая скульптура (Франция, Испания). В основном изображения животных, но появляются и человеческие фигуры (женщин).

Особенности искусства эпохи неолита (новокаменный век).  Новая техника обработки камня. Гончарное производство и строительное дело говорят об оседлости. Переход от матриархата к патриархату. Развиваются условно-орнаментальные формы изображения, украшаются предметы, находившиеся в распоряжении человека.

10 наскальные риссунки и росписи в пещерах:

Точное время создания пещерных росписей до сих пор  установить не  удалось. Самые прекрасные  из  них были созданы, по мнению учёных, примерно 10 тыс лет назад. В то время больщую часть Европы покрывал толстый слой льда; пригодной для обитания оставалась лишь южная часть материка. Ледник медленно отступал, а вслед за ним двигались на север первобытные охотники. Можно предположить, что в тяжелейших условиях той поры все силы человека уходили на борьбу с голодом, холодом и хищными зверями. Тем не менее он создавал великолепные росписи. На стенах пещер изображены десятки крупных животных, на которых тогда уже умели охотиться; среди них встречались и такие, которые будут приручены человеком - быки, лошади, северные олени и другие. Пещерные росписи сохранили облик и таких зверей, которые позднее совсем вымерли: мамонты и пещерные медведи. Первобытные художники очень хорошо знали животных, от которых зависело само существование людей. Лёгкой и гибкой линией передавали они позы и движения зверя.

До сих пор в Европе найдено около полутора сотен пещер с росписями Росписи пещеры Ласко были открыты только в 1940 году. Сходные памятники известны и за пределами Европы - в Азии, в Северной Африке.

11 Мегалитические сооружения.

доисторические сооружения из больших каменных блоков, соединённых без применения цемента или известкового раствора.Отдельную группу представляют собой мегалитические сооружения, то есть объекты в значительной степени состоящие из мегалитов. Они распространены по всему миру. В Европе, например, это Стоунхендж, сооружения Крито-микенской культуры или Египта. Их общей характерной особенностью являются каменные блоки весом порой более сотни тонн, часто доставленные из карьеров расположенных за десятки километров иногда с большим перепадом высот относительно места стройки. Как правило мегалитические конструкции не служили жильём, а от периода строительства до наших дней не дошло никаких записей о технологиях и назначении строительства. Наиболее сложный в планировочном отношении вид мегалитических памятников — кромлехи. Это концентрические ряды столбов—менгиров, соединенных каменными блоками-балками. В кромлехах, в том числе самом большом, находящемся в Стоунхендже (Англия) и относящемся к эпохе бронзы, существует строго продуманная система расположения каменных блоков. Распространены дольмены (от бретонского «толь» — стол, , представляющие вполне законченный тип архитектурного сооружения, поскольку в них уже, помимо внешнего объема, существует и внутренний. До нас дошли остатки и других типов мегалитических сооружений, в том числе площадок для совершения магических обрядов, обусловленных особенностями существования людей того времени.

12 Периодизация культуры Египта. Формирование характерных черт египетского стиля.

 1. Додинастический (4 тыс. до н. э.)

2. Древнее царство (30-23 вв. до н. э.)

3. Среднее царство (22-18 вв. до н. э.)

4. Новое царство (16-11 вв. до и. э.)

5. Позднее время (11в-332г. до н. э.) храмы и гробницы возводились из разных сортов камня, которыми была богата страна, в то время как жилые постройки строились из недолговечного кирпича-сырца и дерева. С помощью рельефных и фресковых композиций декорировались внутренние и внешние стены заупокойных храмов, обелиски и стелы. Обычно они раскрашивались в цвета, Сохранение тела являлось необходимым требованием воскресения в загробном мире и обретения вечной жизни. Готовая мумия обертывалась льняными бинтами, между которыми помещались многочисленные амулеты, предназначенные оберегать умершего от враждебных демонов преисподней.Древнее царство. Развитие каменного зодчества привело к возведению пирамид. Первая монументальная ступенчатая каменная пирамида в Саккара с большим комплексом построек вокруг принадлежит фараону III династии Джосеру. Подле каждой из пирамид располагался верхний, заупокойный

Новое царство. Богу Амону, ставшему из локального божества фиванской области государственным богом-покровителем фараонов и созданной ими державы, был посвящен грандиозный храмовый комплекс в Карнаке. Одним из типичных храмов, построенных по этому плану, является храм Амона в Луксоре

13Искусство Древнего Царства. Реалистические черты в портретном искусстве:

3200-2400 гг. до н.э. Дошедшие до нас заупокойные статуи имеют однообразные неподвижные позы и условную раскраску. эти статуи изображают умерших в строго фронтальных позах, либо стоящими, либо сидящими на кубообразных тронах или на земле, поджав скрещенные ноги. У всех статуй одинаково прямо поставлены головы, почти одинаково расположены руки и ноги, одни и те же атрибуты. Тела мужских фигур, окрашены в красновато-коричневый цвет, женских - в желтый, волосы у всех черные, одежды белые.деревянная статуя царского сына Каапера: тщательно проработано тело с большим животом, полными плечами и руками., поражает тот реализм, с которым воплощен здесь образ некрасивого, немолодого полного человека. Статуя писца Каи поражает правдивостью проработки не только лица, но и всего тела ключиц, жирных, дряблых мускулов груди и живота, столь свойственных человеку, ведущему сидячий образ жизни. Великолепна и моделировка рук с длинными пальцами, колен, спины. Большое место в искусстве Древнего царства занимали рельефы и росписи, покрывавшие стены гробниц и храмов. Так, оба вида техники египетского рельефа уже применялись в Древнем царстве: и обычный барельеф и свойственный только египетскому искусству врезанный, углубленный рельеф, при котором поверхность камня, служившая фоном, оставалась нетронутой, а врезались контуры изображений, оказывавшихся, таким образом, довольно плоскими. Развитие каменного зодчества привело к возведению гигантских погребений — пирамид, строившихся в течение всего периода Древнего царства. Первая монументальная ступенчатая каменная пирамида в Саккара с большим комплексом построек вокруг принадлежит фараону III династии Джосеру. Архитектор-зодчий Имхотеп. Однако самые великие и известные всему миру еще в древности как чудо света пирамиды находятся вблизи от Каира, в Гизе. Подле каждой из пирамид располагался верхний, заупокойный храм, соединявшийся длинным каменным проходом с нижним, у границы разлива Нила. Рядом с долинным храмом при пирамиде Хафра возвышается Большой Сфинкс, почти полностью вырубленный из скалы. Предположительно лицо Большого Сфинкса является портретом самого Хафра. Около царских пирамид появлялись большие некрополи, состоявшие из каменных гробниц-мастаб вельмож, желавших и после смерти находиться вблизи своего владыки. Помещения, предназначенные для посещения гробницы, украшались раскрашенными рельефами и сопроводительными иероглифическими надписями.В эту же эпоху сложился художественный канон в египетском изобразительном искусстве, резко отличающий его от искусства других стран.

14Искусство  Среднего Царства

Литература Среднего царства донесла до нас размышления над проблемами бытия, сомнения в возможности загробной жизни, о чём свидетельствуют памятники письменности того времени: "Плач Ипувера" и "Пророчество Неферти

Фараон по-прежнему обожествляется, но он уже не царствует так абсолютно. Большие гробницы-пирамиды сменились впериод Среднего царства гробницами, вырубленными в скалах или небольшими пирамидами из кирпича-сырца, что было не так разорительно для страны, однако они оказались очень непрочными. Вход в скальные гробницы оформлялся портиками, в которых можно усмотреть прототип греческого дорического ордера.

Большое распространение в декорировании гробниц приобретают росписи. Преимущественно росписями, а не многоцветными рельефами декорировались стены гробниц номархов. Постепенно происходят изменения в канонах построения рельефов, художники стремятся изобразить человека таким, как он есть.

. Строгие полные покоя фризы сменяются более свободно сгруппированными сценами, краски становятся нежнее и прозрачнее.

выработался новый тип скорописи: деловое иератическое письмо. Оно отличалось от староегипетских почерков и иероглифического письма.

15Синтез иск в древнем египте

Снтез искусств – органичное сочетание различных видов изобразительного и декоративного искусства с архитектурой, имеющее целью создание целостного архитектурно-художественного произведения. Синтез искусств в древнем Египте можно было наблюдать на примере: Статуй пещерных храмов (арх+скульптура) Письмена на стенах (арх+каллиграфия) Декорированные колоны (арх+живопись)

Выдающимся примером синтеза египетского можно рассматривать катакомбы Ком-эш-Шукафа в Александрии, в которых запечатлены сложные образы греко-египетских божеств. Синтетический сплав греко-римской и египетской культур привел к новым формам в искусстве и религии, но Египет так и не был романизирован и нивелирован настолько, насколько были романизированы и латинизированы западные провинции римской империи. Синтез античной и древнеегипетской традиций в изобразительном искусстве породил новый своеобразный тип греко-египетского искусства.м

16Развитие монументальной скульптуры Древнего Египта.

Скульптура Древнего Египта — одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений ка в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее обозрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов. Большой сфинкс в Гизе более нигде не повторялся в натуральную величину, однако аллеи из уменьшенных копий сфинкса и других животных стали непременным атрибутом многих храмовых комплексов. Самое сакральное изображение бога находилась в храме, в алтарной части, как правило, в лодке или барке, обычно из драгоценных металлов, правда, ни одно такое изображение не сохранилось. Сохранилось огромное количество резных статуэток — от фигур богов до игрушек и посуды. Такие фигурки делались не только из дерева, но и из алебастра, более дорогого материала. Деревянные изображения рабов, животных и имущества же клали в гробницы для сопровождения умерших в загробном мире.Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена. В традиционных статуях сидящих писцов столь же часто обнаруживается сходство с формой пирамиды (кубическая статуя).Существовал очень строгий канон[1] создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях. Существовали определенные правила изображения египетских богов: так, бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса — с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений. 

В Древнем Египте сложились строго определённые типы статуй (для изображения фараонов):а) стоящая – фигура напряжённо выпрямлена, фронтальна, голова высоко поднята, левая нога делает шаг вперёд, руки опущены и прижаты к телу, или скрещены на груди;

б) сидящая – руки симметрично положены на колени или одна рука согнута в локте, встречаются руки скрещенные на груди, торс также выпрямлен, взор устремлён в даль.

17Искусство Нового Царства. Масштабность монументального строительства.

В этот период была окончательно разработана композиция наземного храма: он представлял собой в плане  вытянутый прямоугольник, все его части располагались по одной оси. К храму вела аллея сфинксов. Фасад храма формировали два пилона – массивные стены по сторонам входа, по форме напоминавших усечённые пирамиды, около которых располагались обелиски и колоссальные статуи фараонов . Фасад был обращён к Нилу. За пилонами находился открытый двор, окруженный колоннадами (перистиль), за которым располагался основной зал храма – гипостиль, потолок которого опирался на многочисленные часто поставленные колонны огромных размеров. Зал освещался за счёт перепада высот колонн средних рядов и боковых (базиликальный разрез). За гипостилем располагались затемненные помещения святилища. Вокруг храма возводили глухую каменную стену, соответственно прямоугольной формы. Скульптура.Теcные культурные связи с азиатским миром обогатили искусство Древнего Египта. Создаются невиданные фигуры – колоссы (21 м), которые устанавливают снаружи храмов . Официальные статуи фараонов идеализированы, хотя и передают индивидуальные черты. В них наблюдается отход от живых реалистичных тенденций Среднего царства С середины периода XVIII династии в развитии фиванского искусства происходят стилистические изменения. На смену строгости форм приходит изысканная декоративность. Статуи покрываются тонкими струящимися линиями складок одежд и локонов париков. Появляется интерес к движению, объёму,живописности. Тела приобретают мягкость, естественность, становятся более реалистичными. Ярче всего это проявляется в статуях частных лиц, т.к. статуи фараонов более каноничны  

Рельефы и росписи.В гробницах знати в рельефах и росписях появляются те же стилистические изменения, что и в  скульптуреПоявляются новые светские сюжеты, например, сцены пира с фигурами музыкантов и танцовщиц, приёмы послов. Возникает египетская графика: рисунки на папирусах с текстами «Книги мертвых».

18 Искусство времени Ахетатона.

Конец XVIII династии – период, имевший исключительное значение в истории египетского искусства.

Аменхотеп IV, стремясь подорвать авторитет жречества, в первую очередь жрецов фиванских храмов Амона, объявил единым божеством солнечный диск (Атон). Это было сделано с целью ослабить эту, всё возрастающую политико – экономическую силу знати и жречества, противостоящую власти и значению самого фараона. Отстранив от главных государственных должностей чиновников из старой знати, он привлёк людей, обязанных своим высоким положением не происхождению, а воле царя. Все боги Египта были объявлены ложными. Храмы старых богов были закрыты. Поклоняться следовало непосредственно сиявшему на небе солнцу. Последовало запрещение изображений богов в виде людей или животных. Воспроизводить единственное божество было предписано в виде солнечного диска с лучами, оканчивающимися человеческими руками. Святилища всех богов были закрыты, их изображения стали уничтожать, а храмовое имущество конфисковывали. Фараон взял новое имя Эхнатон (Дух Атона) и основал новую столицу Ахетатон (Амарну).

19Искусство Двуречья. Общая характеристика. Основные произведения. Ведущую роль играла архитектура дворцовых построек и храмов, украшенных произведениями скульптуры и живописи. Обусловленное военным характером шумерийских государств, зодчество носило крепостной характер, о чем свидетельствуют остатки многочисленных городских сооружений и оборонительные стены, снабженные башнями и хорошо укрепленными воротами.

Основным строительным материалом построек Двуречья служил кирпич-сырец, значительно реже обожженный кирпич. Конструктивной особенностью монументального зодчества было идущее от 4 тысячелетия до н.э. применение искусственно возведенных платформ, что объясняется, возможно, необходимостью изолировать здание от сырости почвы, увлажняемой разливами, и вместе с тем, вероятно, желанием сделать здание видимым со всех сторон. Другой характерной чертой, основанной на столь же древней традиции, была ломаная линия стены, образуемая выступами. Окна, когда они делались, помещались в верхней части стены и имели вид узких щелей. Здания освещались также через дверной проем и отверстие в крыше. Покрытия в основном были плоские, но известен был и свод.

20 Крито-микенское искусство. Общая хар-ка. Основн. пр-я.ЭГЕЙСКАЯ КУЛЬТУРА (крито-микенская культура), общее название цивилизаций бронзового века (в период около 3000-1100 до н. э.) на островах Эгейского моря, Крите, в материковой Греции и Малой Азии (Анатолии).Ученые выделяют несколько локальных археологических культур (цивилизаций), входящих в эгейскую культуру. Это минойская (на острове Крит), кикладская (на островах Эгейского моря), элладская (в материковой Греции) культуры, а также фессалийская, македонская, западно-анатолийская. Культурным центром в раннеэгейский период являлись Киклады. Среди памятников 3-го тыс. до н. э. выделяется погребальная пластика с Кикладских островов, так называемые «кикладские идолы», — мраморные статуэтки или головы (фрагменты статуй) геометризованных, лаконичных, монументальных форм с четко выраженной архитектоникой («скрипкообразные» фигуры, статуэтки обнаженных женских тел).С 2000 начинается строительство «Старых дворцов», которые являлись хозяйственными и религиозными центрами, появляется иероглифическая письменность (так называемый Фестский диск), возникают государственные образования. Среднеэгейский период (первая половина 2-го тысячелетия до н. э.) характеризуется наибольшим единством Эгейской культуры, о чем свидетельствует характер керамики, металлических изделий и др.Самые известные из памятников эгейского искусства, включали обширные горизонтальные плоскости (дворы) и комплексы двух-трехэтажных помещений, световые колодцы, пандусы, лестницы. Вокруг дворцов вырастали обширные поселения из одноэтажных домов. Особым отличием дворцов являлось отсутствие каких бы то ни было оборонительных укреплений. На их стенах сохранились многочисленные фрески, изображающие различные стороны жизни минойского общества, в том числе ритуальные «игры с быком» (именно для них, возможно, предназначался открытый двор в центре дворцов), кулачные бои (фреска с острова Тира).В декоративно-прикладном искусстве Крита орнаментально-декоративный стиль (20-18 вв. до н. э., достигший совершенства в вазописи «камарес») сменяется в 17-16 вв. до н. э. более конкретной и непосредственной передачей образов растительного и животного мира и человека (вазы с изображением морских существ, произведения мелкой пластики, торевтики, глиптики); к концу 15 в. до н. э. (предположительно, в связи с завоеванием ахейцами) популярной становится более условная вазопись «дворцового стиля».С 1600 до н. э. на Крите возникает линейное письмо А, которое (за исключением некоторых символов) остается нерасшифрованным.16-13 вв. до н. э. — период расцвета искусства ахейской Греции. Города-крепости (Микены, Тиринф) строились на холмах, с мощными стенами (так называемая «циклопическая» кладка из каменных глыб весом до 12 тонн) и планировкой в два уровня — нижний город (для окрестного населения) и акрополь (укрепленная крепость с дворцом правителя). В архитектуре жилища складывался тип прямоугольного с портиком здания — мегарона. Раскопаны также купольные гробницы-толосы («гробница Атрея» близ Микен, 14-13 вв. до н. э.). Изобразительное и декоративно-прикладное искусство ахейской Греции испытало сильное влияние искусства Крита, особенно в 17-16 вв. до н. э. (изделия из золота и серебра из «шахтовых гробниц» в Микенах, погребальные маски и сосуды, в том числе «маска Агамемнона» и «кубок Нестора»). Ахейское искусство 15-13 вв. до н. э., как и критское, большое внимание уделяло человеку и природе (фрески дворцов в Фивах, Тиринфе, Микенах, Пилосе), но тяготело к устойчивым симметричным формам и обобщению (Львиные ворота в Микенах). Культурное влияние проявлялось не только в искусстве, хозяйственная деятельность акрополей заимствовала хорошо организованную критскую систему; ахейцы приспособили под свой язык критское письмо (оно получило название линейное письмо Б), наибольшее число хозяйственных табличек найден в Пилосе. Линейное письмо Б после его дешифровки является одним из древнейших памятников индоевропейской письменности.В конце 13 в. до н. э. для эгейской культуры наступил глубокий внутренний кризис, нашествие дорийцев и «народов моря» привело эгейскую культуру к гибели.Произедения: Золотой кубок из гробницы в Вафио. «Минойский флот». Фриз во дворце Акротири на о. Тира (Санторин). «Игры с быком». Фреска из Кносса. Ваза в стиле «камарес» из Феста.  «Царь-жрец» Фреска из Кносского дворца.

21  Кносский дворец.Наиболее выдающимся памятником критской архитектуры, безусловно, является Кносский дворец, который в греческих мифах называли лабиринтом. Кносский дворец, общая площадь которого была примерно 16 тыс. кв. м, представлял собой сложное нагромождение сотен разных помещений. Поэтому он казался грекам-ахейцам зданием, из которого нельзя было найти выход. С тех пор слово “лабиринт” начало считаться синонимом сооружения, имеющего сложную систему расположения комнат и коридоров.Как уже упоминалось, археологические раскопки установили, что дворец построили в начале среднеминойского периода, и затем многократно расширяли. В период расцвета минойской культуры дворец был двух- или трёхэтажным, и это без учёта подвальных помещений, где располагались погреба и мастерские, склады продовольствия и оружия, а еще темницы.
Парадными помещениями дворца являлись большой и малый “тронный” зал, а также комнаты культового назначения.Предполагаемая женская часть дворца состояла из приемной комнаты, ванных комнат, сокровищницы и различных других помещений. Дворец имел проведенную широкую канализационную сеть, состоящую из глиняных труб больших и малых диаметров, обслуживавшую бассейны, ванные и уборные. Нашли во дворце более двух тысяч глиняных табличек с разными записями. Некоторые комнаты имели богатое убранство, также во дворце было много изделий из драгоценных металлов, вместительные склады, найдены были высокохудожественные стопные росписи-фрески. Из всего этого можно ученые сделали вывод, что дворец являлся местопребыванием царей, правящих Кноссом и всем Критом. В центре дворца был обустроен обширный двор, К нему со всех сторон примыкало множество помещений, выполнявших различные функции (хозяйственные и жилищные), некоторые помещения имели веранды, галереи, колоннады, Его колонны  своеобразными, они получили в искусствоведении название "иррациональные". Они не расширялись, а сужались книзу. Археологи обратили внимание и на манеру освещения комнат. В Кносском дворце не было проемов в стенах, подобных окнам. Свет попадал в помещения через отверстия в потолке (световые колодцы) и доходил вплоть до первого этажа, но создавалась, таким образом, различная степень освещенности залов дворца, в зависимости от приближенности или удаленности от световых проемов.Стены покоев Миноса покрывали многочисленные красочные изображения. Изысканный профиль молодой женщины на одной из фресок, напомнил археологам образ модных и кокетливых француженок, и фреска в результате получила название "парижанка", используемое до сих пор. Стены дворца часто были украшены орнаментом в виде волны или гибких спиралевидных завитков, Архитектурный стиль Кносского дворца действительно является уникальным, хотя в нем присутствуют и элементы египетского, древнегреческого зодчества. Пример Кносского дворца - это способ убедиться в легкости, своеобразной свободе и изяществе архитектуры Древнего Крита.

22 Архаическое искусство. Создание ордерной системы Архаика— ранний период древнегреческой культуры, его начало приблизительно определяется 8 в. до н. э., конец — началом 5 в. Именно в период архаики складывается система архитектурных ордеров, которая легла в основу всего дальнейшего развития античной архитектуры. В это же время расцветает повествовательная сюжетная вазопись и постепенно намечается путь к изображению в скульптуре прекрасного, гармонически развитого человека. От древнейшего периода культуру архаики отличают также возникновение и расцвет лирической поэзии, чрезвычайно важной для сложения греческого реализма, появление которой связано с выделением личности из рода и интересом к миру личных чувств человека.

Искусство архаики отличается большим своеобразием и обладает при всех его существенных ограниченных чертах своими собственными художественными достоинствами.

В целом изобразительные искусства периода архаики несли в себе еще очень много условности и схематизма. Реалистические черты, возникавшие в архаическом искусстве, не получали последовательно реалистического художественного обобщения. Композиция еще имела условный характер, ОРДЕР архитектурный, определенное сочетание несущих и несомых частей стоечно-балочной конструкции, их структура и художественная обработкаКлассическая система ордеров сложилась в Др. Греции; основные ордера получили название от племен и областей: дорический, ионический, коринфский. Разновидность дорического ордера — тосканский, коринфского и ионического — композитный.ДОРИЧЕСКИЙ ОРДЕР, самый древний из трех основных архитектурных ордеров. Получил название от создавших его дорических племен.Фриз по горизонтали делится на триглифы и метопы. Дорическая колонна тяжеловесна, чуть ниже середины — утолщена. ИОНИЧЕСКИЙ ОРДЕР, один из трех основных архитектурных ордеров.Родиной ионического стиля была Иония — территория, заселенная греками-ионийцами, на побережье Малой Азии, на островах и в Аттике. По сравнению с доррическими, колонны ионического стиля более нарядны и стройны.КОРИНФСКИЙ ОРДЕР, один из трех основных архитектурных ордеров. Имеет высокую колонну с базой, стволом, прорезанным желобками (каннелюрами), и пышной капителью, состоящей из рядов листьев аканфа и небольших волют.

23 Чернофигурная и краснофигурная вазовая роспись. Сюжеты и особенности композиции.

Чернофигурная вазопись — один из наиболее значимых стилей вазописи наряду с краснофигурной вазописью. Расцвет древнегреческой чернофигурной вазописи приходится на VII—IV вв. до н. э. В греческой керамике, стилистически очень разнообразной, в 8 в. широко распространяется так называемая ориентализирующая (восточная) манера, на которой сказалось сильное ближневосточное влияние: протокоринфские, протоаттические и другие вазописцы опоясывают весь сосуд горизонтальными полосами, заполненными бесконечными шествиями зверей восточного типа; весь узор, сохраняя старинные геометрические мотивы, приобретает иную ритмику, а многоцветность заставляет вспомнить об инкрустации, о пестрых восточных тканях. В 7 в. в вазовую живопись проникают повествовательные, по преимуществу героические сюжеты. О живописи 7-6 вв. можно судить по вазовым рисункам, непосредственно продолжающим разработку тех сюжетов, форм и приемов, которые встречаются уже в искусстве конца 8 в., и, несомненно, связанным с монументальной живописью.Местные школы постепенно утрачивают свою самостоятельность, афинская чернофигурная вазопись приобретает господствующее положение, и когда афинские керамисты (Андокид) переходят в середине 6 в. до н. э. к краснофигурной технике, этот шаг является решающим для всех греческих территорий. Надписи на вазах сохранили имена самых знаменитых вазописцев архаики: Никосфен, Амасис, Эксекий, Андокид, Эпиктет, Евфроний, каждый из которых обладает своим индивидуальным узнаваемым стилем и уже не является простым ремесленником, но художником в подлинном смысле этого слова. В руках этих мастеров рисунок быстро совершенствуется: они изучают человека, находят правдоподобные соотношения между частями тела, перестают бояться пересечений, ракурсов и движения, тщательно изучают костяк фигуры, мускулатуры.

24 Греческая скульптура классического периода.

Поклоняясь красоте и мудрости телесного строения человека, античные греки в скульптуре предпочитали воплощать  совершенство всего сущего. Человеческое подобие они возвели к прекрасной норме статуарного совершенства и законченности. Пластика тела в античной скульптуре стала языком души. Классическая скульптура освободилась от архаичной условности в изображении человека. Среди ее достижений — умение изобразить тело в движении. Это открыло для художников высокой классики большие возможности передавать не только движения тела, но и порывы души. Поликлет принадлежал к пелопоннесскому течению так называемой «представительской статуи» — человеческой фигуры в покое или умеренном движении. Образцом такой фигуры является самое знаменитое его произведение «Дорифор» —юноша-копьеносец. В этой статуе автор воплотил свой «Канон» — учение об эталонных пропорциях человеческого тела. Он классически решил проблему изображения человека в положении покоя, но готового к действию. Ионийские мастера экспериментировали в изображении движений. Самый выдающийся скульптор этого течения Пифагор Регийский достиг небывалого мастерства в реалистичном воссоздании освобожденного человеческого тела. Скульптура Аттики представлена работами выдающегося скульптора Мирона. Он пытался соединять в пластическом изображении покой и динамизм. Его знаменитый «Дискобол» — яркое свидетельство реалистичного изображения физического напряжения атлетического тела в движении.

25 Искусство Греции 5– 4 вв. до н. э. Создание классического художественного стиля.

Почти все постройки в этом периоде — дорического стиля, сначала тяжёлого и мало изящного, но потом делающегося более лёгким, смелым и красивым. Из храмов этой эпохи, находившихся в самой Греции, можно указать на храм Геры в Олимпии, храм Зевса в Афинах. Дорический стиль, продолжая быть господствующим, делается легче в своих формах и смелее в их сочетании, ионический же стиль входит все в большее и большее употребление, и, наконец, постепенно получает право гражданства и стиль коринфский. В собственной Греции храмы становятся более благородными и гармоничными как по общему своему характеру, так и по пропорциональности отдельных частей; в малоазийских колониях зодчие заботятся о роскоши материала, форм и украшений;  Вместо известкового камня и песчаника для построек употребляется мрамор, доступный более тонкой обработке и потому способствующий большей деликатности и изяществу орнаментировки. Принцип греческого классического искусства — это воспроизведение природы, творчески исправленное и дополненное художником, выявляющим в ней несколько более того, что видит глаз. Развитие архитектуры поздней классики протекало очень неравномерно и противоречиво. Архитектура приобретает декоративные начала. Часто встречается самый сложный и изысканный из греческих архитектурных стилей – коринфский. Появляется целый ряд сооружений круглой формы

26 Сооружения Акрополя и их скульптурное убранство. Синтез скульптуры и архитектуры.

Афинский Акрополь, представляющий собой 156-метровый скалистый холм с

пологой вершиной

•Парфенон: главный храм Афины-Девы (Афина Паллада), покровительницы города, поставленный у южного края скалы, на самой высокой точке

•Пропилеи = парадные ворота на западном, пологом склоне Акрополя

•статуя Афины-Промахос (Воительницы) Фидия = на высоком пьедестале лицом ко входу и господствовавшая над всей западной частью ансамбля.

•(После Перикла = построен) маленький храмик Ники-Аптерос, поставленный несколько впереди Пропилей на высокой скале (Пиргосе),

•Эрехтейон — храм посвященный Афине и Посейдону = расположен напротив Парфенона с северной стороны. Архитекторы и художники: Иктин, Калликрат, Мнесикл, Каллимах и др.

Скульптор: Фидий, близкий друг Перикла, руководил созданием всего ансамбля и создал важнейшие из его скульптур.

Акрополь возвышается над всеми Афинами, его силуэт формирует силуэт города. Поднимающийся над холмом Парфенон в древности можно было видеть из любого конца Аттики и даже с островов Саламин и Эгина; подплывающим к берегу мореплавателям уже издали был виден блеск копья и шлема Афины-Воительницы. в ансамбле Афинского акрополя асимметрия сочетается с

гармоническим равновесием масс, продумано взаимодействие отдельных

сооружений между собой и учтена последовательность в восприятии зданий снаружи и внутри комплекса, зодчими продумана тесная связь этого архитектурного сооружения с окружающим ландшафтом

27 Два направления развития скульптуры классического периода Древней Греции (Скопас. Пракситель). СКОПАС, древнегреческий скульптор и архитектор 4 в. до н. э. Сохранился фриз Мавзолея в Галикарнасе (ныне Бодрум в Турции) с изображением битвы греков с амазонками (мрамор, ок. 350 до н. э., совместно с Бриаксисом, Леохаром и Тимофеем). Искусство Скопаса отличают драматический пафос борьбы, страстность, выразительность поз и жестов. Мраморные скульптуры Скопаса отличались большой выразительностью. Одним из совершенных творений мастера является статуя «Менады», движение которой передано в сложном круговор ракурсе. Почти все произведения Скопаса уничтожены временем.  (Нападение амазонки и Битва греков с амазонками. Деталь рельефа из Галикарнасского Мавзолея – сохранились)ПРАКСИТЕЛЬ Младший (ок. 390 — ок. 330 до н. э.), древнегреческий скульптор. Представитель поздней классики. Работал главным образом в Афинах. Вошел в историю скульптуры как вдохновенный певец женской красоты. По преданию, Пракситель создал две статуи Афродиты, запечатлев на одной из них богиню одетой, а в другой — обнаженной. Афродиту в одеждах приобрели жители острова Коса, а обнаженная была установлена на одной из главных площадей острова Книд, куда со всех концов Греции стали съезжаться поклонники прославленного творения скульптора, преумножая славу города. Мраморные статуи Праксителя отличают чувственная красота, одухотворенность («Афродита Книдская», «Отдыхающий сатир» — известны по копиям). Пракситель нашел возможность разнообразить позы статуй, создавая равновесие с помощью опор в виде другой фигуры или дерева. Обращаясь к идеалу прекрасного юноши, он подчеркивал в фигуре стройность, изящество и безмятежность. Известны:Эрот. Римская копия с греческого оригинала 4 в. до н.э.;  Аполлон Сауроктон (убивающий ящерицу). Около 340 до н.э.; Гермес с младенцем Дионисом. Середина 4 в. до н.э.

28 Индивидуализация образа, психологизм (Лисипп), и идеализация образа (Леохар).Лисипп — греческий скульптор. Среди современного ему искусства работы Лисиппа выделялись натурализмом (особенно при передаче волос и глаз), а также несколько удлинёнными пропорциями. Есть легенда, что Лисипп при создании каждой своей работы складывал в сундучок по одному драгоценному камню. После его смерти там обнаружили более полутора тысяч камней. Он был любимым художником Александра Македонского, которого изображал с мальчишеского возраста. В своей скульптуре синтезировал достижения классики, значительно их в то же время обновив: удлинял пропорции тел и уменьшал головы, тем самым делая фигуры легче и динамичней, чем прежде, достигал более драматически-напряженных эффектов композиции, а в телах и лицах – более житейски-натурального впечатления. Его произведения не дошли до нашего времени, по крайней мере, в оригинале. Сохранились римские копии. Одно из центральных произведений Лисиппа — колоссальная бронзовая статуя Геракла. Лисипп особенно тонко передает в своих статуях момент перехода от одного состояния в другое.

Леохар — древнегреческий скульптор IV в. до н. э., который в 350-е годы работал со Скопасом над скульптурным убранством Мавсолея в Галикарнасе. Создавал изображения богов («Артемида Версальская»), и мифологические сцены. Резцу Леохара приписываются такие статуи, как Аполлон Бельведерский, Диана Версальская и Ганимед Ватиканский (известны по римским копиям). Совершенство образа,  мастерство техники исполнения. Пьедестал одной бронзовой статуи с его именем, изображающий охоту Александра на львов, найден при раскопках в Афинах.

направление формально следовало традициям высокой классики и создавало образцы, отвлеченные от жизни, от острых противоречий и конфликтов, которые были холодны и отвлеченно прекрасны.

29 Искусство Эллинизма конец 4-1 вв. до н.э. Общая хар-ка. Основные произведения.

Искусство эллинизма разделяется на 2 основных этапа: ранний период (конец 4 - начало 2 вв. до н.э.) - время расцвета, отмеченное прогрессивными художественными тенденциями; поздний период (2 - 1вв. до н.э.) - кризис рабовладельческого общества и его культуры, в которой появляются черты упадка. Города строились по гипподамовой системе с прямоугольной сеткой улиц. В качестве основных парадных магистралей обычно выделялись две пересекающиеся в центре улицы, которые были значительно шире остальных и богаче оформлены. Храм стал только частью общего центрального ансамбля. Широко вводились в архитектурные ансамбли произведения монументальной скульптуры - колоссальные статуи и многофигурные группы. В эллинистическую эпоху были разработаны принципы парковой архитектуры с большим количеством скульптуры. Создавались общественные сооружения с обширным внутренним пространством: экклесиастерии и булевтерии. Скульптура в эпоху эллинизма сохраняла ведущее значение среди других видов изобразительных искусств. Одним из лучших произведений этого периода является статуя Ники Самофракийской. В статуе "Умирающего галла" скульптор убедительно передает сложную гамму чувств умирающего: его мужество, страдание, сознание неотвратимой смерти. Точно переданы этнические черты галла. Высоты своего расцвета монументальная скульптура Пергама достигает в алтаре Зевса, созданном около 180г. до н.э. В раннюю эпоху на территории материковой и островной Греции были созданы замечательные памятники живописи. В доме Фавна в Помпеях была найдена прекрасная мозаичная копия с прославленной картины живописца Филоксена.Картина изображала битву между Александром Македонским и Дарием при Иссе. Говоря об искусстве эллинизма нельзя не упомянуть замечательные александрийские камеи Эллинистическое искусство было одной из важных ступеней в развитии реализма. В этот период принципы греческого реалистического искусства распространились во многих странах и сыграли огромную роль в развитии искусства последующих эпох.

30Пергамская  школа
. ПЕРГАМСКИЙ АЛТАРЬ
Большой алтарь Зевса (180 до н. э.) в г. Пергам. Ныне в Пергамон-музее (Берлин).
Новый тип культового сооружения = монументальные алтари, которые воздвигались в виде отдельных сооружений
Огромная (в плане 30 Х 28 м) площадка, возвышающаяся на стилобате и цоколе,
Ццоколь украшен 120-метровым в длину фризом с изображением борьбы богов и гигантов в ознаменование побед пергамских царей над варварами (галлами).
Лестница вела на площадку, врезаясь в цоколь со стороны горного склона.
Одна ионическая колоннада огибала снаружи цоколь с его выступами по обе стороны лестницы, другая = окружала сам жертвенник, причем глухая стена с 3 сторон проходила между колоннадами вокруг жертвенной площадки.
Фриз: в технике высокого рельефа, необычайно динамичен по своим линиям → настолько самодовлеющая роль, что венчающий его ордер теряет свое значение и превращается в пышное декоративное обрамление алтаря и его скульптурных украшений. Алтарь опоясан грандиозным горельефным фризом, где с драматическим пафосом и динамикой изображена битва богов с гигантами. (Битва богов и гигантов (Гигантомахия). Фрагмент фриза алтаря Зевса в Пергаме. 2 в. до н.э. ; Фрагмент скульптурного фриза Пергамского алтаря: крылатый змееногий гигант. Ок. 186-160 до н. э.)

31 этрусское искусство. Этруски - это древние народности, существовавшие в первом тысячелетии до нашей эры на территории Апеннинского полуострова. это не искусство, являющееся завершением целой культуры — например, классической, а порождение практической, будничной жизни, той самой, для которой как раз и характерен страх перед смертью, от которой приходится как бы ограждать себя изо дня в день. По этой же самой причине этрусское искусство носит глубоко натуралистический характер. Храм строился на высоком основании с низкими колоннами, по своим формам отдаленно напоминал дорический храм. На фризе изображались сначала группы богов или людей, позднее — цветочный орнамент. Вся терракотовая отделка раскрашивалась в яркие цвета Дома в Этрурии возводились из необожженного кирпича, фундамент складывали из речных камней. Дома, скорее всего, были одноэтажными. Этруски использовали плоскую и изогнутую черепицу. Этруская живопись тесно связана с погребальной архитектурой. По технике она — разновидность фрески. Тематика — сюжеты из земной жизни покойника: обрядовые сцены с музыкантами, танцорами, гимнастами, изображения охоты и рыбной ловли, мифологические сюжеты. Росписи позднего классического периода (IV век до н. э.) отличается сменой сюжетов и техники работы. Показана перспектива, позы продуманны, фигуры умело прописаны. Каменные скульптуры создавались как надгробные памятники. Наибольших успехов этруски достигли в работе с бронзой. В Кампании делались бронзовые урны, украшенные фигурками. Бронзу использовали при изготовлении мебели и колесниц, ларцов, зеркал. Наиболее оригинальное создание этрусской скульптуры — саркофаги, обычно терракотовые.

32 характерные черты римского искусства. Общая хар-ка. Основные произведения   .Самым важным в статуе представлялось портретное сходство с оригиналом. Римские мастера склонялись к анализированию, расчленению целого на части, детальному изображению явления.   Большой цирк. Центр Рима в 4 в. н.э. Стремясь удовлетворить требование толпы «хлеба и зрелищ», императоры строили грандиозные сооружения — цирки и амфитеатры, где разыгрывались пантомимы, происходили бои гладиаторов, укрощение диких зверей. «Бона Деа» (Добрая богиня). Круглый храм на Форуме Боариум (Бычьем форуме) в Риме. 3 в. до н.э.

Табуларий (от «табула» — медная табличка с надписью) стоял на сводчатых подземных этажах. Это был совсем новый тип общественного здания, и тот факт, что он появился впервые у римлян, говорит об их исключительном уважении к истории. Снаружи Табуларий был декорирован греческим ордером, внутри же он состоял из системы сводчатых помещений. С форума на Капитолий вела длинная лестница Табулария из 67 ступений. Такие коридоры и лестницы часто встречаются в республиканских зданиях. Они создают впечатление огромности охваченного архитектурой пространства. Но при этом все формы ясно обозримы в их перспективном сокращении: самая маленькая арочка или ступенька отлично видны, самая дальняя цель достижима.

Колонна Траяна. Воздвигнута императором Траяном ок. 114 в честь победы над даками. Высота колонны 38 м. Ее ствол представляет собой мраморный цилиндр, водруженный на кубический постамент. Сверху донизу колонна покрыта спиральной лентой с барельефами, рассказывающими в хронологической последовательности о военных походах Траяна против подунайских племен даков. Длина ленты достигает 200 м. Ее основные сюжеты — разбивка военного лагеря, осада города с помощью машин для метания каменных ядер, полные эмоциональной напряженности сцены сражений.

Храм богини судьбы Фортуны Вирилис. Рим 1 в. н. э. .

Статуэтка из Альбано. 1-2 вв.

Монета эпохи Римской республики: Виртус (Мужество) и Гонор (Почесть).

33 искусство рима республиканского периода 5-1 вв. до н.э. влияние этрусского и греческого искусства.

Наибольшей оригинальности достигла у римлян архитектура; скульптура и живопись были у них только продолжением того, что было сделано в этих художественных отраслях греками. При всей ограниченности новизны, вообще внесённой римлянами в искусство, им принадлежит та великая заслуга, что они разнесли во все концы известного тогда мира унаследованное ими классическое искусство Эллады и послужили передатчиками его элементов новым временам и новым народам, начавшим своё политическое существование на развалинах Римской империи. В период поздней республики в Риме сложился тип театрального здания, который отличался от греческого тем, что он не вырубался в скале, как греческий, а являлся самостоятельным сложным сооружением. Архитектура являлась ведущим искусством Древнего Рима. В римской архитектуре основное место заняли сооружения, воплощавшие идеи могущества римского государства; отвечавшие потребностям рабовладельческой верхушки: форумы, триумфальные арки, театры, амфитеатры, термы, базилики, дворцы и виллы, инженерные сооружения: акведуки, дороги, мосты.

Бронзовые статуи отливались сначала этрусскими мастерами, а потом и греческими скульпторами. Массовое производство статуй не способствовало созданию подлинно художественных произведений. Самым важным в статуе представлялось портретное сходство с оригиналом. С конца III в. до н. э. на римскую скульптуру начинает оказывать могущественное влияние греческая скульптура. Обильный приток греческих шедевров и массовое копирование тормозили расцвет собственной римской скульптуры. Только в области реалистического портрета римляне, использовавшие этрусские традиции, внесли новые художественные идеи и создали несколько превосходных шедевров («Брут», «Оратор», бюсты Цицерона и Цезаря). Под влиянием греческих мастеров римский портрет освободился от наивного натурализма, свойственного этрусской школе, и приобрел черты художественной обобщенности, то есть подлинного произведения искусства.

В круглой скульптуре формируется официальное направление — портреты царствующего императора, членов его семьи, приближенных к нему лиц, его предков, покровительствующих ему богов и героев. Большая их часть выполнена в традициях классицизма, предполагающего идеализированный образ могучего и мудрого правителя.

34 Искусство римской империи.Последние десятилетия 1 в. до н. э. и начало 1 в. н. э. — время расцвета римской культуры и искусства. Социальная направленность римского искусства периода империи выражалась в первую очередь в прославлении императора как носителя идеи величия Римского государства. Для искусства времени Августа (27 г. до н. э. —14 г. н. э.) характерны поиски нового стиля, новых средств художественной выразительности. В это время римские художники особенно настоятельно обращаются к греческому искусству, причем своими образцами они выбирают произведения классической эпохи — 5—4 вв. до н. э. Это накладывает особый отпечаток на памятники архи-тектуры и скульптуры. Ведущим искусством по-прежнему остается архитектура. Для возведения самых различных общественных сооружений большого объёма, получает распространение конструктивная система, основанная на сочетании в конструкциях стен и перекрытий обожжённого кирпича и известкового бетона. Весьма распространенными памятниками архитектуры Древнего Рима были триумфальные сооружения — арки, колонны, ростры. В портрете времени Августа наряду с официальным придворным портретом, имевшим преобладающее значение, сохраняется и реалистическая линия портрета. Примером официального портрета является статуя императора Августа из Прима Порта, относящаяся к 1 в. н. э. Одной из вершин римской архитектуры является амфитеатр Флавиев, или Колизей. Это огромное сооружение, вмещавшее около 50000 зрителей, предназначалось для гладиаторских боев и травли зверей. Вторая половина 1 в. н. э., в частности, период династии Флавиев, — время высоких достижений в римском портретном искусстве. Лучшие произведения этого периода соединяют в себе беспощадную правдивость в передаче натуры с более многосторонней образной характеристикой и развитым художественным обобщением. Если мастера идеализирующего портрета времени Августа обращались к греческому искусству 4 в. до н. э.,  то портретисты второй половины 1 в. опирались на достижения реалистических направлений эллинистического искусства. В одном из лучших памятников римской портретной скульптуры — портрете императора Вителлия.

35 Раннехристианское искусство как переходной этап от античных к средневековым традициям. Формирование основных типов храма.

Раннехристианское искусство испытало сильное влияние архитектуры и искусства Древнего Рима: создатели христианского искусства переняли и римский архитектурный тип - базилику, модифицировали некоторые иконографические изображения и мотивы (добрый пастух, философ, ангел, рыбы, виноград и др.). До 313 г. (в этом году христианство было узаконено в Римской империи) христианство не имело самобытной архитектуры, иконография складывалась из живописи в катакомбах, рельефов саркофагов, из украшений помещений, предназначенных для обрядов. К 5 в. сформировалась христианская храмовая структура. Большие и маленькие базилики с баптистериями построены в Риме, Иерусалиме, Костантинополе и других городах Европы, Северной Африки, Малой Азии. Христианская базилика - удлиненное прямоугоьное святилище, внутреннее пространство, которого дробится на 3.5, иногда 7 нефов, завершающихся апсидами. Центральный неф выше и шире других, с окнами вверху В Италии в средневековье строились базилики с притвором и четырехугольными открытыми дворами (атриумами - окруженное колоннами преддверие базилик). Распространилась храмовая мозаика, рельефы саркофагов,украшались литургические принадлежности (реликварии из слоновой кости и металлические кубки, книжные оклады, стекло и мталлическая посуда). Со временем Восточная христианская архитектура и искусство приобрели своеобразные черты. Здесь сформировался Византийский стиль. Раннехристианское искусство оказало непосредственное влияние на последующее развитие средневекового пластического искусства.

36 Искусство Западной Европы VII – X вв.
В конце V в. н. э. Западная Римская империя прекратила свое существование. В результате нашествия варваров оказались разрушенными многие города, храмы, древние дороги, памятники искусства. Культура, которую завоеватели принесли с собой, была ниже римской. Характерной чертой искусства эпохи переселения народов является преобладание орнамента и любовь к ярким цветовым сочетаниям. Орнаментально-декоративные формы искусства этого времени отличались чрезвычайным богатством. Это фигуры борющихся друг с другом фантастических чудовищ, животных и птиц. Особенно высоко стояла техника художественной обработки металлов, в частности ювелирное дело. Гораздо лучше сохранились до наших дней каролингские изделия из слоновой кости и особенно рукописные книги с иллюстрациями — миниатюрами. Эти книги переписывались по заказу императора. Создавая миниатюры, художники Карла Великого стремились подражать рисункам и живописным произведениям, созданным в Древнем Риме и Византии. Они умело изображали человеческую фигуру, пейзажи, архитектурные сооружения, но пользовались для этого уже сложившимися правилами, установленными церковью. Иллюстрации каролингских книг исполнены пером или тонко подобранными гуашными красками и золотом. скульптура исчезает из европейского искусства на несколько столетий. Искусство, если не считать изделий прикладного характера, служило тогда чуть ли не целиком церкви. А в её кругах представление о круглой, особенно монументальной, скульптуре долго ассоциировалось с идолопоклонством. Исчезновение скульптуры было обусловлено и тем, что эта форма искусства была чужда художественным навыкам осевших в Европе варваров.. В этот период начали строить каменные церкви - небольшие, грубые, но все же перенимающие план римских базилик. Для характеристики живописи 9в. и 10в. важное значение имеют в изобилии сохранившиеся памятники книжной миниатюры. Для них характерно выделение из орнамента повествовательных мотивов, которые постепенно начали играть значительную роль, а также изображение человека без геометрической деформации, в более или менее естественных пропорциях и положениях. Впервые евангелисты стали изображаться в величественных и торжественных позах, как правило с книгой и пером в руках. В зодчестве создавались более значительные по размерам и сложные по формам сооружения, шел поиск ясных и продуманных пропорций. Во внутреннем убранстве широко применялась фресковая живопись и мозаика.

37 романский стиль в искусстве Западной Европпы. Общая хар-ка, основные произведения. Романский стиль —  художественный стиль, господствовавший в Западной Европе в X—XII веках  один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы).Для романских построек характерно сочетание ясного архитектурного силуэта и лаконичности наружной отделки — здание всегда гармонично вписывалось в окружающую природу, и поэтому выглядело особенно прочным и основательным. Этому способствовали массивные стены с узкими проёмами окон и ступенчато-углубленными порталами. Известные постройки в романском стиле: Кайзерские соборы в Шпейере, Вормсе и Майнце в Германии; Либмургский собор в Германии; Пизанский собор и частично знаменитая Пизанская башня в Италии; Аббатство Мария Лаах в Германии; Церковь св. Якоба в Регенсбурге; Романские церкви в Валь-де-Бой; Приорат Серрабоны во Франции; Церковь Богородицы в Калуннборге (Дания);Церковь Нотр-Дам-ля-Гранд в Пуатье, . В 11-12вв. одновременно с архитектурой и в тесной связи с ней развивалась монументальная живопись и возводилась монументальная скульптура. Изобразительное искусство романского периода было почти целиком подчинено религиозному мировоззрению, поэтому преобладали сюжеты на религиозные темы. Изобразительные искусства романского периода отличаются символическим характером, условностью изображений и стилизацией форм, для них характерен дух сумрачной фантастики, орнаментально-беспокойная композиция. Во всех видах романского искусства важную роль играл орнамент: геометрический, составленный из мотивов флоры и фауны. Постепенно в этот орнамент включаются изображения отдельных человеческих фигур, а затем появляются и многофигурные композиции. Романская миниатюра прошла сложный путь развития.

Романский стиль прошел через отказ от варварской декоративности изображения в пользу массивно-обобщенных форм, которые, в свою очередь, начали отступать перед жизненными реальными образами, которые своеобразно сочетались с  декоративной и символической условностью. К середине 12в. этот синтез уже определился, и обе стороны его – условность и реалистическая экспрессия – переплелись друг с другом.

38 Проблема синтеза искусств в романской архитектуре.
В 11-12 столетиях одновременно с архитектурой и в тесной связи с ней развивалась монументальная живопись и возродилась монументальная скульптура после нескольких веков почти полного его забвения. Проблема синтеза архитектуры и скульптуры в романском храме предполагает изначальное подчинение скульптурной формы архитектурной.

39Готика в искусстве Западной Европы. Общая характеристика, основные произведения готический стиль, художественный стиль (между сер. 12 и 15-16 вв) . Готическое означало «варварское» в противовес «римскому». Готическим называли искусство, которое не следовало античным традициям.. Ведущим архитектурным типом стал городской собор: каркасная система готической архитектуры (стрельчатые арки опираются на столбы; боковой распор крестовых сводов, выложенных на нервюрах, передается аркбутанами на контрфорсы) позволила создавать небывалые по высоте и обширности интерьеры соборов, прорезать стены огромными окнами с многоцветными витражами.  Устремление собора ввысь выражено гигантскими ажурными башнями, стрельчатыми окнами и порталами, изогнутыми статуями, сложным орнаментом. Развивались градостроительство и гражданская архитектура (жилые дома, ратуши, торговые ряды, городские башни с нарядным декором).

В скульптуре, витражах, живописных и резных алтарях, миниатюрах, декоративных изделиях символико-аллегорический строй сочетается с новыми духовными устремлениями, лирическими эмоциями; расширяется интерес к реальному миру, природе, богатству переживаний. В 15-16 вв. готику сменяет Возрождение.

Западный фасад Кельнского собора. Германия. 1248-1560. Это крупнейший из готических соборов: его длина 14 м, а высота 153 м. Готический стиль распространялся в другие европейские страны из Франции. Немецкие мастера сумели передать беспокойный дух готики, усилили экспрессию и драматическую одухотворенность внешнего и внутреннего облика собора.

Основной неф и алтарь Кельнского собора. Главным архитектурным сооружением и украшением городов позднего средневековья становится величественный готический собор. В его основе лежит упрощенная в плане романская базилика. Сущность готической конструкции состояла в каркасном перекрытии здания. Собор в Амьене. 1220-1288. Собор построен по плану Робера из Люшарза при участии Тома и Рено из Кормона. Амьенский собор стал самым большим и высоким из французских готических соборов.

Авиньон. Папский Старый дворец. 1334-42 гг. Поздняя готика.

Готический собор в Милане. Строительство началось в 1386, закончилось в 1856. Архитекторы А. и Ф. дельи Органи, Дж. А. Амадео, К. Солари, П. Тибальди и другие.

40 книжная миниатюра в искусстве СредневековьяКнижная миниатюра занимает особое место среди других жанров и видов средневекового искусства. В отличие от живописи, архитектуры или монументальной пластики, миниатюра раннего средневековья не имеет прямой жанровой предшественницы. Однако первые известные науке книжные иллюстрации были созданы еще в Древнем Египте. Ими стали рисунки в папирусных свитках египетской "Книги мертвых". Расцвет же миниатюры тесно связан с книгой(блоком листов собранных под одной обложкой). Подобная форма книги, именуемая кодексом, возникла только в позднюю античность. Наиболее ранние памятники книжной миниатюры, созданные на Западе, датируются концом IV – началом V в. Самыми значительными произведениями книжного искусства этого времени являются так называемые Ватиканский и Римский Вергилий   и Кведлинбургская Итала. Ватиканский Вергилий содержит фрагменты "Энеиды" и "Георгик". Римский Вергилий, содержащий "Эклоги", "Георгики" и "Энеиду", состоит из 309 листов квадратной формы (33 х 33 см), на которых, помимо текста, размещены 19 цветных иллюстраций. Эту книгу принято датировать первой половиной V в. Миниатюры Римского Вергилия сохранились, пожалуй, несколько лучше (Илл.8), но стилистически они выполнены грубее, чем в Ватиканском. в обеих книгах художники модернизируют материальную культуру седой старины, о которой повествует эпическая поэма Вергилия, посвященная истории бегства Энея и его спутников из захваченной греками Трои. на страницах Дурхэмского Кассиодора (Англия, пер. пол. VIII в.) в сюжете "Царь Давид играет на арфе" (Илл.5) ветхозаветный монарх берет в руки ирландскую лиру, современный исследователь получает интересный документ не библейской, но средневековой истории музыки. Иллюстрации к Санктгалленской Псалтыри (ок. 880 г.) предоставляют нам подспорье в изучении военного костюма и знамен эпохи Каролингов (Илл.6), а сцена распятия из другой псалтыри, Штутгартской (820-830 гг.), содержит одно из первых дошедших до нас и, разумеется, не предусмотренное евангелистами изображение единорога. Возвращаясь к манускрипту Ватиканского Вергилия отметим, что в технике его миниатюр отразились традиции италийской фрески I-V вв. н.э. Здесь мы встречаем те же композиционные и цветовые решения, что и в настенных росписях римских вилл и дворцов – в частности, помпейских. Что же касается Римского Вергилия с его грубоватой пластикой и наивной организацией пространства в пределах одного рисунка (см., например, сюжет "Эней и Дидона в пещере", где нам одновременно показаны и внутренность пещеры, и окружающий ее ландшафт), то здесь искусствоведы получают широкий простор для выдвижения самых смелых гипотез. К Ватиканскому Вергилию близка по стилю миниатюр Кведлинбургская Итала [10] – роскошно иллюстрированная рукопись Ветхого Завета на латинском языке.

41. Готика во Франции.Характер синтеза искусств

Готика зародилась в Северной части Франции (Ильде-Франс) в середине 12 в. и достигла расцвета в первой половине 13в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму. На фасадах соборов варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические декорации, детали — узорные вимперги, фиалы, краббы и т. д. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы на цоколях и в тимпанах порталов, а также на капителях колонн образуют цельную символическую сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания, аллегорические образы. Лучшие произведения готической пластики - декор, статуи фасадов соборов в Шартре, Реймсе, Амьене, Страсбуре проникнуты одухотворённой красотой, искренностью и благородством. В Готике происходит обогащение и усложнение синтеза искусств, расширение системы сюжетов, в которой отразились средневековое представления о мире. Основным видом изобразительного, искусства была скульптура, получившая богатое идейно-художественное содержание и развитые пластические формы. Застылость и замкнутость романских статуй сменились подвижностью фигур, их обращением друг к другу и к зрителю. Со временем возник интерес к реальным природным формам, к физической красоте и чувствам человека. Новую трактовку получили темы материнства, нравственного страдания, мученичества и жертвенной стойкости человека. В поздней Готике, во Франции, получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и позолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматической (нередко экзальтированной) экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых. К лучшим образцам французского готического искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебрянные реликварии, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.

42. Витраж в искусстве готики

ВИТРАЖ - орнаментальная или сюжетная декоративная композиция (в окне, двери, в виде самостоятельного панно) из стекла или другого материала, пропускающего свет. Цветные витражи в окнах (напр., в готических соборах) создают игру окрашенного света в интерьере. Фреску заменил витраж. Витражи, помещенные в оконных проемах, наполняли внутреннее пространство собора светом, окрашенным в мягкие и звучные цвета, что создавало необычайный художественный эффект.

Почти до середины 12 века окна в храмах оставались сравнительно небольшими, поэтому в них могли поместиться лишь маленькие витражи с изображением нескольких сценок или одной крупной фигуры. Но после 1150 года начался процесс постепенного 'растворения ' стены: размеры окон неуклонно увеличивались. В конце концов, гладких стенных поверхностей осталось так мало, что архитектура, по существу, свелась к каркасу для окон. Первым пиком развития этой тенденции стали возведенные в конце 12 столетия соборы в Суассоне, Бурже и Шартре (Франция) и в Кентербери (Англия). Огромные окна этих зданий были украшены пластинами цветного стекла, образующими повествовательные циклы, многочисленные эпизоды которых создавали единую геометрическую структуру. Правда, витражи в окнах верхнего яруса центрального нефа по-прежнему содержали только одну-две     сцены или одну фигуру. В первой половине 13 века в немецкоязычных областях сформировался и наряду    с вариантами ранней французской готики вошел в употребление особый живописный стиль, во многом основанный на традициях византийского искусства. Произведения, выдержанные в этом стиле, изобилуют резкими линиями и острыми углами, из-за чего сам стиль получил название 'угловатого’. Во второй половине 13 столетия 'угловатый’ стиль постепенно приблизился по характеру к зрелой готике, сложившейся во Франции. Существует мнение, что высочайшим живописным произведением, созданным в Западной Европе до Джотто, т. е. до начального становления великой итальянской живописи Ренессанса, следует признать не фреску, картину или книжную миниатюру, а

43. Периодизация византийского искусства. Основные произведения Византийская империя - Римская империя в эпоху средневековья со столицей в Константинополе — Новом Риме. 1Период Константина Великого и Юстиниана. (5-8 вв.) 2Македоновский период. (9-11 вв.) 3Комниновский период. (11-13) 4 Палеологовский период. (13-15)

Самой замечательной равеннской  постройкой 6в. является церковь Сан Витале, заложенная в 526г. и освященная в 547г. Это центрический купольный храм. С внешней стороны здание мало интересно: основной восьмигранный объем расчленен простыми вертикальными и горизонтальными тягами; над ними возвышается сухой по форме граненый барабан. Мозаика собора Св. Софии в Константинополе. Искусство мозаики Византия унаследовала от Древнего Рима. Мозаика складывалась из множества кусочков смальты — сплава стекла с минеральными красками. Византийские мастера мозаики пользовались всем спектром красочной палитры.

44.Символика храма Храмовое пространство и его декоративное оформление..

.

Алтарь, наиболее важная часть храма, всегда находится на восточной стороне храма. Алтарь – основная святыня храма, освящающая все здание, символически изображает «селение Божие».

Средняя часть храма, «корабль», представляет собой все земное пространство, где находится вселенская Христова Церковь. Средняя часть храма символизирует мир тварный, но уже обоженный, освященный, оправданный.

Иконостас - состоит из нескольких рядов икон, расположенных в определенном порядке.

Западная сторона храма символизирует «страну мертвых» и ад. Своды, купол - венчающая купол с изображением Христа, есть символ Христа – Главы Вселенской Церкви.

Столпы. - На четырех столпах, поддерживающих купол, изображены те, кто проповедовал слово Божие: апостолы, епископы, подвижники, мученики.

В 9-10вв росписи храмов приводятся в стройную систему. Стены и своды церквей покрываются мозаиками и фресками, расположенными в строгом иерархическом порядке и подчиненными композиции храма. В интерьере создается проникнутая единым содержанием художественная среда, в которую включаются и иконы, размещенные на иконостасе

45.Византийское искусство 11-12вв.Общая хар-ка. Основные произведения. Византийское искусство, явилось продуктом сочетания греко-римских и восточных элементов .

Архитектура продолжала развивать сложившиеся типы зданий, давая им новую трактовку. В церковном зодчестве наблюдается определившаяся к середине 11в. тенденция к вертикализму пропорций зданий. Живопись проникнута духом строгости и одухотворенности. Мозаики этого периода графичны, они культивируют линию и замкнутый контур. Формы становятся более декоративными, орнаментальными, они тонко и виртуозно прорисованы, но в них нет земной  пластики. Художник стремился передать лишь отвлеченную духовную энергию, эмоциональную выразительность образа.

Во 2-ой половине 11в. был создан большой цикл мозаик в церкви монастыря Дафни близ Афин. Сюжеты распределены в строгой иерархической последовательности.   Продолжал развиваться тип крестовокупольной церкви с куполом на высоком световом барабане. Во второй половине 11в. распространилась ювелирно тщательная манера исполнения мелких рисунков, вплетающихся в текст, украшающих. - Распятие. Мозаики церкви монастыря Дафни. Эта мозаика выделяется особым декоративным изяществом. Фигуры Христа, Марии и Иоанна, очерченные плавными линиями, уравновешены и  гармоничны. Даже струйка крови изображена плавной линией.

46. Синтез искусств в Византийском храмовом зодчестве. Заимствовав формы от античной архитектуры, византийское зодчество постепенно их видоизменяло и в течение V века выработало, преимущественно для храмоздательства, тип сооружений, по плану и всей конструктивной системе существенно отличающийся от типа древнехристианских базилик. Главную его особенность составляет употребление купола для покрытия средней части здания. Решением византийских зодчих стало срезание углов параллелепипеда таким образом, что верхние части его стен приняли дугообразную форму. Внутри византийских храмов вокруг среднего подкупольного пространства, за исключением алтарной стороны, шла галерея наподобие хоров. Капители колонн в византийской архитектуре  лишились абака  и приняли форму усеченной четырёхгранной пирамиды, обращённой меньшим основанием вниз и покрытой не особенно выпуклой орнаментацией, мотивы которой составляют акантовые листья и другие формы растительного царства. Внутренность здания не отличалась богатством и сложностью архитектурных деталей, но зато его стены облицовывались снизу дорогими сортами мрамора, а вверху, точно так же, как и своды, обильно украшались позолотой, мозаичными изображениями на золотом фоне или фресковой живописью. В связи с распространением православия по всему миру, возможным стало огромное разнообразие храмовой архитектуры. Связанная в основе с традициями Византийского зодчества, она представляет собой синтез древних строительных и декоративных приёмов и канонов со стилевыми особенностями, характерными для архитектуры конкретного региона. Таким образом, в рамках одной христианской конфессии нашли своё воплощение самобытные и уникальные храмовые сооружения, отражающие не только суть христианского учения, но и мироощущение отдельного народа.

47. Влияние исихазма на икону Византии и Древней Руси.

Исиха́зм - широкое явление в религиозной жизни России XIV—XVI вв., охватывающее все влияния и отражения перешедшего на Русь исихазма в духовной практике, монашеской и монастырской жизни, духовной культуре и даже государственном строительстве. Исихазм пропагандировал индивидуальное отшельничество,  по своему принципу отличного от общежитного монашества. Кратко говоря, исихазм — это практика умно-сердечной молитвы. Обратный процесс, начавшийся в русском монашестве, а также за пределами России вырастает постепенно в русское исихастское возрождение XIX—XX вв. Его основные вехи — создание и распространение русского «Добротолюбия».  

48. Развитие монументального искусства Древней Руси (XI в.).

Изначально живописные изображения не были чужды культуре языческой руси. Но именно с принятием христианства на Русь пришли и новые для неё виды монументальной живописи - мозаика и фреска. Монументальная живопись была призвана не только украсить храм, но и ещё в большей степени должна была максимально, просто и лаконично раскрыть перед молящимися основные положения христианского вероучения - о Боге как Творце и Судье мира, Христе как спасителе человечества, пути спасения для людей, единстве небесной и земной церкви. Мозаика на Руси не получила широкого распространения, потому что смальта была слишком редким и дорогим материалом. Техника же фрески, требующая быстрого исполнения и мастерства, оказалась более приемлемой для живописного убранства русских церквей. Строгая канонизация живописи в известной степени сковывала худ творчество, предопределяя в ней более длительное и устойчивое византийское влияние, чем в архитектуре. Строго по византийским образцам были выполнены мозаичные работы Софии Киевской - изображения Богоматери Оранты и Христа Вседержителя в центральном куполе собора. Эти и другие мозаики и фрески были созданы в стогой и торжественной манере, свойственной византийской монументальной живописи. Все изображения Софийского собора пронизаны идеей величия, торжества и незыблемости првославной церкви и земной власти.

Древнерусские мозаики и фрески XI-XIV вв. стоят в ряду аналогичных памятников европейского средневековья. Они представляют огромную ценность для специалистов и художников, изучающих историю худ культуры далёкого прошлого.

49 Сравнительная характеристика Софийского собора в Киеве, Новгороде, Полоцке.
Собо́р Свято́й Софи́и — главный православный храм Великого Новгорода, созданный в 1045—1050 годах..
Собо́р Свято́й Софи́и (Софи́йский собо́р) был построен в XI веке в центре Киева.Разные летописи называют датой закладки собора 1017 или 1037 год.

Софийский собор - кафедральный собор города Полоцка, построен между 1030-1060 годами. Строительство связано с переносом центра города со старого городища.

В основе своего архитектурного решения повторяет Софийский собор Новгорода и Софийский Собор Киева. Оригинальное здание собора не сохранилось, остались его руины: остатки нижних стен и столпов, и апсид высотой около 11 метров. Известно, что в плане он повторял Софийский собор Киева, также как и Софийский собор Новгорода, это был пятинефный крестово-купольный храм с княжескими хорами, с выделенной алтарной частью в центральной апсиде с синтроном, с куполом диаметром 5,85 метра.

К храму прилегали пристройки: крещальня и лестничная башня на княжеские хоры. По летописям, можно предположительно сказать, что храм имел 7 глав. 4 купола располагались симметрично от главного, а крещальня и лестничная башня имели свои главы, что создавало свой композиционный образ общего вида. Главные отличия от Киева и Новгорода, это отсутствие галерей. Храм имел 3 апсиды, а не 5 апсид. Княжеские хоры открывались в центральное помещение двойными арками, опирающиеся на 1 промежуточный столб. Есть вима, дополнительное членение в апсидной части подкупольного пространства, характерна для Византии.

Храм был расписан только фресками, также как и в Новгороде, а в Киеве в свою очередь был синтез фресковой и мозаичной декоративной отделки храма.

50 Искусство Древней Руси периода феодальной раздробленности. Формирование местных школ зодчества и иконописи Архитектура.  Уже во 2-ой половине 11в. появился новый тип сравнительно небольшого монастырского храма, который в 12в. получил распространение во всех княжествах: крестово - купольный белокаменный храм, 4- столпный, одноглавый, с 3-мя или  1-ой полуциркульной апсидой с восточной стороны. В период феодальной раздробленности начинают складываться местные школы живописи. Развитие живописи этого периода идет в двух направлениях. С одной стороны, все сильнее сказывается влияния церкви, которая ведет упорную борьбу с пережитками язычества, светскими тенденциями, за чистоту и строгость христианских обрядов. Образы святых становятся более суровыми, аскетичными, отвлеченными, в них нет той непосредственной связи с портретными изображениями, характерными для киевского искусства 11 в. Богатство светотеневой лепки ранних киевских мозаик и фресок сменяется подчеркнутой линейностью, усиливающей плоскостной характер изображения; светлые тона лиц с голубыми и зелеными тенями уступают место темно-охристому цвету иконописных ликов. С другой стороны, в противовес этому процессу, в искусство местных школ все интенсивнее проникают влияния народной, древнеславянской культуры.

для памятников архитектуры стали характерны уменьшенные размеры храмов, упрощенность их внутреннего убранства и постепенная замена мозаики фреской. Господствующим видом церковного зодчества сделался «кубический» храм с тяжелой главой. Эти изменения были связаны и с быстрым распространением каменной архитектуры. В изобразительном искусстве возросло стилистическое разнообразие, причем местное народное творчество нередко вступало в борьбу с господствующей церковной идеологией. Для новгородской живописи (роспись Софийского собора, Николо-Дворищенской и Благовещенской церквей) характерна яркая, сочная красочность. Особенно замечательны были росписи Спаса-Нередицы — его стен, свода, столбов и арок. Новгородская иконопись характеризуется теми же чертами, что и монументальная живопись, и своими корнями уходит в народное искусство. Прикладное искусство и скульптура, менее чем живопись связанные с церковными канонами, нередко отражали в своих сюжетах народные игры и пляски, сцены борьбы и т. п. Значительного подъёма достигло искусство чеканки монет, печатей и каменной резьбы. Искусство Древней Руси периода феодальной раздробленности. Формирование местных школ зодчества и иконописи.
В конце 11 в на Руси образуются несколько княжеских государств и как результат -- образование самостоятельных худ школ.Зодчество 12-13вв отличается меньшей масштабностью зданий, простотой отделки. Получают распростронение Успенские соборы.Появление Новгородской и Владимиро-Суздальской школ

51. Искусство Полоцкого княжества XI—XII. Живопись Полоцкого княжества сохраняет черты киевско - византийских художественных традиций.

Самыми древними фресками являются росписи Софийского собора в Полоцке, которые сохранились только на трех восточных апсидах, нижних участках столбов и на стенах склепа

Древнейший памятник полоцкого зодчества – полоцкий Софийский собор – построен во второй половине XI века, вероятно, в связи с широкими политическими планами полоцких князей. Нам известны лишь его нижние части, сохранившиеся в составе позднейшего униатского собора. Можно думать, что в Софийском соборе был в полной мере выражен тот архитектурный тип

Х-XI веков, который мы характеризовали выше по памятникам Киева и Чернигова. Это грандиозный пятинефный собор, с обширными П-образными хорами и аркадами, открытыми в подкупольное пространство. Фасады собора также сохраняли каноническую систему декорации (ряды полуциркульных ниш), сочетавшуюся с незакрытой полосатой кладкой стены. Однако здание, несомненно, уступало в богатстве и сложности своему киевскому, столичному прототипу. Полоцкий собор имел всего три граненых апсиды, он был лишен торжественных башен и открытых галерей. Его массы были просты, а фасады строго симметричны. Собор завершался пятью главами, упоминаемое в источниках семиглавие сложилось позже. В интерьере, в восточ-ных углах, появились изолированные части. Иными словами, этот последний по времени памят-ник стиля X-XI веков уже нес в себе известное упрощение архитектурных форм, свойственное искусству периода феодальной раздробленности.

Вслед за постройкой Софии следует большой перерыв вплоть до XII века, когда встречаем памятники с оригинальной интерпретацией крестово-купольной системы. Как и Софийский собор, они сохранились плохо, трудно реконструировать их первоначальный облик.

В первой половине XII века в Полоцке были построены здания, связанные с именем зодчего Иоанна. Из них сохранился лишь один Спасо-Преображенский собор Спасо-Евфросиниевского монастыря, построенный до 1159 г. Этот памятник имеет выдающееся значение в истории русского зодчества той поры. Мастер Иоанн пошел по тому же пути критического переосмыс-ления крестово-купольной системы храма, о котором говорилось выше в связи с храмом Пятницы в Чернигове конца XII века. Но полоцкий зодчий работал в середине XII века и был одним из пионеров этой идеи. Спасо-Евфросиниевский собор своим продолговатым планом с одной выступающей апсидой несколько напоминает церковь Благовещения в Витебске; однако, в целом это совершенно оригинальный памятник, все особенности которого связаны с эффектной композицией его верха. Барабан купола поднят над сводами храма на высоком квадратном постаменте, обработанном трехлопастными арками. Пониженный нартекс с запада и массивная апсида с востока образуют как бы ступени, подводящие к повышенному основному объему храма, приобретающего в целом сложный, башнеобразный характер. Нагрузка сводов храма массивом подкупольного постамента привела зодчего к необходимости максимально усилить конструкцию храма: стены и столбы были сделаны очень мощными, а внутреннее пространство оказалось, таким образом, крайне сдавленным; в связи с этим западные столбы получили граненую форму, а боковые нефы очень сузились. Особенно утолщена была западная стена, вмещавшая лестницу на хоры, в углах которых были устроены изолированные приделы, еще более стеснившие интерьер.

Сохранившаяся в развалинах шестистолпная церковь Бориса и Глеба в Бельчицком Полоцком монастыре первой половины XII века, представляла собой очень близкую аналогию Спасо-Евфросиниевскому храму. Она имела, по-видимому, и ту же ступенчатую башнеобразную композицию верха. Этот храм был построен мастером Иоанном раньше собора Спасо-Евфроси-ниевского монастыря и был как бы подготовительным этапом к выработке законченной композиции последнего. Обе постройки мастера Иоанна дают примеры творческой переработки и переосмысления крестово-купольной системы храма. Это было одним из наиболее глубоких и коренных явлений в истории зодчества XII века, имевшим большое будущее.

Борисоглебский храм был не единственной каменной постройкой на Бельчице. Неподалеку от него стояла маленькая бесстолпная церковь-усыпальница с прямоугольной апсидой и двускатным щипцовым покрытием. Это здание с особой убедительностью показывает проникновение в каменную архитектуру черт деревянного зодчества. Несколько дальше раскопками были обнару-жены развалины большого собора, представлявшего законченный тип храма с тремя притворами. Все три постройки на Бельчице характеризуются одинаковой техникой «полосатой», чисто кирпичной кладки, тождественной кладке киевской церкви Спаса на Берестове; в бельчицких постройках ее декоративный эффект был подчеркнут окраской мумией выступавших рядов кирпича. Можно предполагать, что эти храмы входили первоначально в ансамбль пригородной княжеской резиденции первой половины XII века, на месте которой позже основался монастырь.В соборе Спасо-Евфросиниевского монастыря сохранились древние росписи, реставрация которых еще не завершена. В конце 20-х гг. были произведены пробные расчистки отдельных голов, в 1940-е, 50-е и 70-е гг. раскрыта значительная часть композиций, однако фрески эти нуждаются в планомерной реставрации. Основательница монастыря преподобная Евфросиния Полоцкая была горячей грекофилкой, она несколько раз ездила в Византию, ею было снаряжено посольство к патриарху Хрисовергу и императору Мануилу Комнину за «Эфесской» иконой Богородицы, которую ей и доставили в Полоцк; умерла она в далекой Палестине, откуда ее мощи были перевезены в 1186 году в Киев. Росписи основанного ею монастыря принадлежат к византийской традиции, ориентированной не на Константинополь, но на культуру провинций. Тяжелые, массивные головы, крупные черты и большие глаза придают лицам строгое, сумрачное выражение. Это сильное искусство во многом перекликается с росписями Нередицы: как и на фресках Нередицы, лица разделаны при помощи смело брошенных белильных светов, образующих прихотливые линейные узоры.

В Борисоглебской церкви в Полоцке сохранялись остатки росписей, но настолько выцветшие и стертые, что это лишало возможности определить их историческое место.

52 Архитектурные школы XII в. на территории Беларуси. Общая характеристика На основе традиций византийской архитектуры под влиянием форм Полоцкого Софийского собора в ХII в. сформировалась самобытная Полоцкая школа зодчества. . Наиболее значительные сооружения представляли Пятницкая и Борисоглебская церкви Бельчицкого Борисоглебского монастыря в пригороде Полоцка, Спасо-Ефросиньевская церковь Полоцкого Спасо-Ефросиньевского монастыря(*), Благовещенская церковь в Витебске.
Бельчиский монастырь был украшен фресками и керамич. плиткой.
В середине 12 в. по заказу Е. Полоцкой строится Спасо-Преображенская церковь. Эта церковь – первый памятник-храм, в котором Византийские традиции были переработаны в национ. духе. Всего в Полоцке в 12 в. было построено 10 храмов в Полоцке сформировалась своя архитектурная школа, которая имела влияние на др. земли . Еще одна архитектурная школа в г. Гродно. Характерный представитель этой школы – Борисо-Глебская церковь (Коложская кон. 12в.). Стены украшены фресками, а пол выложен плиткой. В верхней части стен вмонтированы сосуды-голосники, улучшающие акустику храма. Снаружи украшена плиткой и тесаным камнем в форме крестов и геометрических фигур. Такое оформление храмов не встречается больше нигде в храмовой архитектуре 12в. Всего учеными установлено существование около 5 храмов в г. Гродно.
Гродненская архит. школа развивалось под влиянием Полоцкой и Волынской. Храмы строились в Витебске, Турове и др. Таким образом в 9-12 вв. на бел. землях сформировались архитектурные школы, которые опирались на местные традиции и опыт киевской и Византийской школ.

53 Композиция, символика и художественные особенности высокого иконостаса.Иконоста́с — алтарная перегородка, более или менее сплошная, от северной до южной стены храма, состоящая из одного или нескольких рядов упорядоченно размещённых икон, отделяющая алтарную часть православного храма от остального помещения. Иконографический состав высокого иконостаса В иконостасе обычно три двери (врата), ведущие в алтарь: посредине иконостаса, прямо перед престолом — Царские врата, слева от Царских врат (по отношению к зрителю, стоящему перед иконостасом) — Северные врата, справа — Южные. Боковые врата иконостаса называются дьяконскими дверями. Царские врата принято открывать только во время богослужения. Через них могут проходить только священнослужители, совершая положенные богослужебные действия. Дьяконские двери могут в любое время использоваться для простого входа и выхода из алтаря. Сюжеты икон в иконостасе и их порядок имеют определенные сложившиеся традиции. Иконографический состав иконостаса выражает содержание и смысл происходящего в храме богослужения. Однако некоторые из сюжетов могут заменяться или варьироваться, что вызвано историческим развитием иконостаса и наличием местных особенностей. Наиболее распространенный состав русского иконостаса следующий:
Нижний ряд (или по-другому «чин») — местныйВ нем располагаются Царские врата с изображением на двух створках Благовещения и четырех евангелистов. Справа от царских врат икона Спасителя, слева — икона Богоматери. Справа от иконы Спасителя обычно находится храмовая икона, то есть икона того праздника или святого, в честь которого освящен данный храм. Второй ряд — деисус, или деисусный чин Деисусный чин — главный ряд иконостаса, с которого началось его формирование. Слово «деисис» в переводе с греческого означает «моление». В центре деисуса всегда икона Христа. Чаще всего это «Спас в силах» или «Спас на престоле». Справа и слева иконы предстоящих и молящихся Христу: слева — Богоматери, справа — Иоанна Предтечи, далее архангелов Михаила (слева) и Гавриила (справа), апостолов Петра и Павла. Изображенные на иконах деисуса святые должны быть повернуты в три четверти оборота ко Христу, так что они показаны молящимися Спасителю. Третий ряд — праздничныйВ нем помещаются иконы основных событий Евангельской истории, то есть двунадесятых праздников. Праздничный ряд, как правило, содержит иконы Распятия и Воскресения Христа. Обычно включается икона Воскрешения Лазаря. Заканчивается ряд иконой Успения. Четвертый ряд—пророческий В нем помещены иконы ветхозаветных пророков со свитками в руках, где написаны цитаты их пророчеств. В центре ряда обычно икона Богоматери Знамение или Богоматерь с Младенцем на престоле .Пятый ряд —праотеческий В нем располагаются иконы ветхозаветных святых Центральная икона ряда — «Отечество» или позднее так называемая «Троица Новозаветная».. Завершается иконостас крестом или иконой Распятия . В конце XVII века иконостасы могли иметь шестой и седьмой ряд икон:

54образ Матери Божей в иконописи
Дева Мария- в христианстве мать Иисуса Христа, одна из самых почитаемых фигур. В православии, католицизме и других традиционных церквях почитается как Богородица. Согласно Евангелию она была еврейской девушкой из Назарета, обрученной Иосифу, которая, оставаясь девственницей, зачала своего сына-первенца Иисуса чудесным образом, посредством Святого Духа. Богородица традиционно изображается в определённых одеждах: пурпурном мафории (покрывале замужней женщины, закрывающем голову и плечи), и тунике (длинном платье) синего цвета. Мафорий украшают три звезды — на голове и плечах. Надпись на иконе даётся по традиции в греческом сокращении  (Матерь Божья).
Иконы Богородицы призваны раскрывать всю Богородичную догматику христианства. Первые иконы Божией Матери предание приписывает евангелисту Луке. Древнейшие дошедшие до нас изображения Богородицы обнаружены в римских катакомбах и относятся исследователями ко II и III векам. Мария представлена чаще всего сидящей с Младенцем Христом на руках (обычно в сценах поклонения волхвов), либо в позе Оранты.
Образ Богородицы, сидящей на троне, с Младенцем на руках часто встречается в Византии, в русской иконографии он известен по древней Свенской (Печерской) иконе, приписываемой первому русскому иконописцу Алипию, и новой Державной, появившейся в 1917 году. Именно к иконографии Богородицы на троне некоторые исследователи возводят один из самых распространённых типов изображения — Одигитрию.
Иконы Богоматери ещё одного распространённого иконографического типа — Елеусы =(Умиления), — вероятно, не встречаются ранее X века, но становятся особенно популярными в поздневизантийской и древнерусской иконописи
Наряду с Одигитрией выделяют похожий тип икон Богородицы Панахранта=«Всемилостивая». Этому типу характерно изображение Богоматери на престоле с Богомладенцем на коленях. Трон символизирует царственное величие Божией Матери.
Ещё один тип изображения «Деисусная» икона, представляющая Богородицу без Младенца в молитвенной позе и входящую в состав деисусных композиций.. Кроме этого известно множество композиций, основанных на богослужебных текстах и песнопениях, иногда объединяемые под общим именованием «акафистные иконы». Помимо икон Богородицы к Её иконографии относят иконы Богородичных праздников
В календаре Русской Православной церкви упоминается около 260 чтимых и чудотворных икон Богородицы, вообще же можно насчитать более 860 наименований её икон. Для большинства икон установлены отдельные дни празднования, им написаны молитвы, тропари, кондаки иногда акафисты.

55 Творчество Феофана Грека.

Феофа́н Грек (около 1340 — около 1410) — великий русский и византийский иконописец, миниатюрист и мастер монументальных фресковых росписей.
Феофан мыслит фигуру трехмерно, пластически. Он отчетливо представляет себе, как располагается тело в пространестве, поэтому, несмотря на условный фон, его фигуры кажутся окруженными пространством, живущими в нем. Большое значение Ф-н придавал передаче в живописи объема. Его способ моделировки эффектен, хотя на первых взгляд кажется эскизным и даже небрежным. В искусстве Ф-на всегда незримо присутствует чудо. Феофан Грек был одним из византийских мастеров. До приезда в Новгород художник расписал свыше 40 каменных церквей. Он работал в Константинополе, Халкидоне, Галате, Каффе. Обладая огромным живописным талантом, Феофан писал фигуры широкими мазками. Поверх первоначальной прокладки он накладывал сочные белые, голубовато-серые и красные блики.
Первые работы Феофана Грека на Руси выполнены им в Новгороде. Это фрески собора Спаса Преображения, среди которых погрудное изображение Спаса Вседержателя в центральном куполе. Главное в росписи - возвеличивании аскетического подвига, ожидание апокалипсиса. Грек работал позже в Нижнем Новгороде, участвуя в создании иконостасов и фресок в Спасском соборе, которые не сохранились до нашего времени. Впервые Феофан Грек упоминается в Москве в 1395 году. С мастерской Феофана связано изготовление двусторонней иконы "Богоматерь Донская", на обратной стороне которой изображено "Успение Богородицы".
В “Успении” изображено то, что обычно изображается в иконах на этот сюжет. У погребального ложа Марии стоят апостолы, не похожие на строгих греческих мужей. Они сгрудились у ложа без всякого порядка. Не совместная просветленная скорбь, а личное чувство каждого - смятение, удивление, отчаяние, горестное размышление о смерти - читается на их простых лицах. Многие словно бы не в состоянии смотреть на мертвую Марию. Над одром Марии, над фигурами апостолов и святителей высится сияющий золотом Христос с душой богоматери в руках. Апостолы не видят Христа, его мандорла - это уже сфера чудесного, недоступного человеческому взгляду. Резкое звучание красок “Успения” как бы раскрывает крайнюю степень душевного напряжения, в котором пребывает апостолы. В”Успении” Феофана есть деталь, которая как будто концентрирует в себе драматизм происходящей сцены. Эта свеча, горящая у ложа богоматери. Помещенная в самом центре, на одной оси с фигурой Христа и херувимом, свеча в иконе Феофана кажется исполненной особого смысла. По апокрифическому преданию, Мария зажгла ее перед тем, как узнала от ангела о своей смерти. Свеча догорает, это значит, что кончается время земного прощания с Марией. Через несколько мгновений исчезнет сияющий Христос, его мандорла, скрепленная, как замковым камнем, огненным херувимом. В мировм искусстве немного произведений, которые с такой силой давали бы ощутить движение, быстротечность времени, равнодушного к тому, что оно отсчитывает, неумолимо ведущего все к концу.
В Спасо-Преображенском соборе Переяславля-Залесского Феофан расписал церковь Архистратига Михаила в 1399 году, а в 1405 году - Благовещенский собор вместе с Андреем Рублевым. Иконостас Благовещенский - древнейший из сохранившихся доныне русских иконостасов.

56 Творчество Андрея Рублева.
На формирование мировоззрения Рублёва большое влияние оказала атмосфера национального подъёма 2-й половины XIV — начала XV вв.. В своих произведениях он воплотил новое, возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Пример: иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил)для которых характерны лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.
В 1405 Рублёв совместно с Феофаном Греком и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля (фрески не сохранились), а в 1408 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами — Успенский собор во Владимире (роспись сохранилась частично) и создал иконы для его монументального трёхъярусного иконостаса, ставшего важным этапом формирования системы высокого русского иконостаса. Из фресок в Успенском соборе наиболее значительна композиция «Страшный суд», где традиционно грозная сцена превратилась в светлый праздник торжества справедливости, утверждающий духовную ценность человека.
В 1425—27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и др. мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествама. В ряде более поздних работах ему удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Колорит икон более сумрачен по сравнению с ранними произведениями; в некоторых иконах усиливается декоративное начало.
Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде , иконы — «Владимирская богоматерь» , «Спас в силах» , часть икон праздничного чина ( «Рождество Христово», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим»), часть миниатюр «Евангелия Хитрово»
Почти все персонажи погружены в состояние безмолвного созерцания, которое может быть названо «богомыслием» или «божественным умозрением»; какие-либо внутренние аффекты им не свойственны.
Классическое чувство композиции, ритмов, всякой отдельной формы, воплощенное в ясности, гармонии, пластическом совершенстве, у Андрея Рублева столь же безупречно, как у греческих мастеров первой трети 15 века.
Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры.Уже при жизни Андрея его иконы весьма ценились и почитались как чудотворные.

57 «Троица» Андрея Рублева. около 1412 он создал свой шедевр — икону «Живоначальная Троица» . Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским содержанием. Библейский рассказ лег в основу иконографии Троицы. Говоривший о том что Первым, кто увидел бога, был праведный старец Авраам. Бог явилс к нему в облике трех ангелов. Авраам догадался, что под видом трех странников от принимает три лица Троицы. Исполнившись радости, он усадил их под сенью Мамврийского дуба, велел жене своей Сарре испечь из лучшей муки пресные хлебы, а отроку слуге - заколоть нежного тельца.Отойдя от традиционной иконографии, Андре рублев поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Одежды среднего ангела (красный хитон, синий гиматий, нашитая полоса — клав) явно отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. Двое из сидящих за столом главою и движением стана обращены к ангелу, написанному слева, в облике которого читается отеческая начальственность. Голова его не наклонена, стан не склонен, а взгляд обращен к другим ангелам. Светло-лиловый цвет одежд свидетельствует о царственном достоинстве. Все это — указания на первое лицо Святой Троицы. Наконец, ангел с правой стороны изображен в верхней одежде дымчато-зелёного цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора. На иконе есть ещё несколько символов: дерево и дом. Дерево — мамврийский дуб — превратилось у Рублёва в древо жизни и стало указанием на живоначальность Троицы. Дом воплощает Божие Домостроительство. Дом изображен за спиной ангела с чертами Отца (Творец, Начальник Домостроительства), Древо — за спиной среднего ангела (Сын Божий), Гора —символ восхищения духа, то есть, духовного восхождения,за спиной третьего ангела (Святой Дух).Центральный ангел выделен выразительным контрастом пятен тёмно-вишнёвого и голубого цветов, а также изысканным сочетанием золотистых охр с нежным «голубцом» и зеленью. А внешние контуры образуют 5-угольник, символизирующий вифлеемскую звезду. «Троица» рассчитана на дальнюю и ближнюю точки зрения, каждая из которых по-разному раскрывает богатство оттенков, виртуозную работу кисти. Гармония всех элементов формы является художественным выражением основной идеи «Троицы» — самопожертвования как высочайшего состояния духа, созидающего гармонию мира и жизни.

58 творчество дионисия
ДИОНИСИЙ (ок. 1440 — после 1502), иконописец и живописец, один из величайших художников Святой Руси.

Дионисий расписывал Рождественский собор Пафнутиева Боровского монастыря (1467-76); написал иконы для иконостаса Успенского собора Московского Кремля; иконы и фрески соборной церкви Иосифо-Волоколамского монастыря (после 1485). В иконах и фресках Дионисия по сравнению с искусством эпохи Андрея Рублева проявляются единообразие приемов, черты праздничности и декоративности, перед которыми несколько отступает психологическая выразительность образов. Иконам Дионисия с их тонким рисунком и изысканным колоритом, с сильно вытянутыми грациозными фигурами присущи нарядность и торжественность (“Богоматерь Одигитрия”, 1482; “Спас в силах”, “Распятие”, обе 1500; иконы для Ферапонтова монастыря, 1500-02, совместно с сыновьями Владимиром и Феодосией Много работ приписано иконописцу на основании стилистического анализа. Несмотря на уязвимость этого положения, мы должны все же согласиться с отдельными примерами, утвердившимися в искусствоведческой науке. Созданные Дионисием с сыновьями росписи собора Ферапонтова монастыря близ г. Кириллова (1500-02) принадлежат к числу наиболее совершенных образцов русского средневекового монументального искусства, где в стройной и цельной системе росписей органично решены идейно-образные и декоративные задачи. Эти росписи отличаются слитностью с архитектурой и красотой подчиненных плоскости стены композиций, с изящными, как бы лишенными тяжести фигурами и холодной колористической гаммой, преобладанием светлых оттенков. Тот факт, что Дионисий ощутил потребность осознать по-новому Священное Писание, осмыслить догматические тексты, и выразил своё понимание методами живописи, создав совершенно новые, яркие образы, говорит о том, что общение с московскими еретиками (кружок дьякона Федора Курицына) не прошло для художника бесследно.

Характерной чертой его искусства были узкие, элегантные фигуры, тонкий, уверенный рисунок и часто светлые, прозрачные краски. Рисовал фрески в Пафнутьевом монастыреУспенском соборе , где работал вместе с иконописцами Тимофеем, Конём и Ярезом. Работал в Иосифо-Волоцком монастыре , а со своими сыновьями писал фрески и иконы в Ферапонтовом монастыре. Создал знаменитую икону «Крещение».

59 Искусство Италии доренессансного периода. Общая характеристика. Основные произведения., В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства — будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства — будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. Для искусства Проторенессанса характерны тенденция к наглядному отражению реальности, светское начало и интерес к античному наследию С первых десятилетий 14в. ведущая роль в искусстве начинает постепенно переходить к живописи.

Итальянские живописцы были тесно связаны с византийским стилем живописи и поэтому они задержались с переходом к проторенессансному искусству. Но когда к концу 13в. произошел прорыв, то крепкий фундамент византийской традиции послужил надежной опорой и итальянские художники совершили подлинный переворот в живописном мышлении.

Ведь при всем схематизме византийской живописи в ней сохранялась связь с эллинистическим наследием. В отвлеченных, статичных канонах были законсервированы античные приемы светотеневой моделировки и ракурсных сокращений. Нужен был  гениальный художник способный преодолеть чары византийской застылости, чтобы выйти в новое художественное пространство.

Такого гения итальянское искусство обрело в лице флорентийского живописца Джотто ди Бондоне. В крупнейшем цикле фресок  Капеллы дель Арена в Падуе можно видеть отступление от средневековой традиции: вместо ограниченного числа вырванных из общей связи канонических евангельских  сытий, каждое из которых приобретало символическое значение, Джотто создал связное историческое повествование, включив в него широкий круг сюжетов. Фрески расположены ровными рядами и заключены в прямоугольники. К числу наиболее известных фресок принадлежит "Смерть святого Франциска"

60. Этапы развития итальянского искусства эпохи Возрождения. Основные произведения.

Проторенессанс (дученто) - XII-XIVвв.

Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) - с сер XIV-XVвв.

Высокий Ренессанс (чинквеченто) - до второй трети XVIв.

Поздний Ренессанс - 2 треть XVI - 1 половина XVII вв.

1.Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Период делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

В к.XIII века во Флоренции главное храмовое сооружение — собор Санта Мария дель Фьоре, автор - Арнольфо ди Камбио,работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

                  .Брунеллески архитектор   

Купол Флорентийского  Собора. Капелла Пацци при церкви Санта Кроче.

Заложил основы ренессансной архитектуры

Донателло скульптор

Статуя Св. Георгия., Давид.

Реализм в изображении человека.

Статуя Св. Георгия ясно выражала ренессансный идеал человека: чувство самосознания и уверенности в своих силах, свободная и спокойная поза (поза хиазм). Это «обожествленный человек».В образ Давида введена бытовая деталь – пастушеская шляпа.

. Леонардо да Винчи

Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа); Мадонна в скалах (в гроте); Тайная вечеря;

Мона Лиза (Джоконда).

Рафаэль Санти

Мадонна Конестабиле; Мадонна в кресле;Сикстинская Мадонна

Микеланджело Буонарроти (г. Флоренция)

Фрески Сикстинской капеллы:

61 Проторенессанс XIII – XIV вв). — этап в истории итальянской культуры, предшествующий Ренессансу. Считается переходным от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Для искусства Проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, появление интереса к античному наследию. Для архитектуры Проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие. Представитель: Арнольфо ди Камбио. Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства. Представитель: Никколо Пизано. Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм. Представители: Пьетро Каваллини (Рим); Джотто (Флоренция). Зарождаются новые ренессансные традиции в живописи - реализм: опытки передать объемность человеческого тела и пространственную перспективу, появление пейзажных фонов, изображение деталей быта. Еще сильны средневековые традиции готики (плоскостность фигур, золотой фон и т.п.).

62 Джотто Ди Бондони основоположник живописиВозрождения-, с его именем связан поворот к реалистическому искусству. Считается архитектором, скульптором, поэтом, но главное - живописцем. Подлинный реформатор живописи, Джотто порывает со средневековыми художественными традициями и канонами итало- византийского искусства.   Наиболее известными произведениями считаются росписи на евангельские сюжеты, в капелле дель Арена в Падуе и росписи на темы из жизни Фанциско Асизкого (итальянский проповедник, основатель ордена францисканцев)  в церкви Санта Кроче во Флоренции. В этих шедеврах мастер отказался от плоскостного характера иконописных изображений на основе синтеза объёма и плоскости. Архитектура и пейзаж во фресках Джотто всегда подчинены действию и намечены очень скупо, нигде никаких подробностей. Они используются лишь для выделения главных действующих лиц.  Художественный язык Джотто предельно лаконичен. Он не уделяет внимания передаче индивидуальных особенностей внешности. Все персонажи имеют схожий тип лица - продолговатого,   с тяжелым подбородком и близко поставленными глазами. Очертание фигур также лаконично. Светлые, холодные краски, гладкая фактура.Главное для Джото - изображение земных людей с их человеческими чувствами и страстями, которые помещены в реальную обстановку. Он отказывается соединять в одной композиции разновременные моменты.

Джотто избегает слишком драматических выражений страсти, но не становится бесстрастным. Он передает глубину переживаний в скупых пластических формах, пользуясь языком движений, простых и выразительных жестов и ракурсов, мимики.Одним  из трогательных образов праву считается образ Христа в сцене  '' поцелуй Иуды'', фрески капеллы дель Арена в Падуе Новаторство Джотто оказало колоссальное воздействие на изобразительное искусство Возрождения..

63 Сиенская школа   одна из главных школ живописи в Италии. Сложилась в XIII в. (Гвидо да Сиена и др.). Исходила из традиций итало-византийской иконописи и готической книжной миниатюры. Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. Сиенская школа живописи исходила из традиций итало-византийской иконописи и готической книжной миниатюры. В период расцвета сиенской школы (XIII - первая половина XIV вв.) её мастера (Дуччо ди Буонинсенья, Симоне Мартини, Липпо Мемми), отчасти воспринявшие воздействие Джотто, создавали произведения, отличающиеся одухотворённым лиризмом образованным эмоциональной насыщенностью мягкого локального колорита, утончённостью линейного ритма. Наиболее последовательно искания Джотто были осмыслены братьями Пьеро и Амброджо Лоренцетти. Их произведения при готической условности композиции отмечены непосредственностью наблюдений, смелым введением реального ландшафта (в том числе панорам Сиены), бытовых сцен и деталей, портретных образов, попытками пластической лепки объёмов. В XV в. важнейшими чертами сиенской школы, основывавшейся главным образом на традициях треченто, оставались утонченный декоративизм, лирическая созерцательность образного строя, вносящая в произведения многих сиенских мастеров (Сассетта, Джованни ди Пабло) атмосферу сказочности. В XVI в. сиенская школа постепенно утратила своё значение.

64. Флорентийская живописная школа XV в.одна из ведущих итальянских художественных школ эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция. Родоначальником Флорентийской школы в живописи в эпоху Проторенессанса стал Джотто, наполнивший религиозные сюжеты земным, человеческим смыслом, стремившийся придать образам и многофигурным сценам пластическую убедительность и жизненную достоверность.

В 15 веке основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции выступили архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донателло, живописец Мазаччо. В архитектуре Флорентийской школы и был создан новый тип ренессансного палаццо, начаты поиски идеального типа храмовой постройки, отвечающей гуманистическим идеалам эпохи. Для изобразительного искусства Флорентийской школы 15 века характерны увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному построению человеческой фигуры. Искания мастеров 15 столетия завершили великие художники Возрождения Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие художественные искания Флорентийской школы на новый качественный уровень.

65 Раннее Возрождение (XIV-Xv вв.) в искусстве Италии связано прежде всего с Флоренцией, где Медичи покровительствовали гуманистам и всем искусствам. В начале XV в. флорентинская школа — авангард гуманистического искусства Возрождения. тличительная особенность Раннего Возрождение – создание и сознательное распространение принципов гуманизма.В противовес старому церковному взгляду на человека как на существо жалкое в своей греховности сложилось и окрепло убеждение, что человек рождён для счастья, вправе пользоваться всеми радостями жизни.В этот период сознательно и целенаправлено изучаются античное искусство, античная философия и литература. Архитектура Раннего Возрождения: Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377—1446) — архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы. (капелла Пацци).  Леон Баттиста Альберти (палаццо Ручеллаи, церковь Сант-Андреа в Мантуе)Ломбардо и Кодуччо (церковь Санта-Мария деи Мираколи, Скуола ди Сан-Марко) Скульптура Раннего Возрождения:Гиберти (восточные двери флорентийского баптистерия)Якопо делла Кверча (монументальные рельефы главного портала церкви Сан-Петронио в Болонье («Сотворение Адама»)) Живопись Раннего Возрождения:Мазаччо (фреска «Троица» созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции, фреске «Изгнание из рая» ).Фра Филиппо Липпи («Поклонение Младенцу»)Пьеро делла Франческа (цикл фресок в церкви Сан-Франческо в Ареццо)

66 Боттичелли Сандро итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. По окончании учебы Боттичелли стал подмастерьем в ювелирной мастерской своего брата Антонио, но долго в ней не задержался и перешел в ученики к одному из самых знаменитых художников того времени. Боттичелли не проявляет интереса к развитию повествования, к бытовым мотивам, драматическим событиям или героическим подвигам.Он концентрирует внимание на духовном мире и настроении своих персонажей.В ранних произведениях Боттичелли можно отметить поэтичность образов, обилие портретов, внимание к деталям. Он отступает от господствующей в искусстве Италии 15в. традиции профильного изображения портретов: поворачивает лицо к зрителю, вводит в композицию руки.

СБоттичелли свойственны ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям (“Поклонение волхвов”, около 1474–1475).Станковым портретом художника (портрет мужчины с медалью, 1474, ,) свойственно сочетание тонких нюансов внутреннего состояния человеческой души и четкая детализация характеров портретируемых. В 1481 году Сандро Боттичелли получил от папы Сикста IV почетный заказ. В выполненных Сандро Боттичелли в 1481–1482 фресках в Сикстинской капелле в Ватикане (“Сцены из жизни Моисея”, “Наказание Корея, Дафана и Абирона”, “Исцеление прокаженного и искушение Христа”) величественная гармония пейзажа и античной архитектуры сочетается с внутренней сюжетной напряженностью, остротой портретных характеристик. Волшебная грация, красота, богатство воображения и блестящее исполнение, присущие картинам на мифологические темы, присутствуют также в нескольких знаменитых алтарях Боттичелли, написанных в течение 1480-х годах (алтарь Барди с изображением Мадонны с младенцем и святыми Иоанном Крестителем и Иоанном Евангелистом

67. Мантенья Андреа Живописная манера художника Андреа Мантенья отличается чеканностью форм и рисунка, эмалевым блеском красок (росписи капеллы Оветари в церкви Эремитани в Падуе). Творчество его впитало в себя элементы разнообразных традиций  (флорентийских, нидерландских, венецианских, готических). Но особенно большое значение имела для Мантеньи античная классика. Он не только использовал приемы и формы классического искусства, но впервые попытался перенести действие в обстановку древнего мира.Овладев теорией линейной перспективы, он использовал ее для создания необычных эффектов и зрительных иллюзий, изобрел новые приемы декорировки интерьера, использовал необычные ракурсы фигур.

Много нового вносит Мантинья в построение перспективы, находит необычные точки зрения, создает иллюзию перехода персонажей в реальное пространство.уровым духом римской античности проникнута серия монохромных картонов Андреа Мантенья с “Триумфом Цезаря”. Среди поздних произведений Мантеньи - цикл монохромных картин, в том числе “Самсон и Далила, исполненное драматизма и композиционной остроты полотно “Мертвый Христос”. Живописец Андреа Мантенья был также новатором в области гравюры, и его эстампы на античные темы позднее оказали влияние, в частности, на Дюрера. Графические работы Мантеньи (цикл гравюр на меди “Битва морских божеств”,), почти не уступающие его живописи по чеканной монументальности образов, сочетают скульптурную пластичность с нежностью штриховой моделировки.

68 Искусство Флоренции 2 пол. XV в. Новые веяния в изобразительном искусстве раньше всего проявились в скульптуре. Мастера Раннего Возрождения большое внимание уделяют изображению нагого тела, передаче движения, используют мотивы античной классики.

В скульптуре получили развитие свободностоящая статуя, перспективный живописный рельеф, реалистический портретный бюст, конный монумент. Во главе мастеровстоял скульптор Донателло н выступил как подлинный новатор. Порвав с традициями позднего треченто, он встал на путь обновления как идейного содержания, так и художественных средств скульптуры. Созданные Донателло образы являются первым воплощением гуманистического идеала всесторонне развитой личности и отмечены печатью яркой индивидуальности и богатой духовной жизни. Основываясь на тщательном изучении натуры и умело используя античное наследие, Донателло первым из мастеров Возрождения сумел разрешить проблему устойчивой постановки фигуры, передать органичную цельность тела, его тяжесть, массу.

Творчество Мазаччо Итальянский живописец. Для живописи Мазаччо характерны лаконичность, энергичное развитие действия, выразительность мимики и движений. Вместо условного построения пространства с горизонтом поднятым к верхнему краю картины и расположенными друг над другом фигурами, в  произведениях Мазаччо, появляется естественный горизонт, проходящий на уровне глаз зрителей. Он одним из первых применил законы линейной перспективы на практике. Для живописи Мазаччо характерны лаконичность, энергичное развитие действия, выразительность мимики и движений.Вместо условного построения пространства с горизонтом поднятым к верхнему краю картины и расположенными друг над другом фигурами, в  произведениях Мазаччо, появляется естественный горизонт, проходящий на уровне глаз зрителей. Он одним из первых применил законы линейной перспективы на практике. Одной из самых прославленных фресок капеллы является "Изгнание из рая" В этой фреске художник сосредоточивает внимание на драматическом содержании сюжета, постановке и пластической лепке фигур. По силе экспрессии эта фреска не имеет аналогий в искусстве своего времени. Впервые в истории живописи Возрождения Мазаччо удалось убедительно вылепить нагое тело, придать ему естественные пропорции, твердо и устойчиво поставить на землю.

69 Пьеро дела Франческа. Разработка проблем колористики и световоздушной перспективы в его творчествеПьеро́ де́лла Франче́ска , итальянский художник и теоретик, представитель Раннего Возрождения Живописи Франческа присуща умиротворенность, спокойствие и лаконичная простота изобразительных средств. Действие в его произведениях развито мало, представленные в них люди сдержанны, жесты их лаконичны, мимика скупа.Композиции его строго уравновешены, формы предельно обобщены.

Величайший знаток линейной перспективы, Пьеро почти не пользовался ею для создания иллюзии глубины. Пространство в его картинах и фресках строится с помощью цвета. Кажется, что их светлые чистые краски сами излучают свет, наполняя им пейзажи и интерьеры. Цветом он пользуется и для моделировки формы.  Тень он рассматривал не как отсутствие света, а как иной цвет. Геометрически выстроенное пространство Пьеро делла Франческа заполняет ощутимым светом. В его живописи свет не только моделирует формы, но и, наряду с перспективой,   выявляет последовательность пространственных планов. Никто не раскрыл богатейших возможностей света с такой полнотой, как Пьеро делла Франческа. Картина "Поклонение младенцу" наполнена величавым спокойствием, краски ее прозрачны и наполнены солнцем.

Самое замечательное создание Пьеро делла Франческа - его фрески в алтаре церкви Сан - Франческо

70 Высокое Возрождение. Общая характеристика культуры (1490-1530 гг.)

Эпоха Возрождения рассматривается исследователями западно-европейской культуры как переход от средних веков к Новому времени, от общества феодального -- к буржуазному. Ренессанс (возрождение) -- это эпоха великих открытий. Темпы развития ренессансной культуры в странах Западной Европы различны. Приблизительны и хронологические границы -- в Италии ХIV-ХVI века, в других странах ХV-XVI века. Наивысшей точки своего развития культура Ренессанса достигает в XVI столетии, когда становится общеевропейским явлением -- это, так называемое, Высокое, классическое Возрождение. на первый план выдвигаются идеи гуманизма. Гуманизм как принцип культуры Возрождения и как широкое общественное течение базируется на антропоцентрической картине мира, утверждается новый центр могучая и прекрасная личность. Образцы нравственного и прекрасного

71 Образ мадонны в искусстве Ренессанса. Каждый живописец вкладывал в ее образ что-то свое, сообразно своим мыслям и чувствам. Мадонна - воплощение того идеала красоты и добра, который смутно воодушевлял народное сознание. Слово «мадонна» означает «моя женщина» …. С этим значением соединился образ материнства как неотъемлемый от представления о прекрасной женщине, исполняющей главную жизненную миссию. “Мадонна с цветком”.
“Мадонна Литта”  “Джоконда”.

Леонардо да Винчи считал, что “хороший живописец должен писать две главные вещи: человека и представления его души”Флорентийские мадонны Рафаэля –это бесконечно изящные, миловидные, трогательные и чарующие юные матери. Мадонны, созданные им в Риме, то есть в период его полной художественной зрелости, приобретают иные черты. Это уже владычицы, богини добра и красоты, властные своей женственностью, облагораживающие мир, смягчающие человеческие сердца и сулящие миру ту одухотворенную гармонию, которую они собой выражают

72 Архитектура эпохи Возрождения. Общая характеристика. Основные произведения.

Особенное значение в этом направлении придаётся формам античной архитектуры: симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей. Движение возрождения характеризуется отходом от анонимности ремесленников и появлением персонального стиля у архитекторов. Архитекторы эпохи Возрождения заимствовали характерные черты римской классической архитектуры. Тем не менее, форма зданий и их назначение, как и основные принципы градостроительства, изменились с античных времён. План зданий эпохи Возрождения определён прямоугольными формами, симметрией и пропорцией. Фасад симметричен относительно вертикальной оси. Церковные фасады, как правило, размерены пилястрами, арками и антаблементом, увенчаны фронтоном. Расположение колонн и окон передаёт стремление к центру. Первым фасадом в стиле Возрождения можно назвать фасад кафедрального собора Пиенцы. Жилые здания часто имеют карниз, на каждом этаже расположение окон и сопутствующих деталей повторяется, главная дверь отмечена чертой — балконом или окружена рустом. Одним из прототипов такой организации фасада был дворец Ручеллаи во Флоренции.примером этого стиля в архитектуре является Палаццо Те Джулио Романо в Мантуе, с его огромными лоджиями, рустированными стенами, парковыми гротами и обширными фресками.Лоренцо Бернини создал полукруглые колоннады собора Святого Петра, сень над его главным престолом, дворцы Барберини и Браччьяно.

73 Скульптура получает художественную самостоятельность и идейную значительность. Скульпторы Возрождения обращались не только к традиционным христианским образам, но и к живым людям, современникам. Скульпторы Ренессанса добиваются полного знания человеческого тела, они освобождают его из-под массы одежды. Особое место в истории итальянской скульптуры конца XIII — начала XIV в. принадлежит Джованни Пизано. Наиболее известны созданные Джованни Пизано кафедры в Пизанском соборе и церкви Сант-Андреа в Пистойе, а также статуи святых, пророков, Мадонн. В XV в. итальянская скульптура переживала расцвет.

Пизанская школа скульптуры — первая крупная школа скульптуры в Италии. Пиза являлась центром классической культуры и поддерживала связи с востоком. Здесь скульптура уже не дополнение к архитектуре, а как самостоятельная дисциплина, репутацию которой подкрепляет античность. итектуры значение, в ней появились новые жанры.

74 Леонардо да Винчи (1452-1519), итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер. Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения Возможное объяснение этого феномена состоит в том, что он получил профессиональную подготовку не ученого, а художника, флорентийского художника. От своих предшественников он воспринял понимание художественной деятельности как деятельности исследовательской и хотел добиться еще большей точности и широты в познании видимого мира, причем до всего он хотел дойти самостоятельно, не доверяя книжному знанию.

Законченных произведений Леонардо не так уж много, но великое множество рисунков, набросков, записей. Если он задавался целью осуществить замысел от начала до конца, ему хотелось добиться предельного совершенства.

Самым совершенным творением природы Леонардо считал человека. Его идеал - гармонически развитая личность, живущая земными интересами и далекая от аскетизма средневековья.Многие картины Леонардо созданы на религиозные сюжеты, но  трактовались эти сюжеты по- новому. В полных жизни и света творениях великого мастера угадываются земные, реальные люди, их сложный духовный мир и переживания.

В ранних произведениях (голова ангела в “Крещении” Верроккьо, после 1470, “Благовещение”, около 1474, - оба в Уффици; так называемая “Мадонна Бенуа» В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие он выполнил стенную роспись “Тайная вечеря” .В портрете “Моны Лизы” или “Джоконды”) он воплотил возвышенный идеал вечной женственности и человеческого обаяния; важным элементом композиции стал космически обширный пейзаж, тающий в холодной голубой дымке. К поздним произведениям Леонардо да Винчи относятся алтарный образ “Святая Анна и Мария с младенцем Христом».Особое внимание уделял механике, видя в ней главный ключ к тайнам мироздания; его гениальные конструктивные догадки намного опередили современную ему эпоху (проекты прокатных станов, машин, подводной лодки, летательных аппаратов). Собранные им наблюдения над влиянием прозрачных и полупрозрачных сред на окраску предметов привели к утверждению в искусстве Высокого Возрождения научно обоснованных принципов воздушной перспективы . Изучая устройство глаза, Леонардо да Винчи высказал правильные догадки о природе бинокулярного зрения. В анатомических рисунках он заложил основы современной научной иллюстрации, занимался также ботаникой и биологией.

75«Тайная вечеря» Леонардо

ТАЙНАЯ ВЕЧЕРЯ - последняя вечеря, в христианских представлениях последняя совместная трапеза (ужин) Иисуса Христа и двенадцати апостолов в канун дня (страстной пятницы) крестной смерти Христа. Во время тайной вечери Христос предрекает, что его предаст Иуда Искариот, и учреждает таинство евхаристии (причащения), дав ученикам вкусить хлеба и испить из чаши с вином.

В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря» (1495-97; из-за рискованного эксперимента, на который пошел мастер, применив для фрески масло в смеси с темперой, работа дошла до нас в весьма поврежденном виде). Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, а также волнующе-парадоксальное, как всегда у Леонардо, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали «Тайную вечерю» одним из самых значительных произведений в истории мирового искусстваРеставрация заняла 21 год. 28 мая 1999 года роспись была открыта для просмотра.

76Рафаэль, итальянский живописец и архитектор. сын живописца. Рафаэль по складу своего дарования был художником синтеза и гармонии. Его искусство, отмеченное чертами счастливого равновесия разума и чувств, стало совершеннейшим воплощением классического стиля Высокого Возрождения. Он полно и ясно выразил высокие гуманистические мечты о существовании прекрасного мира, где люди свободны и счастливы. В 1500-1504 годах Рафаэль учился у художника Перуджино в Перудже. Произведения этого периода творчества Рафаэля  отмечены тонкой поэзией и мягким лиризмом пейзажных фонов (“Сон рыцаря). С 1504 Рафаэль работал во Флоренции, где познакомился с творчеством Леонардо да Винчи и Фра Бартоломмео, занимался изучением анатомии и научной перспективы.. В последних флорентийских работах Рафаэля (“Положение во гроб»),появляется интерес к сложным формулам драматически-взволнованного движения, разработанным Микеланджело. Созданные им во Флоренции многочисленные изображения Мадонн (“Мадонна Грандука) принесли молодому художнику всеитальянскую славу. с 1514 руководит строительством собора святого Петра, работает в области церковной и дворцовой архитектуры, в 1515 назначается Комиссаром по древностям, отвечает за изучение и охрану античных памятников, археологические раскопки. Выполняя заказ папы, Рафаэль создал росписи залов Ватикана, воспевающие идеалы свободы и земного счастья человека, безграничность его физических и духовных возможностей.. В зале Ватикана Станца делла Сеньятура (1509-1511) Рафаэль  представил сюжеты в области духовной деятельности: богословие (“Диспута”), философию (“Афинская школа”), поэзию (“Парнас”), юриспруденцию (“Мудрость, Мера, Сила”), К числу лучших работ Рафаэляотносятся также выполненные по заказу банкира и мецената Агостино Киджи росписи сводов капеллы Киджи и проникнутая духом античной классики с ее культом чувственной красоты знаменитая фреска “Триумф Галатеи” (1514-1515, вилла Фарнезина, РимПосле смерти Браманте Рафаэль занял должность главного архитектора собора Святого Петра в Риме

77 Станцы Рафаэля - это несколько комнат в Ватиканском дворцовом комплексе, которые расписал Рафаэль. 1 Станца дель Инчендио ди Борго— последняя из станц, расписанных Рафаэлем Темы росписей взяты из истории папства, а именно — эпизоды, связанные со Львом III и Львом IV, что позволяло прославить находившегося тогда на папском престоле Льва Х. Лучшая фреска этой станцы, по имени которой она и названа, — «Пожар в Борго» 2 Станца делла Сеньятура Это первая из станц, расписанных Рафаэлем (1508—1511 гг.). Тема росписи — духовная деятельность человека. Фрески представляют четыре её области: «Афинская школа» — философию, «Диспута» — богословие, «Парнас» — поэзию, а «Мудрость, умеренность и сила» — правосудие. «Афинская школа» — одно из величайших творений ренессансного искусства 3 Станцу д’Элиодоро. Тематика её росписей — чудесное покровительство, оказываемое  Богом церкви.

78 Микельанджело крупнейший мастер Высокого и Позднего Возрождения. был гениальным скульптором, живописцем, архитектором и поэтом Высокого и Позднего Возрождения. Его творчество отразило глубокие противоречия развития художественной культуры Италии в 16в. В искусстве Микеланджело отразились полные героического пафоса идеалы эпохи Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического мировоззрения,  характерное для культуры Позднего Возрождения.Уже в юношеских произведениях (рельефы “Мадонна у лестницы”) определились главные черты творчества скульптора - монументальность и благоговение перед человеческой красотой. Работая в конце 1490-х годов в Риме, Микеланджело отдал дань увлечению античной скульптурой в статуе “Вакх. В 1501 году Микеланджело возвратился во Флоренцию, где создал колоссальную статую “Давид” (1501-1504, Галерея Академии, Флоренция), Для гробницы Юлия II, завершенной только в 1545 (церковь Сан-Пьетро ин Винколи в Риме), Микеланджело создал ряд статуй, в том числе наделенного могучей волей, титанической силой и темпераментом “Моисея” (1515-1516), исполненных трагизма “Умирающего раба” и “Восставшего раба” (1516, Лувр), а также 4 неоконченные фигуры рабов. В труднейших условиях, на протяжении четырех лет, с 1508 по 1512 год работал Микеланджело, выполнив всю роспись громадного плафона (600 кв.м площади) собственноручно. В соответствии с архитектоникой капеллы он расчленил перекрывающий ее свод на ряд полей, разместив в широком центральном поле девять композиций на сюжеты из Библии о сотворении мира и первых людях на земле: “Отделение света от тьмы”, “Сотворение Адама”,“Сотворение Евы”, “Грехопадение”, “Потоп”, “Опьянение Ноя” и др.Мироощущение Микеланджело в 1520-е годы приобретает трагический характер. Глубокий пессимизм, охвативший его перед лицом гибели в Италии политических и гражданских свобод, кризиса ренессансного гуманизма, отразился в образном строе скульптур усыпальницы Медичи - в тяжком раздумье и бесцельном движении лишенных портретных черт статуй герцогов Лоренцо и Джулиано, в драматическом символизме четырех фигур, изображающих “Вечер”, “Ночь”, “Утро” и “День” и олицетворяющих необратимость течения времени К последним скульптурным работам Микеланджело относятся отмеченные трагической экспрессией художественного языка “Пьета” и скульптурная группа “Пьета Ронданини” предназначенная им для собственного надгробия и не законченная. Для позднего творчества Микеланджело характерны постепенный отход от живописи и скульптуры и обращение к архитектуре и поэзии. С 1546 Микеланджело руководил в Риме возведением собора святого Петра и строительством ансамбля площади Капитолия (обе работы были завершены после его смерти

79 Микеланджело Буонарроти скулльптор) — великий итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, мыслитель. Один из величайших мастеров эпохи Ренессанса. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид» (1501—1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме — скульптурную композицию «Пьета́» (1498—1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике.

Она поражает мастерством композиции, уверенностью и свободой в изображении нагого тела и особенно силой и глубиной чувств, выраженных в ней при кажущейся внешней сдержанности.Композиция группы строга и проста. Обе фигуры тесно слиты друг с другом, образуя устойчивую пирамиду. Вопреки давней традиции изображения сюжета, Мария представлена прекрасной и юной, лицо ее не искажено горем. Вся сила страдания сосредоточена в тяжело повисшем на руках матери мертвом теле с запрокинутой головой, резко выступающим бугром плеча и бессильно упавшей рукой. Мадонна у лестницы, Битва кентавров, Пьета, Мадонна с младенцем, Давид, Мадонна Таддеи, Апостол Матфей, Умирающий раб, Атлант и др.

80 Росписи Сикстинской капеллы Фрески Сикстинского плафона (1508-12) — самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело.

Отвергнув предложенный ему проект с фигурами 12 апостолов в боковых частях свода и с орнаментальным заполнением его основной части, Микеланджело разработал собственную программу росписей, до сих пор вызывающую различные толкования. С помощью иллюзорно переданных живописью элементов архитектуры плафон разделен на ряд частей. Среднюю часть плафона капеллы занимают девять сцен библейской легенды о сотворении мира и жизни первых людей на земле; по углам каждой из этих композиций расположены фигуры обнаженных юношей. По боковым сторонам свода изображены семь пророков и пять сивилл (прорицательниц). В остальных частях росписи — в парусах свода, распалубках и люнетах над окнами — изображены отдельные эпизоды из Библии и так называемые предки Христа.
Лучший образ этой росписи - первый человек Адам. Он, мужественный и красивый, лежит на склоне холма, протянув руки к Богу. Через плечо Бога смотрит ангел, восхищенный человеческой красотой.

81  Сравнительная характеристика образа Давида.

Донателло: Следуя библейскому сюжету, скульптор изобразил своего героя очень юным. Он стоит, опустив правую руку с мечом, попирая ногою голову поверженного Голиафа. Чувствуется, что, создавая этот образ библейского героя, Донателло стремился опереться на античные традиции. Особенно заметно сказалось влияние античных прототипов в трактовке лица и волос: лицо Давида в рамке длинных волос, прикрытых полями пастушеской шапки, почти не видно из-за наклона головы.

Давид Микеланджело: Это воплощение мужской силы, одновременно духовной и физической. Сочетание героического мужского начала с человеческой открытостью и ранимостью. Мастер избрал для своего Давида совсем другую ситуацию: вместо исхода борьбы — ее начало. Герой только готовится нанести удар. Поза спокойна, устойчива и свободна, но в повороте головы, движении руки, держащей пращу, уже заложена динамика. Давид совершенно обнажен. Давид Микеланджело - это, прежде всего герой.

Давид Верроккьо: Верроккьо показывает тело Давида просвечивающим сквозь одежду. Давиду придано телосложение пятнадцатилетнего юноши. У него очень тонкие руки, узкие плечи и большая голова. Одежда не может скрыть худобы

тела — под ней легко просматриваются даже ребра Скульптор сумел Передать даже напрягшиеся жилы на руках. Торжествуя победу, его герой как

бы позирует перед восторженными зрителями, любуясь собою. Герой смотрит прямо перед собой, полуулыбаясь навстречу зрителю. Лицо как бы освещается изнутрирадостью. Вся фигура излучает довольство собой и уверенность

82 ВЕНЕЦИАНСКАЯ ШКОЛА, одна из художественных школ Италии. Наибольший расцвет переживала в эпоху Возрождения во 2-й пол. 15-16 вв. в живописи В. ш. яркое художественное выражение. В. ш. выделяют преобладание живописных начал, совершенное владение пластически-выразительными возможностями масляной живописи, особое внимание к проблемам колорита. (семья Беллини, В. Карпаччо, Джорджоне, Тициан, П. Веронезе, Я. Тинторетто) и в 18 в. (Дж. Б. Тьеполо, А. Каналетто, П. Лонги, Ф. Гварди). При этом здесь был выработан тяготеющий к свой оригинальный стиль в искусстве, парадной красочности. Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм. Основоположником венецианской школы живописи по праву считается Джованни Беллини («Мадонна на троне в окружении святых») (1431?-1516), стиль которого отличают утонченное благородство и сияющий колорит. В XVII в. венецианская школа переживает период творческого спада. В работах мастеров раннего венецианского Возрождения (середина и 2-я половина 15 в.) — братьев Виварини, Якопо Беллини и особенно Джентиле Беллини и Витторе Карпаччо — нарастают светские начала, усиливается стремление к реалистическому изображению окружающего мира, передаче пространства и объёма;В работах Д. Фетти, Б. Строцци и Я. Лисса приёмы живописи барокко, реалистического наблюдения и влияние караваджизма сосуществуют с традиционным для Венеции интересом к проблемам колорита. Новый расцвет Венецианской школы относится к XVIII в., когда Венецианская республика стала одним из главных центров разделённой чужеземцами Италии. С этим периодом связан расцвет монументально-декоративной живописи, сочетавшей жизнерадостную праздничность с пространственной динамикой и изысканной лёгкостью колорита (творчество Дж. Б. Тьеполо). Получает развитие жанровая живопись (Дж. Б. Пьяццетта и П. Лонги), , характеризующего вторую пору Высокого Р., суть Дж. Бароцци, прозванный Виньолою (замок Капрарола, в Витербо), живописец и биограф художников Дж. Вазари (дворец Уффици, во Флоренции)Каналетто. Портелло и канал Брента в Падуе. Франческо Гварди. «Вид площади с дворцом». Паоло Веронезе. «Поклонение волхвов».

83 Джорджоне (1476 или 1477–1510), итальянский живописецНастоящее имя художника – Джорджо Родоначальником искусства Высокого Возрождения в Венеции считается Д. Д. реформировал венецианскую школу. Он первым из художников пишет картины на мифологические и литературные темы, (другие художники работали в основном по заказам церкви), а также портреты, вводит в живопись изображение нагого тела, передает в пейзаже состояние природы.  ОЁн "классичен", ясен, уравновешен в своих композициях, его рисунку свойственна редкая плавность линий. Он стремился к гармоническому единству, к одухотворенности и психологической выразительности образов, интересовался пропорциями человеческого тела, законами светотени.

Джорджоне создавал картины на светские, мифологические сюжеты, именно в его творчестве получившие преобладающее значение. В произведениях Джорджоне (“Юдифь”,). Ощущение скрытого дыхания жизни, органичность воссоздания натуры соединяются в них с благородной идеализацией, утонченностью эмоциональной атмосферы, сложным, рассчитанным на непрямые ассоциации сюжетным замыслом. Сохраняя свойственные искусству Раннего Возрождения ясность объемов и мелодическую выразительность контуров, Джорджоне с помощью прозрачной светотени добивался зрительного слияния человеческих фигур с пейзажем. Джорджоне рано ушел из жизни, он умер в Венеции во время эпидемии чумы осенью 1510 года.

84 Тициан творчество

(около 1488/1490 - 1576), итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Учился в Венеции у Джованни Беллини; Тесно связанный с художественными кругами Венеции (Джорджоне, архитектор Якопо Сансовино, писатель Пьетро Аретино), выдающийся мастер венецианской школы живописи, Интерес к пейзажу, поэтичность, лирическая созерцательность, тонкий колорит роднят ранние работы Тициана (так называемая “Цыганская мадонна, чистых красок (“Любовь земная и небесная”, Тогда же Тициан написал несколько портретов, строгих и спокойных по композиции (“Юноша с перчаткой)Новый период творчества Тициана (конец 1510-х - 1530-е годы) связан с общественным и культурным подъемом Венеции, ставшей в эту эпоху одним из главных оплотов гуманизма и городских свобод в Италии. (“Вознесение Марии). Исполненным глубокого трагизма поздним религиозным полотнам Тициана присущи цельность характеров, стоическое мужество (“Кающаяся Мария Магдалина”,  В поздний период своего творчества Тициан достиг вершин как в своем живописном мастерстве, так и в эмоционально-психологическом толковании религиозных и мифологических тем.Манера письма художника становится исключительно свободной, композиция, форма и цвет строятся с помощью смелой пластической лепки, краски накладываются на полотно не только кистью, но и шпателем и даже пальцами. Прозрачные лессировки не скрывают подмалевка, а местами обнажают зернистую фактуру холста. Из сочетания гибких мазков рождаются образы, исполненные трепетной жизненности и драматизма.В 1550-е годы характер творчества Тициана меняется, нарастает драматическое начало в его религиозных композициях (“Мученичество святого Лаврентия. К этим образам близка также горько рыдающая Мария Магдалина в одноименном полотне. Существенный перелом в творчестве художника происходит на рубеже 1550-1560-х годов. Полным динамики, смятения, сильных порывов страстей предстает мир в серии мифологических композиций на сюжеты «Метаморфоз» Овидия. Эти полотна отличает сложная живописная структура, размытость границы между формами и фоном; поверхность холста как бы соткана из наложенных широкой кистью, иногда втертых пальцами мазков

85 северное возрождение-это германия,франция и нидерланды.  

ТВОРЧЕСТВО МАЗАЧЧО. Мазаччо 21 декабря 1401, Сан-Джованни-Вальдарно, Тоскана — осень 1428, Рим) — знаменитый итальянский живописец. Несмотря на небольшую продолжительность своей жизни, он показал себя первостепенным мастером, значительно превзошедшим Мазолино в понимании форм реального мира, в драматизме и в чувстве красоты, значительно продвинул итальянскую живопись и оставил в своих произведениях образцы, по которым учились позже Леонардо да Винчи, Рафаэль иМикеланджело. Главные из этих произведений — фрески, написанные в капелле Бранкаччи, в церкви святой Марии дель Кармине, во Флоренции, рядом с фресками Мазолино. Они изображают «Изгнание Адама и Евы из земного рая», «Крещение, совершаемое апостолом Петром», «Апостола Петра и Иоанна, исцеляющих своей тенью больного», «Чудо с Кесаревым динарием» и «Проповедь апостола Петра». Другие многочисленные фрески и станковые картины, о которых говорит Вазари, как о принадлежащих Мазаччо во Флоренции, либо исчезли, либо не могут быть признаны его работами (как, например, «Мадонна с Младенцем и святой Анной» во Флорентийской академии художеств).Некоторые приписывают ему, также со слов Вазари, фрески небольшой капеллы в римской базилике святого Климента, но они принадлежат скоре Мазолино. В разных музеях Европы встречаются картины, считающиеся произведениями Мазаччо; однако их принадлежность ему в большинстве случаев сомнительна.

86 Особенности нидерландской культуру. Нидерландскаяживопись 15-16вв. нидерландская живопись— один из этапов Северного Возрождения, эпоха, охватывающая в истории европейского искусства приблизительно столетие, начиная со второй четверти XV века. На территории Нидерландов сформировалась чётко узнаваемая самостоятельная живописная школа, для которой была характерна реалистическая манера письма, нашедшая своё выражение прежде всего в жанре портрета. С появлением портрета светская, индивидуализированная тема стала впервые главным мотивом живописи. Всё чаще заказчиками помимо дворянства выступала богатая знать и купечество. Человек на картинах больше не идеализировался. Появлялись настоящие люди со всеми своими человеческими недостатками. Морщины, мешки под глазами, — всё без прикрас натурально изображалось на картине. Прим: Робер Кампен. Портрет толстого мужчины.Святые больше не обитали исключительно в храмах, они оказывались и в дома горожан

87 Гентский алтарь братьев Ван Эйк. создан по заказу Йоса Вейдта для своей семейной капеллы Иоанна Богослова в гентском соборе Святого Бавона. Надпись на алтаре сообщает, что он был начат Хубертом ван Эйком, и закончен его братом Яном. Алтарь состоит из 24 панелей, на которых изображены 258 человеческих фигур. Высота алтаря в центральной части достигает трёх с половиной метров, ширина (в раскрытом виде) — пяти метров. Картины, из которых состоит алтарь, расположены на внешней и внутренней стороне алтаря. В закрытом состоянии — на внешней стороне алтаря изображён донатор и его жена. В среднем ряду изображена сцена Благовещения. В верхнем ряду картин представлены фигуры пророков и языческих пророчиц, предсказавших пришествие Христа. В раскрытом виде размеры алтаря увеличиваются в два раза. В центре верхнего ряда изображен Бог-Отец, сидящий на престоле. У ног Бога-Отца лежит корона, символизирующая превосходство над всеми царями. Слева и справа от престола изображения Богоматери и Иоанна Крестителя. Далее следуют изображения музицирующих ангелов. Ангелы — без крыльев. Один из ангелов играет на органе с металлическими трубами. Завершают ряд обнаженные фигуры Адама и Евы. Над Адамом и Евой расположены сцены убийства Каином Авеля и жертвоприношение Каина и Авеля. В середине нижнего яруса сцена поклонения жертвенному агнцу. Слева от фонтана — группа ветхозаветных праведников, справа — апостолы.

88 Творчество Босха

Нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения.

Стилистически его творчество принято разделять на ранний (1475-80), средний (1480-1510) и поздний (с 1510) периоды. Правда быта, едкая сатира сочетаются с замысловатой, темной символикой, и лишь в пейзажных далях.  сохраняется присущий Яну ван Эйку восторг перед божественной гармонией мироздания. Картина «Корабль дураков» полна очевидной и неявной символики. Чревоугодие, потакание собственным слабостям, вожделение составляют букет пороков.

Главные шедевры Босха, обеспечившие ему посмертную славу — большие алтарные триптихи, самым ранним из которых считается «Воз сена. Многолюдное действо центральной части алтаря разыгрывается между Раем на левой и Адом на правой створках, — наглядными началом и концом земного пути беспутной человеческой массы. Сюжет главной сцены обыгрывает пословицу «мир — воз сена, каждый тащит с него, сколько может.

. В известнейшем и самом большом триптихе («Сад наслаждений») действо, традиционно для Босха, разыгрывается между Раем слева и Адом справа — в центре же представлен поразительный «адо-рай», где прекрасное нагое человечество оказывается высшим грациозным плодом и в то же время пассивной жертвой растительно-животной природы, окружающей людей ловушками в виде гигантских ягод, насекомых, оживающих скал и прочих «сюрреалистических» деталей.

, в позднейшем из больших триптихов, с Эпифанией (Богоявлением) или Поклонением волхвов, царит почти безмятежный покой; земная суета, представленная мелкими сценками, зримо растворяется в полях картины за сакральным событием переднего плана.

89 картины Брейгеля старшего, которые он писал, ни одной из них он не написал портреты на заказ. Также, у него нету обнажённых фигур. В 1565 году, художник написал серию картин времён года, но сохранилось всего несколько произведений. На каждый месяц была отдельная картина. Художник посвятил более 45 картин изображению природы, людей, деревень. Представители сельских кругов становятся героями его работ. Ни один художник до этого не решался создавать работы подобной тематики. Более поздние работы говорят о том, что у художника вырос интерес к индивидуальным фигурам. Брейгель старший начинает больше уделять внимание написанию людей. К этому периоду относятся картины: «Птицелов и разоритель звёзд», «Падение слепых».

90 немецкое Возрождение и его представители. В культуре Возрождения в Германии исключительно важная роль принадлежала искусству. Конец XV — начало XVI в. стали периодом недолговременного, но блистательного расцвета немецкой ренессансной живописи и графики, которые сохраняли связь с традициями готики. Центральное место в искусстве этой поры принадлежало творчеству Альбрехта Дюрера (1471—1528). Дюрер обладал универсальным дарованием: разносторонний живописец, график, который стал величайшим мастером гравюры в Европе, он был также ученым, занимавшимся проблемами линейной перспективы и пропорционирования человеческого тела, теоретиком искусства. Он сочетал в своем творчестве рациональность и страсть, тягу к точности изображения натуры и полет фантазии, орнаментальность линейного строя произведений и их пространственную глубину. Серии гравюр на дереве — «Апокалипсис», «Большие страсти», «Малые страсти», в прославленне шедевры гравю на меди: «Рыцарь, смерть и дьявол», «Св. Иероним в келье», «Меланхолия», картина «Четыре апостола». Одновременно с Дюрером работал крупнейший художник — Матис Нитхардт (1460/1470—1528), прозванный Грюневальдом. Грюневальд — мастер экспрессивных, драматических религиозных образов, проникнутых мистическим визионерством. «Изенгеймский алтарь» для монастырской церкви, центральное место в котором занимает «Распятие». Грюневальд больше Дюрера связан с наследием готики, но мощью образов и грандиозностью ощущения природы он неотделим от Ренессанса. Колористическое богатство его живописи принадлежит к высшим достижениям национальной художественной культуры. Выдающийся портретист, мастер мифологических и религиозных сцен Лукас Кранах Старший (1472—1553) особенно тесно связал свое творчество с задачами Реформации. Ренессансная острота и свежесть восприятия мира отличают его ранние работы. Его влияние сказалось на творчестве целой плеяды художников, в живописи и графике которых важную роль играл пейзаж и которых объединяют названием «Дунайская школа». В скульптуре Германии этой поры высшие достижения также связаны с творчеством ряда мастеров. Фейт Штос (Вит Ствош, ок. 1455—1533), принадлежал не только немецкому, но и польскому искусству: в начале и конце своего пути в искусстве он работал в Южной Германии, но самым крупным его созданием стал резной раскрашенный деревянный алтарь в церкви Марии в Кракове. Тильман Рименшнейдер (ок. 1460—1531). Как и Фейт Штос, он был создателем одухотворенных образов, в которых уже наметился отход от традиций поздней готики. Адам Крафт (ок. 1460—1508) и Петер Фишер Старший (1460—1529) прокладывали дорогу ренессансным тенденциям, один — в каменной скульптуре, другой — в бронзовой. в немецкую архитектуру ренессансные веяния приходят с запозданием. Развивается преимущественно светская архитектура: княжеские дворцы и замки, гильдейские и частные дома горожан, ратуши, склады, цейхгаузы. Традиции позднеготических конструкций как основы зданий сочетаются с ренессансными формами и орнаментом в декоративном убранстве. В последние десятилетия XVI в. нарастает нидерландское влияние, все больше торжествуют вычурные маньеристические формы, сочетающиеся с готическими реминисценциями. На протяжении всей эпохи, независимо от того, что происходит в соседних областях художественного творчества, сохраняют высокий уровень произведения немецких мастеров декоративно-прикладного искусства — виртуозов обработки металла, дерева, кости и других материалов.

91 Творчество Дюрера

ДЮРЕР Альбрехт (1471, Нюрнберг — 1528, там же), немецкий живописец и график. Основоположник искусства немецкого Возрождения (серия гравюр «Апокалипсис», 1498), выразил гуманистические представления о смысле бытия и задачах искусства (т. н. мастерские гравюры, 1513-14). Создал полные силы и энергии образы человека реформационной эпохи («Портрет молодого человека», 1521 Теоретик искусства («Четыре книги о пропорциях человека», 1528).

Сын серебряных дел мастера, выходца из Венгрии. Учился сначала у отца, затем у нюрнбергского живописца и гравера Михаэля Вольгемута (1486-90).

искусство аккумулирует в себе богатство и своеобразие немецких художественных традиций, постоянно проявляющихся в облике персонажей Дюрера, далеком от классического идеала красоты, в предпочтении острохарактерного, во внимании к индивидуальным деталям. Живопись 1494-1514. Первая значительная работа Дюрера — серия пейзажей (акварель с гуашью, 1494-95), выполненных во время путешествия в Италию «Поклонение волхвов»,Одной из главных тем творчества Дюрера в 1500-х гг. становится поиск идеальных пропорций человеческого тела, секреты которых он ищет, рисуя обнаженные мужские и женские). «Праздник четок» и «Поклонение св. Троице. Уже в раннем портрете Освальда Креля Дюрер предстает как сложившийся мастер, блестяще передающий своеобразие характера, внутреннюю энергию модели. Уникальность Дюрера и в том, что ведущее место среди его ранних портретов занимает автопортрет..

Начало нового творческого подъема связано с поездкой Дюрера в Нидерланды (1520-21), где он, кроме многочисленных беглых зарисовок, сделал ряд превосходных графических портретов( «Агнес Дюрер», металлический карандаш). В 1520-е гг. портрет становится ведущим жанром в творчестве Дюрера и в гравюре на меди

93 Творчество Эль Греко

ЭЛЬ ГРЕКО  Доменико (1541-1614), испанский живописец. По происхождению грек. Первоначально работал в поздневизантийской живописной манере в Кандии. был учеником или последователем Тициана.В Венеции и Риме овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма («Изгнание торгующих из храма»). Алтарные картины 16 в. Первые полученные в Испании заказы — картины для алтарного образа церкви в Толедо (центральная композиция «Вознесение Марии»)

Не получив признания при дворе, художник навсегда поселился в Толедо. Слава Эль Греко в Толедо достигла вершины после создания им в 1586-1588 картины «Погребение графа Оргаса» для скромной приходской церкви Сан Томе.Созданные Эль Греко портреты толедских современников — аристократов, писателей, врачей, ученых, представленных поколенно или погрудно на нейтральном фоне, — наполнили живопись Испании психологическим богатством. Будучи чужестранцем, художник остро почувствовал и сам тип этих людей, и их манеру держаться. Один из ранних — «Портрет кавалера с рукой на груди»— словно возведенный в рамки канона образ испанского дворянина своего времени.

В творчестве позднего Эль Греко, в котором мир предстает как единая одухотворенная стихия, изобразительные приемы принимают все более ирреальный характер. Одна из линий связана с темой мистического экстаза («Пир у Симона-фарисея»)

Нарастающее чувство трагической обреченности звучит то более сдержанно в «Молении о чаше, то создает зыбкий, словно возникающий в тяжком сновидении образ в «Лаокооне» — единственной картине мастера на мифологический сюжет.

1. О как о как нам к вам к вам боги на гласить 2 Эти пять слов оканчиваются одинаково
2. совокупность производственных отношений экономический базис общества; 2 народное хозяйство данной стра
3. тематика в системе инженернофизического образования Подсекция 1
4. Теплота Тепловой поток Плотность теплового потока Линейный тепловой поток Теплота ~ количество энерги
5.  Многие средства СМИ только запутывают ситуацию подавая события происходящие там в перекрученном виде
6. Тема Правила безопасности при использовании бытовой химии
7. читает исходный текст программы находит строки начинающиеся с символа и обрабатывает их перед началом к
8. задание 2 1 Листов Лист Лит
9.  Политология- предмет структура методы и функции политология в широком смысле слова ~ это интеграционн
10. Курсовая работа- Экономическая модель предприятия на орошаемых землях
11. тематическое изучение тонкой структуры спектральных линий и выполнено первое прямое сравнение эталонного м
12. Бажов Павел Петрович
13. Реферат Проведение международных переговоров
14. Розрізнити поняття ldquo;країнаrdquo; ldquo;державаrdquo; ldquo;суспільствоrdquo;
15. тематизацию знаний студентов об основах культуры пользования важнейшим средством человеческого общения
16. 3255 Дубаков А
17. Тема 5 30102013 122014
18. Хочу сразу отметить что одним из главных итогов работы федерации считаю возрастающую внутреннюю активно
19. Внешние эффекты экстерналии Внешние эффекты экстерналии ~ это выгоды и издержки не учитываемые в дейст
20. Лабораторная работа 2 Тема- Метод Покоординатного спуска Хука~Дживса

Материалы собраны группой SamZan и находятся в свободном доступе