Архитектура и художественная культура Древнего Рима Колизей Пантеон

Работа добавлена на сайт samzan.net:

21.Архитектура и художественная культура Древнего Рима (Колизей, Пантеон).

I тыс. до н.э.-395 л.н.э.

Выработаны основы архитектуры. Создан  искусственный строительный материал(бетон),водопровод. За тем  были созданы мифологические системы, ставшие потом религией.

Монотеизм –(иудаизм-христианство).

Монотеизм — учение о едином Боге.К монотеистическим религиям относят религии, разделяющие представления о сверхтварном Творце и Создателе мира (христианство, иудаизм, ислам). Вместе с тем монотеистические религии совсем неоднородны. Представления о едином Боге развиваются ими совершенно неодинаково. Если христианство глубоко и всесторонне раскрывает жизнь единого Бога, содержит целостные представления о Его сверхтварном бытии и Его отношении к созданному Им миру и человеку, то прочие формы монотеизма довольствуются отвлеченной констатацией единобожия. Поэтому среди монотеистических религий целесообразно выделить конкретный (христианский) и абстрактный (прочий) монотеизм, признав истинность и последовательность только за первой формой монотеизма, всесторонне конкретизирующей жизнь Бога и Его отношения к тварному миру.Последовательным монотеизмом может быть названа только религия глубоко и всесторонне раскрывающая жизнь единого Божества. Так, очевидно, недостаточно сказать, что Бог един ("Ты веруешь, что Бог един: хорошо делаешь; и бесы веруют, и трепещут" Иак. 2:19). К этому положению необходимо добавить, что Он есть единая Личность. Но и этот тезис нуждается в дальнейшем раскрытии, поскольку единая Личность нетварного Бога отличается от тварной человеческой личности, должна существовать непостижимым, превышающим ее тварный разум образом.Христианство учит о том, что Бог един, утверждает Его единосущие (Бог един по существу). К этому положению оно добавляет положение о личной природе Божества, учит, что Бог есть Существо личное. Но оно избегает антропоморфизма, когда учит о Боге едином по существу и троичном в Лицах — Святой Троице нераздельной и неслиянной, образ бытия Которой превышает человеческий разум. Очевидно, недостаточно сказать, что Бог есть Творец мира. Необходимо раскрыть Его творческое отношение к тварному миру, ответить на вопрос: «Как Бог творит мир?». Если мы оставим этот вопрос в стороне, то можно допустить, что мир создается из Самого Божественного бытия, то есть он равен нетварному Богу. А этот тезис уже означает язычество. Христианство учит о том, что Бог творит мир из ничего. Он создает его не из Своей сущности, а вызывает из небытия одной силой Своей мысли и воли. Это учение утверждает иносущие (иноприродность) Бога и мира, решительно разделяет тварное и нетварное бытие, закрывает путь обожествления преходящих явлений тварного мира, и мира как целого.Если Бог личен, то Он может искать единения с личностью человека и, как Всемогущий, достигать этого единения, раскрывая человеку Самого Себя. Вне единения Бога и человека познание Бога останется неполным. Как глубоко это единение и в каком Человеке оно осуществилось во всей полноте? Если монотеизм не даст ответы на эти вопросы, то он будет утверждать совершенную непознаваемость Бога для человека. А такое утверждение означает отрицание монотеистического знания по существу. Христианство учит о том, что Бог стал человеком в Богочеловеке Иисусе Христе. Воплощение Бога открывает путь Богопознания. Воплощение Бога являет человеку возможность соединения с Богом, делает его сыном Божьим. Такое соединение осуществляется Божественной благодатью Святого Духа, ведущей христианина к благодатному единению со своим Творцом — обожению.

Основные виды искусства(живопись, скульптуры, декорация, прикладное искусство, театр, музыка).

Национальная культура – это совокупность материальных и духовных ценностей нации, выражающих своеобразие ее образа жизни и традиций. К формам  проявления культурного национализма можно отнести  европоцентризм, американоцентризм, африканоцентризм, азиоцентризм.

Колизей - самый большой амфитеатр античной эпохи. Он вмещал около пятидесяти тысяч зрителей. Мощные стены Колизея (высота 48,5 м) разделены на четыре яруса сплошными аркадами, в нижнем этаже они служили для входа и выхода. В плане Колизей представляет эллипс (156х198 м); центр его композиции - ныне разрушенная арена, окруженная ступенчатыми скамьями для зрителей. Эллипс наиболее полно отвечал требованиям динамики развертывающихся зрелищ - гладиаторских боев. Он давал возможность максимально активизировать зрителя, приблизить места привилегированной публики к арене; спускающиеся воронкой места разделялись согласно общественному рангу зрителей. Внутри шли четыре яруса сидений, которым снаружи соответствовали три яруса аркад: дорическая, ионическая и коринфская. Четвёртый ярус был глухим, с коринфскими пилястрами - плоскими выступами на стене. Членящие стену пилястры коринфского ордера не нарушают монолит здания, выложенного из серого травертина. Внешний вид Колизея с его могучим упругим овалом исполнен суровой энергии. Это ощущение создается не только огромными масштабами здания, но и обобщением основных форм, торжественной мощью простых ритмов. Внутри Колизей очень конструктивен и органичен, целесообразность сочетается в нём с искусством: он воплощает образ мира и принципы жизни, которые сформировались у римлян к I в. н. э.

Пантеон - "храм всех богов" - стоит и ныне в центре Рима. Это единственный памятник, не перестроенный и не разрушенный в Средневековье. В нём заключается нечто близкое не только римлянам, людям античной эпохи, но и вообще человечеству. Храм всех богов - это храм самой божественной идее. Выстроенный Аполлодором Дамасским, он представляет классический образец центрально-купольного здания, самого большого и совершенного в античности. Ротонда Пантеона снаружи производит впечатление торжественного каменного массива. Глади стен противопоставлен с севера мощный портик коринфского ордера с лестницей. Главное, поражающее зрителя в Пантеоне,- интерьер с огромным цельным подкупольным пространством, торжественно величавым и гармоничным. Пропорции Пантеона совершенны - диаметр купола (43,5 м) почти равен высоте храма (42,7 м), а поскольку высота стен равна радиусу его, в подкупольное пространство вписывается шар. Бетонный купол весом 46 тонн имеет форму полусферы, покоящейся на цилиндрической опоре. Круглое девятиметровое отверстие ("Глаз Пантеона") в вершине купола-источник света, льющегося потоком и озаряющего нерасчлененное пространство интерьера. Сосредоточенность освещения в высшей центральной точке заставляет зрителя остро воспринимать высоту купола. Уже в древности было отмечено, что покрытие гигантской ротонды куполом заключало в себе символическое воспроизведение небосвода. Это решение было продиктовано задачей создания "храма всем богам", не только жилища божества, как это было у греков, но и священного пространства, в котором пребывали молящиеся. Простоте четких геометрических форм внутреннего пространства соответствует строгость убранства. Стены облицованы цветным мрамором, а их пластический декор рассчитан на постепенное облегчение архитектурных форм кверху. Интерьер имеет три яруса. Нижний расчленен колоннами коринфского ордера и высокими нишами со статуями. Расположенный над ним аттиковый этаж с ложными окнами и пилястрами завершается антаблементом. Купол разделен пятью кольцевыми рядами кассет, уменьшающимися кверху. Своими отвесными членениями кассеты перекликаются с пилястрами и колоннами и поднимаются кверху, по меридианам, замыкая купол, а горизонтали кассет как бы вторят линиям карниза. Выявляя глубиной рельефа толщу купольного перекрытия, кассеты усиливают впечатление его материальности. Ордер Пантеона создает как бы переход от величественного масштаба здания к человеку. Покой, внутреннюю гармонию. уход от земной суеты в мир духовности - вот что давал Пантеон посетителям. Стремление к возрождению величия и мощи Римской империи внешне проявилось в тяготении к грандиозности, присущей архитектуре и изобразительному искусству III - первой половины VI в. н. э. Потребности римской городской жизни вызвали появление уже в I в. н. э. нового типа зданий: гигантских терм - общественных бань, рассчитанных на две-три тысячи человек. Это был целый комплекс разнохарактерных по своему назначению сооружений, предназначенных для всестороннего гармоничного развития человека. К залам холодных и теплых бань, образующих центральное ядро композиции, примыкали многочисленные помещения для гимнастических упражнений и умственных занятий. Огромные сводчатые и купольные залы поражали роскошью отделки из мрамора и мозаик, равно как и дворы-сады с экседрами (полукруглые ниши больших размеров, завершенные полукупольным сводом) и площадками для игр. Наиболее знаменитые термы императора Каракаллы (нач. III в. н. э.), вторые по размеру в Риме, дошли до нас лишь в руинах. Они представляли собой своеобразную энциклопедию архитектурно-художественных и конструктивных приемов, применявшихся в римском строительстве. Термы Каракаллы занимали колоссальную площадь с газонами, имели залы горячей, тёплой и холодной воды (калдарий, тепидарий, фригидарий). Художественные идеалы римского искусства III и VI вв. н. э. отражали переломный, сложный характер эпохи: распад древнеантичного уклада жизни и миропонимания сопровождался новыми исканиями в искусстве. В развитии последних сильнее проявилась роль провинций и варварских влияний. Грандиозные масштабы некоторых памятников в Риме и в его провинциях напоминают архитектуру Древнего Востока. В то же время проявлялась тенденция максимально облегчить архитектуру, усилить в ней роль пространства, одухотворить его. В римских провинциях продолжался расцвет градостроительства, там были богатые заказы, туда устремлялись лучшие мастера из Рима. Среди процветавших римских провинций особое место принадлежит северной Африке. Здесь до сих пор сохранилось много прекрасных построек - храмов, вилл, портиков, жилых домов, часто с изумительными мозаиками пола, сохранившими целые картины в рамах, виртуозные по технике исполнения. Общий уровень цивилизации во всей Римской империи в то время был высок как никогда - вплоть до далёкой Британии, куда доходил тот же Адриан и где окончил свои дни Септимий Север, глава новой римской династии. В его правление в Риме возникла иллюзия возможного возрождения былого величия. Пластичный стиль становится предельно живописным. Рельефы триумфальной арки Септимия Севера, поставленной в честь десятилетия правления и побед в Месопотамии, еще более , чем в колонне Марка Аврелия, теряют определенность контуров и форм. Камень стены превращается в сплошную ажурную ткань, трепещущую в неровных бликах светотени. Знаменит Север и возведенной при нем базиликой. О базилике как сооружении, весьма распространённом у римлян, следует сказать особо. Тип базилики (от греч. "базилике" - "царский дом") - прямоугольного вытянутого здания для общественных собраний и советов - возник уже в Греции в III в. до н. э. Здание разделялось продольными рядами опор(колонн, столбов) на несколько проходов - нефов. Средний неф был обычно выше и шире боковых и освещался через окна над боковыми частями. Чаще всего он завершался выступом - апсидой. Впоследствии архитектурная форма базилики использовалась как образец для строительства христианских храмов. К концу III века в Риме наступила временная ремиссия. Императорская власть отчасти окрепла, обстановка немного наладилась. Со всех сторон столицу империи теснили варвары, и наиболее важными архитектурными сооружениями стали крепкие оборонительные стены, среди которых особое место занимала стена Аврелиана.Великая империя в упадке, когда на трон садится Константин, первый император, официально принявший христианство. Античная религия окончательно изжила себя. Завершающим памятником этого времени была базилика Максенция, победу над которым увековечил Константин на Римском форуме (306-312 гг. н. э.). Базилика была задумана настолько грандиозной, с такими колоссальными пролетами сводов, что даже мудрость римских инженеров не спасла ее от разрушения - вскоре после возведения она обрушилась. Сквозной каркасной конструкцией она предвосхищала средневековые христианские базилики Западной Европы. Базилика Максенция - одно из самых грандиозных сводчатых зданий Рима (площадь 6 тыс. кв. м). Прямоугольная в основании, она имела с восточной стороны крытый портик на столбах. Внутреннее пространство, разделенное на три нефа, завершилось в среднем нефе полукруглой апсидой. Средний неф был перекрыт крестовидными сводами, которые опирались на восемь мощных столбов и поддерживались снаружи контрфорсами и вертикальными выступами стены. Только короткая сторона базилики апсидой была решена сплошной стеной. В остальных частях здания своды опирались на столбы, служившие основанием всей конструкции. Тонкие наружные стены были прорезаны двумя ярусами широких арочных пролетов.

После признания в 313 г. христианства господствующей религией началось строительство христианских храмов, формы которых в основном заимствовались из античных базилик. Константин перенес столицу империи на восток, в бывший греческий город Византий. Назван он был "новым Римом", или Константинополем. Отсюда начнет свою историю новое государство - Византия. Рим же оставался еще на протяжении двух веков ценром западной части империи. Та же картина наблюдается и за пределами Рима, как в Италии, так и в провинциях. Античное искусство еще долго будет сохранять свою силу, однако оно, перерастая в средневековое, становится только традицией.

22.Знаменитые соборы Средневековой Европы.

Средневековье.

5 -14 в.н.э. Медиевистика – наука о средневековье. Отрицание античной цивилизации. Распространение и утверждение христианской религии.

4-7 в.н.э. Великое переселение народов(Гунны ,Германцы, Франки, Кельты) точка и формирования науки национальных языков. Эпосы, Фольклор, Строительство соборов.

9-12 в.н.э Романский стиль(от имени Ромула)

Особенности архитектуры романского собора:

В основе плана — раннехристианская базилика, то есть продольная организация пространства

Увеличение хора или восточной алтарной части храма

Увеличение высоты храма

Замена в крупнейших соборах кессонного (кассетного) потолка каменными сводами. Своды были нескольких видов: коробовые, крестовые, часто цилиндрические, плоские по балкам (характерно для итальянской Романской архитектуры).

Тяжелые своды требовали мощные стены и колонны

Основной мотив интерьера — полуциркульные арки

Рациональная простота конструкции, сложенной из отдельных квадратных ячеек — травей.

13-14 в.н.э. Готический стиль(от готического племени)

Готический стиль (от ит. gotico - готский, варварский) пришел на смену романскому стилю в Европе XIII- XIV вв. и также был связан прежде всего с религиозной архитектурой, скульптурой и декоративно-прикладным искусством (мебель, одежда, витражи и т.п.). Если романский стиль отличается величественностью преимущественно в горизонтальном плане, то для готических соборов, которыми и ныне заполнена вся Западная и Центральная Европа, неизменно характерны вертикальность композиций, их устремленность ввысь, к Богу, виртуозная деталировка, органическая связь архитектуры и скульптуры, стрельчатые (а не полукруглые) арки, обширные интерьеры с огромными прорезными окнами, украшенными многоцветными витражами, пышный декор с широким использованием золотой краски, резьбы по дереву, резной и раскрашенной религиозной скульптуры. Наиболее известные готические сооружения - собор Парижской Богоматери, Кельнский собор, Ратуша в Брюсселе.

 16 в.н.э. Ренессанс – возрождение античной культуры и усвоение христианской веры.

Архитектура Возрождения — период развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в Истории Архитектуры, в особенности по отношению к предшествующему архитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства .Особенное значение в этом направлении придаётся формам античной архитектуры: симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы. Архитектура снова становится ордерной. Развитие Архитектуры Возрождения привело к нововведениям в использовании строительных техник и материалов, к развитию архитектурной лексики. Важно отметить, что движение возрождения характеризуется отходом от анонимности ремесленников и появлением персонального стиля у архитекторов. Известно немного мастеров построивших произведения в романском стиле, также как и архитекторов, соорудивших великолепные готические соборы. В то время как произведения эпохи Возрождения, даже небольшие здания или просто проекты были аккуратно задокументированы с самого своего появления .Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески, работавшего во Флоренции, городе, наряду с Венецией считающимся памятником Возрождения. Затем оно распространилось в другие итальянские города, во Францию, Германию, Англию, Россию и другие страны.

ФранцияСобор в Шартре, XII—XIV вв.

Собор в Реймсе, 1211—1330 гг., где короновались французские короли.

Собор в Амьене, 1218—1268 гг.

Собор Парижской Богоматери, 1163 г. — XIV в.

Собор в Бурже, 1192—1390 гг.

[править] ГерманияКёльнский собор, 1248 г. — XIX в.

Мюнстерский собор в Ульме, 1377—1543 гг.

[править] АнглияСобор в Кентербери XII—XIV вв., главный храм английского королевства

Собор Вестминстерского аббатства XII—XIV вв. в Лондоне

Собор в Солсбери 1220—1266 гг.

Собор в Эксетере 1050 г.

Собор в Линкольне к. XI в.

Собор в Глостере XI—XIV вв.

Часовня Королевского колледжа в Кембридже 1446—1515 гг.

ЧехияГотическая архитектура Праги

Собор святого Вита (1344—1929 гг.)

ИталияВ Италию готика пришла намного позже, только к XV в. и не получила такого же сильного развития как во Франции и Германии.

Палаццо Дожей, (Palazzo Ducale). Венеция. Был заложен ещё в IX в. как оборонительное сооружение, но несколько раз подвергался пожарам, вследствие чего, много раз перестраивался. Первоначальный квадратный план здания с большим внутренним двором остался почти без изменений, а нынешние фасады приобрели свой декор, напоминающий орнаменты мусульманских сооружений, к началу XV в. Первый сквозной этаж образуется лёгкой аркадой, на втором этаже подхватываемой ажурными колоннами с удвоенным шагом, на которых покоится огромный блок третьего этажа. На протяжении веков только это здание Венеции именовалось палаццо, все остальные дворцы, носили скромное название Ca’ (сокращенный вариант от Casa, то есть просто дом). Здесь размещалась не только резиденция дожа, но также совет Республики, суд и даже тюрьма.

Миланский собор, 1386—XIX в. Изначально был задуман такого огромного размера (в нём помещается 40 тысяч человек), что с большими трудностями был частично завершён только к концу XVI в. Строительство началось в 1386 г., а в 1390 г. было объявлено о сборе средств и посильной помощи среди миланцев для ускорения строительства собора. Первоначальный замысел предполагал кирпичную кладку, что можно увидеть и сейчас в северной сакристии собора, но в 1387 г. герцог Висконти, желавший видеть собор великим символом своей власти, пригласил ломбардских, немецких и французских архитекторов и настоял на использовании мрамора. В 1418 г. собор был освящён папой Мартином V, но оставался незаконченным до XIX в., пока при Наполеоне был не завершён фасад. Более пяти веков строился этот собор и, в результате, соединил многие черты архитектурных стилей, от барокко до неоготики.Ка д’Оро (итал. Ca' d’Oro — Золотой дом) в Венеции. Расположенный на Большом Канале этот дворец претерпел множество изменений, а в интерьере осталось очень мало от готического дворца XV века.

23.Творчество великих мастеров эпохи Возраждения.

ДЖОТТО ДИ БОНДОНЕ (Giotto di Bondone) (ок. 1266 или 1276–1337), флорентийский художник и архитектор; родился в Веспиньяно. Согласно Вазари, Джотто был учеником Чимабуэ. Об ученичестве и раннем периоде творчества художника ничего не известно. Первое упоминание о Джотто относится к 1298; оно содержится в документе о полученной им оплате за мозаику Навичелла в старом соборе св. Петра в Риме; при перенесении из собора она, к сожалению, утратила свой первоначальный облик. Самые ранние из сохранившихся работ художника – сцены из жития св. Франциска в верхней церкви в Ассизи (1300–1304). Однако эти фрески сильно переписаны, и многие исследователи не признают их подлинными произведениями мастера. Стиль Джотто достиг зрелости во фресках капеллы дель Арена в Падуе (1304–1306). Капелла перекрыта коробовым сводом; на торцовой стене помещено изображение Страшного суда, а на боковых – сцены из жизни Христа и Богоматери, расположенные в три регистра. Сдержанность и достоинство в трактовке сюжетов, пластическая моделировака объемов, четкость пространственных построений, выразительность жестов и поз, светлый праздничный колорит и внутреннее художественное единство делают эти росписи уникальными в истории монументально-декоративной живописи.Среди других упоминающихся в документах и приписываемых Джотто фресок сохранились только росписи капеллы св. Магдалины в нижней церкви св. Франциска в Ассизи (между 1314 и 1329) и капелл Барди и Перуцци в церкви Санта Кроче во Флоренции (после 1317). Во фресках Санта Кроче, открытых в 20 в. под слоем штукатурки, представлены сцены из жития св. Франциска, композиции которых с небольшими изменениями заимствованы из фресок в Ассизи, а также эпизоды из житий Иоанна Крестителя и Иоанна Богослова. Из алтарных образов Джотто сохранился только один – Мадонна во славе (ок. 1310, Уффици).Джотто был человеком светским и практичным. У него было шестеро детей. В последние годы жизни Джотто достиг вершины славы; в 1330 король неаполитанский Роберт пожаловал ему титул придворного, а в 1334 он был назначен главным архитектором Флорентийского собора. В этом же году был заложен фундамент кампанилы, которую обычно называют кампанилой Джотто, хотя, насколько нам известно, рисунки мастера сыграли крайне незначительную роль в сооружении этой постройки. Умер Джотто во Флоренции 8 января 1337.

БОТТИЧЕЛЛИ, САНДРО (Алессандро Мариано Ди Ванни Ди Амедео Филипепи) (1445–1510) – знаменитый итальянский художник раннего Возрождения.Боттичелли, прозванный Сандро, родился во Флоренции в семье дубильщика кожи. Воспитывался старшим братом Антонио, золотых дел мастером, прозванным Боттичелло (бочонок), от которого это прозвище перешло к Сандро.С 1465 по 1467 Боттичелли работает учеником в мастерской Фра Филиппо Липпи (ок. 1406–1469). Его ранние работы близки к картинам учителя, чье творчество наполнено нежными, лиричными образами. Так, Мадонна (конец 1460-х), написанная Сандро для Воспитательного дома во Флоренции, практически повторяет такую же работу Липпи. После отъезда Липпи из Флоренции Боттичелли поступает в мастерскую Верроккьо (1467–1468).В 1470 Боттичелли открывает собственную мастерскую, которая по мере роста популярности художника расширялась, в нее поступают ученики, в 1472 он вступает в гильдию св. Луки. По поручению цеха флорентийских купцов для торгового суда он пишет Силу (1470, Флоренция, галерея Уффици), аллегорическую фигуру одной из добродетелей, символизирующую нравственную силу души. Боттичелли изображает ее в виде молодой женщины на троне с булавой в руках.В своем творчестве Боттичелли часто обращается к религиозной живописи, например, Мадонна Евхаристии (1472, Бостон, Музей Гарднер). Согласно символике этого произведения, виноград и колосья пшеницы, которые держит ангел, указывают на таинство причастия, а колос, который берет Мадонна, – горестное принятие будущих мучений Христа. Две небольшие картины Возвращение Юдифи из лагеря Олоферна и Нахождение тела Олоферна (обе 1472–1473, Флоренция, галерея Уффици) написаны им по сюжетам из Ветхого Завета.

ДОНАТЕЛЛО (Donatello) – великий итальянский скульптор, основатель скульптуры эпохи Возрождения, новатор искусства своего времени.

Донато ди Никколо ди Бетто Барди, прозванный Донателло (уменьшительное имя), родился в 1386 во Флоренции, был сыном ремесленника, чесальщика шерсти. Неизвестно у кого он учился, но, вероятно, он начал трудиться в мастерских, ведущих работы над украшением Собора Санта Мария дель Фьоре. Тогда он сблизился с Филиппо Брунеллески (1377–1446), с которым его связывала дальнейшая близкая дружба. В 1404–1407 Донателло работал помощником в мастерской Лоренцо Гиберти (1378–1455), принимая участие в выполнении северных дверей баптистерия Собора. Созданная Донателло Мраморная скульптура Давида (1408–1409, Национальный музей, Флоренция) показывает юношу в момент победы над Голиафом. Хотя в трактовке образа автор опирается на античные традиции, но еще прослеживается довольно сильное влияние средневекового готического искусства. В 1416 статуя была куплена синьорией, в 18 в. оказалась в Уффици, а в конце 19 в. – в Национальном музее. В 1412 Донателло был принят в гильдию Св. Луки, гильдию живописцев, как живописец, скульптор и золотых дел мастер. В 1411–1412 он создает мраморную статую Св. Марка (Музей собора, Флоренция) для церкви Ор Сан Микеле, исполненную для одной из наружных ниш церкви. Это первое истинно ренессансное произведение скульптуры. Впервые в истории Возрождения Донателло решил проблему устойчивости фигуры. Он использовал т.н. хиазм который знали скульпторы античных времен, но который был забыт в эпоху средневековья. Хиазм – это постановка тела, при которой вся тяжесть тела приходится на одну ногу, а другая слегка отставлена в сторону и согнута в колене. Перед нами предстает мощный образ, новый герой эпохи Возрождения.Евангелист Иоанн, покровитель цеха шерстяников – одна из скульптур Донателло, созданная им для украшения фасада Собора Санта Мария дель Фьоре (1412–1415, Музей собора, Флоренция). Если в эпоху средневековья скульптуры представляли собой бестелесные образы, то Донателло делает их реалистичными, земными. Сидящий апостол – это крепкий, мощный старик, с могучими руками. В скульптуре Св. Георгий (1415–1417, Национальный музей, Флоренция), покровителе цеха оружейников, сделанной для церкви Ор Сан Микеле, Донателло создает образ активного защитника отечества, образ мужественного и отважного победителя, идеал сильной личности. Юноша в рыцарском вооружении стоит в твердой, спокойной позе, опирается на узкий, высокий щит с изображением креста. В его напряженном взгляде чувствуется готовность к сражению, выражение мужественной энергии. Он показан как символ победы над врагами Флоренции. После создания этой скульптуры утвердилась слава Донателло как величайшего скульптора.В последующее десятилетие Донателло работает над статуями пророков (1415–1436) для Кампанилы (колокольни) Собора Санта Мария дель Фьоре, которые были установлены в ее нишах (См. также ДЖОТТО БАШНЯ). Пророк Иеремия (1427–1426, Музей собора, Флоренция), пророк Аввакум (1427–1435, Музей собора, Флоренция) поражают неповторимостью образа, силой драматизма, монументальным величием и экспрессией. Совместно с Микелоццо ди Бартоломео (1396–1472) Донателло работает над надгробием Бальтасаре Косса (папы Иоанна XXIII) (1424–1427), которое находится в Баптистерии Собора. Надгробие делится на три яруса. Нижний ярус украшен гирляндами и изображениями добродетелей. Средний – это саркофаг с фигурой усопшего наверху. Верхний – под откинутой драпировкой дано погрудное изображение Марии с младенцем. Надгробие, примыкающее к стене и находящееся между двумя колоннами, украшенное элементами классической архитектуры (пилястрами, карнизами, консолями) является роскошным архитектурным сооружением. Такой тип надгробия, появившийся в 13 в., получил широкое распространение в 15 в.В выполненном из терракоты и раскрашенном бюсте Никколо да Удзано (ок. 1432) Донателло создает первый скульптурный портрет эпохи Ренессанса. Обращаясь к римским портретным скульптурам, автор изобразил своего героя, банкира и видного политического деятеля Флоренции, в античных одеждах как римского гражданина.В 1431–1432 Донателло вместе с Брунеллески едут в Рим. Там они знакомятся с античным искусством, занимаются обмерами и раскопками. Эта поездка оказала сильнейшее влияние на дальнейшее творчество Донателло.

Леонардо да Винчи - сын флорентийского нотариуса и крестьянки. Родился 15 апреля 1452 года в городе Винчи, в провинции Тоскана в Италии. Обучался в мастерской Верроккьо во Флоренции. Первое наиболее значительное, но оставшееся незаконченным произведение - «Поклонение волхвов» (Галерея Уффици, Флоренция). С 1481 до 1499 год состоял на службе герцога Лодовико Моро, занимался вопросами гидротехники, организацией придворных фейерий. В миланский период в трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие выполнил стенную роспись «Тайная вечеря» (1495-1497.). Из-за особенностей примененной им техники - масло с темперой - это произведение считают вершиной европейского искусства, сохранилось в сильно поврежденном виде. До 1506 года Леонардо да Винчи работал во Флоренции. В портрете Монны Лизы («Джоконда», около 1503) воплотил возвышенный идеал женственности и обаяния. Важным компонентом картины является пейзаж, как бы тающий в холодной голубой дымке. К поздним произведениям Леонардо да Винчи принадлежат «Святая Анна с Марией и младенцем Христом» (1500-1507), «Иоан Креститель» (1513-1517) и другие. В 1516 году по приглашению Франциска I уехал во Францию, где скончался. Около семи тысяч страниц сохранившихся рукописей Леонардо да Винчи содержат его мысли по различным вопросам искусства, науки и техники. Из этих записей был составлен позже «Трактат о живописи», в котором изложены сведения о пропорциях. Леонардо да Винчи является ярчайшим представителем нового, основанного на эксперименте, естествознания. Он изучал не только существующие в его время машины, но и обращался к механике древних. Как ученый-практик Леонардо да Винчи обогатил почти все отрасли знаний глубокими наблюдениями и проницательными догадками. Проверяя свои предположения и расчеты опытом, Леонардо впервые в области механики сделал попытки определить экспериментальным путем коэффициенты трения и скольжения, исследовать явление удара, сопротивление различных материалов, падение тел и траекторию горизонтально брошенного тела. Он является первым ученым, сформулировавшим закон сложения сил, выполнившим оригинальные исследования центров тяжести полукруга и тетраэдра.Леонардо да Винчи разработал проекты печатных и шлифовальных станков, деревообрабатывающих, ткацких машин и машин для ворсования тканей. Сконструированная им механическая прялка намного превосходила своей производительностью все, применявшиеся в то время. Много труда положил Леонардо на разработку конструкций водяных двигателей. Работа в гидротехнической области позволила ему правильно описать равновесие в сообщающихся сосудах. Занятия гидротехникой и гидродинамикой, изучение законов движения воды, дали ему ключ к пониманию основных законов движения в воздухе. Новаторскими были конструкции летательных аппаратов. Он точно рассчитал размеры парашюта, необходимые для поддержки человека в воздухе. Леонардо пришел к идее геликоптера (вертолета), движение которого в воздухе основано на применении винта. Но документальных данных о том, пытался ли он строить спроектированные летательные аппараты и испытывать их, нет. В астрономии наиболее значительными являются передовые космологические идеи Леонардо да Винчи: принцип физической однородности Вселенной, отрицание центрального положения Земли в космосе, впервые он правильно объяснил пепельный цвет Луны. Все научные записи Леонардо да Винчи сделаны на итальянском языке. Первые издания его уникальных трудов датируются второй половиной XIX века, а последние - 30-ми годами XX века, так что они не оказали широкого воздействия на развитие естествознания в последующие после его смерти столетия. Во многих случаях ученым приходилось открывать заново то, что было уже открыто Леонардо да Винчи.

Рафаэль (Рафаэль Санти) (1483 - 1520) – художник (живописец, график), архитектор эпохи Высокого Возрождения. Родился Рафаэль 24 марта 1483 года в Урбино, Италия. Первое обучение художественному мастерству в биографии Рафаэля проводил его отец - Джованни Санти. Оставшись в 11 лет сиротой, Рафаэль стал обучаться у Пьетро Перуджино – известного итальянского художника. Сначала Рафаэль копирует стиль своего учителя, а позже вырабатывает свою неповторимую манеру написания картин. Неповторимую – потому что его полотна чисты красками, легки, фигуры на них правильны в пропорциях. Однако анатомические знания в биографии Рафаэля были получены не сразу. Лишь переехав во Флоренцию, ознакомившись с величайшими работами Микеланджело, Рафаэль стал учиться пропорциональному изображению человеческих тел. Творческий пик в биографии Рафаэля начинается примерно в 25-летнем возрасте. Он переезжает в Рим, где получает несколько ценнейших заказов. Так он выполняет фрески во дворцах и соборах. Там же Рафаэль проявил себя как архитектор – был одним из руководящих строительством собора Святого Петра. Картины Рафаэля более всего прославлены благодаря его мадоннам. Он написал множество полотен с изображением Богоматери. Одним из самых известных картин Рафаэля – «Сикстинская Мадонна» (1513), «Мадонна Конестабиле» (1504), «Маленькая Мадонна».

Микеланджело, итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт, родился 6 марта 1475 г. в Капрезе, в Тоскане в семье чиновника. Отец назвал его Микеланджело, утверждая, что это имя было внушено ему свыше. Детство Микеланджело прошло частично во Флоренции. Мать мальчика умерла, когда ему было шесть лет. Хотя семья его столетиями принадлежала к высшим слоям города, Микеланджело жил достаточно скромно и, в отличие от других художников его эпохи, никогда не стремился улучшить свое материальное положение. Он сам заботился о своем отце и четырех братьях. В 1488 г. году Микеланджело поступает учиться в мастерскую одного из лучших мастеров Италии —живописца Доменико Гирландайо (1488—1489), затем занимается у скульптора Бертольдо ди Джованни (1489—1490). Вскоре Лоренцо Медичи, прозванный Великолепным, призвал его к себе во дворец и открыл ему доступ в свои владения, где он смог познакомиться с прекрасной коллекцией произведений античных мастеров. Мальчик практически самостоятельно овладел необходимыми техническими навыками ремесла скульптора. Он лепил из глины и делал копии с произведений предшественников (Джотто, Донателло, Мазаччо и др.). Вскоре он был вызван в Рим. Уже в ранних произведениях — рельефы «Мадонна у лестницы», «Битва кентавров» (1490—1492) — вырисовываются характерные черты его творчества — монументальность, пластическая мощь и драматизм образов, преклонение перед красотой человека. В Риме Микеланджело создает статую «Вакх» (1496—1497). В 1501 г. он возвращается во Флоренцию и работает над статуей Давида (1501—1504). Когда статуя была закончена, комиссия, состоящая из знатных горожан и художников, решила установить ее на главной площади города, перед Палаццо Веккио.  В 1505 г. папа Юлий II снова призывает Микеланджело в Рим, где ему поручается создание надгробия папы; работы затянулись и были завершены только в 1545 г. Для надгробия был создан ряд статуй, в том числе «Моисея» и знаменитые статуи «Восставший раб» и «Умирающий раб»  Самое грандиозное живописное произведение Микеланджело — росписи плафона Сикстинской капеллы Ватикана (1508—1512). В 1520-х гг. мироощущение художника приобретает трагический оттенок. Главный труд этих лет — возведение и украшение статуями церкви Сан-Лорен-цо во Флоренции, усыпальницы рода Медичи (1520—1534).  В 1534 г. Микеланджело навсегда переезжает в Рим. В Риме он пишет огромную фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы (1536-1541).  Последние тридцать лет его жизни ознаменованы постепенным отходом от скульптуры и живописи и обращением преимущественно к зодчеству и поэзии. Лирика Микеланджело отличается глубиной мысли и высоким трагизмом; в ней поднимаются темы любви, гармонии, одиночества. Излюбленные стихотворные формы Микеланджело — мадригал и сонет; при жизни автора они не публиковались, хотя высоко ценились современниками. Первое издание его стихотворений было осуществлено в 1623 г. В произведениях Микеланджело, во многом определивших развитие европейского искусства как XVI в., так и последующих столетий, отразились идеалы Высокого Возрождения. Умер в Риме в 1564 г.

24.Наследие фламандских художников ХVllв. (Рубин, Ван Дейк)

ВАН ДЕЙК, АНТОНИС (1599–1641) – знаменитый фламандский живописец, мастер портрета, мифологической, религиозной картины, офорта. Его творчество пришлось на период, когда после раздела Нидерландов на Голландию и Фландрию, самый крупный город Фландрии Антверпен, родина художника, начинал возрождаться после войны. В искусстве главой и лидером являлся Питер Пауль Рубенс, творчество которого наравне с творчеством Якоба Йорданса, Франса Снейдерса (1579–1657) и, конечно, Ван Дейка и определило путь развития фламандской школы живописи второй половины 17 в. Антонис Ван Дейк родился 22 марта 1599 в Антверпене, был седьмым ребенком в семье богатого торговца тканями Франса Ван Дейка, который был дружен со многими художниками Антверпена. В 1609 в 10-летнем возрасте его отдают в мастерскую известного живописца Хендрика ван Балена (1574/75–1632), писавшего картины на мифологические темы.

В 1615–1616 Ван Дейк открывает собственную мастерскую. К ранним работам относится его Автопортрет (ок. 1615, Вена, Музей истории искусств), отличающийся изяществом и элегантностью. В 1618–1620 создает цикл из 13 досок, изображающих Христа и апостолов: Св. Симон (ок. 1618, Лондон, частное собрание), Св. Матфей (ок. 1618, Лондон, частное собрание). Выразительные лица апостолов написаны в свободной живописной манере. Сейчас значительная часть досок этого цикла рассеяна по музеям всего мира. В 1618 Ван Дейк был принят мастером в гильдию живописцев Святого Луки и, уже имея собственную мастерскую, сотрудничает с Рубенсом, работает как помощник в его мастерской. С 1618 по 1620 Ван Дейк создает произведения на религиозные темы, часто в нескольких вариантах: Коронование терновым венцом (1621, 1-й берлинский вариант – не сохранился; 2-й – Мадрид, Прадо); Поцелуй Иуды (ок. 1618–1620, 1-й вариант – Мадрид, Прадо; 2-й – Минеаполис, Институт искусств); Несение креста (ок. 1617–1618, Антверпен, Синт-Паулускерк); Св. Мартин и нищие (1620–1621, 1-й вариант – Виндзорский замок, Королевское собрание; 2-й вариант – Завентем, церковь Сан Мартен), Мученичество св. Себастьяна (1624–1625, Мюнхен, Старая Пинакотека). Антонис Ван Дейк обязан своей славой жанру портрета, который в иерархии жанров европейской живописи занимал низкое положение. Однако во Фландрии к этому времени уже сложилась традиция портретного искусства. Ван Дейк написал сотни портретов, несколько автопортретов, стал одним из создателей парадного портрета 17 в. В портретах своих современников он показывал их интеллектуальный, эмоциональный мир, духовную жизнь, живой характер человека. В ранних портретах Ван Дейк пишет зажиточных горожан, художников с семьями. Тема изображения семейств и супружеских пар, столь распространенная в искусстве Нидерландов 16 в., была подхвачена Ван Дейком: Портрет Франса Снейдерса с Маргаритой де Вос (ок. 1621, Кассель, Картинная галерея). В знаменитом Семейном портрете (1623, Санкт-Петербург, Эрмитаж) Ван Дейком переданы естественные движения и жесты, кажущиеся случайными позы, живые взгляды, устремленные на зрителя – все эти новшества он вносит в искусство портрета. К знаменитым портретам этого периода относится и Портрет Корнелиуса ван дер Геста (ок. 1620, Лондон, Национальная галерея), овеянный тонким психологизмом. В 1920 по инициативе королевского гофмаршала Томаса Хауэрда, графа Эрендела (1585–1646) Ван Дейк был приглашен в Англию в качестве придворного живописца. Здесь он знакомится с произведениями Высокого Возрождения. Художник неоднократно писал портреты графа и членов его семьи, самый лучший из которых Портрет графа Эрендела с внуком лордом Монтерверсом (ок. 1635, Эрендел-касл, Собрание герцога Норфолка).

Ван Дейк проведя в Англии около года, совершает поездку в Италию, ряд городов которой он посещает в свите леди Эрендел. По пути в Италию он заезжает в Антветпен, где пишет несколько картин, самая известная из которых портрет супруги Рубенса Портрет Изабеллы Брандт (ок. 1621, Вашингтон, Национальная галерея искусства). В Италии, в которой Ван Дейк провел с 1621 по 1627, он изучает произведения итальянской живописи. Восхищаясь творчеством Тициана, Тинторетто, Веронезе (1528–1588), он делает зарисовки с натуры, наброски картин знаменитых художников, что составило Итальянский альбом (Лондон, Британский музей) Ван Дейка. Обосновавшись в Генуе, он подолгу жил в Риме, Мантуе, Венеции, Турине, Флоренции, продолжая писать портреты. Среди них подчеркнуто парадный Портрет кардинала Гвидо Бентивольо (1623, Флоренция, Галерея Питти), сочетающий внешнюю репрезентативность с раскрытием богатой внутренней жизни. В 1624 Ван Дейк получает приглашение от вице-короля Сицилии посетить Палермо, где он пишет поколенный Портрет вице-короля Эммануила Филиберта Савойского (1624), а также большую алтарную картину для палермской церкви Ораторио дель Розарио Мадонна четок (1624–1627) – самый крупный заказ, полученный Ван Дейком от церкви в итальянский период. Вернувшись в Геную, Ван Дейк, уже известный, модный портретист, пишет блестящие портреты-картины. Он создает сложные композиции парадного портрета, на которых предстает несколько романтизированный, величественный мир аристократии. Он изображает портретируемых в полный рост на фоне роскошных дворцов, открытых террас, величественных пейзажей, придает им горделивые позы и эффектные жесты. Великолепие их костюмов с блестяще прописанными тканями, со струящимися складками усиливают значимость образов. Портрет маркизы Елены Гримальди Каттанео со слугой негритенком (1623, Вашингтон, Национальная галерея искусств), Портрет маркизы Бальби (ок. 1623, Нью-Йорк, Музей Метрополитен), Портрет Паолы Адорно с сыном (ок. 1623, Вашингтон, Национальная галерея искусств), групповой портрет Портрет семьи Ломеллини (1624–1626, Эдинбург, Национальная галерея Шотландии). В это время он обращается к изображению пожилых людей, отмеченных печатью прожитой жизни: Портрет сенатора и Портрет жены сенатора (1622–1627, Берлин, Государственные музеи), а также к изображению детей, создав впервые в истории искусств первый парадный детский групповой портрет: Портрет детей семьи де Франки (1627, Лондон, Национальная галерея). В 1627 Ван Дейк вернулся в Антверпен, в котором он пробыл до 1632, вступил во владение наследством после смерти отца. Популярность его огромна: он выполняет заказы на крупные алтарные картины для церквей Антверпена, Гента, Куртрэ, Мелехена, портреты, картины на мифологические темы. Для церкви иезуитов Ван Дейк пишет большую алтарную картину Видение св. Августина (1628, Антверпен, Церковь св. Августина), для придела Братства холостяков в антверпенской церкви иезуитов – Богоматерь и младенец Иисус со св. Розалией, Петром и Павлом (1629, Вена, Музей истории искусств), для церкви доминиканцев в Антверпене – Распятие со св. Домиником и св. Екатериной Сиенской (1629, Антверпен, Королевский музей изящных искусств). Он создает много полотен меньшего размера на религиозную тематику: Видение Богоматери блаженному Герману Иосифу (1630, Вена, Музей истории искусств), Богоматерь с куропатками (нач. 1630-х, Санкт-Петербург, Эрмитаж), написанная для английской королевы. Среди портретов Ван Дейка этого периода преобладали изображения представителей правящих кругов, знатных семейств, духовенства, сановников, художников. Он с любовью прописывает детали костюмов, украшений, и вместе с тем его живопись очень свободна: динамичные мазки, широкое письмо. Он блистательно передает внутренний мир портретируемого, они полны жизни, естественны: Портрет Яна ван дер Ваувера (1632, Москва, ГМИИ им. Пушкина), Портрет Мартина Рейкарта (1630, Мадрид, Прадо), Портрет Марии Луизы де Тассис (1628, Вадуц, Собрание Лихтенштейн). С 1626 по 1633 он создает галерею графических портретов выдающихся современников, получившая название Иконография. Для офортной серии он выполнил с натуры подготовительные рисунки, часть офортов была выполнена самим Ван Дейком, часть с помощью граверов. Портреты делились на три группы: монархи и полководцы (16 портретов), государственные деятели и философы (12 портретов), художники и коллекционеры (52 портрета). Одни рисунки Ван Дейк делал с натуры, другие – с портретов, написанных им самим или другими художниками. Иконография была издана в 1632 в Антверпене. На титульном листе помещался автопортрет Ван Дейка. После его кончины Мартин ван Эмден, гравер, печатавший эти офорты, продал первоначальные 80 досок. К ним было добавлено еще 15 досок, выгравированных самим Ван Дейком, а также гравюры других художников, так что общее число было доведено до 100. Это издание появилось в свет 1645 и стало известно под названием «Centum Icones» («Сто изображений»). Иконография не только важный исторический документ, но и имеет высокохудожественную ценность. В 1632 по приглашению короля Карла I (1625–1649), которого Рубенс называл «величайшим любителем живописи из всех государей мира», Ван Дейк едет в Англию. Там он получает должность «главного живописца на службе их величества», дворянский титул и золотую цепь. В 1634 Ван Дейк посещает Антверпен, а затем Брюссель, в котором он пишет портреты знати: Портрет Кардинала-инфанта Фердинанда (1634, Мадрид, Прадо), Конный портрет Томаса, принца Савойско-Кариньянского (1634, Турин, галерея Сабауда). Он получил крупный заказ на выполнение группового портрета в натуральную величину городских эшевенов (муниципальных советников) для зала ратуши. От погибшей в 1695 картины сохранились лишь подготовительные наброски маслом. 18 октября 1634 гильдия св. Луки г. Антверпена признала Ван Дейка лучшим среди фламандских художников, присудив ему высшую награду: он был избран почетным деканом, его имя было внесено заглавными буквами в список членов гильдии. Вскоре Ван Дейк возвращается в Англию, где он провел последующие 15 лет. Им были написаны картины на мифологическую тематику: Ринальдо и Армида (1628, Балтимор, Картинная галерея),Амур и Психея (1638, Лондон, Хептон-корт). В Англии господствующим жанром в живописи был портрет, и работа Ван Дейка в этом жанре в Англии стала значительным событием. Основными заказчиками был король, члены его семьи, придворная знать. К шедеврам Ван Дейка относится Конный портрет Карла I с сеньором де Сент Антауном (1633, Бакингемский дворец, Королевские собрания). Выделяется парадный Портрет Карла I на охоте (ок. 1635, Париж, Лувр), показывающий короля в охотничьем костюме, в изысканной позе на фоне пейзажа. Известен т.н. Тройной портрет короля (1635, Виндзорский замок, Королевские собрания), на котором король показан в трех ракурсах, т.к. предназначался для отсылки в Италию, в мастерскую Лоренцо Бернини (1598–1680), которому было заказано создать бюст Карла I. После того, как в 1636 выполненный Бернини бюст (не сохранился) был доставлен в Лондон и вызвал фурор при английском дворе, королева Генриетта Мария тоже пожелала иметь собственное скульптурное изображение. Всего Ван Дейк писал королеву более 20 раз, но для этого замысла он создал три ее отдельных портрета, среди которых самый значительный Портрет Генриетты Марии с карликом сэром Джефри Хадсоном (1633, Вашингтон, Национальная галерея искусств). Но, видимо, они так и не были отосланы, и эта идея не была воплощена в жизнь. Ван Дейк в 1635 получает заказ на написание картины с изображением детей короля Трое детей Карла I (1635, Турин, Галерея Сабауда), которая позже была отослана в Турин, и считающаяся шедевром детского портрета. В том же году он повторяет картину, а два года спустя создает полотно Пятеро детей Карла I (1637, Виндзорский замок, Королевские собрания). В этот период Ван Дейк пишет эффектные портреты придворных, создал портретную галерею молодых английских аристократов: Принц Карл Стюарт (1638, Виндзор, Королевские собрания), Принцесса Генриетта Мария и Вильгельм Оранский (1641, Амстердам, Рейксмузеум), Портрет королевских детей (1637, Виндзорзорский замок, Королевские собрания), Портрет Филиппа Уортона (1632, Санкт-Петербург, Эрмитаж), Портрет лордов Джона и Бернарда Стюартов (ок. 1638, Хэмпшир, Собрание Маунтбеттена). К концу 30-х им созданы превосходные мужские портреты, великолепные по решению и психологической характеристике, строгие и правдивые: Портрет сэра Артура Гудвина (1639, Дербишир, Собрание герцога Девонширскиго), Портрет сэра Томаса Чалонера (ок. 1640, Санкт-Петербург, Эрмитаж). В 1639 он женится на Мэри Рутвен, фрейлины королевы, в 1641 у них родилась дочь Юстиниана. В 1641 у Антониса Ван Дейка ухудшается здоровье, и после долгой болезни 9 декабря 1641 он скончался в возрасте 42 лет. Похоронили его в соборе Святого Павла в Лондоне. Ван Дейк написал около 900 полотен, огромное количество для человека, чья творческая деятельность длилась около 20 лет. Он оставил грандиозное наследие, не только потому, что работал быстро и легко, но и потому, что использовал многочисленных помощников, художников из Фландрии и Англии, которые писали задние планы, драпировки, использовал манекены для написания одежд. Творчество Ван Дейка оказало огромное влияние на развитие английской и европейской портретной живописи. Он был основателем английской школы портрета, традиции которого сохранятся в искусстве в течение столетий. Ван Дейк в портретах показывал людей разных сословий, разного социального уровня, разных по душевному и интеллектуальному складу. Приверженец традиций фламандского реализма он был создателем официального парадного портрета, в том числе аристократического портрета, в котором показывал благородного, утонченного, рафинированного человека, а также был создателем интеллектуального портрета.

Питер Пауль Рубенс (Peter Paul Rubens), 1577–1640 гг. · фламандский художник и дипломат. Родился в Зигене в Вестфалии 28 июня 1577 г. в семье Яна Рубенса, антверпенского юриста. Когда Питеру Паулю Рубенсу было одиннадцать лет, его отец умер, а мать переехала с детьми в Антверпен. Будущий художник получил образование в школе иезуитов. Способности к языкам (он говорил на шести языках) позволили ему не только освоить культурное наследие своей эпохи, но и достичь значительных успехов на дипломатическом поприще. Рубенс учился у трех фламандских живописцев – Тобиаса Верхахта, Адама ван Норта и Отто ван Вена. В 1598 г. он был принят в гильдию св. Луки. В 1600 г. художник приехал в Италию; там он изучал античную архитектуру и скульптуру, итальянскую живопись, а также писал портреты (в основном в Генуе) и алтарные образы (в Риме и Мантуе). В 1603 г. итальянский покровитель Рубенса Виченцо Гонзага послал его в Испанию в составе дипломатической миссии. В 1608 г. Рубенс стал придворным живописцем Изабеллы Австрийской, поселился в Антверпене и в 1609 г. женился на аристократке Изабелле Брант. От этого брака родилось трое детей. Чтобы удовлетворить растущий спрос на свои картины, Рубенс за несколько лет создал большую мастерскую, где работали А. ван Дейк, Якоб Йорданс и Ф. Снейдерс. Он выполнял эскизы, которые его ученики и помощники переносили на холст, а затем, по окончании работы, слегка подправлял картины. Он даже организовал гравировальную школу, чтобы еще шире распространять свои работы. Картины Рубенса этих лет полны страстной динамики. Среди сюжетов преобладают сцены охоты, битвы, яркие и драматичные евангельские эпизоды и сцены из жизни святых, аллегорические и мифологические композиции; в них Рубенс с удовольствием писал энергичные, мощные тела, так нравившиеся его современникам. Кроме заказов, поступавших от местных церквей и антверпенских аристократов, художник получал заказы из-за границы, в основном из Англии. Большая мастерская, здание которой он спроектировал в стиле генуэзского палаццо (восстановлено в 1937–1946), вскоре стала общественным центром и достопримечательностью Антверпена. В 1620-е годы Рубенс работал для французского королевского дома. Он написал для Марии Медичи цикл аллегорических панно на сюжеты из ее жизни и выполнил картоны для гобеленов по заказу Людовика XIII, а также начал цикл композиций с эпизодами из жизни французского короля Генриха IV Наваррского, так и оставшийся незавершенным. С начала 1620-х годов Рубенс вел активную дипломатическую деятельность. В 1628 и 1630 гг. Рубенс ездил в Мадрид и Лондон с дипломатическими поручениями и участвовал в заключении мирного договора между Испанией, Англией и Голландией. Вернувшись в Антверпен, Рубенс был встречен с большими почестями; испанский король пожаловал ему титул государственного советника, а английский король – личное дворянство. Вскоре Рубенс женился на шестнадцатилетней Елене Фоурмен; у них было пятеро детей. В эти годы стиль Рубенса изменился – композиции строятся в свободном и плавном ритме, характерная для раннего периода творчества жесткая скульптурная трактовка форм сменяется более легкой и воздушной цветовой моделировкой. В них можно заметить влияние произведений Тициана, которые Рубенс копировал во время пребывания в Мадриде. Несмотря на то, что у него много времени отнимала работа над большими декоративными композициями и сооружениями (роспись плафона в банкетном зале во дворце Уайтхолл в Лондоне; триумфальные арки в честь въезда в Антверпен инфанта Фердинанда; украшение охотничьего замка Торре де ла Парада), Рубенс успевал писать также более камерные, лирические произведения. Среди них следует назвать портрет "Елены Фоурмен Шубка" (ок. 1638–1640, Вена, Художественно-исторический музей), "Кермесса" (ок. 1635–1636, Лувр), и особенно несколько сияющих, ярко освещенных пейзажей, созданных в последние пять лет жизни в загородном поместье близ Мехлина. Умер Рубенс 30 мая 1640 г. В своих произведениях Рубенсу удалось достичь того, к чему стремились три предыдущих поколения художников Фландрии: соединения фламандского реализма с классической традицией, возрожденной итальянским Ренессансом. Художник был наделен огромной творческой энергией и неистощимым воображением; черпая вдохновение из самых разных источников, он создал свой неповторимый стиль. Для выполненных им алтарных образов характерны чувственность и эмоциональность; украшая замки аристократии эпохи зарождающегося абсолютизма, он способствовал распространению стиля барокко – художественного языка не только Контрреформации, но и светской культуры этого времени.

25 .Наследие голландских живописцев 17 в.(Рембрандт, великие и малые Голландцы)

Рейн Рембрандт.Голландский живописец, рисовальщик и офортист. Искусство Рембрандта отличается необычайной жизненностью и глубокой человечностью образов. Сочетая проникновенность характеристик с исключительным мастерством живописи (в которой особо важное значение имеют тончайшие эффекты светотени), Рембрандт писал преимущественно портреты, библейские и мифологические сцены, превращавшиеся под его кистью в полный огромной психологической выразительности рассказ о человеческих чувствах и отношениях, обогащенный наблюдениями мастера над современной ему народной жизнью. Как график Рембрандт являлся неутомимым и оригинальнейшим рисовальщиком и непревзойдённым мастером офортаСын мельника, после недолгого обучения в Лейденском университете (1620) Рембрандт посвятил себя искусству. Он учился у П. Ластмана в Амстердаме (1623), в 1625-1631 годах работал в Лейдене. Испытав сильное влияние караваджизма, уже в ранних, небольших по формату вещах («Принесение во храм», ок.1628-1629, Кунстхалле, Гамбург; «Симеон во храме», 1631, Маурицхейс, Гаага) уделяет особое внимание эмоционально-психологическим возможностям светотени. Наряду с религиозной живописью важнейшим жанром для молодого Рембрандта становится портрет; старательно изучая мимику, фиксируя в ту пору даже резкие, гротескные гримасы, он делает портретные образы (в том числе автопортреты, а также изображения родных и близких ему людей) постоянным аккомпанементом своих творческих исканий, придавая им тем самым беспрецедентную по искренности человечность.Переехав в 1632 в Амстердам, Рембрандт вскоре женился на богатой патрицианке Саскии ван Эйленбург, посвятив молодой жене ряд лучших своих образов. В картине «Урок анатомии доктора Тюлпа» (1632, Маурицхейс), принесшей ему большой успех, он новаторски решает проблему группового портрета, построив его на контрасте разнообразных реакций учеников и спокойствии центральной фигуры ученого-медика, изъясняющего строение человеческого тела.Более свободной, легкой предстает живописная манера мастера, растут масштабы композиций. В картинах, как светских, так и религиозных, доминируют сильные драматические эффекты. Как гимн любви воспринимается «Автопортрет с Саскией» (около 1635, Картинная галерея, Дрезден). Библейско-евангельские сцены отмечены печатью трагизма — с телами и лицами, как бы самосветящимися на темном фоне («Ослепление Самсона», 1636, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне; «Жертвоприношение Авраама», 1635, Эрмитаж; «Снятие с креста», 1633-1634, варианты в Старой пинакотеке, Мюнхен, и Эрмитаже).Рембрандт увлеченно воспринимает опыт итальянского Возрождения и барокко, но в то же время бросает вызов классическому ренессансному канону — в особенности в картинах на темы античной мифологии. «Похищение Ганимеда» (1635, Картинная галерея, Дрезден) выглядит карикатурно (юный герой писает со страха), образ же «Данаи» (1636, Эрмитаж), как и рембрандтовские ню вообще, полон интимной, домашней эротики и совершенно антиклассичен.Вокруг Рембрандта складывается большой круг учеников — «школа Рембрандта». Вершиной периода стал «Ночной дозор» (1642, Государственный музей, Амстердам). Получив заказ на торжественный групповой портрет стрелковой гильдии, Рембрандт предложил блестящее, но нетрадиционное решение: сцена пронизана не батальным, а скорее театральным настроением, героический идеал и повседневная жизнь причудливо смешаны. Заказчики недооценили этот шедевр и подвергли его резкой критике.С 1640-х годах Рембрандт постепенно отказывается от бравурных внешних эффектов, в его работах усиливаются черты созерцательности, мистического самоуглубления. В 1642 умирает Саския, во второй половине 1640-х годов его верной подругой жизни становится Хендрикье Стоффельс, вошедшая в его дом служанкой. Ее образ с той поры неоднократно возникает в искусстве Рембрандта (как и образ Титуса, его сына от Саскии).Библейско-евангельские композиции принимают теперь характер домашних, бытовых сцен, где божественное начало как бы просвечивает изнутри, в мерцающих золотисто-коричневых красочных гаммах. Таковы, например, «Святое семейство» (1645-46, варианты в Эрмитаже и Картинной галерее, Кассель), «Христос в Эммаусе» (1648, Лувр). Рембрандт все чаще драматически укрупняет фигуры («Иаков, благословляющий сыновей Иосифа», 1656, Картинная галерея, Кассель), окутывая образы обаянием неизъяснимой тайны (как в так называемом «Польском всаднике», или «Путешествии Блудного сына», около 1655-57, собрание Фрик, Нью-Йорк). Сумрачно-таинствен «Урок анатомии доктора Деймана» (или «Вторая анатомия»,1656; сохранился лишь фрагмент картины, Государственный музей, Амстердам).Та же атмосфера психологического откровения царит в портретах, где фокусом интереса все чаще предстает лицо, либо лицо и руки, проступающие из мягкой светотени: портреты человека в золотом шлеме (около 1650, Картинная галерея, Берлин-Далем), Яна Сикса (1654, собрание Сикса, Амстердам), читающего Титуса (1656, Художественно-исторический музей, Вена). В эту пору создаются многие из лучших автопортретов, а также замечательные пейзажи (Рембрандт писал их вплоть до 1654), где природа и деяния человеческих рук, природа и история сливаются в единую почвенно-землистую массу, согретую теплым сиянием и живущую своим мерным, величавым ритмом. Рембрандт, подобно Тициану, принадлежал к тем мастерам, для которых старость отнюдь не означала спада творческой активности. В 1656 художника объявляют несостоятельным должником, его имущество продают с молотка. Он перебирается в более скромное жилище в еврейском квартале Амстердама. Умирают Хендрикье и любимый сын Титус, подводит здоровье, однако Рембрандт продолжает работать напряженно и необычайно плодотворно.Он пишет групповой портрет старейшин суконного цеха («Синдики», 1661-62, Государственный музей, Амстердам), добиваясь внешней простоты и эмоциональной непринужденности образа. Фактура его картин превращается в подлинную материю света: свободные лессировки усиливают до предела эффект сияния, которое как бы озаряет красочную массу изнутри, акцентируя психологические узлы композиции. Таков этапный для судеб исторической картины, драматически-напряженный «Заговор Юлия Цивилиса»(1661, сохранился в сильно обрезанном виде; Национальный музей, Стокгольм); эта композиция на тему борьбы батавов против римской оккупации предназначалась для Амстердамской ратуши, но шокировала заказчиков своим новаторством и не была принята.Таковы же «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва), «Отречение Петра» (1660, Государственный музей, Амстердам), «Портрет супружеской четы» (так называемая «Еврейская невеста», около 1662, там же), «Возвращение Блудного сына» (около 1668-69, Эрмитаж), другие сюжетные картины и портреты этого периода, в том числе созданные в последний год жизни автопортреты — образ смеющегося Рембрандта (Музей Вальраф-Рихарц-Людвиг, Кельн) и автопортрет из лондонской Национальной галереи.Рембрандт оставил огромное графическое наследие — своего рода многолетний дневник, полный острых бытовых наблюдений, художественных замыслов, мистико-философских интуиций. Он много работал карандашом, чаще, однако, обращаясь к рисунку гусиным пером в сочетании с кистью. Первые его опыты в области офорта (фигуры нищих, бродяг, крестьян) относятся еще к лейденскому периоду. Со временем он стал великим реформатором искусства гравюры (офорт, часто в сочетании с сухой иглой): виртуозно применяя повторные травления, создавая серийные оттиски, разнообразные по силе тона и штриха, добиваясь удивительной образной глубины содержания, он впервые (если не считать А. Дюрера) поставил печатную графику на один уровень с шедеврами живописи и литературы. Среди самых прославленных его офортов — так называемый «Лист в сто гульденов» («Христос, исцеляющий больных», 1643-49), «Три дерева» (1643), «Три креста»(1653), так называемый «Фауст» (около 1652), «Христос в Эммаусе» (1654), «Се Человек» («Христос перед толпой»,1655). В 1660-е гг. из-за ухудшившегося зрения Рембрандт почти прекращает занятия офортом, сосредоточившись в основном на рисунке тростниковым пером.Свод библейско-евангельских картин, гравюр и рисунков художника называют «Библией Рембрандта». Отражая богатейший спектр религиозных раздумий мастера, она имеет уникальное по своей широте значение: в ней проступают не только протестантско-кальвинистские, католические и сектантские мотивы, но и иудаистская традиция толкования Библии, религия Торы и Талмуда, т. е. представлена вероисповедная карта тогдашней Западной Европы. Антиклассицистический, остро индивидуальный пафос искусства Рембрандта нашел особенно горячий отклик у представителей романтизма, которые порой считали его главным своим предтечей. Наука 20 века развеяла романтический миф о «Рембрандте-изгое» (он вступал в острые конфликты с голландским истэблишментом, но никогда не был каким-то отверженным, а тем паче нищим), провела большую работу по разделению произведений художника и его учеников (среди них были такие крупные мастера, как Г. Доу , К. Фабрициус , А. де Гелдер). В Амстердаме существует музей Рембрандта (в доме, где он жил в поздний период жизни).
Малые голландцы - традиционное название обширного круга голландских (Нидерланды) живописцев XVII в.; возникло в связи с камерным характером их творчества, небольшим размером их картин (пейзаж, интерьер, бытовые сюжеты). Для живописи малых голландцев характерны тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых и колористических нюансов, общее ощущение уюта, близости и единения персонажей в пейзажной или интерьерной среде. Среди наиболее ярких представителей - Я. Вермер, братья Остаде, Г. Терборх, Я. Стен, Г. Метсю".

26.Знаменитые древнерусские храмы и монастыри 12-16вв.

Село Оболенское. Храм Николая Чудотворца.История  каждого храма неразрывно связана с историей места, на котором он стоит. Как правило, корни ее уходят в далекое прошлое. С. Оболенское, Жуковского района, Калужской области, расположенное на правом берегу р. Протвы, в 12-16 вв. было городом-крепостью  Оболенск - вотчиной князей Оболенских (входившая в состав Оболенского удельного княжества). До сих пор сохранились валы древнего городища. Родословная князей начиналась от сына святого князя Михаила Черниговского, замученного в Орде в 1246 г. «Род князей Оболенских представляет одну из самых замечательных отраслей потомства Рюрика. В 15 и 16 вв. ни один род не выставил, сравнительно с ним, столько знаменитых деятелей, как на административном, так и, в особенности, на военном поприщах». Даже позже, утратив свои удельные права, на владение  старинными родовыми вотчинами, Оболенские принадлежали к цвету московской аристократии. Город Оболенск был  известен уже  в 1147 г. и являлся одним из значительных городов Московского княжеств.

Иосифо - Волоцкий ставропигиальный мужской монастырь.

Мать Иосифа - Мария, постриглась с тем же именем в Волоколамске, в обители святителя Власия. В Пафнутиев монастырь поступили и родные братья Иосифа Вассиан (он стал потом архиепископом Ростовским) и Акакий (впоследствии - епископ Тверским). Испытав молодого инока тяжелыми монастырскими послушаниями, и убедившись в его крепости, преподобный Пафнутий взял Иосифа к себе келейником. После кончины преподобного Иосиф стал его преемником на игуменском посту в Пафнутиев монастыре. Это было в 1477 г. Он ввел строгий общежительный устав во вверенной ему обители, но братия не приняла нововведения. Тогда Иосиф смиренно покинул Боровский Пафнутиев монастырь и отравился с одним из близких старцев изучать жизнь других монастырей. Прошло около года. Преподобному Иосифу более всего понравилась своим строгим общежительным уставом Кирилло-Белозерская обитель.

Калужская Свято-Успенская Тихонова. пустыньИстория Калужской Свято-Успенской Тихоновой пустыни – старинного мужского монастыря - начиналась в 15 в. Тихонова пустынь исторически известна тремя наименованиями: в древности она называлась Малоярославецкой, с 18 столетия ее именовали Медынской, а в 19 в. получила название «Калужская». Разнообразие этих наименований объясняется тем, что земля, на которой стоял монастырь, в разное время принадлежала разным городам, поэтому обитель имела название по имени города, от которого зависела. Основал Свято-Успенский  монастырь преподобный Тихон Медынский (умер в 1492 г.) в конце 15 в. на р. Вепрейка, в 17 км от Калуги. Он принял монашеский постриг в московском Чудовом монастыре. Однако преподобному больше по душе было уединение, и потому он удалился в глухой лес.

 В Николо-Сергиевом храме.Калужская  область чрезвычайно богата красивыми местами. Перепады рельефа, изгибы зеркальных рек, просторы полей и лугов, селения с храмами и монастырями, искусно вписанными в природный ландшафт – все увиденное  рождает в человеке радость и  уверенное восприятие жизни. Поэтому и люди  здесь  спокойные, добрые, полные врожденного достоинства.  Отличаются этим и сельские храмы: порой без броских внешних украшательств, крупных размеров, но неожиданно с такой изысканной деталью либо в оформлении фасада, либо во внутреннем убранстве, что остаются в памяти и в душе навсегда.

 Храм Иоанна Богослова в Фёдоровском.В 15 в. на родословном древе кн. Оболенских появилась ветвь кн. Щербатовых. Им принадлежали несколько сёл под Калугой по реке Протве ниже Спас-Загорья. В 1698 г. Иван Осипович Щербатов, сын кн. О. И. Щербатова стал единоличным владельцем этих обширных родовых земель: сёла Фёдоровское, Бор, Спасское с прилегающими к ним деревнями и пустошами. Название селу Федоровское дала церковь св. Феодора Тирона. Долгое время она была деревянной.  В 1714 г. кн. Иван Осипович Щербатов построил в Федоровском новый каменный храм во имя своего святого покровителя, апостола и евангелиста Иоанна Богослова, а Фёдору Тирону посвятил придел. Осенью 1714 г. храм был освящен архимандритом Пафнутьев-Боровского монастыря Арсением на старых антиминсах.

   Свято-Пафнутьев Боровский мужской монастырь.Древний Рождества Богородицы Свято-Пафнутьев Боровский  мужской монастырь — величественный, хорошо сохранившийся средневековый ансамбль неподалеку от Москвы и главная святыня Калужского края. История монастыря насчитывает уже 560 лет. Он основан замечательным деятелем Русской Православной Церкви 15 в. преподобным Пафнутием. Его дед был ордынским сборщиком дани (баскаком) в городе Боровске. Когда Батый умер, многие баскаки были изгнаны из русских княжеств, а дед Пафнутия принял православие с именем Мартин и поселился неподалеку от Боровска. У его сына Иоанна в селе Кудиново в 1395 г. родился будущий преподобный под именем Парфений. В возрасте 20 лет Парфений тайком ушел от родителей и в Высокопетровском Покровском монастыре Боровска постригся под именем Пафнутий.

   Спасо-Преображенский Воротынский женский монастырь.В 25 км к югу от Калуги, поблизости от места впадения р. Угры в Оку, на приокском обрыве расположено село Спасское-на-Угре.  Сама деревня Спас, вернее, место на котором она стоит, имеет очень древнюю историю. Здесь в уже в 11 в. стоял древнерусский город: археологи находили массу крайне интересных находок: от железных кольчуг, до женских украшений и арабских монет. Есть мнение, что Спас — более позднее название первого «старого» Воротынска, а переименование связано с возникновением в нач.15 века второго «нового» городища Воротынск, которому «подарили» имя (в 5 км от Спаса) и сделали «столицей» удельного княжества. Эти земли были удельными родовыми вотчинами князей Воротынских: древнего княжеского рода «от третьего сына князя Михаила Черниговского».

   Покровский  Хотьков ставропигиальный женский монастыр.Эта обитель основана около 1308 г. на реке Паже (приток Клязьмы). В начале 30-х годов XIV в. в "весь, глаголемую Радонеж" из города Ростова перебралось сразу несколько семей, среди которых был боярин Кирилл "с всем домом своим, и с всем родом своим", отец будущего троицкого игумена Преподобного Сергия Радонежского, в миру - Варфоломея. В те далекие  времена монастырь ничем особенным внешне не выделялся, он был обителью для старцев и стариц.

   Свято-Николаевский Черноостровский монастырь.

В 124 км от Москвы и в 61 км к северо-востоку от Калуги, на берегу р. Лужа (приток р. Протвы), расположен  город Малоярославец, в котором живут 32 тыс человек. Это один из древнейших городов в окружении Москвы, он был основан в конце XIV в. князем Владимиром Андреевичем Серпуховским и назван в честь его сына Ярослава. В 1485 г. этот город вошел в состав Московского княжества и стал называться Малоярославец.

27.Древнерусская иконопись: образы, техника, мастера.

Икона как предмет религиозного культа составляет непременную принадлежность каждого православного храма. В Древней Руси, например, существовал культ икон как священных предметов. Им поклонялись, о них слагалось множество сказания, люди считали, что иконы наделены таинственной силой. От них ждали чуда, избавления от болезней, помощи в одолении врага. Икона была обязательной принадлежностью не только церковного убранства, но и каждого жилого дама.Древнейшие памятники иконописи относятся к VI в. Большие собрания их сосредоточены в монастырях на Синае, на Афоне и в Иерусалиме. Иконопись возникла на основе традиций позднеэллинистического искусства. Первоначальные произведения — «портреты» святых — выполнялись в технике мозаики, энкаустики, затем иконы писали темперой, с XVIII в. — масляными красками на деревянных досках, реже — на металлический.В X — XII вв. центром иконописи стала Византия. В начале XII в.был создан знаменитый шедевр — икона Владимирской богоматери. Византийский стиль оказал большое влияние на живопись Западной Европы и Древней Руси, южнославянских стран, что было связано с распространением христианства.Расцвет древнерусской живописи приходится на конец XIV — середину XVI в. Что представляет собой этот период истории? Пройдя через испытания монголо-татарского ига, русский народ стал объединяться ради борьбы с врагом и осознавать свое единство. В искусстве он воплотил свои чаяния и стремления, общественные, нравственные, религиозные идеалы. Среди икон этого времени выделяются замечательные работы Феофана Грека. Его искусство, страстное, драматичное, мудрое, суровое, порой трагически напряженное, производило сильнейшее впечатление на русских мастеров.По-своему отразилась эпоха в творчестве Андрея Рублева и его учеников. В произведениях Андрея Рублева с необыкновенной художественной силой воплотилась мечта современников о нравственном идеале; его образы утверждают идеи добра, сострадания, согласия, радости, которые отвечали народным чаяниям.Наряду с московской школой в XIV — XV вв. расцветает иконопись в Новгороде, Пскове, Твери, Суздале и других городах.Дионисий. Одигитрия Смоленская. 1482.В конце XV в. на небосклоне Москвы появляется новая звезда — мастер Дионисий. Дионисий оказал на современников большое влияние. На всю первую половину XVI в. ложатся отблески поэзии его красок.Историческое рассмотрение иконописи помогает понять ее сущность. Иконописцы обычно не придумывали, не сочиняли свои сюжеты, как живописцы. Они следовали выработанному и утвержденному обычаем и церковной традицией иконографическому типу. Этим объясняется то, что иконы на один сюжет, даже отделенные веками, так похожи друг на друга. Считалось, что мастера обязаны следовать образцам, собранным в иконописных подлинниках, и могут проявить себя только в колорите. В остальном они были во власти традиционных канонов. Но даже в рамках постоянных евангельских сюжетов. при всем почтении к традиции, мастерам всегда удавалось что-то прибавить от себя, обогатить, переосмыслить старинный образец.До XVII в. живописцы обычно не подписывали свои произведения. Летописи и другие литературные источники упоминают наиболее чтимых иконописцев: Феофана Грека, Андрея Рублева, Даниила Черного, Дионисия. Конечно, талантливых мастеров было значительно больше, но их имена остались нам неизвестны.Древнерусские мастера были глубоко уверены в том, что искусство дает возможность коснуться тайн бытия, тайн мироздания. Иерархическая лестница, пирамидальность, целостность, соподчиненность частей — вот что признавалось основой мирового порядка, в чем видели средство преодоления хаоса и тьмы. Это представление нашло себе выражение в структуре каждой иконы. Христианский храм мыслился как подобие мира, космоса, а купол — небосвода. Соответственно этому едва ли не каждая икона понималась как подобие храма и вместе с тем как модель космоса.Древнерусская иконопись уделяла большое внимание изображениям евангельских сюжетов из жизни Христа, Богородицы и святых. Среди многочисленных разнообразных мотивов она выбирала наиболее постоянные, устойчивые, общезначимые.Особо следует выделить группу таких икон, в которых проявились народные идеалы, сказала свое слово земледельческая Русь. Это в первую очередь иконы, посвященные Флору и Лавру, покровителям скота, Георгию, Власию и Илье Пророку, которого изображали на ярком, огненном фоне как преемника языческого бога грома и молнии Перуна.Андрей Рублев. Троица. 1-я четверть XV в.Среди сюжетов и мотивов, которые особенно пришлись по душе людям Древней Руси, следует назвать рублевский тип «Троицы»: три фигуры, полные дружеского расположения, составляющие замкнутую группу. Андрей Рублев выразил это состояние с наибольшей наглядностью и пленительным изяществом. Перепевы его композиции, свободные вариации на эту тему постоянно встречаются в русских иконах.В мире древнерусской иконы огромное значение имеет человеческое начало. Главный предмет иконописи — божество, но оно предстает в образе прекрасного, возвышенного человека. Глубокий гуманизм русской иконы также и в том, что все изображенное прошло через горнило отзывчивой человеческой души, окрашено ее сопереживанием. В своем порыве к высокому человек не теряет способности ласково смотреть на мир, любоваться то резвым бегом лошадок, то пастушками с их овечками, — словом, всей «земной тварью», как принято было тогда говорить.Иконопись — искусство символическое. В основе его лежит представление, согласно которому в мире решительно все — лишь оболочка, за которой скрывается, как ядро, высший смысл. Художественное произведение приобретает отсюда несколько значений, что затрудняет восприятие иконы. Символичны здесь как сюжет, так и художественная форма. Каждая икона, помимо того что она изображает легендарное событие или персонаж, имеет еще и подтекст, в котором раскрывается ее истинное содержание.Иконы по своему содержанию обращены не к одному человеку, а к сообществу людей. Они образовывали в храме ряд — иконостас, выигрывая от соседства друг с другом. Древнерусский иконостас представлял собой целостное стройное единство. Первые большие иконостасы с фигурами в рост человека относятся к началу XV в., и с той поры ни один храм не обходился без подобного величественного сооружения. Его буквальное значение — моление святых, обращенное к восседающему на троне Христу — вседержителю (деисусный чин — ряд). Но поскольку существовали еще и местный ряд с иконами на различные темы, и праздничный — со сценами из жизни Христа и Марии, и пророческий (образы апостолов, пророков), то иконостас приобретал значение своеобразной церковной энциклопедии. В то же время иконостас — замечательное художественное создание древнерусской культуры. Его значение в развитии древнерусской иконы трудно переоценить. Многие иконы нельзя объяснить и понять вне того сочетания, в котором они находились в иконостасе.В иконописи выработалось высочайшее художественное мастерство, особое понимание рисунка, композиции, пространства, цвета и света.Рисунок предавал очертания предметов так, чтобы их можно было узнать. Но назначение рисунка опознавательным смыслом не ограничивалось. Графическая метафора — поэтическое уподобление человека горе, башне, дереву, цветку, стройной вазе — обычное явление русской иконопись.Композиция — особенно сильная сторона древнерусский икон. Едва ли не каждая икона мыслилась как подобие мира, и соответственно этому в композиции всегда присутствует средняя ось. В верхней части выситься небо (высшие ярусы бытия), а внизу обычно обозначалась земля («позём»), иногда под ней — преисподняя. Эта основополагающая структура иконы независимо от сюжета влияла на всю ее композицию.В старинных текстах перечисляются излюбленные краски наших иконописцев: охра, киноварь, бакан, багор, голубец, изумруд. Но в действительности гамма красок древнерусской живописи более обширна. Наряду с чистыми. открытыми цветами было множество промежуточных. Они различны по светосиле и насыщенности; среди них есть порой безымянные оттенки, которые невозможно обозначить словом, их может уловить только глаз человека. Краски светятся, сияют, звенят, поют и всем этим доставляют огромную радость. Иногда одним только цветом, к примеру красным плащом, развевающимся по ветру в иконе «Чудо Георгия о змие», воину дается глубокая характеристика.Древнерусская иконопись — одно из крупнейших явлений мирового искусства, явление своеобразное, неповторимое, обладающее огромной художественной ценностью. Она порождена историческими условиями развития нашей страны. Но созданные ею ценности являются всеобщим достояние. Для нас древнерусская иконопись представляет огромную ценность, в частности, потому, что ее художественные особенности были использованы в переосмысленном виде крупнейшими художниками (например, К. С. Петровым-Водкиным, В. А. Фаворским, П. Д. Кориным и др.).

28.Архитектура Москвы первой половины 19 века.

После пожара 1812 г. складывается новый облик города, который будущие поколения назовут пушкинской Москвой. В этот последний этап развития классицизма, получивший в истории архитектуры название ампир ( в подражание стилю империи Наполеона), создаются прекрасные особняки; они связаны главным образом с именами архитекторов А. Григорьева и Осипа Бове. Бове принадлежит выдающаяся роль в создании нового типа жилого дома - городского особняка, который получил широкое распространение в застройке послепожарной Москвы. После победоносного окончания Отечественной войны 1812 г. в архитектуре возникают идеи обширных градостроительных ансамблей и грандиозных общественных зданияй . В Москве с ними также связано имя архитектора Осипа Бове. В истории русской и мировой архитектуры возрождение Москвы после событий 1812г. по размаху и темпам строительства можно сравнить лишь с выдающимся событием XVIII века - созданием новой столицы России, Петербурга. Работы в Москве разворачивались одновременно в нескольких направлениях : был составлен новый генеральный план города с чётким очертанием площадей, улиц и переулков, проводились конкурсы на ансамбли и сооружения, архитектура которых отражала бы героические события эпохи.Была заново спланирована Театральная площадь с величественным зданием Петровского театра, шла перепланировка Красной площади, обновились Торговые ряды, восстанавливался Московский университет, строился Манеж над заключенной в трубу речкой Неглинной разбивался Кремлёвский сад.Торжественная ордерная архитектура с рядами строгих колонн и посвящённой победам скульптурой, её масштабы, чёткость и стройность форм - всё это отвечало героическим свершениям народа - победителя, отстоявшего независимость России. Но основным, что определяло облик восстанавливаемой Москвы, было рядовая массовая застройка. Направляемое и возглавляемое созданием в 1813 г. Комиссией для строения Москвы, куда входили крупнейшие планировщики и архитекторы, массовое строительство в Москве подвергалось обязательному контролю.Художественная ценность рядовой застройки послепожарной Москвы была создана благодаря единству стиля архитектуры классицизма первых десятилетий XIX века, применению профессионально грамотных проектов. Небольшие, в основном деревянные дома, оштукатуреннные и имитирующие камень, частично ещё сохранились в переулках современной Москвы. Они строились на основе архитектурной практики конца XVIII века - времен М. Ф. Казакова; в них широко применялись типовые фасады, чертежи которых были изданы в 1809 - 1812гг., и строительные правила. Эти правила регламентировали размеры домов, расстояния между ними и пр..Огромное значение для быстрого восстановления города имела стандартизация художественных и строительных элементов, типизации конструкций, определявшие соотношения частей зданий, портиков, колонн. Единство в застройке города достигалось и общностью окраски стен в установленные светлые тона (желтый, палевый, розовый, желто-серый),на фоне которых выделялись белые колонны и барельефы.Монументальность дворцов конца XVIII столетия сменилось уютом и интимностью облика небольших особняков.

29.Великие заподноевропейские композиторы 19 века.

Франц Шуберт писал музыку во время перехода от периода венского классического стиля к романтическому периоду. Его произведения – очень выразительные, эмоциональные, написанные с помощью идиом венского классического стиля. Шуберт только-только перешагнул 30-летний рубеж, когда он умер, но он успел оставить обширное музыкальное наследие для грядущих поколений. Сегодня классическая музыка без произведений Шуберта не представляется возможной. До сих пор неизвестно, почему Шуберт умер – в начале 20 века немецкие врачи были уверены, что он умер от брюшного тифа, болезнь бедных. Сегодня некоторые врачи полагают, что он умер от сифилиса на поздней стадии. Можно утверждать, что Шуберт и сам знал о своей неизлечимой болезни уже в 1823 году. Кроме того, он страдал еще и лихорадкой в последние дни, но сегодня мнение о сифилисе более укрепилось.

Лично мы считаем, что нужно учитывать тот факт, что Шуберт жил в антисанитарных условиях, и что он во время своих последних дней очень мало ел и пил – а это типично для желудочно-кишечных заболеваний.

Фредерик Шопен Интерес, привлекаемый к тому, как и какие композиции писал Шопен, вызывается естественным образом – его творения не только хороши с эстетической точки зрения, но и с точки зрения техничности. Взгляд на ноты, которые писал Шопен, сразу объяснит всю его неординарность - рукописи его произведений кишат перечеркиваниями, вставками и т.д. Редко можно найти несколько вариантов одного произведения, которые были бы идентичны. Ноты, опубликованные «одновременно» в различных странах различаются – даже после того, как произведение было издано, Шопен находил способ исправить его. В целом, Шопен считал, что композиторский труд должен быть творческим, неограниченным ни пределами публикации, ни прочими причинами. Наверное, именно это привело к тому, что музыка Шопена включается в большой перечень, называемый «классическая музыка».

Вольфганг Амадей Моцарт один из самых интересных композиторов, вундеркинд, уникальный ребенок, который проявлял невероятные таланты в музыке. Моцарт уже в 3-4 года неплохо играл на клавесине и придумывал собственные композиции. Многие приписывали ему магические способности – и, по известной истории, его конкурент Сальери, не перенес зависти и отравил Вольфганга. Моцарт обладал совершенным слухом, великолепно чувствовал музыку и с легкостью создавал сложнейшие партитуры. Большинство произведений Моцарт писал для развлечения придворных особ, поэтому они легкие, воздушные, хотя с точки зрения пианиста достаточно серьезные. Пожалуй, Моцарт – это и есть классическая музыка.

Георг Фридрих Гэндель (родился 23 февраля 1685 года в городе Хале, умер 14 апреля 1759 года в Лондоне) был композитором эпохи барокко. Прославился, прежде всего, своими многочисленными операми. К его твочеству относятся примерно 40 опер и 25 ораторий. Гендель оставил композиции во всех музыкальных жанрах, которые существовали в то время.  Отец Генделя Георг (1622-1697) был цирюлником и хирургом лютеранского вероисповедания и занимал место придворного хирурга у герцога Вейсенфельса саксонского.

 Георг Гендель взял сына с собой, прежде чем ему исполнилось 8 лет, в Вейсенфельс. Таким образом, малыш познакомился с придворными музыкантами и играл в присутствии герцога на органе. Он сразу распознал талант мальчика и серьезно поговорил с отцом, который прислушался его аргументам, хотя он сам не интересовался музыкой.

После возвращения Гендель стал учеником Фридриха Вильгельма Захова, органиста церкви Мадонны. С ним он занимался композицией, учился играть, кроме клавишных инструментов еще на гобое и скрипке. Каждую неделю нужно было сочинять также моттеты. Затем Генделя в возрасте двенадцати лет отправляют ко двору в Берлине, где он производит большое впечатление своими музыкальными способностями. Бранденбургский курфюрст (в последствии прусский король Фридрих I ) предлагает послать мальчика в Италию на обучение и определить затем при дворе в Берлине.

В октябре 1712 года Гендель вернулся назад в Лондон, где он провлл остаток своей жизни. Сначала он жил один год у богатого музыкального любителя Барна Элмса, в Суррее. 3 следующих года он жил у Ирла Бурлингтона вблизи Лондона.

Ференц Лист родился 22 октября 1811 года в Радинге (Raiding), тогда Королевство Венгрии, сегодня - Австрия (Бургенланд). Был одним из самых знаменитых и самых успешных пианистов-виртуозов 19-ого века, а также гениальным композитором. Каждый, кто учился в музыкальной школе, обязательно сталкивался с его фамилией и произведениями.  Он родился в первой половине XIX столетия, в октябре. C детства композитор начал писать музыку и давать концерты. Ф. Лист писал этюды, общался с такими композиторами, как Шопен, Сальери и Паганини. Он превратил фортепианные произведения в эстрадные, изменив восприятие фортепиано из камерного, салонного инструмента, в инструмент, рассчитанный на широкую аудиторию.   Ференц Лист делал обработки других музыкальных произведений, придавая им новое звучание. Он создавал вариации и фантазии на известные мотивы. Ференц Лист также бывал в России и общался с отечественными композиторами и музыкантами, в частности, с Глинкой.

Он занимался симфоническим творчеством и часто писал пьесы, на исторические или придуманные события. В его произведениях можно найти также образы знаменитых писателей, в частности, Фауста и Мефистофеля.

Ференц Лист сыграл большую роль в развитии музыкального жанра у себя на родине – в Венгрии.

Ф. Лист умер в 1886 году, в возрасте 75 лет. Местом его смерти стал город Байрейт.

 Иоганн Себастьян Бах (родился 21 марта 1685 года в Айзенахе, умер 28 июля 1750 в Лейпциге) – немецкий композитор эпохи барокко. Сегодня он считается одним из самых крупных музыкальных творцов всех времен, который существенно повлиял на более позднюю музыку и произведения которого во всём мире исполняются как в оригинале, так и в бесчисленных обработках.

   Сразу после своего поступления на церковную службу Бах начал сочинять или переделывать кантаты для соответствующих выступлений. Во время этой систематической работы возникало в течение первых лет в среднем примерно одно произведение в неделю, затем темп замедлялся. В начале 1725 года Бах встретился с поэтом Кристианом Фридрихом Хенрицем Алиенсом Пикандером, который, наконец, передал текст для произведения “страсти по Матфею“, которое было продемонстрировано впервые в 1727 или 1729 году.  В 1729 году Бах перенял управление музыкальной коллегией, основанной Телеманном в 1701 году, которое он возглавлял до 1741 года, вероятно, даже до 1746. Наряду с преподаванием он представлял немецкую и итальянскую инструментальную и вокальную музыку, кроме того, он писал для этого некоторые из его светских кантат, как например, Геркулес на распутье, которое он назвал "Dramma per la Musica" или "Dramma per Musica" и которые являются близкими по структуре опере. В крестьянской и кофейной кантате показано, что он мог писать также и в юмористическом жанре. Последняя, по всей вероятности, была исполнена в "Цимерманском кофейном доме", когда он выступал с концертами с музыкальным коллегиумом.

Людвиг ван Бетховен (родился 16 декабря 1770 года в Бонне, Германия, умер 26 марта 1827 года в Вене), был композитором, венский классик. Он считается композитором, который привел музыку той эпохи к её наивысшему развитию.  Людвиг ван Бетховен родился в семье музыканта. Отец Бетховена был поражён маленьким Вольфгангом Моцартом, который выступал как композитор уже в 6 лет и слыл вундеркиндом. С целью, сделать из сына вундеркинда, он начал давать ему уроки игры на фортепьяно. Молодой Бетховен научился играть также на органе и кларнете. Тем не менее, строгое отношение отца препятствовало развитию мальчика, которого поднимали среди ночи из кровати, чтобы продемонстрировать друзьям отца свои способности игры на пианино. Это привело к тому, что Бетховен стал часто уставать в школе и страдать от недостатка концентрации. В 11 лет он вынужден покинуть школу.И в остальном детство Бетховена не было беспроблемным. Отец был алкоголиком, его мать была очень часто больна и из его 6 братьев и сестлр выжили только двое. Да когда и он заболел в 5 лет воспаланием среднего уха, родители этого не заметили, а это считается одной из причин возникшей позже глухоты. В то время как у Бетховена было натянутое и сдержанное отношение к отцу, он очень любил свою мать.   Коллеги отца Бетховена в Боннском дворе распознали талант Людвига и позаботились о том, чтобы отец решился, наконец, передать дальнейшее музыкальное образование своего сына в руки других музыкантов. К самым известным покровителям и преподавателям Бетховена в Бонне в течение следующих лет считались Кристиана Готтлоба Нэфе (пианино, орган и композиция) и Франц Антон Рис (скрипка).  9 симфоний, 5 фортепианных концертов, увертюры (Прометей, Кориолан, Элеонора), вокальные произведения, опера Фиделио, произведения для фортепиано, 32 сонаты для пианино, балеты и сценическая музыка, камерная музыка, квартеты, сонаты для виолончели.

 Николо Поганини, родившийся 27 октября 1782 года в Генуе, был итальянским скрипачом, гитаристом и композитором. В свол время он был ведущим и самым виртуозным скрипачом. Внешний вид (он был худощавым, имел чёрные, как смола волосы и карие глаза) и его блестящая игровая техника сделали его уже при жизни легендой.   Паганини уже в самом раннем детстве получил первое занятие на скрипке, в том числе и от его отца (Антонио Паганини), который принуждал его к регулярным занятиям. Если, по мнению отца, он не был достаточно усердным, маленький Николо не получал никакой еды, также часто имели место побои. Он зарабатывал свои средства к жизни тем, что путешествовал по Италии как скрипач- виртуоз. Между 1805 и 1809 годами у него была стабильная должность у княгини Элизы Бачиотти Люкки, сестры Наполеона. Это было его единственной постоянной должностью. С 1813 года Паганини постоянно был в концертных турах, на которых околдовал своих слушателей "волшебным искусством скрипача".  Вена, Лондон, Париж, снова Вена и так бесконца… В Париже в 1833 году он встретился с Гектором Берлиозом, у которого брал уроки композиции. Он умер в 1840 в Ницце во время нахождения на отдыхе.

  В· Из его 8 концертов скрипки сегодня остались 6.

 В· Сегодня его 24 каприччио принадлежат к стандартному репертуару лучших скрипачей. Они настолько трудные, что удалось лишь через 50 лет после его смерти сыграть их без упрощений.

В· 12 сонат для виолончели и гитары.

В· 6 квартетов для виолончели, скрипки и гитары.

В· 60 этюдов в вариациях для виолончели и гитары.

30.Великие архитектурные ансамбли Петербурга и его предместья.

Уникальность архитектурного облика Санкт-Петербурга, красота ансамблей его площадей, домов и улиц привлекает к себе множество туристов со всех концов света. Можно сказать: в Петербурге красиво все. Но на что же в первую очередь обратить внимание? Петербург изначально строился как культурная столица Российской империи. Здесь  появился первый в России музей, первая в России библиотека, Академия наук, Академия художеств, Духовная академия. И кто не знает, что с Петербургом связаны имена Пушкина, Лермонтова, Державина, Достоевского, Гоголя, Крылова и многих других знаменитых писателей и поэтов России? В городе много музеев-квартир, бережно сохраняющих память о своих именитых обитателях. На стенах домов висят памятные таблички, напоминающие нам о том, кто в этом доме жил. Помимо Эрмитажа и Русского музея, в стенах которых находятся огромные собрания произведений искусств, в Петербурге множество других музеев, посещение которых будет и полезно и отрадно для глаз и для души. Можно посвятить время, отведенное для посещения Петербурга, посещению музеев, чтобы ближе познакомиться с духом города, чтобы лучше понять, чем жили, о чем думали и мечтали наши предки.Но можно это время посвятить прогулкам по Петербургу и увидеть плод мечтаний и трудов наших предков, выраженный в камне, в архитектурном наследии, которое они оставили нам. Наследие огромно. Поэтому последуем совету Козьмы Пруткова, не будем обнимать необъятного, а постараемся отметить основные архитектурные ансамбли Петербурга, наиболее характеризующие его, как город неповторимый, уникальный.Главный архитектурный ансамбль города - это трио, аккорд трех центральных старейших  петербургских площадей, Дворцовой, Сенатской и Исаакиевской, объединенных друг с другом прекрасным Александровским садом. Когда-то вся эта территория была огромным лугом - гласисом, лежащим перед построенной почти одновременно с основанием города Адмиралтейской верфью. Адмиралтейская верфь мыслилась Петром I и как крепость, план для которой начертал сам император. А по законам фортификации того времени перед крепостью обязательно должно быть обширное открытое пространство - гласис. Однако широко мыслящий и быстро действующий император почти в одно и то же время с основанием Адмиралтейства построил крепость в более удобном месте на острове Котлин, воспользовавшись для этого тем, что шведы, занимавшие остров до этого времени ушли на зимовку домой. Крепость оказалась на редкость удобно расположенной - она перекрывала вход в Неву и, следовательно, в только что основанную новую столицу Российской империи. Шведы весной, когда сошел лед, отправились на оставленный ими на зиму остров, но к своему удивлению обнаружили, что остров занят и защищен крепостью. Они попробовали было ее взять, и раз, и два, и три, но их атаки были успешно отбиты, и им пришлось уйти восвояси. Таким образом, Петербург оказался защищенным крепостью Кроншлот, и отпала необходимость в строительстве крепостей внутри самого города. Луг перед Адмиралтейством можно было застроить красивыми зданиями.В 1762 году по указанию императрицы Елизаветы Петровны был построен Зимний дворец, спроектированный замечательным архитектором Б. Ф. Растрелли. Но она не дожила до окончания строительства. Первыми хозяевами дворца стали преемник Елизаветы Петровны император Петр III и его супруга будущая императрица Екатерина II. Огромный дворец протянулся вдоль берега Невы на 210 метров и на 175 метров в ширину. В нем полторы тысячи залов и покоев, более ста лестниц, около двух тысяч дверей и столько же окон. Он является замечательным памятником русской архитектуры середины XVIII века в стиле высокого или зрелого барокко. Обилие внешнего архитектурного убранства, пышные интерьеры дворца поражают многообразием архитектурных деталей и форм. Зимний дворец строился восемь лет, с 1754 по 1762 год. В 1837 году сильнейший пожар всего за три дня почти полностью уничтожил грандиозное сооружение, но через год он был уже восстановлен. Был восстановлен внешний растреллиевский декор, многие интерьеры, была восстановлена в первоначальном виде Иорданская лестница, но часть жилых и служебных помещений были спланированы и перестроены заново.Перед главным фасадом зодчий задумал устроить круглую площадь, в центре которой должен был стоять конный памятник Петру I работы его отца Б. К. Растрелли. Но этот проект не был осуществлен, а памятник в 1800 году был установлен перед Михайловским замком. Завершить ансамбль Дворцовой площади довелось другому замечательному зодчему - Карлу Ивановичу Росси. Именно ему в 1819 году была поручена застройка площади перед Зимним дворцом.    Сенатская площадь - старейшая площадь Петербурга. Она возникла как часть гласиса перед Адмиралтейской верфью еще в 1704 году. Площадь открыта к Неве - главной магистрали города. С нее открывается великолепная панорама Васильевского острова. На Неве в 1704 году Петром I была заложена Адмиралтейская верфь, преобразованная позднее в главное управление Морского ведомства - Адмиралтейство. Проект для здания крепости-верфи был сделан самим императором. Здание Адмиралтейства несколько раз перестраивалось. Современный вид оно приобрело после перестройки в 1809-1823 годах архитектором А. Захаровым. При этом архитектор сохранил первоначальную планировку.  Здание Адмиралтейства является градообразующим центром - от него лучами расходятся три главные улицы города: Невский проспект, Гороховая улица и Вознесенский проспект. Зданием Адмиралтейства Сенатская площадь ограничивается с восточной стороны. В 1710 году на площади была построена первая деревянная церковь святого Исаакия Далматского, в которой Петр I венчался с Екатериной I. Сенатской площадь стала называться с 1763 года, когда из здания Двенадцати коллегий сюда был переведен Сенат, разместившийся в перестроенном доме графа Бестужева-Рюмина. С возведением в 1823 году по проекту архитектора А. Захарова здания Адмиралтейства возникла потребность в реконструкции зданий, прилежащих к площади, для приведения их в соответствие с новым обликом площади. В 1834 году по проекту архитектора К. И. Росси для Сената и Синода было построено специальное здание, состоящее из двух корпусов, соединенных аркой. Оно стало одним из замечательных архитектурных ансамблей города, великолепно решавших задачу «придать зданию характер, соответствующий огромности площади». Здание выполнено в классическом стиле и украшено колоннами, лепниной и скульптурами. Входы в здание оформлены гранитными лестницами с пандусами. Зданием Сената и Синода площадь ограничивается с западной стороны.В центре площади находится памятник Петру I - всем известный символ Петербурга Медный всадник. Памятник был установлен в 1782 году в правление императрицы Екатерины II. Работа над памятником была поручена французскому скульптору Этьену Фальконе. Скульптор работал над памятником 12 лет, в течение которых ему пришлось преодолеть немалые трудности. Трудности начались с самого начала. Ему пришлось отстаивать свое видение памятника, пришлось осваивать профессию литейщика и самому заняться отливкой памятника. Определение места установки памятника тоже вызвало немалые споры, а когда дело дошло до пьедестала, то на него посыпались громы и молнии. Он все преодолел... но впал в немилость императрице, которой его настойчивость показалась дерзостью. Измотанный борьбой он уехал из страны до торжественного открытия памятника, за который уже не одно поколение петербуржцев испытывают к нему чувство глубокой благодарности. Установкой памятника занимался архитектор Ю. М. Фельтен. В 1858 году с постройкой Исаакиевского собора началось оформление Исаакиевской площади. Основные доминанты площади - Мариинский дворец и Исаакиевский собор, отделяющий её от Сенатской площади. В центре площади установлен конный памятник императору Николаю I (1859).

Исаакиевский собор был построен архитектором Огюстом Монферраном в 1858 году. С самого основания Петербурга территория, на которой построен собор, относилась к Адмиралтейству. Позднее здесь были построены торговые ряды, и площадь получила официальное название - Торговая площадь. К тому времени уже был построен деревянный подъемный Синий мост. В конце XVIII века площадь у Синего моста служила «биржей труда». Здесь в поисках работы собирались артели плотников и каменщиков. Работников можно было не только нанять, но и купить. Это место в народе называли «рабий рынок». В 1818 году было здесь начато строительство Исаакиевского собора. Собор строился на месте, где в 1800 году был возведен собор по проекту Антонио Ринальди. Собор Ринальди прослужил недолго, так как скоро обнаружились серьезные дефекты постройки. Собор был разобран, но часть его конструкций Монферран использовал в своем проекте. Нынешний Исаакиевский собор строился очень долго - целых 40 лет и был завершен в 1858 году в правление императора Александра II. До самой революции это был главный собор города.Другая доминанта площади - Мариинский дворец, стоящий в южном конце площади, построен для великой княгини Марии Николаевны, дочери Николая I по проекту архитектора А. И. Штакеншнейдера в 1829-1844 годах. В настоящее время во дворце располагается Законодательное собрание Санкт-Петербурга. Между Исаакиевским собором и Мариинским дворцом в 1859 году в центре площади перед Синим мостом был установлен памятник императору Николаю I работы любимого скульптора императора Николая I П. Клодта. Синий мост через Мойку - самый широкий мост в городе. Его ширина - 97 метров. Возведение Синего моста в камне началось одновременно с началом строительства Исаакиевского собора в 1818 году. До этого здесь стоял деревянный подъемный мост. В 1860 году в центре площади, между Большой Морской улицей и Исаакиевским собором был разбит партерный сквер, очень ожививший и украсивший площадь. На северо-восточной стороне площади стоит дом князя Лобанова-Ростовского, построенный Монферраном в 1817-1820 годах. Своим фасадом с восьмиколонным портиком здание обращено в сторону Адмиралтейства. У главного подъезда - два льва из белого мрамора на гранитных пьедесталах. Это как раз те «львы сторожевые», на одном из которых бедный Евгений из поэмы Пушкина «Медный всадник» сидел, спасаясь от наводнения. Неподалеку от дома Лобанова-Ростовского, между Исаакиевской и Сенатской площадями в начале Конногвардейского бульвара в 1807 году архитектором Джакомо Кваренги был построен в стиле строгого классицизма Манеж - место, где зимой занимались выездкой гвардейцы, жившие тут же в казармах на бульваре. Перед Манежем установлены мраморные укротители коней Диоскуры работы Паоло Трискорни. Сейчас здесь располагается выставочный комплекс. С западной стороны стоит самое старое здание, построенное на площади, - дом Нарышкиных. Он был построен в шестидесятые годы XVIII столетия. Это дом № 9/2. Позднее дом перешел к И. П. Мятлеву, другу А. С. Пушкина, у которого часто бывал поэт. В 1809-1811 годах дом перестраивался архитектором Л. Руска. Рядом с домом Мятлевых стоит самое позднее здание, завершившее застройку площади, - монументальное здание германского посольства. Оно было построено в 1911-1913 годах и выдержано в формах неоклассицизма. Здание отделано красным гранитом и украшено колоннами на всю высоту фасада. Строительством здания по проекту архитектора Питера Беренса руководил Мис ван дер Роэ. Напротив Здания Германского посольства стоит знаменитая гостиница "Астория", построенная в 1912 году в стиле модерн по проекту архитектора Федора Лидваля. Рядом с ней стоит здание гостиницы «Англетер» (Малая Морская, 24). В этом доме 28 декабря 1925 года трагически скончался поэт Сергей Есенин. Первоначально здание было построено в начале XIX века, в дальнейшем несколько раз перестраивалось, в ХХ веке в 1987 году было снесено. Сейчас мы видим полностью восстановленное в 1989 году здание. Фасад здания приближен к историческому. В доме на углу Малой Морской улицы и Вознесенского проспекта в период с 1847 по 1849 годы жил Ф. М. Достоевский. У Синего моста площадь  очерчивают симметричные фасады двух домов в неоренессансном стиле. Дома построены в 1853 году для Министерства государственных имуществ (дом 4) и министра государственных имуществ (дом 13) архитектором Николаем Ефимовым. В наше время здание занимает ВНИИ растениеводства имени Н. И. Вавилова. Институт обладает уникальной коллекцией свыше 200 тысяч образцов культурных и дикорастущих растений, собранных в период с 1921 по 1940 годы. Уникальная коллекция была сохранена сотрудниками института во время блокады Ленинграда. Тогда многие умерли от голода, но из коллекции не было взято ни одного зернышка риса или клубня картофеля.В 1872-1874 годах был разбит Александровский сад, обрамляющий Исаакиевскую площадь с севера и окончательно отделивший ее  от Сенатской площади. В 1810 году по указу Александра I на этом месте был разбит бульвар, который скоро стал любимым местом для прогулок горожан. В 1872-1874 годах бульвар был обращен в обширный сад, получивший название Александровский. Сад является связующим звеном, соединяющим архитектурные ансамбли трех центральных площадей Петербурга в единый аккорд уникальной архитектуры города. Еще один великолепный архитектурный ансамбль - Площадь Искусств. Центральным в ансамбле является здание Михайловского дворца, в стенах которого сейчас располагается Государственный Русский музей. Ансамбль площади Искусств был спроектирован архитектором К. И. Росси. В него входит здание Михайловского дворца, здание Михайловского театра, Театра музыкальной комедии, Государственного музея этнографии, Большого зала Филармонии имени Д. Д. Шостаковича, гостиницы «Европа». В 1957 году  в центре сквера был установлен памятник А. С. Пушкину работы скульптора М. К. Аникушина.Преобразуя территорию, окружающую дворец, Росси спроектировал площадь, фасады домов, выходящих на нее, и две новые улицы. Михайловская улица (ул. Бродского) соединяла дворец с Невским проспектом. Инженерная улица была проложена вдоль ограды дворца от Екатерининского канала (канал Грибоедова) до Фонтанки. По проектам Росси были построены остальные здания на площади.Михайловский дворец был построен Росси в 1819-1825 годах для брата императора Александра I великого князя Михаила Павловича. На площадь Искусств выходит фасад главного корпуса здания с внушительной колоннадой коринфского ордена. Фасад украшен скульптурами работы В. И. Демут-Малиновского и С. С. Пименова. Ко входу в здание ведет широкая лестница, украшенная скульптурами львов, и пологими изогнутыми пандусами. Дворец, построенный по типу загородной усадьбы, расположен в глубине парадного двора, который отделен от площади литой чугунной оградой.

Налево от Русского музея, если стоять к нему лицом, стоит построенное позднее Михайловского дворца здание - филиал Русского музея, получившее название по имени архитектора «Корпус Бенуа». Направо он Русского музея - Этнографический музей, который тоже является филиалом Русского музея. Это здание в неоклассическом стиле было построено в 1911 году архитектором Василием Свиньиным.Скромное по сравнению с дворцом архитектурное убранство остальных домов на площади акцентирует внимание на самом дворце как центре ансамбля. Здание Михайловского театра (дом № 1) было построено архитектором Александром Брюлловым в 1833 году. Фасады здания возводились по проектам Росси. В здании театра сохранилось богатейшее убранство интерьеров. На углу площади Искусств и Михайловской улицы находится здание Санкт-Петербургской академической филармонии имени Д. Д. Шостаковича. Здание возводилось в 1834-1839 годах для Дворянского собрания. Фасад здания также возводился по проекту Росси. В 1921 году в здании расположилась Петроградская филармония. Сейчас это Санкт-Петербургская академическая филармонии имени Д. Д. Шостаковича. Здесь 9 августа 1942 года впервые прозвучала Седьмая симфонию Шостаковича. В доме № 13 по Итальянской улице, также  выходящем фасадом на площадь, в 1929 году разместился Театр музыкальной комедии.В 1912 году в доме № 5 открылось артистического кабаре "Бродячая собака", в котором собирались  известные поэты, художники, артисты и музыканты начала ХХ века. Напротив здания Дворянского собрания (нынешняя Филармония) на другом углу Михайловской улицы находится пятизвездочная гостиница "Гранд Отель Европа". Это здание с богатым декором фасада появилась в Санкт-Петербурге в 1875 году на месте старинного здания, возведенного в 1824 году по проекту архитектора Росси. Сквер в середине площади был спроектирован Росси в 1827-1828 годах. Он является немаловажным связующим звеном, объединяющим постройки в единый ансамбль. В ХХ веке сквер был реконструирован, в его центре был установлен памятник Пушкину работы Аникушина.Неподалеку от площади Искусств можно увидеть еще один замечательный архитектурный ансамбль - это Площадь Островского. Создание ансамбля в стиле ампир - тоже заслуга К. И. Росси. Единым замыслом зодчего было организовано пространство от Невского проспекта до площади Ломоносова и от Садовой улицы до Фонтанки. Росси работал над проектом и воплощением его в жизнь с 1816 по 1834 год. Центром ансамбля стал Александринский театр, построенный Росси в 1832 году. Фасад здания украшен лоджией с колоннами коринфского ордена и нишами с помещенными в них статуями музы танца Терпсихоры и музы трагедии Мельпомены. Венчает здание аттик с колесницей Аполлона. Композиция выполнена скульптором С. Пименовым. Зал театра отличается великолепной акустикой - шепот со сцены слышен в любом углу зала. Свое название театр получил в честь супруги императора Николая I императрицы Александры Федоровны. Александринской же называлась и площадь до переименования ее в площадь Островского в 1923 году. Перед главным фасадом театра был разбит сквер, а за театром Росси была создана одна из красивейших улиц мира - улица Зодчего Росси. Улица Зодчего Росси - средоточие театральной жизни. Здесь и Театральная библиотека, и Театральный музей и Академия русского балета. Тихая и красивая улица поражает своей пропорциональностью. И не случайно: ширина улицы равна высоте зданий на ней. Площадь открыта к Невскому проспекту Екатерининским сквером, в центре которого установлен памятник Екатерине II в окружении ближайших помощников. Открытие памятника состоялось в 1873 году. Автор памятника - Михаил Микешин. Небольшой, но чрезвычайно уютный сквер стал одним из любимых мест отдыха горожан. По обе стороны сквера находятся: слева - Павильоны Аничкова дворца, построенные Росси еще в 1810 году, справа - в 1828-1834 годах архитектором Росси было возведено здание Российской национальной библиотеки. Здание украшено колоннами и нишами со статуями античных ученых и поэтов. Библиотека - одна из крупнейших в мире.Прямо напротив сквера по другую сторону Невского проспекта проходит небольшая, но очень красивая Малая Садовая улица. Здесь пешеходная зона. На улице установлены скамейки для отдыха, устроен необычный фонтан. Около дома знаменитого фотографа XIX - начала ХХ века Карла Буллы установлен бронзовый памятнике фотографу, у ног которого с любопытством взирает на прохожих добродушный бульдог. Некоторое время назад здесь была скульптура еще одной собаки, но она перебралась на улицу Правды. На уровне второго этажа можно разглядеть чугунных кошек. Улицу украшают цветники и фонари под старину. Со скамейки у фонтана можно любоваться ансамблем площади Островского.Ансамбль Смольного монастыря возник по велению императрицы Елизаветы Петровны, пожелавшей окончить жизнь свою в монастыре в окружении послушных монахинь. Это желание у императрицы через некоторое время пропало, но остался архитектурный шедевр Смольного монастыря. Это последнее и, может быть, лучшее произведение Б. Ф. Растрелли - архитектора так много сделавшего для создания уникального облика Петербурга.Ансамбль Смольного монастыря характеризуется тремя основными зданиями, в число которых входит как доминанта Смольный собор, Смольный институт благородных девиц и Александровский институт, построенный для девиц мещанского звания. Строительство Смольного собора по проекту Растрелли было начато в 1748 году. Великий зодчий, мастер пропорций создал великолепное здание, удивляющее странной оптической иллюзией. Похоже, законы прямой перспективы над ним не властны: при приближении к нему он не увеличивается, при отдалении от него не уменьшается. Но великому зодчему не суждено было завершить свое лучшее произведение: с приходом к власти императрицы Екатерины II Растрелли был отстранен от дел. Продолжал работы по возведению монастырского комплекса другой замечательный архитектор Ю. М. Фельтен. В 1765-1775 годах им было построено здание Александровского института, гармонично вошедшее в ансамбль, задуманный Растрелли. Работы над самим собором были отложены по разным причинам на долгие годы. Завершить замечательное сооружение довелось архитектору В. П. Стасову. Им была создана и площадь с ажурной оградой перед входом в монастырь. Здание для знаменитого Смольного института благородных девиц построил украсивший Петербург прекрасными зданиями в классическом стиле архитектор Дж. Кваренги. Здание института было сооружено в 1806-1808 годах. Оно значительно расширило территорию комплекса. В 1924 году по проекту архитектора Щуко перед входом в Смольный институт были построены Пропилеи, которые смотрятся с ним как единое целое.Несмотря на то, что грандиозный замысел Растрелли не был вполне осуществлен и что в его возведении участвовали и другие архитекторы, монастырский комплекс Смольного монастыря остается одним из самых совершенных по живописности и выразительности архитектурным ансамблем Петербурга.

Стрелка Васильевского острова - одно из красивейших мест Петербурга. Отсюда открывается великолепная панорама города на Неве. Прекрасно видна Дворцовая, Адмиралтейская  набережные, Зимний дворец, Петропавловская крепость, набережная Макарова. Доминантой ансамбля является здание Биржи, построенное архитектором Тома де Томоном в 1810 году. Открытие Биржи из-за войны 1812 годы состоялось позднее в 1816 году. Здание Биржи, построенное в стиле классицизма, напоминает древнегреческие храмы. Монументальное величественное здание, окруженное колоннами дорического ордена поставлено на высокое гранитное основание, что подчеркивает его доминирующее значение в ансамбле. Перед ним в 1810 году были воздвигнуты Ростральные колонны, служившие маяками. Для создания площади перед Биржей пришлось отодвинуть Неву более чем на 100 метров от берега и укрепить насыпь на отвоеванной у капризной реки территории. Красиво очерченная гранитная набережная со спусками к Неве завершают ансамбль со стороны Невы. Южный и северный пакгаузы, построенные в 1832 году архитектором Иваном Лукини, а также здание  таможни дополняют ансамбль, расширяя его границы. Изогнутые корпуса зданий пакгаузов оформляют подковообразную площадь с противоположной стороны Биржи. Сейчас в северном пакгаузе располагается Институт и музей почвоведения, в южном - Зоологический музей. А в здании таможни находится Институт русской литературы (ИРЛИ), или Пушкинский дом.

 

 

 

 

1. Слесарное дело и Информатика и ИКТ Практическое применение измерительных средств и обработка и хран
2.  ; 2 ; 3 ; 4 ; в частности; 5
3. Хіміяrdquo; для студентів І курсу всіх спеціальностей ІІ семестр Одеса 2011 Виконавець- Д
4. еврейски. 67 золотых правил В этой небольшой книге приводятся уникальные правила ведения бизнеса созданные
5. ЗАОЧНАЯ ФОРМА ОБУЧЕНИЯ Сведения о студентах имеющих задолженность по оплате обучения за осенний семестр
6. Тема- Бази даних. Фактографічні й документальні БД
7. Информация это осознанные сведения об окружающем мире которые являются объектом хранения преобразовани
8. ИСТОРИЯ УПРАВЛЕНЧЕСКОЙ МЫСЛИ Сущность понятия менеджмент его многомерность уровни менеджмента
9. тема универсальных специфических норм поведения; это наука о морали и нравственности
10. Виды договоров Жилищные споры
11. . Брюшной тиф. 2
12. разному Обширный смысловой и эмоциональный контекст устного высказывания приводит к тому что устные речев
13. Закономерности развития науки
14. реферат дисертації на здобуття наукового ступеня кандидата медичних наук Київ ~.2
15. Грингмут Владимир Андреевич
16. реферату- Фінансування інноваційних проектів через мережу інноваційних фондівРозділ- Менеджмент Фінансув
17. Оставление судна 2
18. Петербург ВК Ленэкспо ПРЕДВАРИТЕЛЬНЫЙ СПИСОК УЧА
19. Сравнительно-сопоставительный анализ по освободительному движению стран Азии и Африки в 2030-е гг- Филиппины и Таиланд
20. Задание 1 В лаборатории механических испытаний металлургического комбината производят испытания листовог

Материалы собраны группой SamZan и находятся в свободном доступе