Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
На рубеже 50-60-х годов активизируется художественная жизнь страны. В 1957 г. состоялся Первый Всесоюзный съезд советских художников, собравший делегатов от более чем 7000 художников и искусствоведов, на котором были подведены итоги прошедшего и определены пути дальнейшего развития советского искусства. 60-е годы - это время наиболее плодотворной творческой работы тех художников, которых сегодня относят к старшему поколению. В своей широкой экспрессивной манере Е. Моисеенко создает овеянные «революционной романтикой» полотна о Гражданской и Великой Отечественной войнах (цикл «Годы боевые», 1961; «Красные пришли», 1963-1964, и др.). Б.С. Угаров пишет картину о блокадном городе на Неве - «Ленинградка. В сорок первом» (1961). Героическое начало в произведениях этого стиля рождается из правдивости в передаче суровых трудовых будней (отсюда и название стиля). Оно раскрывается не прямым действием героев, а самим эмоциональным строем картины, не описанием, а авторской позицией, высказанной в произведении (Н. Андронов «Плотогоны», 1959-1961; П. Никонов «Наши будни», 1960; В. Попков «Строители Братской ГЭС», 1961; бр. Смолины «Полярники», 1961; позже «Стачка», 1964; Т. Салахов «Ремонтники», 1963). Вокруг некоторых из этих работ, представленных на выставке 30-летия МОСХа («Наши будни» Никонова, «Плотогоны» Андронова), развернулась жесткая полемика, и искусство этих художников несправедливо получило резко отрицательную официальную оценку не только руководителя государства Хрущева, но и в специальном постановлении пленума ЦК КПСС от 1963 года.
«Суровый стиль» был порождением «оттепели» и свидетельствовал как будто бы об определенных шагах по пути демократизации общества. Это были первые попытки заговорить в искусстве«человеческим языком» - после помпезных произведений послевоенного времени. Однако во многом художники еще оставались в плену мышления предшествующего десятилетия -это тоже была своего рода мифологизация, только уже не отдельной личности, а «коллектива».
Интересно творчество В.Е. Попкова (1932-1974). Этот рано погибший художник, который за короткий срок превзошел в мастерстве многих своих коллег художников, вообще обладал обостренным чувством ответственности за все происходящее в мире. К какому бы жанру ни обращался Попков, каждое его произведение звучит остросоциально. В автопортрете «Шинель отца» (1972) мы видим пример тонкой художественной метафоры, соотнесение прошлого и будущего. У мастера множество автопортретов-картин: «Работа окончена» (1971), «Павел, Игорь и я», «Мать и сын» (1970), «Ссора», «Приходите ко мне в гости» и пр. Язык этих картин символичен. В «Шинели отца» колорит тревожный, темно-зеленый с сине-лиловым; сложно нюансированный красный -в картине «Мать и сын». Можно увидеть определенную эволюцию в развитии портрета от 60-х к 70-м и последующим годам. Поиск сурового лаконичного образа сменяется более углубленной психологической характеристикой, но в целом художники остаются верны открытому выражению драматических переживаний и сложных психологических состояний (ср. Т. Салахов «Портрет композитора Кара-Караева», 1960, с портретом Д. Шостаковича, 1976; И.А. Серебряный «Портрет Д. Шостаковича», 1964, с портретом С. Рихтера, 1966. Знаменательно, кстати, что все они близки даже композиционно). В последующие 10-15 лет в портрете все больше побеждает камерность. Темой изображения становятся все чаще дом, семья, любовь. Прошедшая война продолжает волновать как людей старшего поколения, так и молодежь, тех, кто не принимал в ней участия, а в иных случаях еще тогда и не родился. Но знаменательно, что и те, и другие изображают войну прежде всего как величайшую трагедию человечества. В 19661968 гг. В. Попков создает триптих «Ой, как всех мужей побрали на войну» («Воспоминание. Вдовы», «Одна», «Северная песня»), который стал живописным памятником всем вдовам, старым и молодым, не дождавшимся прихода своих мужей с полей сражений.
В 70-80-е годы на арену выступает поколение, которое во многом определяет лицо советской живописи и сегодняшнего дня: Т. Назаренко, О. Булгакова, Н. Нестерова, А. Волков, В. Рожнев, А. Ситников, В. Орлов и другие талантливые мастера. Современные художники много и интересно -на языке изобразительного искусства - размышляют о традициях, об истории, о понимании красоты в современном мире. Они иначе, чем художники предыдущего десятилетия, понимают образно-выразительные средства и возможности искусства: колорита, композиции, линейного и ритмического строя. Им близок язык символов. Их живописная форма богата театральной зрелищностью, иногда внешними эффектами, но всегда необыкновенно артистична, виртуозна, фантастически изощренна. В ней нет места прямолинейной повествовательности 50-х годов, противопоказанной природе изобразительного искусства.
Не случайно среди портретов, исторических и бытовых картин, пейзажей, натюрмортов появляется тема праздника, маскарада, как, например, в картинах Т. Назаренко («Встреча Нового года», 1976). Художник ищет нетрадиционные формы и для исторической картины. Так, в полотне «Декабристы. Восстание Черниговского полка» (1978) персонажи на заднем плане воспринимаются лишь как видение, возникшее у мастера после чтения книг, которые вместе с бумагами и саблями изображены на переднем плане в качестве главных «действующих лиц».
Полны глубокого покоя, некоторой сказочной таинственности пейзажи Е. Зверькова («В лесном краю», 1974); философским раздумьем о малости нашей планеты в мироздании проникнуты пейзажи Н. Ромадина («Млечный путь», 1965-1969), И. Орлова («Летний вечер», 1973). Т. Насипову, А. Волкова, Н. Нестерову больше интересует городской пейзаж (Н. Нестерова «Арбат»
Отметим две любопытные в искусстве последних десятилетий детали: первая (несмотря на несомненное усиление интереса к вопросам формы и совсем не умаляя этот интерес) -для многих художников и, подчеркнем, особенно для художников России остаются очень важными, первостепенными в искусстве проблемы социальные. Мы долго уходили от социальных проблем, как бы навязанных нам «извне». Мы к ним самостоятельно, «изнутри», пришли. Особенно это нашло свое проявление в живописи, как жанровой, так и исторической (Т. Назаренко «Танец», 1980, «Декабристы», 1978, диптих «Старость», 1986; Н. Нестерова «Метро», 1980; «Манекены», 1986; Сундуков, «Очередь»). И вторая -это начало нового «витка» в церковной живописи -появление современных иконописцев вроде отца Зенона, что является уже фактом истории, а не случайностью.
В скульптуре возникает «новая концепция пространства» - физическое пространство осмысливается как эстетическая категория, равнозначная скульптурному объему. Отсюда создание особого, «интерьерного поля», некоей сценической площадки (В. Вахрамеев «Семья Древиных», бронза, 1975; Д. Митлянский «Виктор Попков и его муза», 1973). И хотя на этом пути молодые скульпторы подчас грешат тенденциозностью, манерностью, нарочитой дегероизацией, нарушением - когда они обращаются к исторической теме - принципа историзма (например, О. Баранов «Пушкин», гипс, 1981; И. Блюмель «Н. Гоголь и А. Пушкин», 1981), сознание роли пространства в формировании художественного образа - новый этап в развитии скульптуры наших дней.
В последние годы все сложнее становятся «взаимоотношения» архитектуры со скульптурой и живописью. Роль монументально-декоративного искусства заметно повышается в общем ансамбле. Интересное решение найдено в оформлении драматического театра в Туле (Д. Шаховской, И. и А. Васнецовы, А. Красулин), музея имени А. Матросова в Великих Луках работы Васнецовых. Спорно, но не лишено оригинальности решение многофигурных композиций в фойе Вологодского драматического театра Ю. Александровым (1975), в фойе Красноярского театра оперы и балета Л. Барановым и И. Савранской, образ Вильнюсского театра оперы и балета.
Виктор Ефимович Попков (1932 – 1974 гг.) – известный российский художник, график, портретист, пейзажист и жанрист, получивший в 1967 году Гран-при на Парижской биеннале. Один из самых знаменитых советских художников своего времени. Учился в Московском центральном художественно-промышленном училище (ныне - Московская государственная художественно-промышленная академия им. С. Г. Строганова) (1948-1952 гг.), а также в Московском государственном академическом художественном институте имени В. И. Сурикова. Начал карьеру во время хрущевской «оттепели», в 1950-1960-хх годах много ездил по стране, посещал крупнейшие советские стройки. Его жизнь трагически оборвалась в 1974 г., когда он по ошибке был застрелен водителем инкассаторского автомобиля. В 1975 г. был посмертно награжден Государственной премией СССР. ПРОИЗВЕДЕНИЯ
Основные произведения Виктора Ефимовича посвящены современной тематике: «Строители Братска» (1960—1961), ГТГ,«Северная песня» (1968), ГТГ,«Семья Болотовых» (1968), ГТГ,«Бригада отдыхает» (1965), Союз художников СССР,«Шинель отца» (1972), ГТГ,«Двое» (1966), ГТГ,«Хороший человек была бабка Анисья» (1973), ГТГ,«Вдовы» (1966),«Автопортрет» (1963),«Осенние дожди. Пушкин» (1974), ГТГ, неоконченная.
ШАХОВСКОЙ ДМИТРИЙ МИХАЙЛОВИЧ
Родился в 1928 году в Сергиевом Посаде. Скульптор. Живет и работает в Москве. Отец - священник Михаил Шик, философ по образованию, автор литературных трудов и переводчик, был расстрелян в 1937году. Мать, урожденная княжна Шаховская, историк и литератор. С юности Шаховской попал в особую культурную среду – круг художников Фаворских, Ефимовых, Бруни, А.Е.Зеленского, где определились жизненные ценности и художественные принципы будущего скульптора. Профессиональное образование Московское художественно-промышленное училище. Институт прикладного и декоративного искусства (1947–1952) Основное место в творчестве мастера принадлежит монументально-декоративной скульптуре. В числе основных работ Часы на фасаде Центрального театра кукол имени С.В.Образцова. Декоративные двери из металла с витражами в Детском кукольном театре в Ташкенте. Оформление фасада Музыкально-драматического театра в Кызыле (Тува). Иконостас из дерева в храме Митрофания Воронежского в Москве(1990-е годы). Каменная алтарная преграда в церкви Спаса Преображения в Тушине ( Государственная премия -1994г.) Проектирование и непосредственное участие в возведении храма Святых Новомучеников и Исповедников Российских в Бутове, на месте расстрела его отца и тысяч других жертв сталинского террора. Памятник поэту Осипу Мандельштаму(Москва. 2008г.)
Даниэ́ль Ю́дович Митля́нский (7 ноября 1924, Москва—16 ноября 2006, Москва) — советский и российский скульптор, член-корреспондент Российской академии художеств.Заслуженный художник РСФСР (1978). Художник работал в станковой, монументальной, монументально-декоративной, мемориальной скульптуре, — в скульптуре малых форм. Автор памятников и многофигурных композиций; скульптор создавал также произведения, в которых прибегал к органичному или, в подчинении определённой содержательной тенденции, — подчёркнуто диссонансному сочетанию разных материалов и приёмов их обработки — росписное дерево, кованый металл, керамика, раскрашенный шамот, Перу Д. Митлянского принадлежит несколько книг по изобразительному искусству.[1][2]
Работы скульптора отличают продуманная композиция и оригинальная пластика, в широком применении различных материалов (металл, керамика, папье-маше, дерево, ткань), в том числе в их неожиданных комбинациях. Поздние работы находятся на грани гротеска и примитивизма и одновременно раскрывают глубокий внутренний мир художника.
Д. Ю. Митлянским создан ряд серий скульптур: «Дни Творения», «Книги Библии», «Вы — соль Земли», «Моя сладкая Европа», «Семейный альбом» и др. Среди наиболее известных работ Митлянского:
Д. Ю. Митлянский — автор мемориальных досок, посвященных памяти А. Д. Сахарова, художника-графика В. В. Домогацкого (1909—1986), Алеся Адамовича, Д. Ю. Холодова. Работы Д. Ю. Митлянского хранятся вГосударственном Русском музее, в Государственной Третьяковской галерее, Московском Музее современного искусства, в частных собраниях и др.
В конце 2010 года Третьяковская галерея приобрела ещё одну работу у вдовы художника, а две получила от неё в дар[4].
Ната́лья И́горевна Не́стерова (23 апреля 1944, Москва) — российская художница. В первой половине 1970-х годов завоевала известность композициями, переиначивающими канон соцреалистической фигурно-сюжетной картины: героико-идиллические сцены труда и отдыха сменились здесь образами некоего заколдованного царства, погруженного в оцепенение или абсурдную маету. Ключевое значение для нее имели в ту пору образы крымских, кавказских и прибалтийских «народных здравниц» и «домов творчества». С конца 1970-х годов в живописи Нестеровой возобладали темы старинного города или парка. С годами на первый план в ее живописи выходят религиозные мотивы, тоже получившие подобие загадочного маскарада, нарушающего привычные иконографические каноны. Художник, профессор факультета сценографии Российской академии театрального искусства с 1992 г.; родилась 23 апреля 1944 г.; окончила Московский государственный художественный институт им. Сурикова в 1968 г.; работы представлены в Третьяковской галерее (Москва) и в Русском музее (Санкт-Петербург), в собраниях Саратова, Архангельска, Перми и многих других городов России, а также в Коллекции Людвига (Кельн) и в Музее Гугенхайма (Нью-Йорк); в 1997 г. представила на персональной выставке в Москве получивший широкое признание фриз из 13 холстов "Тайная вечеря"; в 1998 г. создала декорации к опере "Прекрасная мельничиха", поставленной в Большом театре; одна из крупнейших современных российских художников; лауреат Государственной премии РФ (1998).
НАЗАРЕНКО
Татьяна Григорьевна
Заслуженный художник России, лауреат Государственной премии РФ, премии Правительства Москвы, член президиума, действительный член Российской академии художеств, профессор. Начало 1970-х годов для Назаренко, как и для большинства художников ее поколения, — время поисков жанра, манеры, темы. Художница пробует свои силы и в примитивистской манере, и в системе строгой неоклассики, пишет полотна романтически-декоративные и игровые. В эти годы ею были написаны такие разные работы, как "Казнь народовольцев" (1969—1972), "Дерево в Новом Афоне" (1969), "Воскресный день в лесу" (1970), "Портрет цирковой актрисы" (1970), "Проводы зимы" (1973), "Новогоднее гуляние" (1973), "Утро. Бабушка и Николка" (1972), "Молодые художники" (1968), "Мои современники" (1973), "Обед" (1970), "Портрет Игоря Купряшина" (1974).
Во второй половине 1970-х — начале 1980-х годов Назаренко пишет несколько групповых портретов друзей, собравшихся по праздничному поводу. Это картины "Встреча Нового года" (1976), "Московский вечер" (1978), "Карнавал" (1979), "Татьянин день" (1982), "Сентябрь в Одессе" (1985) и многие другие, а также написанные ранее полотна "Молодые художники" (1968) и "Мои современники" (1974). Одна из самых необычных картин Татьяны Назаренко — триптих "Мастерская" (1983). Художник представляет зрителю реальную мастерскую, в которой создавались реальные картины ("Татьянин день" и "Карнавал"), и одновременно процесс воплощения своего замысла. Среди основных работ Татьяны Назаренко также: "Домашний концерт" (1986), диптих "Счастливая старость" (1988), "Маленький оркестр" (1989), "Обломки" (1990), "Памятник истории" (триптих, 1992), "Время" (триптих, 1992), "Безумный мир" (1992), "Заклинание" (1995), "Бездомная" (2001).