Если у вас возникли сложности с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой - мы готовы помочь.
Предоплата всего
Подписываем
15вопрос…..Средневековое искусство Западной Европы готического стиля. Основные принципы и памятники.
Готика - это период в развитии средневекового искусства, охватывающий почти все области материальной культуры и развивающийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Хотя термин "готический стиль" чаще всего применяется к архитектурным сооружениям.
Готика зародилась в XII веке на севере Франции, в XIII веке она распространилась на территорию современных Германии, Австрии, Чехии, Испании, Англии. В Италию готика проникла позднее, с большим трудом и сильной трансформацией, приведшей к появлению "итальянской готики". В конце XIV века Европу охватила так называемая "интернациональная готика". К зданиям и произведениям искусства, содержавшим в себе характерные готические элементы, но созданным в период эклектики. В 1980-е годы термин "готика" начал применяться для обозначения субкультуры ("готическая субкультура"), в том числе музыкально направления ("готическая музыка"). Слово происходит от итальянского gotico - непривычный, варварский. Сначала это слово употреблялось в качестве бранного. Следует заметить, что многие считают, что название стиля произошло от Goten - варвары. Но не стоит путать, к историческим готам этот стиль никакого отношения не имеет. Впервые понятие в современном смысле применил Джорджо Вазари для того, чтобы отделить эпоху Ренессанса от Средневековья. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры. Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своём развитии подразделяется на 3 периода:
1) Ранняя готика;
2) Период расцвета;
3) Поздняя готика. А теперь обратимся к архитектуре.
2. Архитектура
2.1 Готический стиль
В основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался он на основе романской, точнее говоря - бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимпергами, тимпанами, архивольтами) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы этого стиля подчёркивают вертикаль. Как и во всей готике, в готической архитектуре выделяются три этапа развития:
1) Ранний;
2) Зрелый (высокая готика);
3) Поздний (пламенеющая готика). Церковь монастыря Сен-Дени, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружениям. При её постройке были убраны многие опоры и внутренние стены, и церковь приобрела более грациозный облик по сравнению с романскими "крепостями бога". В качестве образца в большинстве случаев принимали капеллу Сент-Шапель в Париже. Из Иль-де-Франс (Франция) готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу - в Германию, Англию и т.д. В Италии он господствовал недолго и, как "варварский стиль", быстро уступил место Ренессансу; а поскольку он пришёл сюда из Германии, то до сих пор называется "stile tedesco" - немецкий стиль.
С приходом в начале XVI века Ренессанса севернее и западнее Альп, готический стиль утратил своё значение.Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени - новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.
Готические своды
Важнейшим элементом, изобретение которого дало толчок прочим достижениям инженерной мысли готики, стал нервюрный крестовый свод. Он же стал основной конструктивной единицей при сооружении соборов. Основной признак готического свода - чётко выраженные профилированные диагональные рёбра, составляющие основной рабочий каркас, воспринимающий основные нагрузки. Предыстория его возникновения такова - сначала путём пересечения под прямым углом двух цилиндрических сводов возник крестовый. В нём, в отличие от цилиндрического, нагрузка уходит не на две боковые стены, а распределяется на угловые опоры. Вес подобных сводов, тем не менее, был очень велик. В поисках способа облегчения свода строители стали усиливать каркасные арки, которые образовывались на пересечениях крестовых сводов. Затем заполнение между ними становилось всё тоньше и тоньше, пока свод не стал полностью каркасным. Подобные каркасные арки получили название нервюр (фр. nervure - жилка, ребро, складка). Нервюрные своды представляли собой квадратные в плане ячейки. Они связывали между собой опоры пролётов нефа. Со временем сложилась так называемая связанная система - на каждый квадрат широкого главного нефа приходилось по два меньших, боковых. Эта система обеспечивала большую прочность и обобый ритм внутреннего пространства храма. Каркас простейшего нервюрного свода состоит из четырёх арок по периметру квадрата - щековых арок, и двух диагонально пересекающихся - ожив. При полуциркульном профиле щековые арки оказываются ниже диагональных, что заставляло выкладывать заполнение между ними сложной формы. С введением стрельчатой арки согласовывать высоту стало очень легко - щековые арки стали делать стрельчатыми, а оживы сохранили полуциркульную форму. Распалубки опираются на нервюры, что позволяет сосредоточить давление только на угловых опорах. Эти распалубки выкладывались как самостоятельные малые своды, опиравшиеся на диагональные рёбра.
Готический стиль
Трудно найти подходящие слова, чтобы передать впечатление от готических соборов. Они высоки и тянутся к небу бесконечными стрелами башен и башенок, вимпергов, фиалов, заостренных арок. Но больше поражает не столько высота, сколько богатство аспектов, открывающихся, когда обходишь собор кругом.
Готические соборы не только высоки, но и очень протяженны: Шартрский, например, имеет в длину 130 метров, а длина его трансепта -- 64 метра, чтобы обойти вокруг него, требуется пройти, по крайней мере, полкилометра. И с каждой точки собор смотрится по-новому. В отличие от романской церкви, с ее четкими, легко обозримыми формами, готический собор необозрим, часто асимметричен и даже неоднороден в своих частях: каждый из его фасадов со своим порталом индивидуален. Стены не ощущаются, их как бы и нет. Арки, галереи, башни, какие-то площадки с аркадами, громадные окна, все дальше и дальше -- бесконечно сложная, изящная игра ажурных форм. И все это пространство обитаемо: собор и внутри, и снаружи населен массой скульптур (в Шартрском соборе около десяти тысяч одних только статуй). Они занимают не только порталы и галереи, их можно найти также и на кровле, карнизах, под сводами капелл, на винтовых лестницах, они возникают на водосточных трубах, на консолях. Словом, готический собор -- это целый мир. Он вобрал в себя мир средневекового города.
Поворот к готике начался с архитектуры и только потом стал распространяться на скульптуру и живопись. Архитектура неизменно оставалась основой средневекового синтеза искусств. Если сравнивать типичные сооружения романского стиля и готики, кажется, что они противоположны. Одни -- представители массивности, другие -- легкости. Но если взять сооружения переходного периода, то видно, что готика берет свое начало из романских корней.
Началось все это с простейшей клетки, с ячейки, покрытой сводом. Травеи были квадратными, а это ставило определенный предел расширению главного нефа. Храм при такой системе перекрытий не мог быть достаточно просторным, внутри он оставался узким и темным. Мысль зодчих обратилась к тому, чтобы расширить и облегчить систему сводов. Сплошные своды заменяются реберными перекрытиями -- системой несущих арок. Вся воздушность, вся сказочность готического строения имеет рациональную основу: она вытекает из каркасной системы постройки. Средневековые зодчие с гениальной интуицией применили здесь закон параллелограмма сил. Стена в соборе ничего не несет, и, следовательно, ее незачем делать сплошной и глухой. Так появляются сквозные галереи, аркады, огромные окна. Галереи используются для установки статуй, а окна -- для монументальной живописи из цветных стекол. Средневековые художники страстно любили чистые, яркие, звучные краски. Это сказалось и в витражах, и в миниатюрах, и в раскраске скульптур. Готические соборы ни снаружи, ни внутри не кажутся подавляющими. Они предстают как воплощение деятельной жизни средневекового города. Они рассчитаны на многолюдье, чтобы вокруг кипела жизнь. Внутри собор просторен, трансепт почти сливается с продольным пространством, благодаря этому устраняется резкая граница между клиром и посетителями. "Святилище" перестает быть чем-то недоступным и сокровенным. Гробницы помещаются прямо в храме, а не в темной подземной крипте, как в романских церквах. Стиль готики драматичен, но не мрачен и не уныл.
Соборы и ратуши возводились по заказу городских коммун. Строились и достраивались они долго -- десятилетиями, а то и веками. Все изобразительное убранство готических соборов, включая статуи, рельефы, витражи и алтарную живопись, мыслилось как своеобразная энциклопедия средневековых знаний, конечно, подчиненных богословию. Причем в каждом соборе прослеживалась своя тема. К примеру, Парижский -- посвящался Богоматери и всему, что с ней связано; Амьенский -- выражал идею мессианизма: на его фасаде фигуры пророков.Но замыслы этих изобразительных богословских энциклопедий были столь расплывчаты и аллегоричны, столь условны, что под их сенью находили себе место самые разнообразные сюжеты и мотивы, в том числе и очень далекие от церковной концепции мироздания.Под руками средневековых камнетесов мертвый камень оживал и расцветал тысячами соцветий. Трудно найти в истории более органичные формы синтеза искусства, возникающие на этой основе.
Готика
Наименование «готическое искусство» (от итал. gotico — «готский», по названию германского племени готов) возникло в эпоху Возрождения, как уничижительное название всего средневекового искусства, считавшегося «варварским». Впоследствии термин «готическое искусство» был отнесен к европейскому искусству позднего Средневековья.С начала XIX в., когда для искусства X—XII вв. был принят термин «романский стиль», были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю («пламенеющую») готику. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы культовых зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор — высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преимущественно витражи). На развитие искусства готики оказали влияние и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил — городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов. По мере развития общественного сознания, ремесла и техники расширялись возможности познания и эстетического осмысления реального мира, складывались новые архитектурные типы и тектонические системы. Интенсивно развивались градостроительство и гражданская архитектура. Городские архитектурные ансамбли включали культовые и светские здания, укрепления, мосты, колодцы. Главная городская площадь часто обстраивалась домами с аркадами, торговыми и складскими помещениями в нижних этажах. От площади расходились главные улицы; узкие фасады двух-, реже трехэтажных домов с высокими фронтонами выстраивались вдоль улиц и набережных. Города окружались мощными стенами с богато украшенными проездными башнями. Замки королей и феодалов постепенно превращались в сложные комплексы крепостных, дворцовых и культовых сооружений. Обычно в центре города, господствуя над его застройкой, находился замок или собор, становившийся средоточием городской жизни. В нем наряду с богослужением устраивались богословские диспуты, разыгрывались мистерии, проходили собрания горожан.
Готические соборы существенно отличались от монастырских церквей романского периода: романская церковь тяжеловесна и приземиста, готический собор легок и устремлен ввысь. Это связано с тем, что в готическом соборе стали использовать новую конструкцию сводов. Если в романской церкви массивные своды покоятся на толстых стенах, то в готическом соборе свод опирается на арки, так называемые нервюры. Основу готической конструкции составлял крестовый нервюрный свод. Вообще говоря, применение арок для поддержания сводов было известно задолго до готической поры. В готике изменилась система кладки ребристого свода. Ребра теперь не завершали возведение свода, а предшествовали ему. Четыре опоры первоначально соединяли щековыми арками, затем перебрасывали две диагональные арки — оживы. Эта конструкция составляла скелет будущего свода. Образующие свод арки получили название нервюр. Они были призваны нести и скреплять распалубки, которые выкладывались из облегченных плит камня. Теперь, с использованием нервюрного свода, точки приложения сил тяжести и распора становились предельно ясными для строителей. Важным нововведением готической архитектуры стало последовательное использование стрельчатых арок в качестве сначала торцовых, а затем и диагональных нервюр. Они обладали меньшим распором, основное давление было направлено вниз, на опору. Устои, а не стена, стали рабочей частью готической архитектуры. Для того чтобы снять возникавшие нагрузки, боковой распор сводов гасили за счет самостоятельного элемента конструкции, вынесенного за пределы наружных стен, — подпорного уступчатого столба, контрфорса. В зданиях базиликального типа, где средний неф был выше боковых, использовались специальные соединительные арки — аркбутаны, — которые перебрасывались от свода главного нефа на контрфорс наружной стены. Такая конструкция дала возможность уменьшить толщину стен и увеличить внутреннее пространство храма. Стены перестали служить опорой свода, что позволило проделать в них множество окон, арок, галерей. В готическом соборе исчезла ровная поверхность стены, поэтому стенная роспись уступила место витражу — изображению, составленному из скрепленных между собой цветных стекол, которое помещали в оконный проем. В романском храме отдельные его части четко разграничивались, в готическом — границы между ними стерлись. Пространство собора — с многочисленными архитектурными и скульптурными украшениями, светом, льющимся сквозь стекла витражей, — создавало образ небесного мира, воплощая мечту о чуде.В эпоху готики расцвела книжная миниатюра, наряду с церковными книгами, богато иллюстрированными изображениями святых и сценами из Священной истории, получили распространение часословы (сборники молитв и текстов, распределенные по календарю), романы, исторические хроники. Появилась также алтарная живопись, высокого подъема достигло декоративное искусство, связанное с высоким уровнем развития цехового ремесла.
23вопрос. Европейское искусство эпохи классицизма, и раннего романтизма.
Классицизм (от лат. classicus - образцовый) - художественный стиль европейского искусства XVII-XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества, но во многом их утрачивало по сравнению с культурой Возрождения. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов [12].
Родиной нового художественного направления – классицизма (от лат. classicus – «образцовый») стала Франция конца 18 века. Не случайно именно это государство стало центром существования классицизма и его законченных, зрелых форм. Абсолютизм в политике Франции ограничивал личность государственными интересами, заставлял индивидуальное приносит в жертву общественному. Классицизм был тесно связан с придворной аристократической культурой периода утверждения французского абсолютизма.
Идеологией классицизма во Франции стали рационалистическая философия Р. Декарта, драматургия П. Корнеля, Ж. Расина, Ж. Б. Мольера, поэтика Н. Буало. Свои истоки идеологи классицизма видели в образах и формах античной культуры. Сюжеты, характеры, идеи античности вновь обретали жизнь в произведениях классицизма, но уже с новым историческим содержанием. Наибольшей популярностью в классицизме пользовались традиции поздней римской античности и философия римских стоиков, сторонников сохранения твердости духа в любой ситуации, подчиненности внеличностным ценностям.
Идеологическая основа классицизма включала в себя идеи патриотизма, государственного служения, воссоздания человека, способного поставить высокие цели и достичь их, предпочесть собственным интересам общественные. Идеологи классицизма считали, что чувства должны ограничиваться разумом, личному счастью нужно предпочитать установленные обществом нормы и морали.
В развитии классицизма выделяют два этапа: XVII в. и XVIII - начало
XIX в. В XVIII в. классицизм стал общеевропейским стилем и был связан с буржуазным Просвещением. В это время он стал выразителем гражданских идеалов, буржуазно-революционных устремлений.
Классицизм выдвинул новые этические нормы, поскольку огромное значение придавал общественно-воспитательной функции искусства. Герои произведений классицизма обладают стойкостью перед превратностью и жестокостью судьбы[4;279].
Эстетика классицизма, исходя из ориентации на разумное начало, определила соответствующие требования, то есть нормативные правила. Была установлена строгая иерархия жанров. Так, в живописи «высокими» жанрами признавались исторические картины, мифические, религиозные. К «низким» относились пейзаж, портрет, натюрморт. Такая же соподчиненность жанров соблюдалась в литературе. «Высокими» считались трагедия, эпопея, ода, а «низкими» - комедия, сатира, басня. Четкая разграниченность планов и сглаженность форм устанавливались для произведений скульптуры и живописи. Если в фигурах было движение, то оно не нарушало их спокойной статуарности, пластической замкнутости. Для четкого выделения предметов использовался локальный цвет: коричневый - для ближнего, зеленый - для среднего, голубой - для дальнего плана[4;278].
Классицизму были присущи черты утопизма, идеализации и отвлеченности, которые в период его упадка усилились. В середине XIX в. классицизм переродился в безжизненный академизм.
При наличии общности черт классицизм не был однородным явлением. Так, во Франции периоду революции предшествовало и сопутствовало развитие республиканского классицизма, а в годы Директории и особенно Консульства и наполеоновской империи классицизм утратил революционный дух и превратился в консервативное направление. В Италии, Испании, скандинавских странах развивался новый классицизм, причем иногда под непосредственным влиянием французского искусства, а иногда независимо от него и даже предшествуя ему во времени[2;105].
Классицизм и романтизм
Классицизм, или неоклассицизм начала ХХ столетия называют также ампиром (от фр. empire - империя) или стилем Империи. Он завершил эволюцию классицизма и демонстрировал торжество государственной мощи. Ампир впитал в себя древнеегипетские мотивы (геометризм египетского орнамента, стилизованные сфинксы), мотивы росписей Помпей, этрусских ваз, которые использовались в интерьерах дворцов. Архитектуру отличают массивные портики с колоннами дорического (иногда тосканского) ордера, военная эмблематика (орлы, лавровые венки, воинские доспехи, дикторские связки). В этот период возводятся мемориальные сооружения (триумфальные арки, мемориальные колонны). Если рассматривать эволюцию живописи во Франции от классицизма к ампиру как единую линию, то обнаруживается, что если классицизм прославлял пышное великолепие дворцовой жизни французских королей, то ампир - военные подвиги Наполеона и вкусы нарождающейся буржуазии. Целям прославления успехов государства служила мемориальная архитектура (триумфальные арки, памятные колонны), повторявшая древнеримские образцы.
На рубеже XVIII и XIX веков в Германии и других европейских странах возникло новое направление в духовной и художественной культуре, получившее название романтизм. Романтизм стал своеобразной реакцией на классицизм с его культом разума и рационализма. Романтизм был первым направлением в искусстве, которое признало художника субъектом творчества и провозгласило безусловный приоритет индивидуальных вкусов творческой личности. Наибольшего развития романтизм достиг во Франции (Т. Жерико, Э. Делакруа, Г. Доре). Крупнейшие его представители в Германии - Ф.О. Рунге, К.Д. Фридрих, П. Корнелиус, в Великобритании: - Дж. Констебль, У. Тернер. В России черты романтизма проявились в творчестве О.А. Кипренского, отчасти - В.А. Тропинина, С.Ф. Щедрина, М.И. Лебедева, К.П. Брюллова, Ф.А. Бруни, Ф.П. Толстого.
Романтизм противопоставил утилитаризму и материальности нарождавшегося буржуазного общества разрыв с повседневной реальностью, уход в мир грез и фантазий, идеализацию прошлого. Романтизм - это мир, в котором царствуют меланхолия, иррациональность, эксцентричность. Его следы проявлялись в европейском сознании еще в ХVII веке, но расценивались врачами как признак умственного расстройства. Но романтизм противостоит рационализму, а не гуманизму. Напротив, он создает новый гуманизм, предлагая рассматривать человека во всех его проявлениях.
Первые признаки романтизма появляются почти одновременно в разных странах, но каждая внесла в его развитие свой вклад. Родиной романтизма считается Германия, здесь были заложены основы романтической эстетики. Из Германии новое течение стремительно распространилось по всей Европе. Романтизм охватил литературу, музыку, театр, гуманитарные науки, пластические искусства.
Философско-эстетическую теорию раннего романтизма разработали в Германии А.В. и Ф. Шлегели, Новалис, И. Фихте, Ф.В. Шеллинг, Ф.Шлейермахер, Л. Тик, творческое объединение которых, существовавшее в 1798-1801 годах, получило название Иенских романтиков. Кружок немецких романтиков создал эстетическую концепцию новой универсальной культуры и помог формированию в первой половине XIX века романтической философии, к представителям которой относят Фридриха Вильгельма Шеллинга (1775-1854), Артура Шопенгауэра (1788-1860), Серена Кьеркегора (1813-1855).
Немецкий философ Фридрих Шеллинг был близок йенским романтикам. Исходя из положений Канта и Фихте, он создал романтическую теорию, построенную на основе объективного идеализма. Главный метод познания у него - интеллектуальная интуиция, присущая философскому и художественному гению. Искусство - высшая форма постижения мира, единство сознательного и бессознательного («Система трансцендентального идеализма», 1800). В нем воедино сливаются все виды деятельности - теоретическая и практическая, духовная и чувственная.
Крупной исторической фигурой был немецкий философ-иррационалист Артур Шопенгауэр. В его главном произведении «Мир как воля и представление» (1819-1844) мир предстает как стихийная «воля к жизни». Шопенгауэр называл существующий мир «наихудшим из возможных», а свое учение - «пессимизмом». Мировая история не имеет смысла. Страдание - наказание за первородный грех, вину обособленного существования. Преодоление эгоизма и страдания происходит в сфере искусства и морали. В основе искусства лежит созерцание идей, освобождающее субъект от власти пространства и времени. Высшее из искусств - музыка, имеющая своей целью уже не воспроизведение идей, а непосредственное отражение «воли к жизни». Влияние Шопенгауэра испытали в Германии Р. Вагнер, Э. Гартман, Ф. Ницше, Т. Манн и др., в России - Л. Толстой, А. Фет и др.
Выдающийся датский философ, теолог и писатель Серен Кьеркегор создал субъективную («экзистенциальную») диалектику личности, проходящую три стадии на пути к Богу: эстетическую, этическую и религиозную. Кьеркегор считал, что предназначение философии состоит в познании не какого-то абсолютного духа, но повседневного существования (экзистенции) человека. Внешний мир, какой бы ни была его онтологическая структура и как бы совершенен или несовершенен он ни был, не способен помочь человеку решить его внутренние проблемы. Внешний мир - это «разбитое» и бессмысленное бытие, ответом на него должны быть страх и отчаяние («Страх и трепет», 1843). Земное существование - это «жизнь в парадоксальном». Философ рекомендовал индивиду полностью отдать себя на волю Бога, т. е. проводить «жизнь в религиозном». Думать «экзистенциально», т. е. исходя из подлинного существования, - значит, быть беспредельно преданным христианской истине, даже если это грозит мученической кончиной. Идеи Кьеркегора повлияли на всю европейскую культуру и даже науку (в этом признавался основатель квантовой механики Н. Бор).
Главными представителями романтизма в литературе считаются Новалис, Э.Т.А. Гофман, Дж. Байрон, П.Б. Шелли, В. Гюго, Э. По, М.Ю.Лермонтов, Ф.И. Тютчев.
Немецкий поэт и философ Новалис (1772-1801) являлся видным представителем йенского кружка романтиков. Он пытался обосновать философию «магического идеализма», утверждающего полярность и взаимопереход всех вещей, идею равновесия реальности, идеи и фантазии в каждом человеке.
Самый крупный представитель немецкого романтизма Эрнст Теодор Амадей Гофман (1776-1822) являлся разносторонней личностью: он был еще талантливым композитором и блестящим художником. Его произведениям присущи тонкая философская ирония и причудливая фантазия, доходящая до мистического гротеска. В своем творчестве Э.Т.А. Гофман раскрыл глубокую пропасть между образом жизни и мышлением художника и обычного человека. Героем большинства его произведений выступает музыкант-бессребреник, презирающий материальные блага, находящий смысл своей жизни в любви к искусству («Житейские воззрения кота Мурра», 1822).
Отрицание утилитаризма и принципов буржуазного практицизма, жертвой которых становилась человеческая личность, выражали в своем творчестве не только немецкие, но и английские романтики. Крупнейшим среди них был Джордж Ноэль Гордон Байрон (1766-1824). Байрон, член палаты лордов, воспевал не прелести придворной жизни, а «мировую скорбь», романтический бунт одиночки против всего общества. Его поэма «Паломничество Чайльд Гарольда» (1812-1818), философские поэмы «Манфред» (1817) и «Каин» (1821), цикл стихов на библейские мотивы, роман в стихах «Дон-Жуан» (1819-1824) и лирика передают острое ощущение катастрофичности человеческого бытия, утрату старых идеалов и ценностей. Им создан тип «байронического» рефлексирующего героя: разочарованный мятежный индивидуалист, одинокий, не понятый людьми страдалец, бросающий вызов всему миропорядку и Богу. Творчество Байрона, явившееся важным этапом в духовном развитии европейского общества и литературы, породило явление байронизма начала ХІХ века, в том числе «русского».
Великий французский писатель-романтик Виктор Гюго (1802 - 1885) создал вдохновенные романы «Собор Парижской Богоматери» (1831), «Отверженные» (1862), «Человек, который смеется» (1869) и др., где обличал общественные язвы и социальную несправедливость. Писатель доказывал, что несправедливость ведет к нищете - рассаднику преступлений и что только радикальные перемены в обществе позволят их изжить. В предисловии к драме «Кромвель» (1827) Гюго поместил манифест французских романтиков, где выступил против классического правила «трех единств» и формального разграничения жанров, сформулировал принципы новой, романтической драматургии. Гюго признавал возможным смешение трагического и комического.
Пессимистический взгляд на будущее, умонастроения «мировой скорби» сочетались в романтизме со стремлением к гармонии миропорядка, с поисками новых, абсолютных и безусловных идеалов. Творчество выдающегося французского поэта Шарля Бодлера (1821-1867) называют «поэзией упадка и тления». Его, приверженца теории «искусства для искусства», считают основоположником символизма. Пренебрегая общепринятыми условностями, он выражал в своем творчестве восхищение злом, уродством и всяческими отклонениями от норм обыденной жизни. В его поэтическом сборнике «Цветы зла» (1857) выражена тоска по идеальной гармонии.
Острый разлад между идеалами и гнетущей реальностью вызывал в сознании многих романтиков болезненно-фаталистическое или проникнутое негодованием чувство «двоемирия», горькую насмешку над несоответствием мечты и действительности, возведенную в литературе и искусстве в принцип «романтической иронии». Великий американский писатель-романтик Эдгар Аллан По (1809-1849) умер в возрасте 40 лет. Он начал писать в 16 лет, но его поэтические произведения не получали признания, пока Ш. Бодлер не перевел их на французский язык. На склоне жизни он страдал депрессиями и переживал глубокий душевный кризис. Эдгар По так и остался известен в основном благодаря мастерски написанным «страшным» и детективным новеллам.
Исторические рамки романтизма ограничиваются периодом с 1770 по 1840 год. В его развитии специалисты выделяют три этапа: предромантизм (1770-1800); зрелый романтизм (1800-1824), вызванный французской революцией 1789 года и военными кампаниями Наполеона (Гойя, Жерико, раннее творчества Делакруа); расцвет романтизма - с 1824 по 1840 (зрелое искусство Тернера и Делакруа). Если в предромантизме преобладали вкусы и формы английской чувствительности, то зрелый романтизм - полностью французский. В этот период появляется новая историческая живопись и современная школа пейзажа. В третий период, называемый «романтическим движением», господствующее положение заняла концепция гения, воплотившаяся в зрелом творчестве Тернера и Делакруа.
Главными представителями романтизма в изобразительном искусстве считаются живописцы Э. Делакруа, Т. Жерико, Ф.О. Рунге, К. Д. Фридрих, Дж. Констебль, У. Тернер.
Главой романтической школы живописи во Франции был Эжен Делакруа (1798-1863), признанный величайшим декоратором своего времени. Шедевр его творчества - картина «Свобода, ведущая народ», написанная в разгар революционных событий 1830 году и воплотившая бунтарский пафос, характерный для романтизма. В этой картине соединены черты современной парижанки с классической красотой и могучей силой Ники Самофракийской. Делакруа считается создателем исторической живописи Нового времени. Делакруа был не только самым великим французским художником-романтиком, но замечательным писателем.
Испания дала миру одного из величайших художников-романтиков Франсиско Хосе де Гойя (1746-1828). Он снискал славу на поприще создания портретов испанской знати и представителей королевского двора. Гойя становится самым модным художником, избирается членом в Мадридской академии художеств, становится придворным художником короля Карла IV. Искусство Гойи наполняется страстной эмоциональностью, фантазией, социальным гротеском. Появившиеся в конце 80-х годов фантастические элементы в 90-е годы складываются в целостную концепцию художественного видения мира. Она базируется на фантасмагории, религиозном прозрении и социальном гротеске. В 1799 г. Гойя завершает самую известную серию своих гравюр - альбом «Капричос» (80 листов с комментариями художника), посвященный человеческому безумству и глупости, представляет собой сатиру на человеческое существование.
В театральном искусстве романтизм сформировался в 1810-1840-х гг. Основой театральной эстетики стали воображение и чувства. Восстав против классициского принципа облагораживания природы, актеры сосредоточили внимание на изображении контрастов противоречий человеческой жизни. Общественный пафос, страстность обличения, верность идеалу определили бурную эмоциональность, яркую +драматическую экспрессию искусства актеров, стремительный жест. Однако романтическое мироощущение несло в себе и опасность творческого субъективизма (акцентирования исключительного, причудливого); эмоциональность иногда подменялась риторическими эффектами, мелодраматизмом. Романтический театр впервые утвердил сценическое переживание, непосредственность, правдивость и искренность игры – как основное содержание актерского творчества. Романтизм обогатил и выразительные средства театра (воссоздание местного колорита, историческую достоверность декораций и костюмов, жанровую правдивость массовых сцен и постановочных деталей). Его художественные свершения подготовили и во многом определили основные принципы реалистического театра.
ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО.
В изобразительном искусстве романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, менее отчетливо в скульптуре. В архитектуре романтизм получил слабое отражение, повлияв главным образом, на садово-парковое искусство и архитектуру малых форм, где сказалось увлечение экзотическими мотивами, а также на направление ложной готики. В конце 18 – начале 19 вв. черты романтизма в разной мере уже присущи: в Англии – живописным и графическим произведениям Фюсли, в которых сквозь классицистическую ясность образов нередко прорывается мрачный, изощренный гротеск; в живописи, графике и поэзии У. Блейка – романтизм проникнут мистическим визионерством; в Испании – позднее творчество Гойи исполнено безудержной фантазией и трагическим пафосом, страстным протестом против феодального гнета и насилия.
Отвергая в настоящем все обыденное и косное, обращаясь только к кульминационным, драматически острым моментам современной истории, романтики находили темы и сюжеты в историческом прошлом, легендах, фольклоре, в экзотической жизни востока, в произведениях Данте, Шекспира, Байрона, Гете – создателей монументальных образов и сильных характеров.
Романтизм в центре мироздания ставит человека. Человек в представлении романтиков является венцом процесса общемирового возвышения. В портрете главным для романтиков было выявление яркой индивидуальности, напряженной духовной жизни человека, движение его мимолетных чувств. Отголоском человеческих страстей становится и романтический пейзаж, в котором подчеркивается мощь природных стихий. Романтики стремились предать образам мятежную страстность и героическую приподнятость, воссоздать натуру во всех ее неожиданных неповторимых проявлениях, в напряженной выразительной взволнованной художественной форме.
В противовес классицизму, романтики придавали композиции повышенную динамику, объединяя формы бурным движением и прибегая к резким объемно пространственным эффектам; использовали яркий насыщенный колорит, основанный на контрастах света и тени, теплых и холодных тонов, сверкающую и легкую, нередко обобщенную манеру письма.
Т.о., при всей сложности идейного содержания романтизма, его эстетика в целом противостояла эстетике классицизма 17-18 вв. Романтики сломали сложившиеся столетиями каноны классицизма с его духом дисциплины и застывшего величия. В борьбе за освобождение искусства от мелочной регламентации, романтики отстаивали ничем неограниченную свободу творческой фантазии художника. Отвергая стеснительные правила классицизма, они настаивали на смешении жанров, обосновывая свое требование тем, что оно соответствует истинной жизни природы, где смешаны красота и безобразие, трагическое и комическое. Прославляя естественные движения человеческого сердца, романтики в противовес рационалистическим требованиям классицизма, выдвинули культ чувства, логически обобщенным характерам классицизма романтики противопоставили крайнюю их индивидуализацию
Классицизм возникает в XVII веке и развивается параллельно с барокко.
Затем заново он появляется в период Французской Революции (в западной историографии этот период принято иногда называть неоклассицизмом, так как еще один классицизм был во Франции перед наступлением эпохи барокко. В России подобного не было, и поэтому принято называть исключительно «классицизмом»).
Тенденции: для стиля характерно следование принципам античного (греческого и римского искусства): рационализм, симметрия, целенаправленность и сдержанность, строгое соответствие произведения его форме.
Жак Луи Давид родился 30 августа 1748 года. Его отцом был состоятельный парижский коммерсант. Отец вскоре погиб на дуэли, и его воспитывала мать, которой помогали родственники — семейства Бюрон и Демезон. Среди членов этих семей были архитекторы, подрядчики строительных работ, и в их среде поощрялась рано проявившаяся у Жака Луи страсть к рисованию. Они даже служили моделями для его ранних портретов. Стремясь получить хорошее профессиональное образование, в 1766 году Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Мари Вьена. Педагогическая система последнего была основана на изучении античного искусства, Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия». Вьен несколько лет провёл в Италии, был увлечен античностью.
В 1775—1780 обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.
В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей[1].
В 1783 избран членом Академии живописи.
Активно участвовал в революционном движении, в 1792 избран депутатом Национального Конвента, где примкнул к монтаньярам во главе с Маратом и Робеспьером, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». Из-за политических разногласий в это время развелся с женой.
В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды.
В ноябре 1796 года повторно женился на Шарлотте.
В 1797 стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона и с тех пор становится его пылким сторонником.
После поражения Бонапарта при Ватерлоо (1815) бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.
Похоронен на кладбище святой Гудулы в Брюсселе. Жена пережила его всего на один год.
Франсиско Гойя Лусиентес родился в 1746 году в Сарагосе в семье среднего социального класса, которая в том году переехала в деревеньку Фуендетодос, находившуюся в 40 км на юге от столицы, пока ремонтировался дом, в котором они жили. Франсиско был младшим среди своих трёх братьев: Камилло, старший, стал впоследствии священником, средний, Томас пошёл по стопам отца. Его отец, Хосе Гойя, был известным мастером по золочению, которому даже каноники собора Базилика-де-Нуэстра-Сеньора-дель-Пилар поручают проверку качества позолоты всех изваяний, над которыми тогда трудились арагонские мастера, реконструировавшие собор[1]. Мать, Грасиа Лусиентес, была дочерью бедного идальго. Образование все братья получили довольно поверхностное, Гойя всегда будет писать с ошибками. В 1760 году семья переезжает в Сарагосу и здесь юноша был отдан в мастерскую художника Лусана-и-Мартинеса. В конце 1763 года Франсиско принимает участие в конкурсе на лучшую живописную копию гипсового Силена, но 15 января 1764 года за него не подали ни одного голоса. Гойя ненавидит слепки, он признается в этом намного позже. В 1766 году Гойя попадает в Мадрид и здесь его ждёт новый провал на конкурсе в Академии Сан-Фернандо. Сюжеты для конкурсных работ связаны с великодушием короля Альфонсо X Мудрого и подвигами нацинальных героев-воинов XVI века. Эти сюжеты не вдохновляют Гойю. Ко всему прочему Франсиско Байеу, другой молодой живописец из Сарагосы и член жюри конкурса, является сторонником взвешенных форм и академической живописи, не признающим фантазии молодого Гойи[2]. Первую же премию получает младший брат Байеу,20-летний Рамон. В Мадриде он знакомится с работами придворных художников, совершенствует своё мастерство