Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
14. Музыкальная культура эпохи Возрождения: развитие инструментальной музыки
Эволюция инструментальной музыки
В XVI в. стали развиваться различные жанры инструментальной музыки. Музыкальное сопровождение пения или танца все более усложняется и приобретает собственную мелодию в отличии о простых аккордов, которые раньше лишь оттесняли основное действо. Инструменты в ансамбль стали подбираться по принципу распределения партий между различными темпами человеческих голосов( дискант или сопрано, альт, тенор, бас). Это объясняет появление в конце XV в. целых семейств музыкантов, которые были способны разыгрывать целые "диалоги" между голосами и инструментами. Так, квартет флейт, виол или свирелей мог продолжить вокальную партитуру, развивая и дополняя первоначальную мелодию голоса.
Музыкальные инструменты эпохи Возрождения
В эпоху Возрождения состав музыкальных инструментов значительно расширился, к уже существующим струнным и духовым добавились новые разновидности. Среди них особое место занимают виолы - семейства струнных смычковых, поражающих красотой и благородством звучания. По форме они напоминают инструменты современного скрипичного семейства(скрипку, альт, виолончель) и даже считаются их непосредственными предшественниками(сосуществовали в музыкальной практике до середины XVIII столетия). Однако разница, и значительная, все же есть. Виолы обладают системой резонирующих струн; как правило, их столько же, сколько и основных(шесть-семь). Колебания резонирующих струн делают звук виолы мягким, бархатистым, но инструмент трудно использовать в оркестре, так как из-за большого числа струн он быстро расстраивается.
Долгое время звучание виолы считалось в музыке образцом изысканности. В семействе виол выделяются три основных типа. Виола да гамба - большой инструмент, который исполнитель ставил вертикально и зажимал с боков ногами( итальянское слово gamba означает "колено"). Две другие разновилности - виола да браччо( от итал. braccio - "предплечье") и виоль д`амур( фран. viole d`amour) - "виола любви") были ориентированны горизонтально,и при игре их прижимали к плечу. Виола да гамба по диапазону звучания близка к виолончели, виола да браччо - к скрипке, а виоль д`амур - к альту.
Среди щипковых инструментов Возрождения главное место занимает лютня( польск. lutnia, от араб. "альуд" - "дерево"). В Европу она пришла с Ближнего Востока в конце XVI столетия для этого инструмента существовал огромный репертупр; прежде всего под аккомпанемент лютни исполняли песни. У лютни короткий корпус; верхняя часть плоская, а нижняя напоминает полусферу. К широкой шейке приделан гриф, разделенный ладами, а головка инструмента отогнута назад почти под прямым углом. При желании можно в облике лютни увидеть сходство с чашей. Двенадцать струн группируются парами, а звук извлекают как пальцами, так и специальной пластинкой - медиатором.
В XV-XVI столетиях возникли различные виды клавишных. Основные типы таких инструментов - клавесин, клавикорд, чембало, верджинел - активно использовались в музыке Возрождения, но их настоящий расцвет наступит позже.
Инструментальная музыка
Новое явление подтолкнуло мастеров к созданию новых инструментов. Инструментальные мастерские процветали как в Италии, так и в Испании, Нидерландах, Германии, Франции и Англии. Все чаще стали использовать клавишные инструменты, и постепенно перечень инструментальных жанров стал расширяться и приобретать собственное лицо. Наиболее популярными оказались такие инструментальные формы, как речекар, токката, канцона и фантазия. Уже в середине XVI в. некоторые музыканты попытались дать теоретические обоснования новым инструментальным жанрам. Одной из известных работ является труд Диего Ортиса(1510-1570) из Толедо, посвященный виоле да гамба, в испанском "vihuela de arco" или "violon". Этот инструмент имел большую популярность в период Барокко. В работе "Договор толкований условий и других жанров в музыке виол", изданный в Риме в 1533 году, автор тщательно анализирует искусство импровизации, дает практические советы, развивает идеи усовершенствованных форм.
Практически все инструментальные сочинения опирались на принципы, изложенные в трактате Ортиса. Существовали также многочисленные сборники произведений для различных инструментов, подобно собранию "ameristico" Аннибаяля Падовано(1527-1575), который одним из первых начал писать ричекары для органа и разработал трехчастную форму для органной токкаты.
Творчество этих музыкантов предвосхитило появление регистровых партитур. Этому способствовали также представители венецианской школы при капелле Сан Маркос, и прежде всего Андреа Габриели и его племянник Джованни Габриэлли (1533-1612). Творчество Джованни Габриели явилось высшей точкой в развитии венецианской полифонической школы. Автор "Священных симфоний" для 6-19 голосов (1597 г.) и многочисленных канцон, написанных для различных инструментов, Габриели широко применял технику контрастов регистров, групп инструментов и хоровых звучаний. Некоторые из его произведений написаны в технике "эха", при которой целые группы инструментов перекликаются и чередуются подобно "вопрос-ответ", что намного позже будет использовать в своем творчестве Антонио Вивальди. Среди сочинений молодого Габриели есть сборник канцон и сонат, изданный в 1615 г, уже после смерти композитора. В XV в. слово "соната" не использовалось в своем современном значении. Название подразумевало лишь инструментальную пьесу без установленной структуры. Тем не менее сонаты Габриели оказали большое влияние на дальнейшее развитие инструментальной музыки в целом.
Ансамблевая музыка
В то же время в Англии интенсивно развивается другое инструментальное направление, которое получило широкое распространение и добилось значительных эстетических достижений. Речь идет о так называемой музыке "consort"(ансамбль). Обычно она предназначалась для группы виол да гамба и клавишного инструмента - органа или верджинела, а также лютни, кифары или флейты. Собрания сочинений, которые составляли из песен и инструментальных танцев, также включали фантазии и прелюдии, служившие темой или преамбулой к контрапунктным пьесам.
Клавирная музыка
Появление табулатуры, то есть системы специальных знаков для клавишных инструментов и лютни, появившийся в последней трети XV в., коренным образом отразилось на развитии инструментальной музыки. Дополненная репертуаром песни и танца, инструментальная музыка в основном исполнялась на органе. Сборники инструментальной музыки для органа и лютни образовали своеобразный фундамент для развития музыки эпохи Возрождения. Изобилие найденных манускриптов говорит о том, что сочинения для клавишных инструментов были очень популярны. Некоторые фрагменты сочинений для органа исследователи датируют 1425 г. (произведение неизвестного автора из монастыря Саган, в Силезии). В 1448 году Адам Илеборг собрал и составил табулатуре пять коротких прелюдий( преамбул), в которых использовалась органная педаль. Одним из первых знаменитых исполнителей органной музыки был немецкий органист Конрад Пауманн (ок. 1410-1473). Он также является автором трактата "Fundamentum organisandi", изданного в 1451 г. Немного позже, между 1460 и 1470 г., был издан сборник "Buxheimer Orgelbuth", содержавший 250 органных переложений сочинений Дюфаи, Бинкбойса, Данстейбла, Мортона и других композиторов.
Следующее поколение композиторов-инструменталистов оставило целую коллекцию замечательных шедевров инструментальной музыки. Орган становится доминирующим инструментом в творчестве композитора Михаэля Преториуса ("Musae Sioniae" 1609) и нидерландца Яна Петерсона Свелика (1562-1621), создателя чудесных ричекаров и токкат, изданных после смерти композитора.
Клавирная музыка Испании
Большую часть музыкального наследия Испании составляет музыка для клавишных инструментов эпохи Возрождения. Уже в 1557 г. Луис де Энестроса( ок. 1510-1557) опубликовал сборник под названием "Новый музыкальный размер для клавишных, арфы и виолы", куда были включены гимны, фантазии, песни и танцы известных испанских композиторов: Франсиско Фернандеса Палеро( умер в 1597), Франсиско Сото де Лангой( 1534-1619), Жана Мотона( 1495-1522), Филиппе Верделота( ок. 1470-1552) и Антонио де Кабесона( 1510-1566). Кабесон был одним из ярких органистов и клавесинистов Европы.
Итальянская инструментальная музыка (Фрескобальди, Корелли, Вивальди и др.)
Развитие жанров и форм инструментальной музыки. Инструментальная музыка также отмечена появлением новых жанров, и в первую очередь инструментального концерта. Скрипка, клавесин, орган постепенно превратились в сольные инструменты. Музыка, написанная для них, давала возможность проявить талант не только композитору, но и исполнителю. Ценилась прежде всего виртуозность (умение справляться с техническими трудностями), которая постепенно стала для многих музыкантов самоцелью и художественной ценностью. Композиторы XVII-XVIII столетий обычно не только сочиняли музыку, но и виртуозно играли на инструментах, занимались педагогической деятельностью. Благополучие художника в значительной степени зависело от конкретного заказчика. Как правило, каждый серьёзный музыкант стремился получить место либо при дворе монарха или богатого аристократа (у многих представителей знати были собственные оркестры или оперные театры), либо в храме. Причём большинство композиторов легко сочетали церковное музицирование со службой у светского покровителя.
На протяжении XVII века инструментальная музыка Западной Европы развивалась с большой интенсивностью и в итоге достигла самостоятельного художественного признания в небывалых ранее масштабах. Хотя к концу XVI столетия некоторые музыкальные жанры (как мы видели, главным образом из репертуара лютни и органа) понемногу обретали характерный, именно инструментальный облик, все же инструментальная музыка в целом — по ее стилистике, тематизму, приемам изложения и трактовке формы — далеко не была свободна ни от прямого воздействия вокальной полифонии, ни от прикладного назначения (в церкви и в быту). Ее путь от XVI к XVI.II веку пролегал как бы между двумя эпохами: ранней порой танцевальных, вокально-полифонических образцов, начальными этапами импровизации на разных инструментах — и временем созревания собственно инструментальных жанров полифонического, гомофонного и смешанного типа, то есть фуги, сюиты, старинной сонаты и концерта. Этот процесс развития не был направлен в единое русло — подобно эволюции инструментальной музыки в XVIII веке. Для него скорее характерны разветвленность, сложность и своеобразное смешение художественных тенденций, словно в огромной творческой лаборатории, где смелые опыты сменяют один другой и напряженная, ищущая мысль закипает все новыми идеями.
Это творческое движение происходило в исторических условиях, когда постепенно, исподволь изменялись сами формы музыкальной жизни в странах Западной Европы. Для XVII века еще не показательна смена старых, замкнутых форм музицирования в полном смысле новыми, открыто-общественными. Множатся, преображаясь изнутри, всяческие, уже известные художественные . объединения знатоков и любителей искусства во главе с меценатами или без них, связанные с придворной или аристократической средой, во всяком случае, с «избранными» кругами общества (академии, камераты). Участие музыкантов-профессионалов придает им зачастую специальный интерес. Со временем возникают художественные объединения разного рода и в иной общественной среде: бюргерские по составу и духу «музыкальные коллегии» в больших немецких (Гамбург, Лейпциг), музыкальные общества в шведских и голландских городах, частные концертные объединения любителей музыки в Лондоне. Остается, конечно, в полной силе влияние на музыкальную жизнь придворной и церковной среды, в которой работают, исполняя свои произведения, крупнейшие музыканты Италии, Франции, Германии, Англии, Испании. Итак, от простого домашнего музицирования в быту достаточно широких слоев общества до придворных и церковных концертов простирается поле действия инструментальной музыки в XVII веке и соответственно культивируются те или иные ее формы и жанры.
Основатель римской скрипичной школы - Арканджело Корелли (1653-1713), один из создателей жанра кончерто гроссо (от. concerto grosso - "большой концерт"). В концерте обычно принимают участие солирующий инструмент (или группа инструментов) и оркестр. "Большой концерт" строился на чередовании сольных эпизодов и звучании всего оркестра, который в XVII столетии был камерным и преимущественно струнным. У Корелли солировали большей частью скрипка и виолончель. Его концерты состояли из разных по характеру частей; их количество было произвольно.
Джироламо Фрескобальди (1583-1643) – крупнейший представитель органной и клавирной музыки первой половины XVII века. Значительны достижения музыки Италии XVII-XVIII вв. и в области инструментальных жанров. Для развития органного творчества много сделал композитор и органист Джироламо Фрескобальди (1583-1643). ' В церковной музыке он положил начало новому стилю. Его сочинения для органа - развёрнутые композиции фантазийного (свободного) склада. Фрескобальди прославился виртуозной игрой и искусством импровизации на органе и клавире. Достигло расцвета скрипичное искусство. К тому времени в Италии сложились традиции производства скрипок. Потомственные мастера семейств Амати, Гварнери, Страдивари из города Кремона разработали конструкцию скрипки, способы её изготовления, которые хранились в глубокой тайне и передавались из поколения в поколение. Инструменты, сделанные этими мастерами, обладают удивительно красивым, тёплым звуком, похожим на человеческий голос. Скрипка получила распространение как инструмент ансамблевый и сольный.
Антонио Вивальди (1678-1741). Один из выдающихся мастеров скрипичной музыки. Он прославился как блестящий скрипач-виртуоз. Современников привлекала его драматическая, полная неожиданных контрастов манера исполнения. Продолжая традиции Корелли, композитор работал в жанре "большого концерта". Количество написанных им произведений огромно - четыреста шестьдесят пять концертов, сорок опер, кантаты и оратории.
Создавая концерты, Вивальди стремился к ярким и необычным звучаниям. Он смешивал тембры разных инструментов, часто включал в музыку диссонансы (резкие созвучия); выбирал в качестве солирующих редкие в то время инструменты - фагот, мандолину (считалась уличным инструментом). Концерты Вивальди состоят из трёх частей, причём первая и последняя исполняются в быстром темпе, а средняя - медленная. Многие концерты Вивальди имеют программу - название или даже литературное посвящение. Цикл "Времена года" (1725 г.) - один из ранних образцов программной оркестровой музыки. Четыре концерта этого цикла - "Весна", "Лето", "Осень", "Зима" - красочно рисуют картины природы. Вивальди удалось передать в музыке пение птиц ("Весна", первая часть), грозу ("Лето", третья часть), дождь ("Зима", вторая часть). Виртуозность, техническая сложность не отвлекала слушателя, а способствовала созданию запоминающегося образа. Концертное творчество Вивальди стало ярким воплощением в инструментальной музыке стиля барокко.